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Exposiciones. Warhol. El Arte Mecánico. Un emocionante recorrido, que transita, por su variada y poliedrica, trayectoria creativa

Exposiciones. Warhol. El Arte Mecánico. Del 1 de febrero al 6 de mayo de 2018; CaíxaForum, Paseo del Prado, Madrid. Foto by TbArt archivos fondos propios

Un emocionante y notable recorrido artístico que transita desde los primeros momentos de Warhol, como diseñador, a su postrera y rica (variada), y poliedrica trayectoria creativa. Warhol, solo expuso, una primera y única ocasión, en la capital madrileña, que ahora acoge sus obras, corría el año 1983 (con la movida en curso).

En la exposición que nos ocupa en 2018, podremos ver unas 350 obras, pinturas, serigrafías, esculturas, películas, dibujos, fotografías, folletos, revistas, portadas de discos. Se trata de la retrospectiva más importante celebrada hasta el momento en España, sobre el níveo y enjuto, artista de Pittsburgh.

Método mecánico de serigrafía, series, repeticiones; la violencia, la muerte, los objetos de consumo masivo, la metaventa…. Al final, el signo del dólar, el arte de hacer dinero, o según declararía el propio Warhol, «El arte que me interesa». Atrás habían quedado, sus quijotescas películas, (tan necesarias), pero también tan… anticomerciales.
«Si queréis saber todo de  Andy Warhol, solo tenéis que mirar la superficie de mis pinturas, de mis películas y de mi mismo; y ahí estoy. Detrás, no hay nada», declaró en una ocasión este verdadero y pajizo cazatalentos de la modernidad.

Before and After. (1961). Una de las obras de la exposición. Foto by TbArt archivos fondos propios.

Pittsburgh, Pensilvania, ciudad donde nació y donde vivía con su familia en el barrio más pobre de la urbe. Una ciudad acerera, moderna, inundada de cadenas de montaje. (Serie, repetición, mecanización). Monetización.

Él, era Andrew Warhola hijo de Andrej y Julia Warhola, de Miková, localidad perteneciente a lo que hoy situamos en la República Eslovaca. Su padre había emigrado a Estados Unidos (a trabajar en las minas de carbón en 1914), el resto de su familia (mujer e hijos) lo harían 7 años después. Retraído, reservado, y aislado, en parte por su temprana enfermedad (el baile de San Vito), fue su abuela quien lo enseñó a dibujar; ella poseía, sentido artístico y talento…, y así contagió a su nieto Andy.

Cuando Andy Warhol, sólo tenía 14 años, (1942), falleció su padre (envenenado accidentalmente, al consumir agua contaminada). Siempre fue un gran apoyo, hasta consiguió matricularle en dibujo, y además, había vaticinado, «Algún día os sentiréis orgullosos de Andy».

Simbolo del dólar. (1967). Una de las obras de la exposición. Foto by TbArt archivos fondos propios.

A los 17 años Andy Warhol fue admitido Universidad Tecnológica, de Carnegie donde realizó estudios en Artes aplicadas, Diseño y Artes Gráficas . En 1949 obtiene finalmente su licenciatura. Entonces con 21 años, se dirige a Nueva York donde vive su bohemia de artista en un entonces sucio barrio de Manhattan. Busca empleo,  Haarper Bazar y Vogue, son algunas de las revistas que enseguida, le emplean, poco después, las tiendas de moda de la metrópoli neoyorquina, lo solicitan ávidamente, para que intervenga sus escaparates, ahora Warhol es un joven, y exitoso diseñador gráfico, que empieza a firmar como Warhol, (suprime la ultima vocal de su apellido, Warhola, americanizando su firma).

En 1952, su madre Julia se reúne con Andy para así cuidar de él, cosa que hizo durante casi 20 años. En 1960  Warhol compra un edificio de 4 plantas en el barrio más elegante de la ciudad, el (Upper West Side), allí pinta en la planta baja. muy cerca de Central Park. En 1962 Warhol descubre una técnica… el estampado serigrafico, que le permitíra reproducir sus trabajos infinitamente sobre lienzo.

Tres botellas de Coca-Cola. (1962). Una de las obras de la exposición. Foto by TbArt archivos fondos propios.

