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El Artista. «Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua»

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Foto. By TbArt.

Artista. Produce y crea obras de arte.

Del latín ars, artis. Capaz de crear… crear volúmenes, conformar espacios.

 

El Artista

Un día nació en su alma el deseo de modelar la estatua del «Placer que dura un instante».

Y marchó por el mundo para buscar el bronce, pues sólo podía ver sus obras en bronce.

Pero el bronce del mundo entero había desaparecido y en ninguna parte de la tierra podía encontrarse, como no fuese el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida».

Y era él mismo con sus propias manos quien había modelado esa estatua, colocándola sobre la tumba del único ser que amó en su vida.

Sobre la tumba del ser amado colocó aquella estatua que era su creación, para que fuese muestra del amor del hombre que no muere nunca y como símbolo del dolor del hombre, que se sufre toda la vida.

Y en el mundo entero no había más bronce que el de aquella estatua.

Entonces cogió la estatua que había creado, la colocó en un gran horno y la entregó al fuego.

Y con el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida» modeló la estatua del «Placer que dura un instante».

Oscar Wilde

«Lo único que consuela a los hombres por las estupideces cometidas, es el orgullo de realizarlas»

O.W

El Artista. Oscar Wilde. «Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua»

LITERATURA. El ARTISTA. OSCAR WILDE. ESCRITORES. WILDE. ARTISTA. ESCULTURA. PLACER. DOLOR. ARTE

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¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Plensa, se queda

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Jaume Plensa. Tomás Bartolomé. Óleo cartón. 2016

¡AY, CARMELA!

El escultor barcelonés Jaume Plensa; Barcelona 1955, tiene su estudio muy cerca de la Ciudad Condal. Escultor, Grabador, Dibujante, Arquitecto, Ilustrador etc. Es uno de los artistas españoles más cotizados en el Mercado de Arte Internacional.

Los vecinos del barrio, no querían que la cabeza de niña (CARMELA) de Plensa (4 metros de altura, de pesado hierro fundido), que se encontraba situada frente al Palau de la Música de Ciutat Vella, dejara la vecindad del centro histórico… Como estaba previsto, aquella gran y bella cabeza, era para casi todos, como algo, que sentían, que había llegado hasta allí, para quedarse; pero el plazo de su retirada, inexorablemente vencía ,como un árbol viejo, que arrastra sus secas ramas, al final de su impávida vida… ¡Y, sí, las obras de PLENSA están pensadas para la eternidad!

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CARMELA. Esta magnifica foto pertenece a su autor Carles Rivas, imagen via internet

La rotunda escultura CARMELA impresionante y bella, es pesada y etérea, hecha para quedarse, atrás quedaron, las fotografias previas, y el trabajo de estudio.
El tiempo era tasado, debería haber sido retirada ya, hace mucho tiempo, (el extinto día 18 del mes de septiembre de 2016)… ¡PERO CAMELA SE QUEDA!

Lo pidieron los vecinos y Plensa se siente feliz, la cederá gratis al ayuntamiento 8 años más, con opción a prorroga; (como es natural, aunque, esta no debería ser la única opción). El consistorio, correrá con los gastos de fabricación y mantenimiento, y también, habrá que hacerle una peana más duradera a la bella cabeza. Mas el ayuntamiento no la adquirirá como era su interés; además, la cabeza de niña había sido en principio comprometida con otro comprador, que elegantemente, al fin se abstendrá. La magnífica escultura está valorada en 500.000/700.000 euros. Pero bueno, Plensa está contento. Se encuentra en Barcelona ciudad a la que ama, de ella dice, «Como no vas a querer el lugar donde naciste».

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LA FUENTE CROWN. Chicago. Foto internet.

Plensa ha estado exponiendo recientemente sus obras en USA; Nashville, Tampa, y Toledo, fueron las ciudades elegidas, en todas ellas, las piezas mostradas, fueron finalmente adquiridas, y se quedaron allí; actualmente PLENSA tiene a punto de inauguración, una obra en Toronto, y está trabajando, en un proyecto para Montreal, ahora, vive más en los aviones y hoteles, que en su estudio taller de Barcelona.

LA FUENTE CROWN 2004.  En el “PARQUE MILLENNIUM” de la ciudad de CHICAGO. Es un verdadero icono para la gran urbe, y una magnífica inversión para la ciudad y la ciudadanía.

UNA GRAN ESCULTURA DE 52 METROS DE ALTURA JUNTO AL MAR

En Barcelona su ciudad natal acaricia un gran sueño, una escultura junto al mar. Las cosas van despacio, pero PLENSA, sabe esperar. La escultura que presentó en Venecia podría ser un avance sobre la presentada para la Ciudad Condal.

