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Arte. Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre

 

Mujer en el jardín de Monsieur Forest, c. 1889. Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Hola apasionados del Arte. Visita a la exposición

«Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre»

Más de 350 obras de diferentes artistas, como Bonnard, Forain, Vuillard, Signac, o Van Gogh.
Caixa Forum Madrid. Del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019. Muy recomendable.


Toulouse-Lautrec. Conde hijo de un conde, de padres pronto separados, aunque nació noble, prefirió Montmartre y sus cabarets, donde las bailarinas fueron retratadas, y más aún, se convirtieron, en una especie de familia enlazada a la bohemia, que tenía y tiene, tanto que ofrecer, y por la que tanto hubo, y hay que pagar hoy día, aunque al final merezca la pena.

Toulouse-Lautrec, sufrió, con su menguada talla, por mor de la consanguinidad. Él que nació y murió en un castillo, acabó contraviniendo a su altivo padre, que lo despreciaba, por sus defectos físicos, decidió ser artista, y eso, lo fue de sobra. Su noble progenitor, debió de tragarse, entonces atragantado, su orgullo mal entendido. El Niño Toulouse…, se quedó con su madre.

Algunas fotos de la exposición:

El caballero del cabaré y cuatro artistas del Chat Noir, c. 1884. Antonio de la Gándara. Foto by Tbart archivos fondos propios.

En París Montmartre, bullía entonces frenético, mas aunque la vida no era fácil, también la belleza exibia un variado muestrario, y los vecinos del barrio, artistas, camareros, bailarinas, poblaban pululando, la elevada cota parisina, desde donde, se expandían difundiéndose alegremente  imparables, nuevas e incomodas formas de entender el arte.

Caricatura de Toulouse-Lautrec enfrente del Moulin Rouge. (1890). Ferdinand Bac. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Al anochecer a diario, nuestro protagonista se dirigía al Moulin Rouge, donde tenía categoría de lo que llamaríamos hoy, cliente vip, y se entretenía a menudo, conversando con los empleados y las bailarinas del cabaret, así de esa manera, tuvo el privilegio de retratar a estas ultimas, en sus rutinas de camerino, sin que ellas, se sintieran avergonzadas, o molestamente invadidas. Para muchas, fue de gran ayuda, casi, el familiar (a menudo, les faltaba), que las comprendía, aconsejaba, y también si lo necesitaban, ayudaba económicamente. Toulouse-Lautrc, siempre fiel a sus rutinas, se sentaba en un velador reservado, a solas, con su bella absenta azulada y sus tizas de colores, y abstraído, entonces, rompía la figuración, para crear algo nuevo, diferente, más sincero, y curiosamente, cuanto más alejado de la realidad, más veraz.

En el Moulin Rouge, la Goulue y su hermana. (1892). Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Debo de confesarles que mi opinión de Toulose-Lautrec, se ha modificado mucho, desde que pude ver sus primeros carteles, y confieso, que me pareció un magnífico ilustrador publicitario, pero no le di más importancia, poco tiempo después, cuando por fin, fui conociendo más su obra en profundidad, me di cuenta enseguida, de que nos encontramos, ante uno de los pintores más importantes de la historia reciente en el mundo del arte, tuve la feliz ocasión de ver en París pinturas suyas de gran formato, y otras más pequeñas, que me descubrieron, la dimensión, la gran talla, de un artista, cuya menguada talla y sufrimiento, pudieron en principio, ser meras coartadas, que le empujaran sin remisión, al incierto camino del arte; mas hicieron de ėl, un artista único que le dio un vuelta al figurativismo, y que finalmente…, me atrapó para siempre.

Todas las reproducciones de obras de arte, aquí expuestas, participaron en dicha exposición.

Arte. Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Toulouse-Lautrec me atrapó enseguida

Toulouse-Lautrec. Exposiciones. Montmartre. Arte. Moulin Rouge.  Paris

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Arte. Los Prerrafaelistas. Edward Burne-Jones

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El último sueño de Arturo en Avalon. 1881.

