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Pintura. Fernand Léger. Mecanización y Futurismo

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Tres Mujeres. 1921. Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Fernand Léger. Argentan, 4/2/1881. Gif-sur-Yvette. 17/8/1955.

Un día frío del mes de febrero en la Bretaña francesa venía al mundo en una familia de agricultores, el que pronto seria bautizado por sus padres con el nombre de Fernand, mas la alegría familiar duró poco pues no había cumplido ni 2 años, cuando se quedó huérfano de padre. El bachillerato lo realizó en una institución religiosa

1897/99. Fernad Léger, se pone a trabajar en un estudio de arquitectura de la ciudad de Caen.

UN NUEVO SIGLO

1900. En busca de ocupacion y formación, se establece en París donde pronto ejerce como delineante, a la vez que realiza estudios de arte en la Académie Julián, una escuela de arte de carácter privado que gozó de gran popularidad, al ser la primera que permitía matricularse a las mujeres y en la que además en el programa de estudios, se incluía la pintura del modelo al natural, (hombres y mujeres posaban desnudos).

1902/3. El cartero dejó una carta en el buzón, en la misiva se le comunicaba a Fernand Léger, su inminente ingreso en filas para así cumplir el servicio militar, algo que era totalmente obligatorio e ineludible. Terminado el servicio a la patria, Léger intentó matricularse en la Academia de Bellas Artes, pero como a menudo es frecuente, según en que ciudades, la empresa en París le fue harto imposible; como era más que probable, Fernand Léger no fué admitido en la misma, tras lo cual el artista lo hizo finalmente en la Escuela de Artes Decorativas.

CÉZANNE LE MUESTRA EL CAMINO

La vanguardia está en Cézanne y Léger bebe ávido, e inmediatamente comprende con claridad  lo que vé, se identifica; al mismo tiempo y ya dedicado de lleno a la pintura, traba amistad con el tándem Braque/Picasso. Mantiene Fernand con ellos, además de amistad, la misma forma de entender el arte, no en vano él mismo es un pintor cubista. En estos años, en 1907 concretamente, Pablo Picasso el gran genio malagueño pintaba lo que sería el gran icono del cubismo, Las señoritas de Avignon.

La pintura de Léger se traduce en un exquisito trato al color y al uso de la modernidad de principios del siglo XX, una modernidad que se mantiene traducida transversalmente a nuestros dias, ahora tecnológicos. Fernad Léger utiliza formas geométricas, artefactos, robots, figuras tridimensionales, simbolismo, mecanización y futurismo.

1910. Expone junto con Braque y Picasso en la galería de Daniel Henry Kahnweiler, un coleccionista y marchante de arte, que pronto tuvo a los 3 en cartera.1912, exposición individual de Léger, en la Galería Kahnweiler. 1914/17. Cine, colabora con el escritor Blaise Cendrars.

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Composicion. 1926. Museo del Hermitage.

1920. Léger diseñó el vestuario y la escenografía los Ballets Suédois (suecos) que se encontraban instalados en el Teatro de los Campos Elíseos.

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Dos figuras (Desnudos sobre fondo rojo). Les deux figures (Nus sur fond rouge). Two figures (Nudes on a red ground). 1923. Kunstmuseum Basel, Suiza. Foto. Archivos fondos propios, by TbArt.

1924. Necesita espacio y junto con el pintor cubista Amedée Ozenfant decide abrir un taller. 1925. Realiza unos murales para decorar el pabellón del Espíritu Nuevo de Le Corbusier.

DESCUBRE AMÉRICA

1931. Fernand Léger nunca había viajado al nuevo continente, él nunca había estado antes en  Nueva York y la ciudad le cautiva con su halo de modernidad. En 1935, expondrá por primera vez en la magnífica ciudad de los rascacielos; el lugar elegido, fue el Museo de Arte Moderno de Nueva York, también expondría Léger en el Instituto de Arte de Chicago.

1940/5. Se encuentra tan bien acogido en la ciudad de Nueva York, que a principios de la década de los años 40; años gloriosos en la gran metrópoli, decide fijar su residencia en la capital de EU, donde ejerce de profesor en la prestigiosa Universidad de Yale.

1945. Terminada la Segunda Guerra Mundial, Fernand Léger regesa a Francia, donde la ultima década de su vida la dedica a pintar, ilustrar, esculpir, realizar vidrieras, mosaicos, escenografías, en 1955, recibe el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.

Finalmente fallece el 17 de agosto de 1955 en Gif-sur-Yvette, muy cerca de París.

Pintura. Fernand Léger. Mecanización y Futurismo.

Pintura. Fernand Léger. Léger. Pintores. Picasso. Braque. Académie Julián. Mecanización. Futurismo.

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Pintura. Juan Gris. Siempre fiel al Cubismo

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Juan Gris. José Victoriano González Pérez.

Madrid. 23/3/1887. Boulogne-sur-Seine. 11/5/1927. Con solo 40 años de edad.

Juan Gris nace en Madrid en el seno de una familia acomodada. Con 17 años comienza su formación artística en la Escuela de Artes y Manufacturas de Madrid, y en el estudio de pintura de José Moreno Carbonero.