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MIST. Basílica San Giorgio Maggiore. La cabeza de PLENSA en Venecia. Esta foto pertenece a su autor, y fue obtenida via internet.

El proyecto, como no puede ser de otra manera es importante y complejo, pero hay voluntad de acuerdo por las dos partes, PLENSA, artista muy cotizado mundialmente, ofrece la escultura a sus vecinos de BARCELONA gratuitamente, (solo se tendrían que abonar los costes y el mantenimiento), que aún así son elevados, y no son ahora momentos, de inversiones ávidas, pero difíciles de abordar económicamente, mas no debemos de olvidar nunca el arte, lo que este nos ofrece; y, si es de calidad, este, debe ser justamente valorado. El Ayuntaminto de Barcelona tiene ante sí, sin duda, una gran oportunidad, no exenta de rentabilidad.

¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.

Jaume Plensa. Plensa. Escultores. Escultura. Arte Contemporáneo. Carmela. Barcelona. Mercado del Arte. Pintura. Tomás Bartolomé

Feliz día de Reyes. “La Epifanía”. Gil de Siloé

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La Epifanía. Gil de Siloé. Retablo Mayor. Detalle. Cartuja de Miraflores. Burgos. España.

FELICES REYES MAGOS

Feliz día de Reyes. Después de una inquieta noche, en que la magia se adueña de nuestros corazones, volaron nuestros deseos, después de haber dejado la carta. Depositamos en el salón, comida, agua, leche, y dátiles (sabemos que les gustan mucho). Por los dulces magos nocturnos, nos acostamos pronto. Nervios e ilusión, hoy al alba cuando cante el gallo y, rompiendo nuestros inquietos sueños, estos, se quiebren inocentes, iremos como certeros, y veloces venablos, a buscar lo que nos dejaron los mágicos magos de oriente. Los papeles y cajas de brillantes colores, que vemos al fin, contienen nuestros encargos… ¡Felices reyes a todos!

Ahora, un poco de Arte

Gil de Síloé. Escultor

Se tienen pocas certezas de su nacimiento y origen. Se cree, que pudo nacer  entre 1440/50; unos dicen, (la mayoría), que era extranjero de Amberes, otros que era Alemán. También afirmaron que judio converso, y algunos, que del mismo Burgos, pues su fallecimiento, se produjo en la capital castellana, entre 1470/51. Se sabe que desarrolló su carrera como escultor en la magnífica ciudad del Cid, donde poseía un taller, en el que trabajaba, junto con sus aprendices y oficiales, para dar salida a multitud de encargos, pues nunca le faltó el trabajo a Gil. Retablos, y sepulturas, fueron lo más demandado. Burgos, era ya entonces, una ciudad muy importante, plagada de iglesias, conventos, y también de mercaderes, y comerciantes.

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Detalle

Gil de Síloé. Está considerado, como uno de los máximos exponentes de la Escultura Gótica en España, y por ende en el continente europeo.

FELICES REYES MAGOS

Feliz día de Reyes. La Epifanía. Gil de Siloé. Tomás Bartolomé.

Feliz día de Reyes. La Epifanía. Gil de Siloé. Escultura. Escultores. Gótico

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Arte. Pedro Berruguete. Dinastía de Artistas Castellanos

La Virgen de la leche. Ayuntamiento de Madrid

Pedro Berruguete. Paredes  de Nava, 1450, Palencia 1503

Paredes de Nava a mediados del siglo XV, podía albergar unas 5.000 almas, pues, se encontraba, entre los quince municipios más pobladas de Castilla. Situada en la comarca palentina de Tierra de Campos, y a solo, 21 Km de Palencia, era, una ciudad amurallada y temática, donde sobriamente, pero a menudo, se erigían ermitas, hospitales, capillas, monasterios…, y siete iglesias, así pues, era un buen sitio de partida, un buen comienzo, para un pintor de arte sacro.

UNA SAGA, UNA DINASTÍA DE PINTORES Y ESCULTORES

Perteneciente a una notable saga de artistas: Su abuelo fue, «Berruguete el Viejo«, escultor. Su hijo, Alonso de Berruguete, también notable, escultor y pintor; y su nieto Inocencio Berruguete también escultor.

