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Arte. Georges Braque. “Cubismo”, junto a Gris y Picasso

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Georges Braque. 13 de mayo, Argentuil-sur-Seine.1882. 31 de agosto, París.1963.

Viene al mundo en el seno de una familia de artesanos, y auque nace en Argentuil, se cría y realiza estudios en El Havre, a las orillas del estuario del Río Sena, mientras estudia en la Academia de Bellas Artes, (1897/99).

Georges Braque se traslada a París en 1900; los primeros años se interesa por el Fauvismo (1905), y sus extravagantes colores, con su correspondiente estudio, pero pronto ocurrirá un suceso que cambiaría radicalmente su vision del mundo del arte.

GRIS, PICASSO, BRAQUE, FUNDADORES BÁSICOS DEL CUBISMO

Pablo Picasso. Málaga 1881. Mougins. 1973

Georges Braque. Argentuil-sur-Seine. 1882. París. 1963

Juan Gris. Madrid 1887. Boulogne-sur-Seine. 1927

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El Músico de la tabla, 1926. Juan Gris

Juan Gris. Corría el año 1906 cuando abandona Madrid y se dirige a París, no quiere realizar el servicio militar obligatorio y, además su sueño es la pintura, y así, reside en Montmartre más de una década, Picasso se había instalado también en el bohemio barrio capitalino, dos años antes, de esta manera se relaciona con Braque y Picasso, y juntos, alumbran un nuevo camino, en el mundo del Arte.

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En 1907 Braque visita en París el taller del pintor malagueño Pablo Picasso y se queda fuertemente impresionado, por la monumental pintura que en ese momento Picasso está realizando. Enseguida surge una fuerte afinidad entre ellos, la pintura  que contempla absorto, por primera vez en el estudio del maestro malagueño, y que le dejada perplejo, es nada más, ni nada menos, que «Las Señoritas de Avignon», un cuadro seminal que posteriormente, se revelaría emblemático, en la historia de la pintura universal y el Cubismo.

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Las Señoritas de Avignon, 1907. Pablo Picasso

A lo largo del tiempo los dos pintores, Braque y Picasso, seguirían conservando su amistad. Sin embargo, Braque, al contrario que Picasso, es movilizado y participa en la Primera Guerra Mundial; en aquella verdadera picadora de carne humana (y animal), donde el pintor tristemente, cae herido de gravedad, en 1915.

Para Georges Braque los «pescados negros» de la pintura que vemos seguidamente, son tragicos símbolos de la guerra y el hambre, que siempre lleva aparejada.

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Still Life With Blak Fish, 1942. Georges Braque.

En cuanto al Cubismo, Braque afirma que ve nuevos colores y formas nuevas, pudiendo ofrecer así en sus pinturas, simultáneamente, las diversas caras de las cosas que representa. Al igual que sucede con el Cubismo, Georges Braque, también fue pionero en la técnica del Collage.

Arte. Georges Braque. Fundador del Cubismo, junto con Juan Gris y Pablo Picasso

Georges Braque. Cubismo. Juan Gris. Pablo Picasso. Arte. Pintura. Pintores. París

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Arte. Sorolla. El pintor de la Luz.

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Autorretrato

JOAQUIN SOROLLA

SOROLLA, nació en la Calle Nueva (en la actualidad Calle Mantas numero 4), Valencia, el 27 de febrero de 1863. Falleció en su casa veraniega de Cercedilla, muy cerca de Madrid, en 1923.

Sus padres eran comerciantes, poseían una tienda de tejidos. Tenía apenas 2 años cuando Eugenia, su hermana, y él mismo se quedan huérfanos al morír sus padres de cólera. Los tristes hermanos son acogidos por Isabel su tía materna; su tío José que es cerrajero le enseña el oficio, pero Joaquín es un caso perdido que solo piensa en la pintura.

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Paseo por la playa. 1909.

Paseo por la playa, es una pintura de Sorolla, cuando, este es ya, un artista de éxito, el mismo año 1909, con 46 otoños, expondría en diferentes ciudades de Estados Unidos. “El pintor de la La Luz”,  se gana su apelativo, con pinturas playeras como esta, en la que la luz cobra un factor extremo, y determinante, que a veces hiere, pero que también tamiza, sombras y proyecciones.