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Ilustración de Juan Gris.

Sus primeros pasos profesionales los da en el campo de la ilustración y realiza trabajos para algunas conocidas revistas de la época en España. Pronto su deseo es conocer la bohemia de París, lleno de artistas y envuelto en una alta fiebre creadora. En1906, con 19 años, se establece en el barrio de Montmartre donde, desde lo alto de la colina, París, su sueño, se despliega majestuoso bajo el horizonte; allí conocería  enseguida a Pablo Picasso, Fernand Léger, y Georges Braque… ¡Quien da más!

Para buscarse la vida en aquel fascinante París de principios del inquieto siglo en lo que todo bullía, tuvo que dedicarse a realizar dibujos para revistas…, ¡otra vez la ilustración!

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Retrato de Pablo Picasso. 1912. Art Institute de Chicago.

CUBISMO

1910. El madrileño Juan Gris a la edad de 23 años, rasga el velo del Cubismo. Por fin deja atrás el arte de subsistir y comienza arrollador el fabuloso arte de transgredir como antes le ocurriera a Goya, Rodin, o tiempo después a Rauschenberg, entre otros.

1912. Juan Gris presenta varias pinturas cubistas en el Salón de los Independientes de París.

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Bodegón con persiana. 1914. Tate Gallery. Londres.

1913 . Reside en Ceret una pequeña localidad francesa cercana a España y situada en los Pirineos Orientales. En esta ciudad tan relacionada con el cubismo en la que ya había residido Pablo Picasso en 1911, Juan Gris pinta, y experimenta con el Papier Collé, una técnica pictórica y de collage, que se basa en pegar recortes sobre la pintura, y que es considerada una aportación exclusiva de Juan Gris al cubismo. Georges Braque otro de los fundadores del Cubismo junto con Pablo Picasso es a si mismo aceptado también como el inventor del Collage. Entre 1911 y 1914. Georges Braque y Pablo Picasso, ya pintan juntos en Ceret, algunas pinturas Cubistas.

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Retrato de Madame Jossete Gris. 1916. Museo Reina Sofía. Madrid.

Con el tiempo la relación de Juan Gris y Pablo Picasso, se fué haciedo más distante, y mientras que Picasso evolucionaba hacia un arte más figurativo, Gris en cambio se mantiene en un cubismo a ultranza… Juan Gris es, Siempre fiel al Cubismo.

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Botella y Florero. 1919. Thyssen Bornemisza. Madrid.

ETAPA FINAL

Juan Gris diseña escenografías para el ballet ruso Diaghilev.

Fallece de tuberculosis con solo 40 años.

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La la ventana abierta. 1921. Meter Collection Zurich.

En España podemos ver obra de este gran artista en el Museo Reina Sofía, Fundación Telefonica, Museo Thyssen Bornemisza, y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Pintura. Juan Gris. Siempre fiel al Cubismo.

Pintura. Juan Gris. Cubismo. Cubistas. Pintores. Picasso. Braque.

 

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Pintura. Tomás Bartolomé. «Paisaje en los campos de Zamora». Painting. «Landscape in the fields of Zamora». Óleo, acrílico; lienzo

 

Paisaje en los campos de Zamora

Paisaje en los campos de Zamora. Tomás Bartolomé.

Paisaje en los campos de Zamora. Tomás Bartolomé

Técnica mixta, óleo, acrílico, lienzo. 22 x 27 cms.

Painting title: «Lanscape in the fields of  Zamora»

Mixed media, oil, acrylic, canvas. 22 x 27 cms.

El paisaje que tiñe mis ojos, de campos marrones claros, ocres, sienas, barrosos; húmedos en la tormenta, secos en días de siega y sol, de tabaco y bota, de siesta escocedura y corte.

PAISAJE EN LOS CAMPOS DE ZAMORA

Un paisaje

Unos campos de labor…

Barro cuando llueve

Heridos hierros oxidados 

impregnados en el barro de centeno

De mis abrasados y cegados ojos

En la caliente sangre y la saliva pegajosa

De mis primeros recuerdos de juego y muerte

El sufrido centeno, cerca del campo

Del campo de labor

¡La cebada! …

En la mejor tierra zamorana

En la cortina cerrada

Piedra de afilar, hoz y siega

Mediado julio, sangre sudor

Ropa gastada y vieja, remendada el alma

Desapego inocente, arcano eterno

Aguardiente al alba

Cocido, vino  tabaco y siesta

Picaduras, cortes, nudos en las gavillas

Cántara de agua fresca.

Tomás Bartolomé

Pintura. Tomás Bartolomé. «Paisaje en los campos de Zamora». Painting. «Landscape in the fields of Zamora». Óleo, acrílico; lienzo.

Esta pintura participó en Art Fair Málaga Feria de Arte Contemporáneo que se celebró en la ciudad de Málaga, del 30 de junio al 2 de julio de 2017, en el Palacio de Ferias y Congresos.

Más información. Interesados en esta pintura. contacto@tomasbartolome.com

Pintura. Tomás Bartolomé. Paisaje en los campos de ZamoraPintores. Painting. Landscape in the Fields of  Zamora. Óleo. Poesía. 