A finales de 1962 expone por primera vez en la ciudad de Nueva York, Galería Stable, (¡había nacido el Pop Art americano!); entre otra obras presentó Diptico de Marilyn, y Latas de Sopa Campbell, 100 botellas de Coca Cola, y 100 billetes de dólar. La creatividad y la producción, el consumismo de ida y vuelta. Se vendió prácticamente todo lo expuesto.

1964 con Malanga (poeta), invirtieron ( alquilaron), en una fábrica de sombreros en desuso, desde ese momento, es una especie de taller, (The Factory), trabajo y fiestas, hibridación y diversidad. En1964 rueda Empire, (8 horas de película sin cambios de plano, que muestra el Empire State). 1965 anunció que dejaría la pintura, por el cine, realizó unas 60 películas en 5 años.

Farah Diba Palhlavi, Empress of Irán. (1977). Una de las obras de la exposición.  Foto by TbArt archivos fondos propios.

1968. Valerie Solanas (escritora) dispara a Warhol y al crítico de arte Mario Maya. Andy resulta gravemente herido. A partir de este momento, se transforma, ahora, es más prudente e introspectivo. En 1970, su madre, siempre un gran apoyo para él, decide volverse a Pittsburgh, fallecería solo dos años después. Warhol participa en numerosos programas de TV y recibe encargos de retratos, para personalidades de profesiones diversas. Rinde culto al dinero (lo postuló y lo cumplió). Ya es una persona muy rica.

1978,  (en esta época, esperimentales y etéreas, su creaciones giran hacia la abstracción, donde ahora, en grandes formatos narrativos, el color vívidamente exacerbado, y la ascética espiritualidad, adquieren, un notable y bello sentido místico de recogimiento; lo titula, «Sombras». Finalmente en 1986, (a escasos meses de su muerte) pinta, La Ultima Cena. (Vendido en Suecia), a un comprador anónimo, (2015), por cerca, de 7 millones de euros.

El 22 de febrero de 1987 fallece de un ataque al corazón, en el New York Hospital, cuando se estaba recuperando satisfactoriamente, de una operación de vesícula.

Exposiciones. Warhol. El Arte Mecánico. Un emocionante recorrido, que transita, por su variada y poliedrica, trayectoria creativa

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Teatro-Museo Dalí, de Figueres. Onírico surrealismo, daliniano

Teatro-Museo Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios

Es uno de los museos más importantes de España, por números de visitas al año, (más de un millón). Su gestión corresponde a la Fundación Gala-Salvador Dalí. En un entorno privilegiado, Se encuentra situado, en la Plaza Gala-Salvador Dalí, 5, de la localidad de Figueres (Figueras), Girona (Gerona), Catalunya (Cataluña), España.


Allá por el año 1966, a Salvador Dalí, le ronda una excitante idea que le quita el sueño, quiere construir un museo, en las antiguas, y olvidadas ruinas, del Teatro Principal de Figureres, idea que trasmite al entonces alcalde de la localidad, ofreciéndose generosamente a reformarlo. La inauguración se produciría finalmente en 1974. Aunque posteriormente a la misma, se hicieron obras de ampliación y reforma, como, la Torre Galatea, también, una pequeña sala con joyas diseñadas por Dalí, y creció, en obras artísticas; además, se constuyó, la polémica cripta, bajo la que finalmente, descansa el incansable.

Una de las instalaciones contenidas, en el Teatro-Museo Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Fue Dalí quien personalmente se ocupó, de que su museo, no fuera uno más, y dedicó, gran parte de su energía, en dejar para la historia, una gran obra de arte en su conjunto. El edificio que lo alberga, había sido el Teatro Principal, mas cuando Dalí, le hechó el ojo encima, solo eran unas bellas y decadentes ruinas neoclásicas, pues el edificio fue duramente bombardeado durante la guerra civil, por los sublevados, y posteriormente, en la nefasta contienda bélica, incendiado por tropas moras y legionarias.