Comenzaremos la narración, situándonos, en el mundo de la hipótesis y de la falta de documentación, ya que hay demasiados datos que son inciertos, y otros, basados meramente, en conjeturas históricas, o especulaciones de análisis de indicios. Por lo tanto, su fecha de nacimiento, así, como la posibilidad de que falleciera en Madrid, son datos dudosos. En cuanto a su formación, se barajan las siguientes, realizó sus estudios, en Salamanca, o por el contrario, se formó en los Países Bajos. Después de realizados sus primeros estudios, es probable que residiera en Italia, aproximadamente 10 años, primero; en Roma, y Nápoles, pero sobre todo en Urbino, donde realiza una serie de retratos para el Duque de Urbino, su benefactor.

Berruguete introduce el renacimiento italiano en la pintura castellana

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Federico de Moltefeltro y su hijo Guidobaldo. Pedro Berruguete, h, 1474/1477. Galería de las Marcas de Urbino.

Pedro Berruguete, regresa a su pueblo, Paredes de Nava, donde contrae matrimonio con Elvira Gonzalez, dama, perteneciente, a una familia adinerada, también nuestro protagonista proviene, de una familia de hidalgos, y goza de una posición económica privilegiada. Allí. Su obra se vuelve más sobria, deja de lado los detalles, y se centra sobre todo en el encuadre, y la armonía cromática.

Sus pinturas, aportan un algo diferente, las figuras de sus retratos, nos hablan. A veces, le interesa más la verdad, que la belleza…, «Antes la verdad que la paz», escribiría un atormentado, y siempre en lucha con él mismo, el escritor, Miguel de Unamuno, 5 siglos después.

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Disputa entre Santo Domingo y los Albigenses. Pedro Berruguete.  Museo del Prado

En Paredes de Nava, el pintor, ya instalado en su taller, recibe multitud de encargos, sobre todo, de instituciones eclesiásticas, y es también más que probable, que los recibiera incluso de la misma reina Isabel La Católica.

Sobre todo Palencia y, casi todas la provincias de Castilla y León, así como Toledo y Madrid, son contenedoras de muchas de las obras del excepcional pintor palentino. Su pintura cabalga entre el gótico y el renacimiento Italiano. Algunas de sus pinturas en España son:

Pinturas para la catedral de Toledo, Pinturas para el Convento de Santo Tomás de  Ávila, Pinturas para la Catedral de Burgos.

Cuando falleció Pedro Berruguete, se encontraba trabajando en unas tablas para el retablo de la  Catedral de Ávila, y tristemente falleció, antes de concluir su trabajo.

Arte. Pedro Berruguete, forma parte de una magnífica dinastía de Artistas Castellanos.

Arte. Pedro Berruguete. Berruguete. Arte. Pintura. Pintores. Escultura. Dinastía. Saga. Palencia. Gótico. Renacimiento. Castilla y León. Pintura Castellana.

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«La Fuente Crown», Chicago. Las ideas se pueden tocar. Jaume Plensa. Escultor.

La fuente Crown

La fuente Crown

El escultor barcelonés Jaume Plensa; Barcelona 1955, tiene su estudio muy cerca de la Ciudad Condal.

Allí en una inmensa nave industrial, PLENSA da rienda suelta a su fértil y desbordante creatividad. Lo saben muy bien en la ciudad de Chicago. Ellos están muy orgullosos de su «FUENTE CROWN» tan orgullosos están de su fuente, que ya pertenece a la iconografía de la ciudad norteamericana.

La fuente en cuestión le costó al ayuntamiento 17 millones de dólares; poco o mucho según se mire; porque, atención, diez años después, el consistorio adquiere otras cuatro esculturas, (4 esculturas más de Plensa) parece demostrado que la ciudad de Chicago,  ha rentabilizado sus inversiones de ARTE URBANO Y PLENSA.

La obra (La Fuente Crown) salió a concurso y Plensa presentó  su  proyecto. El escultor sabía, que tenía que arriesgar (o todo o nada), era la única manera de ganar entre tanto competidor… y, sí, ganó.

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Demostró Jaume Plensa que no estaba equivocado. Plensa tiene les ideas muy claras y esto se agradece. La  huella que ha dejado Jaume Plensa en Chicago es para siempre, la ciudad siempre le estará agradecida y el escultor siempre estará agradecido a la ciudad.

La Fuente Crown se ha convertido en  una referencia del Arte Urbano Mundial, arte en el que destaca especialmente la ciudad de Chicago y…, Plensa. Como en otras muchas ocasiones el arte español triunfa en el mundo. Otra vez el Arte y España.