 

 

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Mateo Hernández. «A fuerza de mil milagros he podido tener un bloque de diorita, para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga».

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Mateo Hernández Sánchez. Bejar, Salamanca. 1884. Meudon, Francia 1949.

ESCULTOR. TALLA DIRECTA

MATEO HERNÁNDEZ. El escultor bejarano nace en un familia de canteros, se casa a la edad de 21 años con Petra Téllez; un año más tarde se separan, y el escultor, que reside en Bejar, su ciudad de nacimiento, se traslada a Salamanca. Ese mismo año viaja a Madrid (becado por la Diputación de Salamanca) donde realiza estudios de dibujo, y modelaje de lo antiguo, en la Escuela Nacional de Bellas Artes, solo dos años después regresa nuevamente a Salamanca, y de allí marcha a París.

PARÍS

La llegada a la capital francesa en 1910, no resulta nada fácil, el escultor no habla ni una palabra de francés y se encuentra sin trabajo, sin embargo al poco, comienza a trabajar en la construcción como cantero. Tiene 26 años. Dos años después conoce al gran amor de su vida, se trata de Fernande Carton Millet, estudiante de magisterio, que habla perfectamente español, y que ayudará al escultor incluso, con su pobre sueldo de maestra.

MATEO HERNÁNDEZ, trabaja incansablemente en su oficio, es un asiduo visitante del zoo parisino donde toma apuntes del natural y se percibe su amor y respeto por los animales; además, son unos modelos baratos, en un momento, en que a veces es difícil pagar las facturas… Así transcurren unos años.

1920 EL AÑO DEL ÉXITO, alcanza la fama y el reconocimiento

El Barón Rothschild, adquiere su obra Pantera, en el Salón de Otoño de París. El aristócrata paga por la escultura nada más, ni nada menos, que 60.000 francos, una cifra desorbitada para aquellos años 20 de penuria y crisis.

LA PANTERA DE JAVA O PANTERA KERRIGAN

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1923, MATEO HERNÁNDEZ consigue un gran bloque de diorita, la diorita, es una de esas rocas de la naturaleza, similar al granito, y a esta última roca, la conoce bien de su tierra bejarana, donde al ser muy abundante, es usada en la construcción; el escultor, así pues el artista, con su apreciado bloque de diorita comienza, lo que sería una de sus obras más emblemáticas, La Pantera de Java, que actualmente se encuentra en el Metropolitan de NUEVA YORK. Después de dos años de arduo trabajo con su talla directa llena de riesgos, la presenta en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925, resultando galardonada, con el Gran Premio de Escultura. Dos años después La Pantera de Java, sería adquirida por el señor y la señora Kerrigan.

Mateo Hernádez declaró sobre lo ocurrido…

«Yo no quería venderla, esa obra la quería para mí, puse un precio muy alto para no venderla… y se la llevaron».

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Mateo Hernández esculpiendo La Bañista. 1925.

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La Bañista. 1925. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En 1927, la Sociedad del Amigos del Arte organiza una exposición en Madrid, de 27 obras de arte del escultor, asistió al evento la Familia Real; esculturas, no se vendió ninguna, si bien es cierto, que los precios del genial artista no eran aptos para cualquier bolsillo.

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1928, MATEO HERNÁNDEZ, adquiere una espaciosa casa en Meudon, Francia; allí, en su taller, en el que solo y exclusivamente trabaja él, realiza obras de gran tamaño. Trabajador incansable se consagra totalmente a la Escultura, desdeña los materiales blandos y dúctiles, y ataca con rabia los grandes bloques de piedra, ¡cuanto más duros mejor! A veces tenía que vendarse los brazos del dolor, pues constantemente, las briznas de piedra y el chisporroteo que provoca el cincel sobre la dura roca, le causaban golpes y laceraciones.

1949. MATEO HERNÁNDEZ, fallece en su casa de Meudon; finalmente es repatriado y enterrado en Bejar, su localidad natal donde existe un museo (permítanme recomendárselo), dedicado íntegramente a la figura de su insigne vecino; contiene unas 50 obras que actualmente, están cedidas en deposito, por el Museo Reina Sofía de Madrid.

Mateo Hernández. Escultor….

«A fuerza de mil milagros he podido tener un bloque de diorita para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga».

MATEO HERNÁNDEZ. LA PANTERA DE JAVA. ESCULTORES. ESCULTURA. BEJAR. SALAMANCA. MADRID. PARÍS. MUSEO REINA SOFÍA.

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Acuarela. Cardoso. Las horas que gentiles compusieron tal visión para encanto de los ojos. W S

 

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ACUARELA. CARDOSO

Hoy os muestro una de sus magníficas acuarelas.

Cardoso, actualmente trabaja en nuevas obras que iré mostrando próximamente.

En su casa/estudio junto con, Negro su perro, al que encontró abandonado y que ahora es su fiel compañero y «testigo malcriado».

Cardoso…

«Pinta y explora caminos de jara, varetas y retama» a 50 metros del Río Tormes.