La cesta de pan. (1945). Salvador Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Cascaras de caracoles, un viejo poste eléctrico, que Dalí, encontró, derribado, olvidado, en la carretera. La desbordante imaginación de Salvador Dalí, no paraba, (tenía que dotarlo de contenido). Existe una obra en el museo, es un pequeño y bello cuadro, «La cesta de pan» (1945), poco antes de la inauguración, venía el lienzo sin enmarcar, y con el ajetreo propio de los días previos a la apertura, en un descuido imperdonable, quedó arrinconado en el suelo, y pudo acabar en la basura. También podemos ver en el museo además de las obras de Salvador Dalí, pinturas, dibujos, e instalaciones.

El espectro del sex-appeal. (1924). Salvador Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Algunas de la mejores obras del estrambótico pintor, se encuentran en el, y también, obras de otros artistas (El Greco, Meissonier, Fortuny, Cestero, entre otros). Es un museo único y diferente, con su fuerte sabor clásico, de representación teatral. En el patio frente a la entrada, su gran Cadillac (el símbolo de su éxito, que tanto llamaba la atención de niños y mayores, en su pueblo), y esculturas, al fondo central, en su cubierta, se encuentra, la cúpula de Piñero, (un exquisito capricho del artista),  Dali, se fija en la cúpula trasparente de Fuller, (pues las ruinas carecen de techo). Pero fue finamente Piñero, quien construyó una cúpula de 10 metros de altura, y 14 de diámetro, compuesta de 540 triángulos, y que a los ojos de Dalí, constituiría el elemento arquitectónico, más destacado de la construcción. Tristemente durante su realización, Piñero, gran amante de la velocidad, y los automóviles de competición, falleció en accidente de tráfico, con solo 34 años de edad, su obra fue entonces concluida en su totalidad, por un hermano del finado.

Cúpula de Piñero. Teatro-Museo Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Fallecido Dalí, el 20 de enero de 1989, en el último momento, es tristemente separado de Gala su idealizado amor, y su musa, al ser enterrado solo, bajo el escenario del teatro-museo, en una fría y solitaria cripta, cuando en Puból en su castillo, en un sótano que había sido bodega, descansaba esperándolo, la inspiradora tártara y cuando a su lado, vacía, se encontraba tristemente sola, la anhelante sepultura, esperando sedienta, al genial pintor catalán. Según hizo público, el entonces alcalde de Figueres, Dalí, en una conversación privada le había comunicado su postrer deseo, de ser enterrado, en su museo, contradiciendo así, todo lo que anteriormente él, había planificado. Es algo que al no poder demostrase, fue causa de encendidos debates.

Tumba de Salvador Dalí. Teatro-Museo Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Al sepelio no asistió la hermana del pintor, con la que se encontraba enemistado desde hacia mucho tiempo. Tampoco asistieron muchos artistas, sin embargo, la despedida fue multitudinaria, en ella abundaban, vecinos, público en general, amigos, políticos, y periodistas. Después seguiria, la polémica, por el lugar elegido para para dar sepultura y eterno descanso, al genial ampurdanes, que rompía drásticamente, con la sostenida idea romántica, comúnmente conocida, del deseo de Salvador Dalí, de reposar eternamente junto a Gala, su ama, eterno amor  y también…, su musa.

Pude visitar el Teatro-Museo Dalí, en el mes de mayo de 2018, y fue una experiencia inolvidable, desde este blog permítanme recomendárselo, es excelente…, si pueden ¡No se lo pierdan!

Teatro-Museo Dalí, de Figueres. Onírico surrealismo daliniano.

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Fotografia. Mindor. Hay algo denso, unido, sentado en el fondo

FOTOGRAFÍA. MINDOR

UNIDAD
Hay algo denso, unido, sentado en el fondo,
repitiendo su número, su señal idéntica.
Cómo se nota que las piedras han tocado el tiempo,
en su fina materia hay olor a edad,
y el agua que trae el mar, de sal y sueño.

Me rodea una misma cosa, un solo movimiento:
el peso del mineral, la luz de la miel,
se pegan al sonido de la palabra noche:
la tinta del trigo, del marfil, del llanto,
envejecidas, desteñidas, uniformes,
se unen en torno a mí como paredes.

Trabajo sordamente, girando sobre mí mismo,
como el cuervo sobre la muerte, el cuervo de luto.
Pienso, aislado en lo extremo de las estaciones,
central, rodeado de geografía silenciosa:
una temperatura parcial cae del cielo,
un extremo imperio de confusas unidades
se reúne rodeándome.