Edward Burne-Jones 28 de Agosto de 1833, Birmingham. 17 julio de 1898, Londres

Los Prerrafaelistas. En 1848 se fundaba en Londres, la hermandad prerrafaelista por un grupo de artistas, entre ellos, Millais, Dante Gabriel Rosetti, Holman Hunt, Everett; posteriormente se irían uniendo otros. Su objetivo era ofrecer a Inglaterra, un arte personal, social, y democrático, que tuviera un mensaje al estilo de la pintura cristiana. Ellos, no harían retratos, ni paisajes, tampoco les interesaba el realismo. Vivían por la leyenda y la literatura y denostaban, la producción industrial en las artes decorativas, y la arquitectura. Su idea, era, en el mundo del arte, la denominación en el encaje social, de artesanos, con el rango de Artistas.

BURNE-JONES HUÉRFANO

Burne-Jones. Era hijo de un dorador tallista, como también lo fuera, Francisco de Goya.

Solo tenía 6 días de edad, cuando su madre falleció. Lo criaron su padre, y un ama de llaves, fría, distante, y huraña. Burne-Jones. Había nacido en 1833 en Birmingham, mas pensaba, que vivía en un siglo que no era el suyo, que no le correspondía. Padecía el artista, melancolía y pánico vital.

ESTUDIOS

Empezó  la carrera eclesiástica, en el Exeter College de Oxford, con 20 años de edad, y se dedicó desde muy joven al dibujo; en la literatura, prefería las rimas gloriosas y los versos heroicos de reyes y reinas. Sobre el realismo pensaba…«No tiene que ver nada con el arte, es solo una ciencia interesante y nada más»

Mientras, que Burne-Jones, abandonó, la carrera eclesiástica; William Morris, su compañero en el Exeter College, amigo, y posteriormente socio, al que apasionaban el arte y la arquitectura, de la Edad Media, quería ser arquitecto, Burne-Jones, sería artista. Finalmente, Burne abandonó Oxford, sin terminar los estudios. Sin embargo, a amistad de estos dos artistas, duraría toda la vida.

Corría el año 1853, y los Prerrafaelistas se reunían prácticamente por ultima vez; la intención de Burne-Jones, era el retiro monacal, una vida tranquila alejada del puritanismo de la época.

TRABAJO Y BODA

1855. Dante Gabriel Rossetti, artista, al que admira Jones, es conocido por él en Londres, donde este, impartía clases de pintura, en una escuela popular de gran afluencia; además, de la docencia, Dante poseía un taller de arte, y con él, bajo su dirección trabajará, aunque Burne-Jones, sabrá siempre, mantenerse fiel a su estilo. Después Burne-Jones, viaja a Italia, donde estudia, a los clásicos, que a partir de este momento serán, para él una gran influencia.

1860. Boda. Se casa después de 4 años de noviazgo con, Georgiana MacDonald, que realizaba entonces estudios de arte. Quería ser pintora, y era hermana de uno de sus  amigos, después del matrimonio, Georgiana acabó dedicándose al grabado sobre madera.

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Edward Burne-Jones (1833–1898), Perseus and the Graiae, 1892. Óleo sobre lienzo.

Burne-Jones mientras tanto, además de pinturas, realiza vidrieras por encargo, (Colegio de San Andrés de Bradfield), y como también le interesaban los objetos, se aplica en la decoración, diseñando, tapices, alfombras, cortinas, papel pintado, cerámica, joyeria, muebles, también es ilustrador literario y,  diseñador de vestuario para teatro.

RITUALES Y MEDITACION

Burne-Jones se refugió en la mitología y las leyendas célticas y cristianas, dando rienda suelta a su febril imaginación, que en sus ensoñaciones lo llevaban lejos, tan lejos,  que a veces le costaba volver a la realidad, y entonces, en ese extasis divino, tenía miedo y pensaba que su equilibrio emocional pendía de un hilo, y que tal vez, en alguna ocasión ya no podría regresar, reflejaba en sus cuadros, figuras andróginas, oníricas; figuras de mujeres con cuerpos alargados, leves y, etereas, armónicas como ensimismadas bailarinas de ballet.

Erotismo. Misticismo. Arabescos Descarnados… y Modernismo

Edward Burne-Jones, obtuvo reconocimiento y premios, gozó de éxito, mas fué pronto olvidado, pues se impusieron otros estilos artisticos; para luego posteriormente, ser recuperado nuevamente, ocupa ahora un preeminente lugar por derecho propio, en la Historia de Arte y el Prerrafaelismo.

Los Prerrafaelistas. Edward Burne-Jones. Prerrafaelismo al final.