LA FUENTE CROWN (2004)

La obra consta de dos bloques enfrentados semejando rascacielos, que soportan dos gigantescas pantallas de video encaradas y separadas por un estanque. En  las pantallas se emiten vídeos con caras de mujeres y hombres de todas las edades, de todas las razas y de todos los colores, son primeros planos de mil vecinos de la ciudad de Chicago que aparecen aleatoriamente y que, ¡Atención!, lanzan  chorros de agua por la boca…

«La diversidad más que separarnos nos une« este es el mensaje que nos deja Jaume Plensa.

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Es en verano cuando la ciudad, literalmente, resiste abrasada bajo el sol, es en verano también cuando las familias acuden al parque con sus hijos y se refrescan metiendo lo pies en el estanque o poniendo sus cabezas debajo de los chorros de agua que fluyen de las bocas de sus vecinos, o tal vez de la de ellos mismos.

La Fuente Crown se colocó el año 2004 en el «PARQUE MILLENNIUM» de la ciudad de CHICAGO.

Diez años después, el ayuntamiento de la ciudad decidió adquirir cuatro esculturas más de  Plensa.

¿Es o no rentable la inversión en arte? Ahí queda la pregunta…

«La Fuente Crown», Chicago. Las ideas se pueden tocar. Jaume Plensa. Escultura.

Jaume Plensa. Plensa. Escultura. Arte Urbano. La Fuente Crown. Barcelona. Chicago.

 

 

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Arte. Escultura. Mateo Hernández. Y un bloque de diorita

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Mateo Hernández Sánchez. Bejar, Salamanca. 1884. Meudon, Francia 1949.

ESCULTOR. TALLA DIRECTA

MATEO HERNÁNDEZ. El escultor bejarano nace en un familia de canteros, se casa a la edad de 21 años con Petra Téllez; un año más tarde se separan, y el escultor, que reside en Bejar, su ciudad de nacimiento, se traslada a Salamanca. Ese mismo año viaja a Madrid (becado por la Diputación de Salamanca) donde realiza estudios de dibujo, y modelaje de lo antiguo, en la Escuela Nacional de Bellas Artes, solo dos años después regresa nuevamente a Salamanca, y de allí marcha a París.

PARÍS

La llegada a la capital francesa en 1910, no resulta nada fácil, el escultor no habla ni una palabra de francés y se encuentra sin trabajo, sin embargo al poco, comienza a trabajar en la construcción como cantero. Tiene 26 años. Dos años después conoce al gran amor de su vida, Fernande Carton Millet, estudiante de magisterio, que habla perfectamente español, y que ayudará al escultor incluso, con su pobre sueldo de maestra.

MATEO HERNÁNDEZ, trabaja incansablemente en su oficio, es un asiduo visitante del zoo parisino donde toma apuntes del natural y se percibe su amor y respeto por los animales; además, son unos modelos baratos, en un momento, en que a veces es difícil pagar las facturas… Así transcurren unos años.

1920 EL AÑO DEL ÉXITO, alcanza la fama y el reconocimiento

Pantera de Java. Pantera Rothschild. 1920

El Barón Rothschild, adquiere su obra Pantera de Java realizada en granito negro de Bélgica, en el Salón de Otoño de París. El aristócrata paga por la escultura nada más, ni nada menos, que 60.000 francos, una cifra desorbitada para aquellos años 20 de penuria y crisis. Pertenece a la colección particular del Barón, se encuentra en Paris.

PANTERA DE JAVA

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Gran Pantera de Java o Pantera Kerrigan. 1922/1925

1923, MATEO HERNÁNDEZ consigue un gran bloque de diorita, la diorita, es una de esas rocas de la naturaleza, similar al granito, y a esta última roca, la conoce bien de su tierra bejarana, donde al ser muy abundante, es usada en la construcción; el escultor, así pues el artista, con su apreciado bloque de diorita comienza, lo que sería una de sus obras más emblemáticas, La Pantera de Java, que actualmente se encuentra en el Metropolitan de NUEVA YORK. Después de dos años de arduo trabajo con su talla directa llena de riesgos, la presenta en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925, resultando galardonada, con el Gran Premio de Escultura. Dos años después La Pantera de Java, sería adquirida por el señor y la señora Kerrigan.

Mateo Hernádez declaró sobre lo ocurrido…

«Yo no quería venderla, esa obra la quería para mí, puse un precio muy alto para no venderla… y se la llevaron».

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Mateo Hernández esculpiendo La Bañista. 1925.

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La Bañista. 1925. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En 1927, la Sociedad del Amigos del Arte organiza una exposición en Madrid, de 27 obras de arte del escultor, asistió al evento la Familia Real; esculturas, no se vendió ninguna, si bien es cierto, que los precios del genial artista no eran aptos para cualquier bolsillo.