Pablo Neruda

Fotografia. Mindor. Hay algo denso, unido, sentado en el fondo.

Fotografia. Fotógrafos. Mindor. 

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Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana. Large house in the countryside, and foreground City. Óleo sobre lienzo By Tb

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Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana. 2013. Tomás Bartolomé

Large house in the countryside, and foreground nearby city.

Óil. Canvas. Óleo. Lienzo.

«La ciudad avanza y cerca…

a una gran casa vieja;

en un viejo campo,

de un viejo y olvidado,

pueblo de Castilla».

Tomás Bartolomé

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«The city moves and close… a large old house ; in an old field , an old and forgotten, people of Castilla»

Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana. Large house in the countryside, and foreground City. Tomás Bartolomé. Óleo sobre lienzo.

Interesados por esta pintura. Contacto. tomy.bart@hotmail.com

Pintura. Tomás Bartolomé. Pintores. Óleo. 

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Edgard Allan Poe. El Retrato Oval. Era una joven de peregrina belleza, que en mala hora amó al pintor y se desposó con él

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Foto by TbART

Edgard Allan Poe. Boston 1809. Baltimore 1848.

EL RETRATO OVAL. 1842. (FRAGMENTO).

Era una joven de peregrina belleza, tan graciosa como amable, que en mal hora amó al pintor y se desposó con él.

Él tenía un carácter apasionado, estudioso y austero, y había puesto en el ARTE  sus amores; ella, joven, de rarísima belleza, toda luz y sonrisas, con la alegría de un cervatillo, amándolo todo, no odiando más que el ARTE, que era su rival, no temiendo más que la paleta, los pinceles y demás instrumentos importunos que le arrebataban el amor de su adorado.

Terrible impresión causó a la dama oír al PINTOR hablar del deseo de retratarla. Mas era humilde y sumisa, y sentóse pacientemente, durante largas semanas, en la sombría y alta habitación de la torre, donde la luz se filtraba sobre el pálido lienzo solamente por el cielo raso.

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El pintor y la modelo. 1963. Pablo Picasso.

El ARTISTA cifraba su gloria en su obra, que avanzaba de hora en hora, de día en día. Y era un hombre vehemente, extraño, pensativo y que se perdía en mil ensueños; tanto que no veía que la luz que penetraba tan lúgubremente en esta torre aislada secaba la salud y los encantos de su mujer, que se consumía para todos excepto para él.

Ella, no obstante, sonreía más y más, porque veía que el PINTOR, que disfrutaba de gran fama, experimentaba un vivo y ardiente placer en su tarea, y trabajaba noche y día para trasladar al lienzo la imagen de la que tanto amaba, la cual de día en día tornábase más débil y desanimada.

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Y, en verdad, los que contemplaban el retrato, comentaban en voz baja su semejanza maravillosa, prueba palpable del genio del PINTOR, y del profundo amor que su modelo le inspiraba.

Pero, al fin, cuando el trabajo tocaba a su término, no se permitió a nadie entrar en la torre; porque el PINTOR había llegado a enloquecer por el ardor con que tomaba su trabajo, y levantaba los ojos rara vez del lienzo, ni aun para mirar el rostro de su esposa. Y no podía ver que los colores que extendía sobre el lienzo borrábanse de las mejillas de la que tenía sentada a su lado.

Y cuando muchas semanas hubieron transcurrido, y no restaba por hacer más que una cosa muy pequeña, sólo dar un toque sobre la boca y otro sobre los ojos, el alma de la dama palpitó aún, como la llama de una lámpara que está próxima a extinguirse.

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Calavera. Van Gogh

Y entonces el PINTOR, dio los toques, y durante un instante quedó en éxtasis ante el trabajo que había ejecutado. Pero un minuto después, estremeciéndose, palideció intensamente herido por el TERROR, y gritó con voz terrible: «¡En verdad, esta es la vida misma!» Se volvió bruscamente para mirar a su bien amada: ¡Estaba muerta!»

Edgard Allan Poe

Edgard Allan Poe. El Retrato Oval. Era una joven de peregrina belleza, que en mala hora amó al pintor y se desposó con él.