Arte. Prerrafaelismo. Prerrafaelistas. Burne-Jones. Pintores. Edward Burne-Jones. Mitología. Leyendas.

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Arte. Tiempo. Tomás Bartolomé. Óleo Lienzo

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TIEMPO. TOMÁS BARTOLOMÉ. 2017. Óleo Lienzo

Óleo/Lienzo. Óil/Canvas. Medida/Measure. 50 x 73 cm.

Clasicismo contra Vanguardia y modernidad

Que pronto mudará lo ya sabido y por lo tanto irremediablemente dejará paso a un nuevo modo de expresión artística.

A finales del siglo XIX nació en Málaga un genio, que en Barcelona copiaba el  Clasicismo y, que en París lo puso todo patas arriba. Pablo Picasso en los albores del siglo xx, desgarró el delicado velo de un Arte nuevo, El Cubismo.

Puedo imaginarme a Pablo Picasso trabajando incansablemente y fumando, y también, el momento mágico en que embargado y consciente, muéstra por primera vez, Las señoritas de Avignon al flacucho de Braque que NO se acaba de creer la maravilla enorme, que veían sus asombrados  ojos. Mas, a la vez comprueba entre seguro y extasiado que…, NO ESTÁ SOLO.

Después vendrían El Pop Art de Warhol o el Expresionismo Abstracto de Rothko.

Caminos de Arte antes nunca hollados, e inevitablemente existentes, esperan a ser transitados en este mismo momento, el riesgo merece la pena…

CAMINANTE NO HAY CAMINO. (Fragmento).

Caminante son tus huellas

El camino y nada más;

Caminante, no hay camino,

Se hace camino al andar.

Antonio Machado

Más información sobre esta pintura. Interesados dirigirse a…contacto@tomasbartolome.com

Pintura. Tiempo. Tomás Bartolomé. 2017

Arte. Pintura. Tiempo. Tomás Bartolomé. Pintores. Antonio Machado.

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Arte. Fernand Léger. Mecanización y Futurismo

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Tres Mujeres. 1921. Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Fernand Léger. Argentan, 4/2/1881. Gif-sur-Yvette. 17/8/1955.

Un día frío del mes de febrero, en la Bretaña francesa venía al mundo, en una familia de agricultores, el que pronto seria bautizado por sus padres, con el nombre de Fernand, mas la alegría familiar duró poco, pues no había cumplido ni 2 años, cuando se quedó huérfano de padre.

El bachillerato lo realizó en una institución religiosa. 1897/99. Poco después,  Fernad Léger, se pone a trabajar en un estudio de arquitectura de la ciudad de Caen.

UN NUEVO SIGLO

1900. En busca de ocupacion y formación, se establece en París donde pronto ejerce como delineante, a la vez que realiza estudios de arte en la Académie Julián, una escuela de arte de carácter privado que gozó de gran popularidad, al ser la primera que permitía matricularse a las mujeres, y en la que además en el programa de estudios, se incluía la pintura del modelo al natural, (hombres y mujeres posaban desnudos).

1902/3. El cartero dejó una carta en el buzón, en la misiva se le comunicaba a Fernand Léger, su inminente ingreso en filas para así cumplir el servicio militar, algo que era totalmente obligatorio e ineludible. Terminado el servicio a la patria, Léger intentó matricularse en la Academia de Bellas Artes, pero como a menudo es frecuente, según en que ciudades, la empresa en París le fue harto imposible; como era más que probable, Fernand Léger, no fué admitido en la misma, tras lo cual el artista lo hizo finalmente en la Escuela de Artes Decorativas.

CÉZANNE LE MUESTRA EL CAMINO

La vanguardia está en Cézanne y Léger bebe ávido, e inmediatamente comprende con claridad  lo que vé, se identifica; al mismo tiempo, y ya dedicado de lleno a la pintura, traba amistad con el tándem Braque/Picasso. Mantiene con ellos, además de amistad, la misma forma de entender el arte, no en vano él mismo es un pintor cubista. En estos años, en 1907 concretamente, Pablo Picasso el gran genio malagueño, pintaba lo que sería el gran icono del cubismo, Las señoritas de Avignon.

La pintura de Léger se traduce en un exquisito trato al color y al uso de la modernidad, de principios del siglo XX, una modernidad, que se mantiene traducida transversalmente a nuestros dias, ahora tecnológicos. Fernad Léger utiliza formas geométricas, artefactos, robots, figuras tridimensionales, simbolismo…, mecanización y futurismo.