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Gorilas. (Maternidad). 1948. Museo Municipal de Escultura Mateo Hernández

1928, MATEO HERNÁNDEZ, adquiere una espaciosa casa en Meudon, Francia; allí, en su taller, en el que solo y exclusivamente trabaja él, realiza obras de gran tamaño. Trabajador incansable se consagra totalmente a la Escultura, desdeña los materiales blandos y dúctiles, y ataca con rabia los grandes bloques de piedra, ¡cuanto más duros mejor! A veces tenía que vendarse los brazos del dolor, pues constantemente, las briznas de piedra y el chisporroteo que provoca el cincel sobre la dura roca, le causaban golpes y laceraciones.

1949. MATEO HERNÁNDEZ, fallece en su casa de Meudon; finalmente es repatriado y enterrado en Bejar, su localidad natal donde existe un museo (permítanme recomendárselo), dedicado íntegramente a la figura de su insigne vecino; contiene unas 50 obras que actualmente, están cedidas en deposito, por el Museo Reina Sofía de Madrid.

Mateo Hernández. Escultor….

Arte. Escultura. «He podido tener un bloque de diorita para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga».

MATEO HERNÁNDEZ. LA PANTERA DE JAVA. ESCULTORES. ESCULTURA. BEJAR. SALAMANCA. MADRID. PARÍS. MUSEO REINA SOFÍA

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ARTE. BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

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El Arca de Noé. Miquel Barceló. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

Jueves 22 de septiembre de 2017. MIQUEL BARCELÓ el artista reconocido internacionalmente, (con obra expuesta en el museo del Louvre) en el Paraninfo de las Escuelas Mayores, fue investido como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, en el 800 aniversario de su creación. También, el crítico de arte y catedrático, Francisco Calvo Serraller recibió, este significativo doctorado.

ARTE

En Salamanca, la bella ciudad charra, a orillas del Tormes llena de arte, en ese mismo, y emocionante momento de la formal investidura, se encuentraba activa, una interesante muestra, con parte de los últimos trabajos del artista mallorquín…

Exposición «El Arca de Noé»

28 de abril de 2017 /1 de octubre de 2017

Miquel Barceló. VIII Centenario de la Universidad de Salamanca

80 obras: pintura, escultura, cerámica, obra sobre papel (acuarelas), perfomance. La mayoría realizadas en los últimos 6 años, y algunas de ellas inéditas. Se encuentraban, repartidas así:

Sala de Exposiciones del Patio de Escuelas, 26 acuarelas (2001/2003) pertenecientes, a las ilustraciones realizadas por el artista para La Divina Comedia, de Dante Alighieri. Formando, un grupo de acuarelas de formato medio, muy interesantes, oscuras y bellas.

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El infierno. Acuarela. Barceló. Imagen, foto vía internet

Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca. Pinturas y obras en papel de gran formato (2009/2016), y cuadros con relieve, a base de telas (empapadas en almidón antes de aplicar la pintura, para así conseguir volúmenes y relieves), son representaciones de pinturas rupestres, animales de las Cuevas de Chauvet (descubiertas en 2014) que recuerdan a las de Altamira. Intensos blancos, verdes, o azules apasionantes, también oscuros fondos abismales, fogonazos de intemporalidad; fluorescencias (2015).

Detalle de una de las obras de la exposición. Miquel Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Capilla del Arzobispo Fonseca. Inédita, La obra El Arca de Noé que dando título a esta exposición ocupa el muro frontal, el crucero de la capilla, mide 4×20 metros. El  público en general aún no pudo verla, hasta en esta feliz ocasión; acompañan a la monumental obra, 18 cerámicas (2012/2016). ¡Siempre, eternamente el barro pegado a la piel y el alma de Barceló!

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Cerámica. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio Palacio de Anaya. Le grand écouteur, (2015). Simula una gran obra de barro, y lo consigue, su aspecto es pesado, sin embargo es una pieza muy ligera (una mezcla de poliuretano y otros materiales). Es como un gran oreja que se ablanda en su pedestal.

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Le grand écouteur. Miquel Barceló. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio de Escuelas Menores. 14 Allumettes, (2015). bosque de cerillas de bronce que se retuercen ya apagadas, son de gran altura y, necesitan un espacio más amplio de exposición, que en el que se encuentran situadas, que por lo demás, es un patio bellísimo a escasos metros de la fachada de la universidad, desde el que se pueden ver las torres de la catedral. Una gran competencia para las tristes y apagadas cerillas.

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Allumettes. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Plaza Mayor. Gran Elefant Dret (2008). El monumental elefante blanco boca abajo. i O como hacer equilibrios imposibles sobre su trompa!