EDGARD ALLAN POE. LITERATURA. EL RETRATO OVAL. ESCRITORES. TERROR. ALLAN POE. POE. MIEDO. ARTE. PINTOR.

 

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Fotografía. Alberto García-Alix. «Un artista rebelde, en un viaje interior de poética intimista»

Autorretato. García-Alix. Foto. Archivos fondos propios By TbArt. De la exposición, Un horizonte falso que se celebró en la Tabacalera de Madrid en febrero de 2016.

Alberto García-Alix. León 1956.

Este gran fotógrafo, nacido en León, vivió muy de cerca «La Movida Madrileña» los tiempos, de la libertad recién estrenada en España; unos tiempos nuevos, en los que todo cambió tan rápidamente, como se llega al sueño, después del dulce cansancio que lo precede. Fueron, aquellos maravillosos años, «años de vino y rosas»en el hasta entonces aquel aburrido, y proceloso panorama-artístico-español, salvo honrosas excepciones.

Alberto García- Alix, está cansado de que le etiqueten continuamente como el «Fotógrafo de la Movida», participó, mas él no fue nunca consciente de estar documentandola, simplemente…, fue parte de ella; sencillamente; pero eso si, como él solo sabe, fotografió su fresco y chispeante entorno. Él y sus amigos, eran, «La Movida»; se encontraban en los mismos bares y los mismos conciertos, les gustaban las mismas cosas.

Alberto García-Alix comenzó su carrera profesional, aproximadamente a principios de los años 80. En 1981, tiene lugar su primera exposición, en la Galería Buades. Desde entonces, con sus cámaras fotográficas, Leica y Hasselblad, no ha dejado de fotografiar la noche, las motos, la música, los tatuajes, y por supuesto… Retratos.

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Foto. Retrato. García-Alix. Vía internet.

¡ROER ESE HUESO!

Al ser preguntado, por un periodista, «Cual sería la imagen que elegiría para que le definiera dentro de muchos años», el artista, contestó, «La más desenfocada»… ¡Toda una declaración de intereses!

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Espacio traicionado. 2010. García Alix. Foto. Archivos fondos propios. By TbArt

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Foto. García-Alix. Vía internet.

Premio Nacional de Fotografía 1999. Premio Fotografía Comunidad de Madrid 2004. Premio PHofo España 2012.

García-Alix desnudo, troceado y tatuado. Desvalido. El pudor, a él, un tímido incorregible, siempre le hace dudar. «¿Sería, capaz de verse así, tan sobreexpuesto. Tan desnudo?… Tan frágil.

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Autorretrato. GARCÍA-ALIX. Escondido en mi miedo. 2009. Foto. Vía internet.

Las fotografías en blanco y negro nos hablan, de sus  profundas «Emociones Personales», y nos muestran, a un artista, rebelde, íntegro; en un viaje interior de poética intimista. El estar allí. La iluminación y la composición, son las piezas clave de sus siempre interesantes obras.

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Cicatrices en un Ángel. 2012. García-Alix. Foto. Archivos fondos propios. By TbArt.

Alberto Garcia-Alix, el fotógrafo de la voz rota, está considerado, como uno de los mayores exponentes de la Fotografía Contemporánea Española.

Fotografía. Alberto García-Alix. «Un artista rebelde, en un viaje interior de poética intimista».

Fotografía. Alberto García-Alix. García-Alix. Fotógrafos. La Movida. Madrid.

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Pintura. «Los jugadores de cartas». Cézanne. Récord 2011. 250 Millones de dólares. Adjudicada, a la familia real de Catar

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LOS JUGADORES DE CARTAS. Cézanne. 1890/95. Existen 5 versiones.

PAUL CÉZANNE. Aix En Provence.1839/1906 (de pulmonía).

Su padre poseia un banco , así pues el gran Cézanne pertenecía a una familia acomodada.

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Retrato de Cézanne. 1880. Pastel/Papel. Renoir.

El artista se trasladó a París a pintar pero no tuvo éxito. Las críticas a sus pinturas fueron muy duras, sufre entonces una grave depresión y se cuestiona su carrera, así pues, inseguro y hundido, decide volver al banco familiar, a trabajar como contable… No pudo aguantar mucho.