1910. Expone junto con Braque y Picasso en la galería de Daniel Henry Kahnweiler, un coleccionista y marchante de arte, que pronto tuvo a los 3 en cartera.1912, exposición individual de Léger, en la Galería Kahnweiler. 1914/17. Cine, colabora con el escritor Blaise Cendrars.

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Composicion. 1926. Museo del Hermitage.

1920. Léger diseñó el vestuario y la escenografía los Ballets Suédois (suecos) que se encontraban instalados en el Teatro de los Campos Elíseos.

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Dos figuras (Desnudos sobre fondo rojo). Les deux figures (Nus sur fond rouge). Two figures (Nudes on a red ground). 1923. Kunstmuseum Basel, Suiza. Foto. Archivos fondos propios, by TbArt.

1924. Necesita espacio y junto con el pintor cubista Amedée Ozenfant decide abrir un taller. 1925. Realiza unos murales para decorar el pabellón del Espíritu Nuevo de Le Corbusier.

DESCUBRE AMÉRICA

1931. Fernand Léger nunca había viajado al nuevo continente, él nunca había estado antes en  Nueva York y la ciudad le cautiva con su halo de modernidad. En 1935, expondrá por primera vez en la magnífica ciudad de los rascacielos; el lugar elegido, fue el Museo de Arte Moderno de Nueva York, también expondría Léger en el Instituto de Arte de Chicago.

1940/5. Se encuentra tan bien acogido en la ciudad de Nueva York, que a principios de la década de los años 40; años gloriosos en la gran metrópoli, decide fijar su residencia en la capital de EU, donde ejerce de profesor en la prestigiosa Universidad de Yale.

1945. Terminada la Segunda Guerra Mundial, regesa a Francia, donde la ultima década de su vida la dedica a pintar, ilustrar, esculpir, realizar vidrieras, mosaicos, escenografías, en 1955, recibe el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.

Finalmente fallece el 17 de agosto de 1955 en Gif-sur-Yvette, muy cerca de París.

Arte. Fernand Léger. Mecanización y Futurismo.

Arte. Fernand Léger. Léger. Pintores. Picasso. Braque. Académie Julián. Mecanización. Futurismo

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Arte. Landscape. El agua de aquel río

Landscape. Tomás Bartolomé. Técnica mixta sobre cartulina

EL RELOJ DE ARENA

Está bien que se mida con la dura
Sombra que una columna en el estío
Arroja o con el agua de aquel río
En que Heráclito vio nuestra locura

El tiempo, ya que al tiempo y al destino
Se parecen los dos: la imponderable
Sombra diurna y el curso irrevocable
Del agua que prosigue su camino.

Está bien, pero el tiempo en los desiertos
Otra substancia halló, suave y pesada,
Que parece haber sido imaginada
Para medir el tiempo de los muertos.

Surge así el alegórico instrumento
De los grabados de los diccionarios,
La pieza que los grises anticuarios
Relegarán al mundo ceniciento

Del alfil desparejo, de la espada
Inerme, del borroso telescopio,
Del sándalo mordido por el opio
Del polvo, del azar y de la nada.

¿Quién no se ha demorado ante el severo
Y tétrico instrumento que acompaña
En la diestra del dios a la guadaña
Y cuyas líneas repitió Durero?

Por el ápice abierto el cono inverso
Deja caer la cautelosa arena,
Oro gradual que se desprende y llena
El cóncavo cristal de su universo.

Hay un agrado en observar la arcana
Arena que resbala y que declina
Y, a punto de caer, se arremolina
Con una prisa que es del todo humana.

La arena de los ciclos es la misma
E infinita es la historia de la arena;
Así, bajo tus dichas o tu pena,
La invulnerable eternidad se abisma.

No se detiene nunca la caída
Yo me desangro, no el cristal. El rito
De decantar la arena es infinito
Y con la arena se nos va la vida.

En los minutos de la arena creo
Sentir el tiempo cósmico: la historia
Que encierra en sus espejos la memoria
O que ha disuelto el mágico Leteo.

El pilar de humo y el pilar de fuego,
Cartago y Roma y su apretada guerra,
Simón Mago, los siete pies de tierra
Que el rey sajón ofrece al rey noruego,

Todo lo arrastra y pierde este incansable
Hilo sutil de arena numerosa.
No he de salvarme yo, fortuita cosa
De tiempo, que es materia deleznable.