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Gran Elefant Dret. Miquel Barceló. Foto. By TbArt Archivos fondos propios

Barceló Honoris Causa y su Arca de Noé

Miquel Barceló. Barceló. Honoris Causa Salamanca. Exposición El Arca de Noė. Pintura. Pintores. Arte. Artista. Escultura. Cerámica.

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Arte. Baltasar Lobo. Escultor

Baltasar Lobo. Escultor

Nació el 22 de febrero de 1910, en Cerecinos de Campos, Zamora. Un pequeño pueblo, situado en la comarca de Tierra de Campos, de la comunidad autónoma de Castilla y León. Falleció el 4 de septiembre de 1993 en Paris. Descansa, en el Cementerio de Montparnase.

El barro fue uno de los modos de expresión del pequeño Baltasar, al que el modelado y el dibujo apasionaban. De familia modesta su padre era ebanista, pronto dio muestras de su talento artístico, y alentado por su progenitor, realizó estudios de dibujo, en Valladolid, con el escultor Ramón Núñez, a la edad de 12 años. En el taller se trabajaba la talla en madera, y la imaginería, era su principal actividad. También cursó estudios en la Escuela de Artes y Oficios. Becado de 1924 a 1930, por la Diputación, reside en Valladolid, posteriormente, se traslada a Madrid, donde continúa su formación en la Escuela de Bellas Artes De San Fernando, aunque decepcionado, la abandona a los pocos meses. Trabaja como tallista mientras asiste a clases nocturnas. En Madrid se interesa, por las ideas anarquistas, mientras vive para su vocación. Realiza visitas sobre todo al Museo del Prado, pero le interesa sobremanera, el Museo Arqueológico, donde se impregna de la escultura primitiva ibérica.

Sin título. Aguatinta. Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Conoce a Mercedes Camposada, que estudiante de derecho, y militante libertaria, se convertiría, en su compañera, y motor vital. En 1935 vaja a Paris. A su regreso, y con la guerra  civil española en ciernes, colabora como ilustrador en diferentes revistas anarquistas, y en la novela ¡No pasarán! de Upton Sinclair. También colabora en algunas revistas extranjeras. En 1936, todo está muy revuelto, y en el caluroso mes de julio en España, los españoles divididos, y enloquecidos, comienzan a matarse entre hermanos. Baltasar Lobo forma parte del ejército popular, realizando tareas de formación, enseña las primeras letras a los milicianos. Las bombas aterrorizan Madrid, y destruyen su taller, sus esculturas, y la casa familiar. Su padre, 2 años después, fallecería al explotarle la bomba, que manipulaba en un taller de municiones, en el que, arrimaba el hombro. En ese momento, Baltasar Lobo, se encontraba en Barcelona, donde residió la mayor parte del conflicto bélico.

EXILIO

En 1939, terminada la guerra fratricida, en la que él, como otros muchos, también españoles, salieron derrotados, cruzó la frontera de Port Bou, con los restos de su batallón. Después sería confinado en el campo de concentración para españoles Argéles-sur-Mer, de donde se fuga, y pasa a reunirse al fin, con Mercedes, con la que finalmente, se traslada a Paris. Nuestro Zamorano de pueblo pequeño, tenía solo 29 años, ya había vivido mucho, y por desgracia, ya nunca volvería a vivir cerca de sus raíces.

PARIS

El miedo se instaló en sus vidas, impregnándolas de inquietud y soledad, que acabaron de sumarse a su precariedad económica, debilidad, y salud derivadas. Así aguantaron hasta terminada la Segunda Guerra Mundial, y la ocupación francesa de las tropas alemanas. Terminadas las horribles contiendas de la sin razón, introvertido y honesto, trabaja, y participa, del ambiente artístico parisino, en el que Picasso, ya famoso y rico, ayuda, al que puede. También conoce a Henry Laurens que sería, desde entonces para él, una influencia importante en su manera de entender la escultura, tambien, compartían amistad, y afinidad política.

Baltasar Lobo busca su propio estilo, mientras bebe, y se nutre de lo que ve, hasta que en 1946, la semilla crece en forma de maternidad, obra germinal, comenzando lo que sería un leít motiv continuado, hasta los años 50, en que una cierta abstracción, aparece en sus obras.

Femme á la chevelure lise. Mujer con cabellera lisa. Yeso. (1967/68). Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

En Paris, es un Artista apreciado, que expone sus obras, y participa activamente en su momento artístico. Es su vocación lo que le motiva, y trabaja incansablemente, en sus proyectos, que incluyen, encargos, de diferentes parte del mundo. Aunque ya cuenta, con una situacion económica desahogada, como siempre hasta el final, se muestra, modesto, silencioso, y austero, consagra, su vida, al arte, y descuida voluntariamente, lo que está fuera de el.