JOAQUIN SOROLLA, estudia dibujo y pintura en Valencia. Pronto montará su estudio en la bella capital del Turia.

1882. Viaja a Madrid donde visita el Museo del Prado, y estudia la pintura de los clásicos; sobre todo le interesa Velázquez. Seguidamente viajará a Roma y París (1885).

1888. En la Iglesia de San Martin de la capital valenciana, con 25 años de edad, se casa con Clotilde García, el feliz matrimonio se instalará finalmente, en la romántica y piadosa localidad italiana de Asís, en los predios del otrora santo umbreño.

RETRATA Y DENUNCIA

1889. Clotilde y Joaquín se transladan a Madrid, donde SOROLLA empieza a ser un pintor afamado. Sus retratos tienen éxito y son muy cotizados, le llueven los encargos. Retrata entre otras personalidades a Cajal, Galdos, Machado, Castelar, Blasco Ibáñez y a el Rey Alfonso XIII. También obtienen un gran éxito, además de sus pinturas, de playa y sol, sus pinturas, de crítica y denuncia; sirvan como ejemplo, algunos de sus títulos:

«Y aún dicen que el pescado es caro» – «Trata de blancas» – «Triste herencia»- «Otra margarita»- etc.

Seguidamente, algunos ejemplos:

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Y aún dicen que el pescado es caro. 1895.

En 1900, obtiene el Gran Premio en el prestigioso Certamen Internacional de Pintura de Paris, con la obra Triste Herencia.

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Triste herencia. 1899.

EXPOSICIONES

1906. SOROLLA, expone sus pintura en la Galería George Petit de PARÍS, donde consigue muy buenas ventas y obtiene magníficas críticas. ¡Un gran éxito!

1908. Exposición en LONDRES.

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El baño del caballo. 1909.

1909, expone en NUEVA YORK, BÚFALO, Y BOSTON. 1911, exposiciones en el Museo de Artes de SAN LUIS y en el ART INSTITUTE DE CHICAGO.

1913/19. La Hispanic Society of America de NUEVA YORK, le encarga 14 murales en los que SOROLLA, retrata una VISIÓN DE ESPAÑA.

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Castilla. La fiesta de pan. 1913. Mural Hispanic Society.

1914. JOAQUIN SOROLLA, imparte clases de Composición y Color en la Escuela de Bellas Artes de MADRID.

1920. Sufre un ataque de hemipléjia que le deja graves secuelas, la parte derecha de su cuerpo queda paralizada.

1923. Fallece en su casa de Cercedilla, Madrid, a los 60 años de edad.

1925. Su viuda Clotilde García, dona la obra de SOROLLA al Ayuntamiento de Madrid, para la creación de un museo, en la que en vida, fuera, su vivienda. EL MUSEO SOROLLA. Se encuentra situado, en la calle Martínez Campos, 37 de MADRID.

MERCADO DEL ARTE

El martes día 28 de abril de 2015, La sala de subastas CHRISTIE’S en la ciudad de NUEVA YORK, sacó a subasta la marina, Velas en el Mar, la obra alcanzó el valor de 521.000 dólares; cifra baja para lo esperado que eran unos 800.000.

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Velas en el mar. 1908.

ARTE. JOAQUÍN SOROLLA. EL PINTOR DE LA LUZ

Joaquin Sorolla. Sorolla. Pintura. Arte. Mercado del Arte

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Arte. Goya. «Él estuvo enamorado». Para ella, fue, una provocadora coquetería

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Duquesa de Alba vestida de negro. 1797.

GOYA ENAMORADO

María Pilar Teresa Cayetana  de Silva Álvarez de Toledo y Silva Bazán. La Duquesa de Alba, es la mujer más retratada por el pintor, «él estuvo enamorado», para ella tal vez solo fuera una provocadora y morbosa coquetería.