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En su hogar, terraza-atalaya mirador y fortaleza, templa su elevado espíritu; el agua, los pinceles; y a horas…, convoca a la musas.

Las horas que gentiles compusieron

Las horas que gentiles compusieron

Tal visión para encanto de los ojos,

Sus tiranos serán cuando destruyan

Una belleza de suprema gracia:

Porque el tiempo incansable, en torvo invierno,          

Muda al verano que en su seno arruina;

La savia hiela y el follaje esparce

Y a la hermosura agosta entre la nieve.

Si no quedara la estival esencia,

En muros de cristal cautivo líquido,

La belleza y su fruto morirían

Sin dejar ni el recuerdo de su forma.

Mas la flor destilada, hasta en invierno,

Su ornato pierde y en perfume vive.

 WILLIAM SHAKESPEARE

Acuarela. Cardoso. Las horas que gentiles compusieron tal visión para encanto de los ojos. W S.

Acuarela. Cardoso. Pintura. Pintores. Poesia. William Shakespeare.

 

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Robert Rauschenberg. «Ser correcto nunca es el punto». Pintura. Expresionismo abstracto.

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Lunes 5 de diciembre de 2016, ya en la oscuridad de la noche fallece en su casa de Captiva Insland, Florida, a los 82 años de edad, y de un infarto, el artista, ROBERT RAUSCHENBERG, que antes de su triste deceso, ya había dejado para la historia algunos de los más importantes iconos del modernismo de la posguerra, con sus obras, Canyon y Cama.

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Canyon. 1959.

ROBERT RAUSCHENBERG, es un pintor, fotógrafo, grabador, coreógrafo, escenógrafo, y compositor, que durante los primeros años 50 anticipa el Expresionismo Abstracto, y coloca al Arte Contemporáneo USA en vanguardia. América, en materia artística, al fin, cesa de mirar a la vieja y desgastada Europa. Desde entonces RAUSCHENBERG no dejó de ser un potente motor inspirador.

ROBERT RAUSCHENBERG. Port Arthur 22 de octubre de 1925. Captiva Insland, Suroeste de Florida 5 de diciembre de 2016.

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Sin titulo. 1959.

En Port Arthur, negra ciudad petrolera de Texas, donde en un principio, nació, vivió, y creció RAUSCHENBERG, era muy fácil en los años 20 del pasado siglo pasar toda una vida inquietamente, sin que tus pupilas llegaran a contemplar nunca jamás, una obra de arte, ni de lejos.

En su vida personal y de artista fue generoso y optimista, siempre abierto al cambio, en lo crematístico -ya rico- ofreció donaciones millonarias a colectivos necesitados, como, el de artistas, niños, mujeres, investigación médica, y también al partido demócrata.

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COLLAGE. 1970.

¡HACER DE LA NADA ALGO VALIOSO!

Empezó RAUSCHENBERG su arte, realizando pequeñas obras, empleando basura interesante, que encontraba en las calles del efervescente Manhattan de aquellos tiempos. Rauschenberg era un niño pobre, su familia había emigrado procedente de Alemania, su abuelo fue medico y ya en América se casó con una guapa india cherokee, su padre, sin embargo, era funcionario, trabajaba para corporaciones locales, su sufrida madre, Dora, lo aprovechaba todo, pues el dinero nunca sobró en su hogar. Tremendamente habilidosa era capaz de hacer de la nada algo valioso, y esta forma de ser, impregnaría profundamente las manera de mirar el arte del joven Robert, siempre a vueltas con sus cuerdas, redes, colillas, papel, cajas, bolsas etc.

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Kioto. 1983.

RAUSCHENBERG Consagró la vida a defender su visión del arte, y terminó hasta hace poco tiempo, metido de lleno en la realización de gigantescas obras en su inmenso estudio de Captiva. La improvisación, la intuición, y la valentía, fueron las enormes guías de su innovador arte. Sobre la visión de este asunto, RAUSCHENBERG nos dejó dicho a los 74 años…

«Spoiling things is a virtue». «Estropear las cosas es una virtud»

Esto, nos da la justa medida de su vocación de prospector en constante búsqueda de la belleza, siempre con un talante arriesgado y generoso. Inmerso en una incierta aventura, que felizmente nunca sabe cómo acabará. Para conocer así un poco más a ROBERT RAUSCHENBERG, os mostraré seguidamente una reflexion del artista tejano, que no tiene desperdicio…

SER CORRECTO NUNCA ES EL PUNTO

«Tengo una ayudante casi fanáticamente correcta, que cuando vuelve a deletrear mis palabras y corrige mi puntuación, no puedo leer lo que escribí. «Estar en lo cierto, puede detener a veces todo el impulso de una idea muy Interesante».

Ahora os contaré una sabrosa y divertida anécdota que sucede durante una de sus más importantes exposiciones y que el gran artista relató al periodista Calvin Tomkins…

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Cama. 1955. Monogram. 1955/59.