Jorge Luis Borges

Arte. Landscape. El agua de aquel río

Arte. Tomás Bartolomé. Pintura

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Arte. Pedro Berruguete. Dinastía de Artistas Castellanos

La Virgen de la leche. Ayuntamiento de Madrid

Pedro Berruguete. Paredes  de Nava, 1450, Palencia 1503

Paredes de Nava a mediados del siglo XV, podía albergar unas 5.000 almas, pues esta localidad, se encontraba situada, entre las quince más pobladas de toda Castilla. Situada en la comarca palentina de Tierra de Campos, y a solo, 21 Km de Palencia, era, una ciudad amurallada y temática, donde sobriamente, mas a menudo, se erigían ermitas, hospitales, capillas, monasterios, y siete iglesias, así pues, era un buen sitio de partida, un buen comienzo, para un pintor de arte sacro.

UNA SAGA, UNA DINASTÍA DE PINTORES Y ESCULTORES

Perteneciente a una notable saga de artistas: Su abuelo fue, «Berruguete el Viejo«, escultor. Su hijo, Alonso de Berruguete, también notable, escultor y pintor; y su nieto Inocencio Berruguete también escultor.

Comenzaremos la narración, situándonos, en el mundo de la hipótesis y de la falta de documentación, ya que hay demasiados datos que son inciertos, y otros, basados meramente, en conjeturas históricas, o especulaciones de análisis de indicios. Por lo tanto, su fecha de nacimiento, así, como la posibilidad de que falleciera en Madrid, son datos dudosos. En cuanto a su formación, se barajan las siguientes, realizó sus estudios, en Salamanca, o por el contrario, se formó en los Países Bajos. Después de realizados sus primeros estudios, es probable que residiera en Italia, aproximadamente 10 años, primero; en Roma, y Nápoles, pero sobre todo en Urbino, donde realiza una serie de retratos para el Duque de Urbino, su benefactor.

Berruguete introduce el renacimiento italiano en la pintura castellana

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Federico de Moltefeltro y su hijo Guidobaldo. Pedro Berruguete, h, 1474/1477. Galería de las Marcas de Urbino.

Pedro Berruguete, regresa a su pueblo, Paredes de Nava, Palencia, donde contrae matrimonio con Elvira Gonzalez, dama, que pertenece a una familia adinerada, también nuestro protagonista proviene, de una familia de hidalgos, y goza de una posición económica privilegiada. Allí. Su obra se vuelve más sobria, deja de lado los detalles, y se centra sobre todo en el encuadre, y la armonía cromática.

Sus pinturas, aportan un algo diferente, las figuras de sus retratos, nos hablan. A veces, le interesa más la verdad, que la belleza…, «Antes la verdad que la paz», escribiría un atormentado, y siempre en lucha con él mismo, el escritor, Miguel de Unamuno, 5 siglos después.

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Disputa entre Santo Domingo y los Albigenses. Pedro Berruguete.  Museo del Prado

En Paredes de Nava, el pintor, ya instalado en su taller, recibe multitud de encargos, sobre todo, de instituciones eclesiásticas, y es también más que probable, que los recibiera incluso de la misma reina Isabel La Católica.

Sobre todo Palencia y, casi todas la provincias de Castilla y León, así como Toledo y Madrid, son contenedoras de muchas de las obras del excepcional pintor palentino. Su pintura cabalga entre el gótico y el renacimiento Italiano. Algunas de sus pinturas en España son:

Pinturas para la catedral de Toledo, Pinturas para el Convento de Santo Tomás de  Ávila, Pinturas para la Catedral de Burgos.

Cuando falleció Pedro Berruguete, se encontraba trabajando en unas tablas para el retablo de la  Catedral de Ávila, y tristemente falleció, antes de concluir su trabajo.

Arte. Pedro Berruguete, forma parte de una magnífica dinastía de Artistas Castellanos.

Arte. Pedro Berruguete. Berruguete. Arte. Pintura. Pintores. Escultura. Dinastía. Saga. Palencia. Gótico. Renacimiento. Castilla y León. Pintura Castellana.

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Arte. Joaquín Sorolla. A la sombra de la barca

A la sombra de la barca. 1903/4. Sorolla.