MARÍA TERESA murió, tenía solo 4o años. En julio de 1802 cuando se encontraba residiendo en su magnífico Palacio de Buenavista sito en la céntrica Calle del Barquillo de la capital de España fue tristemente visitada de urgencia, por la que nunca descansa. La Duquesa que era viuda falleció sin descendencia aunque antes adoptó a una niña negra llamada María de la Luz, de la que hasta el momento, misteriosamente, se ha perdido el rastro.

¿DE QUE MURIÓ LA DUQUESA?

La causa de su muerte parece ser que fue un sincope, aunque claro; en la villa y corte corrieron muchos rumores y las lenguas de vencíndona, divagaron ampliamente sobre el suceso; se chismorreó que podría haber sido envenenada y también, que la causa más probable habría sido una enfermedad de transmisión sexual. Nada de esto ha sido probado nunca. Un sincope del que  nunca se recuperó acabó con ella en poco más de un mes y sin haber recuperado la consciencia. María Tresa, murió en una situacion económica muy difícil pues tenía grandes deudas.

Nunca se ha podido demostrar que  Goya tuviera una relación amorosa con María Teresa, pero parece asegurado que el pintor  la amaba. Esto parece confirmarlo el retrato  «Duquesa de Alba vestida de negro» en la que la aristócrata, señala con el dedo el texto que tiene a sus pies y que reza… «Solo Goya 1797«

GOYA ACUSADO

En 1803 el pintor es investigado por la Santa Inquisición a la que le interesa, su serie de grabados «Los Caprichos». Así pues, la Compañía de la Cruz Verde los consideraba anticlericales y por supuesto inmorales, también miran con lupa «La Maja Desnuda», según decían era una impudicia que nadie debería contemplar. ¡Pasó miedo!…, ¡le avisaron de que andaban tras él!

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ENSAYOS. Estampa. Numero 60. De la serie «Los Caprichos». 1799

Nuestro genio se siente acosado por el santo tribunal, pero se le ocurre una solución ingeniosa, el astuto aragonés, se los quitará de encima cediéndo «Los Caprichos», al Rey Carlos IV, Rey del que GOYA era Pintor de Cámara por lo que además  de la gratitud Real por el regalo, el pintor recibe  una renta de 1200 reales al año y además, y lo más importante, deja fuera de juego a los censores de la Santa Inquisición que como sabuesos sedientos de sangre y protagonismo andaban tras sus sordos pasos. ¡Una jugada maestra del genial pintor!

GOYA RICO

En la época en que vivió Francisco de Goya los pintores sobre todo realizaban retratos

El retrato estaba de moda y GOYA pintó muchos y ganó mucho dinero. ¡GOYA se hizo rico! Aparte de su sueldo de funcionario, el genial aragonés, tenía clientes muy poderosos y acaudalados que le pagaban muy bien por su trabajo, así pues, el artista se hizo con una buena fortuna que supo invertir convenientemente. Fue uno de los principales accionistas del Banco Nacional de San Carlos, precedente de lo que hoy conocemos como Banco de España.

Mercado del Arte. Actualmente una serie completa de 80 grabados de «Los Caprichos» fue subastada en Nueva York por un millón de euros.

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«La Duquesa de Alba vestida de negro», detalle. Esta pintura fue realizada por Francisco de Goya, en 1797 en el Palacio del Coto de Doñana, propiedad de la DUQUESA DE ALBA, a la que siguió el pintor cuando esta enviudó. En la pintura, sobre la arena de la playa puede leerse… «Solo Goya 1797». La Duquesa, lleva puesto en un dedo de la mano que señala esta leyenda, dos anillos yuxtapuestos con las palabras, «Alba», en uno, y en el otro, «Goya». Actualmente el cuadro se encuentra expuesto en La Hispanic Society de Nueva York.

Arte. Goya Enamorado, Acusado, y Rico. Tomás Bartolomé

Arte. Francisco de Goya. Goya. Pintura. Pintores.  Goya y la Duquesa de Alba. Goya Enamorado. Goya Rico. Mercado del Arte.

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Arco 2015. Feria Internacional de Arte Contemporáneo Madrid

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Feria Internacional de Arte Contemporáneo Madrid 2015.