Parece ser que en una importante retrospectiva de sus obras celebrada en el Museo Judio y  que acontecio en el año 1963, una mujer se le acerca y le dice a RAUSCHENBERG, que las pinturas, Bed de 1955, y Monogram, de 1955/59, no le gustan, y es más, que piensa que su arte es arbitrario y feo; a todo esto, la señora iba muy maquillada y repeinada. Sobre su cabeza asentado en un precario equilibrio, un pequeño tocado negro betún, con una pluma de gran tamaño estirada, cuyos flecos se ondulaban nerviosos, constantemente; en el pecho la señora lucía un gran broche, y para rematar la faena sobre los hombros, un llamativo visón; RAUSCHENBERG, al principio la escuchó atentamente, y al final, le contestó educadamente, que si él tuviera que describir lo que observaba al mirarla, tal vez su opinión no fuera muy diferente a lo que ella misma le acababa de expresar a él sobre su arte, pues podía advertir si la observaba a primera vista; primeramente su colorida y nerviosa pluma, después, aquel gran broche posado sobre su desproporcionado pecho, y para finalizar alrededor del ancho cuello, el llamativo y horrible visón; que bien podría describirse como la piel de un animal muerto. Dicho esto la mujer visiblemente molesta se fue muy ofendída, mas curiosamente, al momento regresó y mirando a  RAUSCHENBERG con bondad le dijo…

«Was beginning to understand», «Creo que empiezo a entender»

Robert Rauschenberg. «Ser correcto nunca es el punto». Pintura. Expresionismo abstracto.

Pintura. Robert Rauschenberg. Rauschenberg. Pintores. Expresionismo Abstracto.

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Napoleón. Muerte blanca en Rusia

NAPOLEÓN. Con vestimenta imperial. Girodet de Roucy-Trioson, anne-Louis

Napoleón versus Alejandro. Invasion de Rusia por el emperador. La pasión por la gloria.

Occidente se preparaba (enfrentaba), ante un poder quimérico en forma de ego que quería dominar no solo a Europa, también, todo oriente. 700.000 hombres una inmensa fuerza, un gran ejército, nutrido, de la carne y la sangre, de miles de jóvenes europeos, franceses, austriacos, italianos, sajones, croatas, prusianos, polacos, españoles…, algunos por devoción, mas otros obligados y necesitados. El emperador corso hacía girar todo bajo su insoportable órbita. La admiración desmedida, la adición, que le profesaban todos los ámbitos sociales, nobles y plebeyos, le situaban, elevándolo al sobrenatural Olimpo.

Batalla de Krasnoi. Peter Von Hess

En 1912 todo se oscureció, todo el barro inmenso y la estéril tierra yerma, acogerían pronto a los innumerables, y desamparados despojos un gigantesco ejército gritón, diseñado por su numero, para aplastar sin miramientos a sus enemigos.
Al principio, toparon con la soledad y algunos cosacos, pronto sin embargo, se desató eficaz, la fría guadaña, muchos se ahogarían en el río Vilna, mas el ejército, tomó la cuidad (Vilma), y pronto, sin rastros de las tropas rusas, la abandonó, en busca del perseguido enemigo en fuga. Después de algunas peligrosas escaramuzas, conquistaron Vitebsk, que encontraron desierta, sin rastro de tropas rusas. Un sol de justicia secaba las gargantas y cuarteaba la piel de los soldados, agotados, y las caballerías exhaustas. Estaba claro, los rusos aún no iban a dar batalla. Los víveres y la intendencia para tan numerosa tropa, procedían de la Vilna conquistada. Smolensk, ocupaba ahora, la febril mente del ambicioso guerrero, sabia que era el siguiente paso hacia Moscú y San Petersburgo, aunque su ejército, desangrado, iba dejando por el camino, parte de sus hombres, víctimas de la enfermedad, baja en combate, y la degradante y desesperada, deserción. La intendencia ya daba muestras de roma asincronía, y los víveres habían sido pronto racionados. El mes de agosto, (mediado), se hacía sentir, el calor lo ratificaba, y después de 2 semanas de agrupamiento, y cavilaciones, en Vitebsk, la grand armee se pone por fin en camino. Tras varias escaramuzas, en las que muchos rusos mueren y huyen, Napoleón vadea el río Dnieper. Smolensk, la ciudad amurallada y defendida por Barclay, sitiada, resistió causando demasiadas bajas, aunque finalmente cayó presa de un gran incendio, y fue abandonada por sus defensores, dejando asï, la gloria del emperador tacaña de testigos, que no fueran sus marciales generales, valientes oficiales, y la sufrida tropa colorida; plena de sangre, humo, y destrucción.

Mariscal Ney. François Pascal Simon

En su huida las tropas de Barclay, se batieron en una feroz batalla con las del valiente mariscal Ney, «El rubícundo». El rey (de Nápoles), Murat, cubría mientras tanto sus flancos, mientras el frío e inestable Junot, (duque de Abrantes), permanecía cerca. Los rusos derrotados, una vez más, se escabullen, dejando tras de si, un campo rojo sembrado de cadáveres. Aunque hay hospitales y cirujanos, se carece de vendas, y medicamentos, todo insuficiente, y agravado por la falta de alimentos. El emperador no lo puede todo, por vez primera, el pueblo ruso está furioso, tiene grabada en la mente la frialdad del hielo, y maneja, estratégicamente, la destrucción y el incendio, «De que sirve el ejemplo del pasado, en un mundo, en el que nunca hay dos hombres, dos cosas, ni dos posiciones, absolutamente iguales».