Regreso a la Pintura

En sus comienzos, Cézanne utilizaba sobre todo el negro, y los colores oscuros, con mucho empaste.

Periodo impresionista

Alternando Provenza y París, pinta sobre todo paisajes. Los colores entonces, pasan a ser más brillantes, y los empastes más suaves, utilizando a menudo para finalizar, pequeños toques de colores puros.

Periodo de madurez  Cézanne, regresa a Provenza.

Introspección.  Es para el artista en ese momento, un periodo de aislamiento, concentración, búsqueda, y experimentación.

Periodo final

«Los jugadores de naipes». En este periodo, Cézanne pinta Bodegones, Retratos, Paisajes, Bañistas…, empieza a vislumbrarse el camino del CubismoPicasso, en una ocasión, declaró refiriéndose a los Cubistas… «Cézanne es el padre de todos ellos».

Cézanne. Postimpresionista

Cézanne está considerado como el padre de la pintura moderna. La mayor parte de su vida la pasó ignorado, aislado, y solitario, pero al final le llegó el éxito y se convirtió en un «Artista de Culto«. A su casa de AIX, acudían en peregrinación, de todos los lugares del mundo, para verle pintar, conocerlo, charlar con él…, preguntarle… Entonces sus obras subieron de precio, como también sube la cometa, avivada y rebelde, en los días de viento. Su valor, subió, subió, y sigue subiendo, como sube, la espuma vaporosa del agua brava de mar, atropellada, empujada violentamente, contra la dura roca de granito, una mañana de fuerte viento y oleaje… ¡El temporal aún no ha amainando, ni amainará! Actualmente, en el apasionante mercado internacional de arte. Los jugadores de cartas, de Cézanne. Alcanzó, la impresionante cifra, de 250 Millones de dólares, (2011).

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Una de las 5 versiones que existe del cuadro.

MERCADO DEL ARTE

Sus obras arrasan todos los récords. Los jugadores de cartas, fue adquirida por la Familia Real de Catar por  250 millones de dólares, el mayor precio de la historia, en ese momento, pagado por una obra de arte. La venta se llevó a cabo en el año 2011. Hasta entonces, la pintura había sido propiedad de un millonario griego que acuciado por la crisis económica, por fin, decidió vender. El acaudalado heleno murió antes de cerrar tan complejas negociaciones. Su familiares entonces se encargaron de concluirlas con éxito.

La administración catarí. sigue así en su imparable lucha por conseguir hacerse con una buena imagen museistica mundial, y convertirse por fin, y por derecho propio, en una referencia internacional en el Mundo del Arte, junto con las ciudades de Paris y Nueva York.

Pintura. «Los jugadores de cartas». Cézanne. Récord 2011. 250 Millones de dólares. Adjudicada, a la familia real de Catar

Pintura, Paul Cézanne. Mercado del Arte. Los jugadores de cartas. Cézanne. Tomás Bartolomé.

 

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Acuarela. Cardoso. Ve y coge una estrella fugaz

ACUARELA. CARDOSO. Fragmento. (2018).

Cardoso nos presenta en esta ocasión, una de sus últimas acuarelas. La visita a los museos, los cuadros de una exposición. Espiritualidad fundida, dulces trasferencias y un color suavemente adictivo. Mas el artista siempre se hace preguntas.

VE Y COGE UNA ESTRELLA FUGAZ

Ve y coge una estrella fugaz,
Obtén con el niño una raíz de mandrágora,
Dime donde todos estuvieron los tiempos pasados,
O a quien le partió el pie al diablo,
Enséñame a escuchar el canto de las sirenas,
O a evitar la picadura de la envidia,
Y a encontrar
Que viento
Sirve para hacer avanzar una mente honesta,
Si tu has estado en el nacimiento de desastres extraños,
De cosas imposibles de ver,
Cabalga diez mil días y noches,
Hasta que tu cabello envejezca a un blanco nieve,
Tú, cuando hayas estado, me dirás,
Todas las maravillas extrañas que te ocurrieron,
Y jurar,
No donde
Vive una bella y verdadera mujer.
Si tu has encontrado a alguien déjame saber,
Como fue la dulce peregrinación,
Aún no lo hagas, no iría,
Aunque en la siguiente puerta podemos reunirnos,
Aunque ella fuera real, cuando te reúnas con ella,
Y por último, hasta que escribas tu carta,
Aún ella
Sería
Falsa, antes de venir, dos o tres.