ARCOmadrid 2015. Edición 34. del 25/2/15 al 1/3/15. Ifema.

212 Galerías (63 españolas). 30 países. País invitado Colombia. Esta edición destaca por una fuerte presencia Latinoamericana (46 galerías,10 países).

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Foto vía internet. Cortinas de baño. ARCOmadrid 2015. Óscar Muñoz. Colombia.

Pietá. Stephan Balkenhol. (2014). ARCOmadrid 2015. Archivos fondos propios by TbArt.

Reconozco que hay que tener mucha afición al Arte para tragarse miles de metros de exposición, de espacios llenos de pintura, escultura, instalaciones, formatos, juego, luz y sonido; todo ello  sumado, con gente; mucha gente; de todos los sitios, razas, colores; pueblo, ciudad, clase media, clase alta, artistas, pobres, ricos…, y venidos a menos; todos juntos, pero no revueltos; unos a unas cosas, otros, a otra… ¡Hay tantas maneras de visitar una inmensa, feria de arte contemporáneo!

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Obra de Marty Bolonio. Archivos fondos propios by TbArt

Marty Bolonio, con sus esculturas y objetos perturbadores, participa en esta edición de Arco 2015 con la galería belga Deweer.

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Obra de Marty Bolonio. Arco 2015. Archivos fondos propios by TbArt

Me gusta este siempre especial cosmopolitismo artístico, ver que somos muchos, de muchos sitios y condición, los que  aquí un año más, nuevamente, celebramos, como una familia, nuestra imparable pasión por el Arte.

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Aspecto de la feria. Archivos fondos propios by TbArt

«Como estridente ruido de fondo el estrés de las ventas»; las largas piernas bien vestidas detrás de la mesa-oficina, y el olor y,  color verde del dinero, que no acaba de armonizar, del todo bien con el recogimiento, la espiritualidad, y el trabajo en soledad, que son algunos aspectos de vital importancia para todos los artistas. Si, la feria es un Mercado del Arte y así hay que entenderla ¡aquí y ahora! Miro con curiosidad (lo interesante), y me fundo como un queso, en este inmenso contendor industrial, pintado de color verde.

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Aspecto de la feria. Archivos fondos propios by TbArt

«Donde hay mucho, cabe todo; y todo tiene un precio»…

Así, nos toparemos con «lo bueno, la pose y también, lo intrascendente» y deberemos saber separar el humo que nos roba y nos pega al suelo como plomos, y quedarnos, pararnos y elevarnos con lo bueno, (siempre hay), elevarnos y disfrutar a tope; tambien encontrarse con los amigos, en esta gran cita madrileña en febrero, en esta estupenda, fiesta anual de Arte Contemporáneo.

Arco 2015. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Madrid

Arte. Arco 2015. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Madrid

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Arte. Naturaleza y Materia. Tomás Bartolomé

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Naturaleza y Materia. 2011. Tomás Bartolomé

Nature and Matter

Óleo sobre lienzo. Oil/Canvas. 33×24 cms

«Hercúlea Naturaleza»

Hercúlea naturaleza; inválido hombre,

Que  la hiere; que le roba.

Abuso desnudo, objetos; asentados.

Pétrea materia, más fuerte…

Que los chisposos saltos de agua;

Más fuerte; que una herida en el pecho;

Más  fuerte, más fuerte, no mejor;

Pero si más fuerte… que una flor.

Más fuerte, no mejor; asido al asa;

Acero de alfileres, alfileres delgados,

En delgados dedos blancos.

Tomás Bartolomé

Esta pintura participó en Art Fair Málaga Feria de Arte Contemporáneo que se celebró en la ciudad de Málaga, del 30 de junio al 2 de julio de 2017, en el Palacio de Ferias y Congresos.

Óleo en venta. Más información, en e-mail de contacto… tomy.bart@hotmail.com

Oil for sale. More information, in contact email … tomy.bart@hotmail.com

Arte. Naturaleza y Materia. Nature and Matter. Hercúlea Naturaleza; inválido hombre, que la hiere; que le roba.