Joaquín Sorolla y Bastida, Valencia 27 de febrero de 1863, Cercedilla 10 de agosto de 1923

POESIA

Brisa Marina. 

Leí todos los libros y es, ¡ay! , la carne triste.
¡huir, huir muy lejos! Ebrias aves se alejan
entre el cielo y la espuma. Nada de lo que existe,
ni los viejos jardines que los ojos reflejan,
ni la madre que, amante, da leche a su criatura,
ni la luz que en la noche mi lámpara difunde
sobre el papel en blanco que defiende su albura
retendrá al corazón que ya en el mar se hunde.
¡Yo partiré! ¡Oh, nave, tu velamen despliega
y leva al fin las anclas hacia incógnitos cielos!
Un tedio, desolado por la esperanza ciega,
confía en el supremo adiós de los pañuelos.
Y tal vez, son tus mástiles de los que el viento lanza
sobre perdidos náufragos que no encuentran maderos,
sin mástiles, sin mástiles, ni islote en lontananza…
Corazón, oye cómo cantan los marineros!

Stéphane Mallarmé

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Ayamonte. Joaquín Sorolla (1929). Pesca del atún

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El baño del caballo. (1909). Joaquín Sorolla

El Pintor de la Luz con esos blancos hirientes de rayos cegadores, y el de la playa, y los marineros, o el de la crítica, la reivindicación, y la denuncia, de la explotación obrera. Su siempre magnífico sello pictórico impregnado de contrastes, es sobre todo un propio sello, y como tal, prospector, personal, e intransferible.

Arte. Joaquín Sorolla. A la sombra de la barca. ¡Yo partiré! ¡Oh nave, tu velamen despliega y leva al fin las anclas hacia incógnitos cielos!

JOAQUIN SOROLLA. A LA SOMBRA DE LA BARCA. SOROLLA. PINTURA. ARTE

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Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

 

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Primer autorretrato conocido de GOYA. 1768? Con 22 años de edad

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

El genial pintor nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo de Zaragoza (Fuendetodos), que se encuentra a medio camino entre Cariñena y Belchite, a 40 Kms de la capital aragonesa; cabras, ovejas y agricultura de secano; este es el entorno rural en que nace el monstruo.

Su padre era maestro dorador y su trabajo sobre todo consistia en la restauración de retablos. La formación artística de GOYA comienza tarde, aconteciendo cuando su progenitor, se da cuenta, de que no podrá ofrecer a su hijo un futuro mejor, que el de darle, (al igual que sucederá entre otros, con el padre de Paco de Lucia y el de Ara Malikian, 250 años después), un oficio.

Francisco de Goya empezó sus estudios de arte a los 13 años, muy tarde para las costumbres de la época. La familia vivía entonces en Zaragoza. Con 23 años Goya viaja a Italia donde copia a los clásicos. Concluidos sus estudios regresa finalmente a Madrid, comenzando su carrera en la capital de la Villa y Corte, como pintor de cartones para tapices, trabajo en el que permanecerá 12 años en dos periodos de 5 y 7 años respectivamente.

Francisco de Goya a los cuarenta años, tenía ya solucionada su vida en cuanto a ingresos económicos regulares se refiere; poseía el título de Pintor del Rey (Carlos IV) y posteriormente el de Primer Pintor de Cámara, así pues, el artista cada vez depende menos de los encargos de particulares y puede dedicarse a una pintura mucho más personal, creativa y diferente, de lo que entonces era habitual; con 47 años empieza a desarrollar su visión de genio, él lo llama «Obras de capricho e invención».

¿PORQUÉ  SE QUEDÓ SORDO EL GENIAL PINTOR?

 «Goya se queda sordo con casi 47 años (la enfermedad comienza a manifestarse en el mes de noviembre de 1792) a causa de la Plumbosis».

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El AQUELARRE. 1797/8

El genial pintor aragonés, ya estaba sordo cuando realizó «El Aquelarre» 1797.  Su sordera se produjo cuatro años antes debido, a lo que llamaríamos hoy una enfermedad profesional, el nombre que recibe este mal es Plumbosis, el óleo contiene plomo y su constante utilización puede producir una intoxicación gradual de la sangre. Goya estuvo muy grave y la secuela que le dejo la enfermedad fue la sordera y, tal vez el mal genio; esta enfermedad era frecuente entre pintores en aquellas épocas, Caravaggio, el genial pintor italiano de las riñas, los escorzos, y claroscuros… también la padeció.