Femme á genoux. Mujer de rodillas. Yeso. (1968). Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Por vez primera vez en España, en Madrid, se presenta, una retrospectiva del escultor Zamorano, ocurrió en 1976, un año después de la muerte del dictador, en el Museo de Arte Moderno, tuvo entonces unas horas para visitar el pueblo que le vio nacer. Nunca se olvidó de sus comienzos ni de sus raíces a las que pertenece, y con generosidad dona a la Diputación de Zamora una Maternidad, en bronce.

Mere et enfant, La Ciotat, sur socle. Bronce. Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

En los 80 expone con regularidad, en diferente galerías españolas. En 1984, es nombrado hijo predilecto, de Cerecinos de Campos, y expone sus obras, en este marco incomparable, que le vio nacer. El mismo año le es otorgado el, Premio Nacional de Artes Gráficas, y al siguiente, el Premio de Castilla y León de las Artes.

Femme assise sur socle. Mujer sentada en un poyo. Yeso. (1942). Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Zamora 1986. En los meses de septiembre y octubre, ocupa bellamente la ciudad del Duero, la Bienal de Escultura Ibérica Contemporánea, en la que Baltasar Lobo, participa con 40 de sus obras, un evento magnífico, que precioso, guardan las retinas de aquellos que tuvieron el placer de contemplarlo. Este momento se instala en la mente del genio, la intención de que una parte importante de su obra, permanezca para siempre, en  este ámbito lleno de autenticidad, sobriedad, y modernismo.

1993, es el año del fallecimiento del escultor, y dibujante, a los 83 años de edad. Desde entonces, su familia, y el ayuntamiento de Zamora, constituyen la Fundación Baltasar Lobo, encargada de la gestión del museo (Museo Baltasar Lobo, Zamora, muy recomendable), desde 2003, y de promover, y divulgar, su obra.

Arte. Baltasar Lobo Escultor

Baltasar Lobo. Escultura. Escultor. Arte. Cerecinos de Campos. Zamora

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Giotto. Revolucionó el Arte en el Trecento.

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GIOTTO

Giotto di Bondone. Florencia, 1267. Florencia, 1337

PINTOR, ESCULTOR, ARQUITECTO

Recibe clases de CIMABUE, gran pintor iniciador de la escuela florentina del trecento. Y lo supera.

Esto escribía al respecto Dante

¡Oh, vanagloria de la grandeza humana!

¡Cuán poco dura tu verdor sobre la cumbre,

Si no se sigue una época de decadencia!

Se creyó Cimabue reinar en el campo de la pintura

Y ahora es Giotto el que tiene la fama,

De modo que la fama de aquél se ha oscurecido.

CIMABUE, MAESTRO Y DESCUBRIDOR

Dante, describe en estos versos como GIOTTO, goza del favor del público, y como por el contrario,  CIMABUE, queda eclipsado por el éxito de su aventajado alumno.

Según nos cuenta en este pasaje, Giorgio Vasari…

Se encontraba Cimabue realizando uno de sus viajes, cuando ya cerca de la ciudad de Florencia pudo observar a un joven pastor que  mientras guardaba de sus ovejas pintaba sobre una piedra a una de ellas; aquel pastor que vio Cimabue cuya imagen guardaba su retina, se acabó convirtiendo en un gran pintor, para orgullo de él, su maestro, pues el muchacho, aquel pastor de 11 años e hijo de campesinos acabó finalmente superandolo.

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La enterada en Jerusalén. 1304/6. Giotto

GIOTTO, a la edad de 30 años era ya, un artista muy famoso,  pues su personal obra era muy diferente, a lo que entonces se conocía. Giotto daba a sus pinturas un tratamiento escultórico, las figuras poseían, un efecto tridimensional, por lo que el pintor aportaba un claro avance; debido a su gran talento, enseguida fue requerido para realizar numerosos encargos, sobre todo retratos, y pintura religiosa. El papa Bonifacio VII estaba tan maravillado con su arte, que lo  mandó llamar para conocerlo en persona, y tal vez realizarle algún encargo para la entonces, grandiosa e imperial ciudad de Roma.

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La Muerte de San Francisco. 1325. Giotto

Tambien recibe Giotto reconocimientos públicos. Es nombrado Maestro Gobernador, de la Obra de Santa Reparata, encargándose de las reformas, en la antigua Catedral de Florencia, de la que él diseña el campanario, luego este, fue modificado, y finalmente, falleció sin verlo terminado.