Arte. Pintura. Tomás Bartolomé. Naturaleza y Materia. Nature and Matter. Óleo/Lienzo. 

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Arte. Vilhen Ammershøi. La casa. Pulcritud íntima

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AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1895. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi. Copenhague 13 de Mayo de 1864. Copenhague, 13 de febrero de 1916.

Miembro de una pequeña parte de la sociedad privilegiada de aquella época, en la que Dinamarca se encontraba en guerra con el Imperio Astríaco, (Guerra de los Ducados, 1 de febrero de 1864, 30 de octubre del mismo año), -los daneses salieron derrotados-, nació en Copenhaguen, VILHEN AMMERHSØI, en una buena casa de acaudalados comerciantes, realizó estudios con varios maestros, y también, en la Facultad de Bellas Artes de Copenhague.

En él se despertó pronto como un rayo la pasión por el arte, y ya, a la corta edad de 8 años comenzando, en el intimo mundo del artista que mira sin ser percibido, que se llena observando, escrutando, y él, es a su vez mirado, en un raro desdoblamiento psíquico. 

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AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1911. Foto vía internet.

Su pintura muy de la época, obtuvo rápidamente éxito y reconocimientos en todo el mundo. Con 27 años AMMERSHØI felizmente encuentra, a la que desde entonces, será su modelo y compañera hasta el final, se trata de Ida Listed, hermana de Peter Listed, un compañero de trabajo  de Vilhen Ammershøi, además de amigo, que también es pintor; y lo curioso, es que sus obras y las de su cuñado Peter, se parecen mucho, como podemos ver seguidamente…

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Sunshine falling on a door. Peter Listed (pintor y hermano de Ida, modelo, y compañera de AMMERSHØI). Foto vía internet.

En 1887 VILHEN AMMERHSØI realiza un viaje iniciatico a Holanda, para poder contemplar las pinturas de Vermeer por primera vez… Así, Vermeer el pintor holandés, se convierte así en un motor inspirador para él, a la vuelta de dos siglos.

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BEDROOM. VILHEN AMMERHSØI. 1890. Foto vía internet.

LA CASA DE AMMERSHØI

Es el interior de la casa que a todos nos es familiar; a ella se mudan Vilhen e Ida, en el año de 1898, y es retratado sin pudor en los cuadros del artista, profusamente; de ella lo conocemos casi todo; las ventanas, las puertas, los muebles, las cortinas, los objetos domésticos, y la calidad de la luz, que rendijera, parece flotar en el recogimiento de sus exhibicionistas escenas, y que armónicamente se cuela por la ventanas, pero siempre, siempre…,  de una forma matizada y esquinada. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

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Petri Kirken in Copenhaguen. VILHEN AMMERSHØI. 1906. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi pinta en su Copenhague natal, retratos, paisajes, arquitecturas, pero sobre todo, sus íntimos y suaves interiores, cargados de una atmósfera poética, de una luz y perspectiva que atrae; así como nos atrae también, el retrato de un mujer ensimismada y, secretamente observada; se trata de su modelo-mujer-esposa-Ida.

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IDA READING A LETTER. Ida leyendo una carta. VILHEN AMMERSHØI. 1899. Foto vía internet.

Mercado del Arte. En 2012. Vilhen Ammershøi se convierte, en el artista mejor pagado de Dinamarca al ser subastado, y vendido un cuadro suyo, «Ida reading a letter«, (Ida leyendo una carta), en Sotheby’s, Londres, por la respetable cantidad de 1.721.250 libras.

Arte. Vilhen Ammershøi. La casa de Ammershøi. Pulcritud íntima y romántica, en un hogar minimalista.

Arte. Vilhen Ammershøi. Ammershøi. Pintura. Mercado del Arte.  Copenhague. Dinamarca

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Arte. Hybrid Art Fair 2022 Sexta Edición. Clausura

 

Hola de nuevo, apasionados por el Arte… El viernes por la tarde visitamos, una de las ferias de Arte, más querida para mí, y este confirmado año, me ratifico…

“La 6ª Hybrid Art Fair, la más paritaria de las feriasde la Semana del Arte y el evento más singular,cierra con amplia presencia de público profesional, numerosas ventas, y gran acogida de sus propuestas experimentales y espacios expositivos”.