General Jean Andoche Junot. Henri Félix Enmanuel Philippoteaux

Jugando al gato y al ratón con una finalidad, el daño y la muerte. La gran armada se va debilitando, desangrada, pierde así, cabezas, brazos, piernas…, parte de su ejército, que ahora se ocupa, en mantener lo conquistado, atrás quedan los muertos sin remisión, y los heridos y sus lastimas.
El avance continuaba, y tuvo lugar la conquista de Viazma. Nuevamente el fuego y la destrucción de la ciudad, el frío y hambre, confirman amargamente la estrategia del invadido. El 7 de septiembre, de 1812, tiene lugar la batalla de Borodino, durante la misma Napoleón se encontraba enfermo (infección de orina, un fuerte catarro, la edad ya pesaba), aunque la victoria fue francesa, la destrucción no tiene padre, y las bajas son muy numerosas… ¡Tanta muerte y sufrimiento no sirvió de mucho!

Mariscal de Francia, y rey de Nápoles, Joachim Murat. (Fragmento). François Gérard

Los rusos retrocedieron, dejando atrás incendios y destrucción, ausencia de víveres y bienes; replegándose se acogieron, a la orografía que màs les favorecía, contaban, con el conocimiento para adaptarse al terreno, y obtener ventaja. Moscú se encontraba muy cerca, el emperador y su ejército creyeron que allí se acabaría la guerra y que serían recibidos en París como héroes, pero cuando llegaron  a sus puertas el 14 de septiembre, la ciudad santa, había sido abandonada y el sabotaje de los rusos y el pillaje de las tropas francesas, incidió en un gran incendio que duró 6 días, quedando el día 20 extinguido, después, de haber arrasado las 2 terceras partes de la ciudad. Después de estremecedores combates que diezman a los dos ejércitos, y con la tropas francesas, desesperadas de agotamiento, hambre y frío, finalmente el emperador, da la orden de retirada, el día 26 de octubre. Esta, se hace penosa y más en un ejército cansado y desangrado, que debe de apurarse, pues el invierno y las tropas rusas le siguen de cerca. Detrás de la vanguardia se suceden terribles escaramuzas con el ejército ruso, y altivos cosacos, magníficos jinetes, y hábiles, y a menudo crueles guerrilleros, que pican, saquean, y huyen.

Retirada de la gran armada francesa de Moscú, interceptada por cosacos rusos. Atkinson, John Augustus

El general invierno no tarda en presentarse (6 de noviembre), sin invitación, mas no sin derecho, y solo distingue, a aquel que bien preparado lo espera y lo teme, al que no, lo aplasta sin contemplaciones su inmenso poder. Todo se convierte en una inmensa capa blanca que todo lo cubre, ya no existen referencias, la orientación es muy difícil; y la debilidad, y la falta, de ropa y calzado de abrigo, se traduce en una muerte segura, el hielo, endurecido, ancla los pies al suelo, y también se adhiere sorda y eficazmente sobre la cabeza,  la poca ropa, los brazos, y las manos. El camino muestra continuamente, a los que tristemente descansarán para siempre en el inmenso país blanco que orgullosos, se atrevieron desafiar. Por el camino va quedando parte del botín, (Grandes cruces, que antes coronaban cúpulas doradas, muebles, jarrones, pinturas y esculturas, cañones demasiado pesados, carruajes estropeados). En su epica retirada, Smolensk, era su última esperanza, esperaban encontrar en ella, refugio, alimentos y calor, pero allí todo escasea, ya son muchos los que precedieron a los de ahora, y a todos hubo que socorrer. Se mando grano y carne (vacas) desde Alemania, mas todo es insuficiente, y solo sirve para socorrer a unos pocos. En la ciudad se mata y muere por la supervivencia, ya no hay hermanos.

Retirada de Moscú. Adolph Northen

Napoleón, partió de Smorgony la noche del 5 de diciembre.

Llegó a París el 19 de diciembre, dejando al mando del ejército en retirada a Murat, mariscal y rey, 28 grados bajo cero, un millar de infantes y de jinetes armados, 9 cañones. Solo, 20.000 pobres desgraciados, quedan en pie, del altivo gran ejército, que desesperado ahora, se bate en retirada.

Napoleón. Muerte blanca en Rusia

Napoleón. Napoleón invade Rusia. Campaña rusa Napoleón. Napoleón derrotado. General invierno. Invierno 

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Retrato de Picasso en Barcelona. 2015. Tomás Bartolomé. Lápiz sobre papel

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Retrato de Picasso en Barcelona. (2015). Lápiz sobre papel. Tomás Bartolomé.

PABLO PICASSO. Málaga 25 de octubre de 1881. 8 de abril de 1973, Mougins, Francia.