John Donne

Acuarela. Cardoso. Ve y coge una estrella fugaz.

Acuarela. Acuarela Cardoso. Cardoso. Artista. Pintor. Pintura. Pintores.

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Roderick Hudson. Henry James. Es el arte lo que da vida, da interés, da importancia

Piazza della Signoria. Florencia. Giuseppe Zocchi.

HENRY JAMES Nueva York, 15 de abril de 1843. Londres, 28 de febrero de 1916, (derrame cerebral). Escritor y critico literario.

<<Es el arte lo que da vida, da interés, da importancia, y no conozco ningún sustituto de la fuerza y belleza de su proceso>>. HENRY JAMES

«RODERICK HUDSON». NOVELA. Está ambientada en Italia (Florencia, Roma, Venecia…)

Un escultor apasionado por su arte, un mecenas, una madre, una prometida, y un gran amor se conjugan con paisajes y ciudades, con dilemas morales, amistad, y sufrimiento.

A continuación un delicioso fragmento de lo que fué la segunda novela que escribió Henry James. Fue publicada primeramente por entregas en la revista Atlantic Monthly en 1875, y un año después en forma de libro. Es para Henry James su primera novela, (pues consideraba la primera, «Watch and Ward», como un simple ejercicio de juventud).

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«RODERICK HUDSON». Fragmento. Dos pintores, Roderick y Singleton, dos formas de ver el arte, de entender la vida, solos bajo el magnetismo de la naturaleza, desnudan sus diferentes seres.

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Las noches eran frías y nuestros amigos, junto a tres o cuatro residentes ocasionales, se sentaron en el interior frente a un fuego de grandes troncos. Incluso con Roderick sentado malhumoradamente en el circulo exterior de sombras, formaban un pequeño y amable grupo, y centraron su atención en los dibujos de Singleton, mientras éste los colocaba en la esquina de la chimenea, sonrojado y comentándolos, con los pies sobre los travesaños de la silla. Había estado desplazándose a pie durante seis semanas, y se alegraba de descansar por un tiempo en Englelthal. Se trataba de un reposo frugal, sin embargo, porque cada mañana salía con sus útiles de dibujo a la espalda, en busca de temas para nuevos bocetos. Después de la primera noche, la hilaridad de Roderick había remitido, y observaba la tranquila actividad del pequeño pintor con una seriedad casi pasmosa. Singleton, que no estaba al tanto de las desgracias personales de Roderick, todavía lo trataba con tímida franqueza como la estrella emergentes del arte americano. Al principio, Roderick había comentado a Rowland que Singleton le recordaba a un curioso insecto con un notable instinto mecánico en sus antenas; pero con el discurrir de los días se hizo evidente que la infatigable actividad del modesto paisajista adquirió un significado opresivo para él. Le indicaba una ética, y Roderick solía sentarse y engañar a la ética al verla representada en la espalda encorvada de Singleton, en las calientes laderas que asomaban por debajo de su paraguas blanco. Un día, Roderick ascendió por una larga pendiente y lo dejó atrás mientras aquėl estaba sentado trabajando; Singleton relató después el episodio a Rowland, quien, después de haberle dado en Roma una pista sobre los desatinos de Roderick, se había reservado de manera estricta su propia opinión.
-¿Eres siempre así? -dijo Roderick, con un acento casi sepulcral.
-¿Así? -repitió Singleton, parpadeando confuso y con la conciencia asustada.
-Me recuerdas a un reloj que nunca se queda sin cuerda, si se escucha con atención siempre se oye tu tic-tac, tic-tac.
-Ah, entiendo -dijo Singleton, sonriendo ingenuamente-. Soy muy constante.
-Eres muy constante, si. ¿Y encuentras placentero ser constante?
Singleton se volvió y sonríó de manera más abierta, mientras extraía el agua de su pincel de pelo de camello. Entonces, con una reavivada conciencia de su deuda hacia una providencia que le había dotado de unas cualidades innatas, exclamó:
-¡Oh delicioso!
Roderick permaneció de pie mirándolo durante un instante.
-¡Maldición! -dijo finalmente de manera solemne, y le volvió la espalda.