Os Catro Gatos. Hybrid Art. Foto by TbArt archivos fondos propios

“Se consolida así como la cita con la creación actual más alternativa. Además, y según el informe del MAV (Mujeres en las artes visuales),  es la feria que muestra más igualdad de género”.

Artist Run Space Etaj. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Propuestas muy interesantes y arriesgadas, que generan de inmediato interés y una bocanada de aire fresco en el complejo mundo del arte y las ferias, algo a valorar en su medida, pues son estos sentidos muchas veces asentados un ingrediente elemental e imprescindible en este apasionante mundo del Arte.

Artsolutely. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

“Una feria dirigida por Ana Sanfrutos y Aida F. Chaves, gestoras culturales de Boreal Projects, quienes han declarado “estamos muy satisfechas con el desarrollo de esta 6ª edición, en la que destacamos la presencia de público profesional además de personas aficionadas a la creación más arriesgada”.

Theoff. Space. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Arte cercano, con muchas posibilidades de interactuar con la obra expuesta, pero también y esto es lo más interesante, personalmente con el artista. Un valor añadido importante, que tal vez, solo ofrece anualmente, esta cada vez más imprescindible Feria de Arte.

Os Catro Gatos. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

”Desde los expositores nos transmiten sus buenas sensaciones que se han traducido, además, en numerosas ventas. Asimismo estamos felices de que nuestro compromiso con la igualdad se materialice en la paridad que siempre caracteriza a Hybrid y que este año de nuevo nos diferencia de otras propuestas de la madrileña Semana del Arte”.

 

Galería Artizar. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Las fotos son solo una pequeña muestra de algunas de las propuestas artísticas que nos ofreció este año, la feria. Mucho de lo expuesto, fue, más que interesante, y reseñable, lo que hizo de la visita a Hybrid Art, un acontecimiento muy positivo, y de valor.

Instalación. Hybrid Art. Foto by TbArt archivos fondos propios 

Una edición de Hybrid bien presentada, con propuestas de interés, variedad, de visiones, y una línea bien argumentada y equilibrada, una sexta edición concluida, pero que continúa ya su camino con paso firme y decidido a la próxima estación 2023.

Arte. Hybrid Art Fair 2022 Sexta Edición. Clausura

Arte. Hybrid Art Fair. Exposiciones. Madrid

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Arte. Van Gogh. El 27de julio de 1890, sacó su revolver

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Vincent Van Gogh en 1866 a los 13 años de edad

VAN GOGH. 30 de marzo de 1853 Zundert (Países Bajos). Auvers-sur-Oise, de 1890 a los 37 años de edad.

Soles ardientes, amarillos discos solares que giran y queman; estrellas cegadoras, quimeras, sueños, religión como concepto, y religión adherida a su piel, a sus alimentos, y a sus pinceles.

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GAUGUIN CONTÓ A TODOS QUE VAN GOGH ESTABA LOCO

Despues de su enfrentamiento con Gauguin en Arles, Van Gogh cae irremisiblemente en el profundo y oscuro pozo de la depresión, el desequilibrio se impuso en su vida de una manera violenta, y mansamente, decidió internarse en el Asilo de Saint-Paul-de-Mausole en Auvers-Sur-Oise (cerca de Saint-Rémy).

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Autorretrato sin barba. 1889, un año antes de su muerte

DOMINGO 27 DE JULIO DE 1890 DETRÁS DEL CASTILLO DE AUVERS SONÓ UN DISPARO

Vincent Van Gogh, salió de la Pensión Ravoux en la que vivía, llevaba con él su caballete y sus pinturas (también un revolver), el campo que tanto amaba se extendía en esos momentos a sus pies, majestuoso, un día de domingo del mes de julio. Entonces… Detras del Castillo de Auvers, apoyó su ajado caballete de madera en el gastado muro de piedra, y se disparó un tiro en el corazón. La bala, ansiosamente veloz, salió desviada apenas unos centímetros, de su rojo, y vital órgano bombeante, pero la violencia del disparo a quemarropa, le arrojó, empujándole violentamente al suelo. Gravemente herido Vincent, a duras penas consiguió levantarse y regresar a la Pensión Ravoux, donde vivía, dos días después, fallecería a consecuencia de las heridas.