MÁLAGA, LA CORUÑA, BARCELONA

PICASSO llega a la Ciudad Condal (1895), con su familia procedente de La Coruña; su padre es profesor en la Escuela de Bellas Artes, y se desplaza con la familia por asuntos laborales. PICASSO tiene en ese momento 13 años, y ya se le da muy bien el dibujo, bajo la tutela  de su padre es un alumno que destaca y del que ya no cabe duda de cual es su vocación… su motor vital.

Foto. Autorretrato. 1896. Picasso con 15 años

En Barcelona el pintor Malagueño, vivirá una etapa de su vida inolvidable.

1895- PICASSO LLEGA A BARCELONA

Vive en el barrio antiguo, allí la totalidad de la bohemia frecuenta Els Quatre Gats, el ambiente es puro movimiento, con sus amigos el joven minotauro se lo pasa muy bien, en aquella época, era frecuente que los jóvenes visitaran prostíbulos en sus locas noches de fiesta. En este aspecto Picasso, siempre fue un alumno aplicado.

Pablo Diego Francisco de Paula Nepomuceno Cipriano de la Grandisíma Trinidad Ruiz y Picasso, (su nombre no es nombre…, es un tren), se dedica aparte de sus farras, a seguir las formalidades del curso académico, estudia en la -Escuela de Bellas Artes de la Lotja- con muy buenas notas. Enseguida tuvo el pintor su primer estudio en la Calle la Plata, posteriormente cambiaría de ubicación en diferentes ocasiones. En Barcelona es donde el joven Picasso se da cuenta de lo que es y, lo que quiere y, se entrega con toda su energía, que es mucha, al dibujo, la pintura, el modelado, el dibujo técnico…, pintar le obsesiona.

Azoteas de Barcelona. 1896. Pablo Picasso. Óleo sobre tabla. Pintó esta obra con 15 años de edad.

ESFUERZO TRABAJO Y GENIO. Fueron nueve intensos años los que vivió Picasso en Barcelona

Finalmente en 1904, con 23 años decide abandonar la Ciudad Condal, y viajar a París, ciudad donde el artista piensa que en ese momento, se encuentran todas la vanguardias artísticas, el cambio, y el camino que precisa, además se da cuenta, de que claramente es un paso más, en sus deseos irrefrenables de alcanzar el éxito, que tanto anhela, y que sabe que finalmente conseguirá.

PICASSO, posteriormente a su marcha, visitará Barcelona en diferentes años, diferentes ocasiones, y por diferentes motivos. A veces, viaja a visitar a su madre y a su hermana Lola. En 1917 se produce una de sus frecuentes visitas. Acompaña en esta ocasión, al Ballet Ruso de Sergéi Diághilev, entre cuyo elenco de bailarinas se encuentra Olga Khokhlova, de la que se encontraba enamorado y con la que se casó solo un año después. 1934. Es el año en que por última vez que se desplaza a Barcelona. Viaja nuevamente con Olga Khokhlova y su hijo Paulo, la relación se está rompiendo, Picasso el gran minotauro, ha conocido y se ha enamorado de Marie-Thérése Walter… Sus amores y  obsesiones solo acaban de comenzar.

Retrato de Picasso en Barcelona. 2015. Tomás Bartolomé. Lápiz sobre papel.

RETRATO DE PICASSO EN BARCELONA. TOMÁS BARTOLOMÉ. LÁPIZ PAPEL. DIBUJO. PINTURA. PINTORES. PICASSO. PICASSO EN BARCELONA. BARCELONA.

 

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Vilhen Ammershøi. La casa de Ammershøi. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista

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AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1895. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi. Copenhague 13 de Mayo de 1864. Copenhague, 13 de febrero de 1916.

Miembro de una pequeña parte de la sociedad privilegiada de aquella época, en la que Dinamarca se encontraba en guerra con el Imperio Astríaco, Guerra de los Ducados, (1 de febrero de 1864/30 de octubre del mismo año), -los daneses salieron derrotados-, nació en Copenhaguen, VILHEN AMMERHSØI, en una buena casa de acaudalados comerciantes. Vilhen Ammersøi realizó estudios con otros maestros, y también en la Facultad de Bellas Artes de Copenhague.

En él se despertó pronto como un rayo la pasión por el arte, y ya a la corta edad de 8 años comenzó su andadura artística, en el intimo mundo del artista que mira sin ser percibido, que se llena observando, que nos escruta, y él, es a su vez mirado, en un raro desdoblamiento psíquico. 

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AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1911. Foto vía internet.

Su pintura muy de la época, obtuvo rápidamente éxito y reconocimientos en todo el mundo. Con 27 años AMMERSHØI felizmente encuentra, a la que desde entonces, será su modelo y compañera hasta el final de sus días, se trata de Ida Listed hermana de Peter Listed un compañero de trabajo  de Vilhen Ammershøi y amigo, que también es pintor; y la curiosidad, es que sus obras y las de su cuñado Peter, se parecen como podemos ver seguidamente…

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Sunshine falling on a door. Peter Listed (pintor y hermano de Ida, modelo, y compañera de AMMERSHØI). Foto vía internet.