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Tio Paquete. 1820. Goya

Superada esta enfermedad, y ya sordo, el pintor parece hacer una declaración de intenciones, y su obra se vuelve más personal si cabe; proclamando la libertad creativa del autor al margen de los encorsetamientos de la época; sirva como muestra la temática elegida por el artista para la escena de «El Aquelarre«.

EL GENIAL SORDO NO RENUNCIA A SU MANERA DE SER

Debido a su gran éxito el pintor no puede renunciar a los innumerables compromisos que conlleva su situación y más teniendo en cuenta que la mayoría de sus encargos proceden de la alta sociedad, entre la que se ha convertido en el pintor de moda, por lo tanto al genial sordo no le queda nada más que «nadar entre dos aguas», algo a lo que ya está acostumbrado; GOYA con dosis de inteligencia y sorna supo defender su más íntima identidad, y obtener la libertad que como artista y ser humano entendía como un derecho inalienable; un universal derecho, al que él, no renunciaría fácilmente. Siempre me ha interesado este GOYA  cargado de retranca que parece saber en todo momento quien es, y que mantiene con astucia una cierta desconfianza e independencia. El que trata a diario con reyes y nobles y, también el que sin embargo, siempre tiene presente donde nació, quien es, y lo más importante, ¡Quien, y que, quiere ser!

El gran maestro un año antes de fallecer en Burdeos realiza uno de sus últimos óleos. «La lechera de Burdeos»

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«La lechera de Burdeos» 1827. Goya. Museo del Prado

Goya muere en su exilio de Burdeos el 16 de abril de  1828 a los 82 años de edad.

Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?. Pintores. Goya Sordo. Sordera Goya. El Aquelarre. Goya. Arte

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Arte. Renoir. «Aline». Mujer Modelo, Mujer Esposa

Impresionismo

EL ALMUERZO DE LOS REMEROS

PIERRE AUGUSTE RENOIR. 1841 LIMOGES. 1919 DOMAINE DES COLETTES.

Renoir es el sexto de siete hermanos, su familia es, en origen, humilde; su padre sastre, su madre costurera, se trasladan a París en busca de estabilidad profesional, cuando Auguste tiene solo 4 años. Muy pronto, el Renoir niño, empieza a pintar las maltratadas paredes del sencillo y agitado hogar, con trozos de negro carbón…

Su vocacion es tan pura y clara como un límpido y frío brillo de adiamantada belleza

1862 RENOIR ingresa en la Escuela de Bellas Artes. Comienza así una etapa adulta no exenta de riesgo y vocación, y también, de dura pobreza, en la que el artista vive de prestado en casa de amigos de la talla, de Bacille, Sisley, o Monet. Los 4 pintan en ocasiones juntos, por los alrededores de París.

Para Renoir el «Louvre» es como su casa y Delacroix su maestro

1870 COMIENZA LA GUERRA FRANCO PRUSIANA

Renoir es reclutado y destinado a caballería. En la brutal contienda muere su querido amigo Bacille. Sangrienta y triste hasta la nausea, es la oscura hiel, que se se ceba en Europa, Auguste Renoír resulta muy afectado por la pérdida del pobre Bacille. Ya licenciado, Renoir se traslada a vivir a Montmartre en 1873/84. En este barrio de la bohemia parisina, el pintor sería muy feliz, por primera vez se siente de algún lugar, y lo más importante de todo, conoce a la que sería su gran amor Aline.

A ORILLAS DEL SENA

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En una caseta entre cañas y varetas, a orillas del Río Sena los parisinos huyen del calor de la gran metrópoly  para beber, comer, y darse un refrescante baño  en tan míticas aguas. El río en verano alegra la vida a los vecinos de la gran urbe capitalina. La que se convertiría finalmente en esposa del pintor, Alíne Charigot, posa para el artista en muchas ocasiones, pero ahora nos fijaremos en una de sus pinturas más emblemáticas…

«EL ALMUERZO DE LOS REMEROS». ÓLEO (1881)

En primer plano a la izquierda del cuadro, sentada, se encuentra Aline ¡tan jóven!, con su sombrero floreado y haciéndole mimitos a un caniche pequinés.

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EN EL ALMUERZO DE LOS REMEROS. Aline tiene 22 años, Renoir, 40. Se casaron 9 años más tarde en París, corría el año 1890.  Tuvieron 3 hijos.