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Trigal con cuervos. 1890, el año de su muerte

MARTES 29 DE JULIO DE 1890 EL GENIO ABANDONA LA ESCENA

Rapidamente, se desplazaron a Auvers muchos de sus amigos, en su mayoría artistas, a dedicarle el último adiós, estaban allí, entre otros, Theodore Van Gogh (su hermano), Bernard, el Doctor Gachet, Tanguy, Charles Laval, Lucien Pizarro, Lauzel…

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Autorretrato. 1888. -Dedicado a Gauguin- Dos años antes de su muerte

La pequeña habitación, en la que se encontraba el féretro conteniendo el cuerpo de Van Gogh, fue bellamente decorada por el dueño de la pensión, y su hermano Theo (que fallecería solo un año después), la estancia lucia tenuemente iluminada con cirios; en las paredes colgaban sus últimas pinturas, y delicados ramos de flores amarillas descansaban mansamente, sobre la sabana blanca que pudorosa cubría el ataúd. También, su ajado caballete y sus pinturas, humildemente, reposaban tristes rendidas a sus pies.

ARTE. VAN GOGH. DOMINGO 27 DE JULIO DE 1990. VAN GOGH SE DISPARA UN TIRO

Arte. Vincent Van Gogh. Van Gogh. Pintura. Van Gogh Suicidio. Van Gogh Muerte. 

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Arte. Picasso; platónicamente enamorado de Sylvette

PICASSO ENAMORADO

PERFIL DE SYLVETTE PICASSO

PABLO PICASSO 1881/73

El genial artista malagueño siempre amó a las mujeres, le gustaba pintarlas; eran su inspiración y su egoísta pasión; retorcía sus caras, sus manos, narices, ojos, orejas, labios, dedos, pies… Así hasta mil veces. También su lujuria lo llevó a los burdeles. Fue amado y amó a las mujeres; fueron muchas y siempre más jóvenes. Él nunca se jactó de su condición de «viejo verde». Machista como era, fue celoso y posesivo. En la mayoría de los casos terminaron sus relaciones para ellas, de muy mala manera; histeria, crisis, intentos de suicidio.

Vivió como pintó; Apasionadamente

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La joven Sylvette nació en Francia, aunque de ascendencia Inglesa; su padre era Marchante de ArteEn 1954 cuando PICASSO tenía 73 años conoce a Sylvette, ella rondaba entonces los 19. Se enamora como de la mayoría de sus modelos y,  como siempre, quiere llegar a más; resulta tan evidente el cortejo, que la joven modelo se asusta y, no; nunca se atrevería a posar desnuda para el genial pintor; Sylvette jamás aceptó dinero del gran artista malagueño. Por aquel entonces, la joven belleza tenía novio, (era un artista que realizaba muebles modernos); Picasso le compró algunas sillas. Ella seria su modelo. Él, la desnudo en sus lienzos. La pintó frenéticamente, en muy pocos días, realizó 40 retratos de la esbelta bella, rubia de la coleta.

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PICASSO LE REGALÓ UN RETRATO

Una mañana que estaban en el estudio, él le dijo; «Sylvette mira bien todos esos retratos; uno; el que quieras, será para ti», Sylvette practica, se decidió por el más grande, y acertó, poco tiempo después lo vendió, según ella porque necesitaba dinero, y además tenía miedo de que se lo robasen… ¡Siempre el baboso miedo acompañándo a la guapa rubia francesa! Joven, de cabellos largos y de delicado perfil, la muchacha que fascinó al artista desde el primer momento.

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Retrato de Sylvette David. 1954.