En 1887 VILHEN AMMERHSØI realiza un viaje iniciatico a Holanda, para poder contemplar las pinturas de Vermeer por primera vez… Vermeer el pintor holandés, se convierte así en un motor inspirador para él, a la vuelta de dos siglos.

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BEDROOM. VILHEN AMMERHSØI. 1890. Foto vía internet.

LA CASA DE AMMERSHØI

Es el interior de la casa que a todos nos es familiar; a ella se mudan Vilhen e Ida en el año de 1898, y es retratado sin pudor en los cuadros del artista, profusamente; de ella lo conocemos casi todo; las ventanas, las puertas, los muebles, las cortinas, los objetos domésticos, y la calidad de la luz, que rendijera, parece flotar en el recogimiento de sus exhibicionistas escenas, y que armónicamente se cuela por la ventanas, pero siempre, siempre…,  de una forma matizada y esquinada. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

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Petri Kirken in Copenhaguen. VILHEN AMMERSHØI. 1906. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi pinta en su Copenhague natal, retratos, paisajes, arquitecturas, pero sobre todo, sus íntimos y suaves interiores cargados de una atmósfera poética de una luz y perspectiva que atrae; así como nos atrae también, el retrato de un mujer ensimismada y, secretamente observada; se trata de su modelo-mujer-esposa-Ida.

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IDA READING A LETTER. Ida leyendo una carta. VILHEN AMMERSHØI. 1899. Foto vía internet.

Mercado del Arte. En 2012. Vilhen Ammershøi se convierte en el artista mejor pagado de Dinamarca al ser subastado, y vendido un cuadro suyo, «Ida reading a letter«, (Ida leyendo una carta), en Sotheby’s, Londres, por la respetable cantidad de 1.721.250 libras.

Vilhen Ammershøi. La casa de Ammershøi. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

Pintura. Vilhen Ammershøi. Ammershøi. Pintores. Mercado del Arte.  Copenhague. Dinamarca.

 

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Pablo Picasso; platónicamente enamorado de la rubia Sylvette

PICASSO ENAMORADO

PERFIL DE SYLVETTE PICASSO

PABLO PICASSO 1881/73

El genial artista malagueño siempre amó a las mujeres, le gustaba pintarlas; eran su inspiración y su egoísta pasión; retorcía sus caras, sus manos, narices, ojos, orejas, labios, dedos, pies… Así hasta mil veces. También su lujuria lo llevó a los burdeles. Fue amado y amó a las mujeres; fueron muchas y siempre más jóvenes. Él nunca se jactó de su condición de «viejo verde». Machista como era, fue celoso y posesivo. En la mayoría de los casos terminaron sus relaciones para ellas de muy mala manera; histeria, crisis, intentos de suicidio.

Vivió como pintó; Apasionadamente

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La joven Sylvette nació en Francia, aunque de ascendencia Inglesa; su padre era Marchante de ArteEn 1954 cuando PICASSO tenía 73 años conoce a Sylvette, ella rondaba entonces los 19. Se enamora como de la mayoría de sus modelos y,  como siempre, quiere llegar a más; resulta tan evidente el cortejo, que la joven modelo se asusta y, no; nunca se atrevería a posar desnuda para el genial pintor; Sylvette jamás aceptó dinero del gran artista malagueño. Por aquel entonces, la joven belleza tenía novio, (era un artista que realizaba muebles modernos); Picasso le compró algunas sillas. Ella seria su modelo. Él, la desnudo en sus lienzos. La pintó frenéticamente, en muy pocos días, realizó 40 retratos de la bella rubia de la coleta.

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PICASSO LE REGALÓ UN RETRATO

Una mañana que estaban en el estudio, él le dijo; «Sylvette mira bien todos esos retratos; uno; el que quieras, será para ti», Sylvette practica, se decidió por el más grande, poco tiempo después lo vendió, según ella porque necesitaba dinero, y además tenía miedo de que se lo robasen… ¡Siempre el baboso miedo acompañándo a la guapa rubia francesa! Joven, de cabellos largos y de delicado perfil, la muchacha fascinó al artista desde el primer momento.

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Retrato de Sylvette David. 1954.

SYLVETTE temía a los hombres mayores, además, conocía el pasado y el presente amoroso del pintor, (en ese momento PICASSO mantenía una relación a dos bandas, con Francoise Girot y Jacqueline Roque). La chica de la coleta dorada; la pueblerina Silvette, no se fiaba. La relación terminó; lo que pudo ser, lo que pudo haber sido, se frenó en seco, Sylvete, supo finalmente ponerse a salvo a tiempo, del depredador loco y egoísta, del minotauro destructor.

LYDIA CORVETTE

La bella modelo rubia que nació en París en 1935, tiene ahora 84 años. Se dedica al Arte (firma sus obras como Lydia Corvette), sobre todo realiza pintura, cerámica y escultura y, agradece haber conocido a Pablo Picasso pues según sus propias palabras…

_»Con él empezé a valorar la creación artística y hoy día el Arte forma parte de mi vida».

Pablo Picasso; platónicamente enamorado de la rubia Sylvette

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