GUSTAVE RENOIR Y “ALINE” CHARIGOT

Se conocieron en 1880, eran vecinos, Aline oficiaba de costurera, al igual que su madre. Era una guapa modistilla que paseaba su gracia femenina por el barrio de Montmartre; en esas  mismas calles de París de las que era vecino Auguste RenoirPronto surgió entre ellos una fuerte atracción. Fue como una luminosa y brillante descarga eléctrica. Además de en su modelo, pronto Aline, se convirtió en su enamorada musa y en fuente continua de inspiración. La década de los 80 fué muy importante para RENOIR (ahora padre); pues significó una cierta estabilidad económica y le salvó a él y a su familia de morir en la más absoluta indigencia.

RENOIR ÉXITO Y RECONOCIMIENTO

El pintor, por fin, empieza a recibir encargos regularmente; en 1900 logra el éxito con rotundidad, es internacionalmente reconocido y recibe premios y homenajes.

DESENLACE

Después de una vida en la que compartieron amor y éxito, llegó otra en la que el sufrimiento se instaló en las vidas de Aline y Gustave…

LA  GRAN CARNICERÍA. (1914), comienza la Primera Guerra Mundial.

Dos de los tres hijos de Aline y Renoir, son llevados al matadero, a aquella enorme trituradora de carne humana, (y animal) fruto de la sinrazón que fue lo que se conoce como La Gran Guerra. Resultan los dos gravemente heridos.Encontrándose Aline visitándolos, fallece (1915) a causa del agotamiento, y la diabetes que padece desde hace mucho tiempo, y que ahora se agrava con tanto dolor. Muere Aline tres años antes que Renoir.

Renoir es considerado un pintor impresionista, y por supuesto uno de los más importantes de la historia del arte.

*La primera exposición impresionista, se celebró en Paris el año 1874 y resultó, un rotundo fracaso con ácidas y descalificantes críticas. Participaron en este histórico evento 29 artistas con 165 obras».

Renoir, falleció (1919), de una pulmonía a los 78 años.

Arte. Renoir. Aline, su gran amor, mujer modelo, mujer esposa.

Arte. Auguste Renoir. Renoir. Pintura. El Almuerzo de los Remeros. Aline

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Literatura. Góngora. De pura honestidad templo sagrado

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LUIS DE GÓNGORA

Retrato de Góngora. Velázquez. (1622). Museo de Bellas Artes de Boston.

En la pintura (podemos ver, un magnífico retrato del gran escritor cordobés ), realizada por Diego Velázquez, de la que existen diferentes copias.

Un excelso poema de Góngora. Dos grandes maestros, dos máximos exponentes en sus diferentes áreas artísticas, unidos por su inmensa maestría…

Luis de Góngora y Argote. Cordobés, 1 de julio de 1561. Fallecimiento, Córdoba 23 de mayo, de 1627.

Diego Rodríguez de Silva y Velázquez.. Sevillano 6 de junio de 1599. Fallecimiento, Madrid 6 de agosto de 1660.

Los 2 andaluces, los dos geniales, fueron contemporáneos. A Velázquez y Góngora solo los separaron 38 años de edad. De los dos artistas, Velázquez era el más joven. Hemos comenzado admirando el gran retrato que el pintor de reyes, hizo del excelso escritor, ahora ya es tiempo de ir y deleitarnos, con uno de sus magníficos poemas.

POESIA

De pura honestidad templo sagrado,
cuyo bello cimiento y gentil muro
de blanco nácar y alabastro puro
fue por divina mano fabricado
;
pequeña puerta de coral preciado,
claras lumbreras de mirar seguro
que a la fina esmeralda el verde puro
habéis para viriles usurpado;
soberbio techo, cuyas cimbrias de oro
al claro sol, en cuanto en torno gira,
ornan de luz, coronan de belleza;
ídolo mío a quien rendido adoro,
oye piadoso a quien por ti suspira,
tus himnos canta y tus virtudes reza.

LUIS DE GÓNGORA

Luis de Góngora. De pura honestidad templo sagrado, cuyo bello cimiento y gentil muro de blanco nácar y alabastro puro fue por divina mano fabricado.

LIIS DE GÓNGORA. GÓNGORA. LITERATURA. ESCRITORES. POESÍA. PINTURA. VELÁZQUEZ.