SYLVETTE temía a los hombres mayores, además, conocía el pasado y el presente amoroso del pintor, (en ese momento PICASSO mantenía una relación a dos bandas, con Francoise Girot y Jacqueline Roque). La chica de la coleta dorada; la pueblerina Silvette, no se fiaba. La relación terminó; lo que pudo ser, lo que pudo haber sido, se frenó en seco, Sylvete, supo finalmente ponerse a salvo a tiempo, del depredador loco y egoísta, del minotauro destructor.

LYDIA CORVETTE

La bella modelo rubia que nació en París en 1935, tiene ahora 85años. Se dedica al Arte (firma sus obras como Lydia Corvette), sobre todo realiza pintura, cerámica y escultura y, agradece haber conocido a Pablo Picasso pues según sus propias palabras…

«Con él empezé a valorar la creación artística y hoy día el Arte forma parte de mi vida»

Arte. Picasso; platónicamente enamorado de la rubia Sylvette

Picasso enamorado. Picasso. Pablo Picasso. Arte. Sylvette. Modelo

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Fotografía. Alberto García-Alix, artista rebelde, poética intimista

Autorretrato. Fernando García-Alix. Archivos fondos propios By TbArt

De la exposición, «Un horizonte falso«. Tabacalera de Madrid febrero 2016

Alberto García-Alix. León 1956.

Este gran fotógrafo, nacido en León, vivió muy de cerca «La Movida Madrileña» tiempos, de libertad recién estrenada en España; tiempos nuevos, en los que todo cambió tan rápidamente, como se llega al sueño, después del dulce cansancio que lo precede. Fueron, maravillosos, «años de vino y rosas»en el hasta entonces aburrido, y proceloso panorama-artístico-español, salvo honrosas excepciones.

Alberto García- Alix, está cansado de que le etiqueten continuamente como el «Fotógrafo de la Movida», participó, si, mas él no fue nunca consciente de estar documentandola, simplemente…, fue parte de ella; sencillamente; pero,  como él solo sabe, fotografió su fresco y chispeante entorno. Él y sus amigos, eran, «La Movida»; se encontraban siempre, en los mismos bares y los mismos conciertos, les gustaban las mismas cosas.

Alberto García-Alix comenzó su carrera profesional, aproximadamente a principios de los años 80. En 1981, tiene lugar su primera exposición, en la Galería Buades. Desde entonces, con sus cámaras fotográficas, Leica y Hasselblad, no ha dejado de fotografiar la noche, las motos, la música, los tatuajes, y por supuesto… Retratos.

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Foto. Retrato. García-Alix. Vía internet

¡ROER ESE HUESO!

Al ser preguntado, por un periodista, «Cual sería la imagen que elegiría para que le definiera dentro de muchos años», el artista, contestó, «La más desenfocada»… ¡Toda una declaración de intereses!

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Espacio traicionado. 2010. García Alix. Foto, archivos fondos propios. By TbArt

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Foto. García-Alix. Vía internet

Premio Nacional de Fotografía 1999. Premio Fotografía Comunidad de Madrid 2004. Premio PHofo España 2012.

García-Alix desnudo, troceado y tatuado. Desvalido. El pudor, a él, un tímido incorregible, siempre le hace dudar. «¿Sería, capaz de verse así, tan sobreexpuesto. Tan desnudo?… Tan frágil.

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Autorretrato. GARCÍA-ALIX. Escondido en mi miedo. 2009. Foto. Vía internet

Las fotografías en blanco y negro nos hablan, de sus  profundas «Emociones Personales», y nos muestran, a un artista, rebelde, íntegro; en un viaje interior de poética intimista. El estar allí. La iluminación y la composición, son las piezas clave de sus siempre interesantes obras.

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Cicatrices en un Ángel. 2012. García-Alix. Foto. Archivos fondos propios. By TbArt

Alberto Garcia-Alix, el fotógrafo de la voz rota, está considerado, como uno de los mayores exponentes de la Fotografía Contemporánea Española.

Fotografía. Alberto García-Alix. «Un artista rebelde, en un viaje interior de poética intimista».

Fotografía. Alberto García-Alix. García-Alix. Fotógrafos. La Movida. Madrid.