Literatura. Roderick Hudson. Henry James. Es el arte lo que da vida, da interés, da importancia.

Literatura. Roderick Hudson. Henry James. Novela. Arte. Escultor. Escritores. Escritor. Novelista.

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Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Toulouse-Lautrec me atrapó enseguida

 

Mujer en el jardín de Monsieur Forest, c. 1889. Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre.
Más de 350 obras de diferentes artistas, como Bonnard, Forain, Vuillard, Signac, o Van Gogh.
Exposiciones. Caixa Forum Madrid. Del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019. Muy recomendable.


Toulouse-Lautrec. Conde, hijo de un conde, de padres pronto separados, aunque nació noble, prefirió Montmartre y sus cabarets, donde las bailarinas fueron retratadas, y más aún, se convirtieron, en una especie de familia enlazada a la bohemia, que tenía y tiene, tanto que ofrecer, y por la que tanto hubo, y hay que pagar, aunque al final merezca la pena.

Toulouse-Lautrec, sufrió, con su menguada talla, por mor de la consanguinidad. El que nació y murió en un castillo, acabó contraviniendo a su altivo padre, que lo despreciaba, por sus defectos físicos, pues decidió ser artista, y eso, lo fue de sobra. El noble progenitor debió de tragarse, atragantado, su orgullo mal entendido. El Niño Toulouse, se quedó con su madre.

El caballero del cabaré y cuatro artistas del Chat Noir, c. 1884. Antonio de la Gándara. Foto by Tbart archivos fondos propios.

En París Montmartre, bullía entonces frenético, mas aunque la vida no era fácil, también la belleza exibia su variado muestrario, y los vecinos del barrio, artistas, camareros, bailarinas, poblaban la elevada cota parisina, desde donde, se expandían difundiéndose imparables, nuevas forma de entender el arte.

Caricatura de Toulouse-Lautrec enfrente del Moulin Rouge. (1890). Ferdinand Bac. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Al anochecer a diario, nuestro protagonista se dirigía al Moulin Rouge, donde tenía categoría de lo que llamaríamos hoy, cliente vip, y se entretenía a menudo, conversando con los empleados y las bailarinas del cabaret, así de esa manera tuvo el privilegio de retratar a estas ultimas en sus rutinas de camerino, sin que ellas, se sintieran avergonzadas, o molestamente invadidas. Para muchas de ellas fue de gran ayuda, casi, el familiar (a menudo, les faltaba), que las comprendía, aconsejaba, y también si lo necesitaban ayudaba económicamente. Toulouse-Lautrc, siempre fiel a sus rutinas, se sentaba en su velador reservado, con su absenta azulada y sus tizas de colores, y abstraído, rompía la figuración, para crear algo nuevo, diferente, más sincero, y curiosamente, cuanto más alejado de la realidad más veraz.

En el Moulin Rouge, la Goulue y su hermana. (1892). Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Debo de confesarles que mi opinión de Toulosd-Lautrec, se ha modificado mucho, desde que pude ver sus primeros carteles, y confieso, que me pareció un magnífico ilustrador publicitario, pero no le di más importancia, poco tiempo después, cuando por fin, fui conociendo más su obra en profundidad, me di cuenta enseguida, de que me encontraba ante uno de los pintores más importantes de la historia reciente en el mundo del arte, afortunadamente pude ver en París pinturas de gran formato, y otras más pequeñas, que me descubrieron, la gran talla de un artista, cuya menguada talla y sufrimiento, pudieron en principio, ser meras coartadas que le empujaran sin remisión al incierto camino del arte; mas hicieron de ėl, un artista único que le dio un vuelta al figurativismo, y que finalmente…,  me atrapó enseguida.

Todas las reproducciones de obras de arte, aquí expuestas, participaron en dicha exposición.

Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Toulouse-Lautrec me atrapó enseguida

Toulouse-Lautrec. Pintor. Pintura. Exposiciones. Montmartre. Arte. Moulin Rouge.  Paris