La mayoría de sus obras no están plenamente autentificadas, por lo cual algunas de ellas, le han sido simplemente atribuidas; hay que tener en cuenta que el artista contaba en su propio taller, con la colaboración de numerosos auxiliares, a los que supervisaba, así pues, no todas las pinturas nacían exclusivamente de sus manos.

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Joaquín expulsado del templo. Capilla de la Arena. 1305/6. Giotto

CAPILLA DE LA ARENA

Giotto realizó los frescos de la Capilla de Scrovegni en Padua, también conocida, por La Capilla de la Arena. Era un templo dedicado a Santa María de la Caridad, su decoración mural es imponente y muy importante; las pinturas cubren enteramente la capilla, de una sola nave; 36 frescos de Giotto, representan escenas de la vida de Cristo, y vivencias de la Virgen, y sus padres, más, otros 14 con diversas alegorías, vicios, y virtudes.

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La Desesperación. Capilla de la Arena. 1305/6. Giotto

Antes de la decoración de la Capilla de la Arena, Giotto había ornamentado la Iglesia Superior de San Francisco de Asís, con escenas de la vida de este Santo.

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La leyenda de San Francisco. «La verificación del estigma». 1297/9. Giotto

A GIOTTO, en vida le fue reconocido su gran mérito, y socialmente, admitido en determinados círculos sociales, donde un artista antes, no habría podido ni soñar. Hizo una importante fortuna, y cuando finalmente falleció en la bella ciudad de Florencia, fue enterrado con honores en la catedral de Santa Reparata.

GIOTTO. REVOLUCIONÓ EL ARTE EN EL TRECENTO

Giotto. Pintura. Trecento. Escultura. Arquitectura. Arte

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Arte. Jeff Koons. «Puppy» Guggenheim Bilbao.

imageJeff Koons. York, Pensilvania, USA. 1955.

Comenzó su carrera realizando estudios de Arte en Chicago y Baltimore.

Se ha convertido, en uno de los artistas contemporáneos que han alcanzado la más alta cotización económica, en el panorama del arte mundial. Para que se hagan una idea, la obra «Globo perro naranja», alcanzó el precio de ¡Agárrense!, 55 millones de dólares…

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Perro globo de Jeff Koons

MERCADO DEL ARTE

¡Jesus en el templo, lleno de mercaderes!

Hay quienes sospechan, que la labor de la agencia de publicidad de la que se sirve para promocionarse, tiene mucho que ver con los precios astronómicos que alcanzan sus obras. Utilización del Marqueting, para inflar los precios, en un mercado de inversión (el arte como valor especulativo), que Jeff Koons conoce muy bien, pues no en vano antes de artista, fue un ávido corredor de bolsa.

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Escultura de Jeff Koons. Museo Guggenheim Bilbao. Foto, by TbArt. Archivos fondos propios.

¡En fin, la polémica está servida, y a sus espectaculares creaciones le viene muy bien!

En 1991 Koons se casa, con la actriz italiana de porno «Cicciolina» de la cual realiza una serie de obras de marcado carácter sexual. Se divorcian dos años después. Comienza entonces una dura  batalla legal, por la custodia de su única hija.

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Jeff Koons y Cicciolina. Vía internet.

En los años 80 Jeff Koons, ya es un artista conocido, son tantos los encargos que recibe que trabajan en su Taller de Arte más de 30 personas. Para algunos es genial, para otros, no es nada más que un farsante al que le pierde el dinero. ¿Ustedes qué  piensan? Trabaja Koons, en pequeñas esculturas de porcelana, y también en obras monumentales de más de 1000 kilos de peso, (realizadas en materiales como acero y cromo), su aspecto aparentemente, parece muy ligero, aunque en realidad son esculturas muy pesadas.

ARTISTA MEDIATICO

Su vida se asemeja más a la de un artista del «Show business», que a la de un escultorJeff Koons siempre está abierto a colaboraciones que le mantengan de actualidad, como la sesión de fotos realizadas, a la cantante Lady Gaga, que posó desnuda para la cámara del genial artista de York.

EL PERRO PUPPY UN ICONO BILBAÍNO

En España ha participado en Arco (Feria internacional de arte contemporáneo de Madrid). Aunque su obra más conocida se encuentra en el exterior del Museo Guggenheim de Bilbao, se trata de su perro «Puppy», un terrier gigante, cubierto de plantas y pequeñas flores en constante crecimiento, que es una verdadera delicia, y lo primero que se encuentra uno en el exterior (a la entrada), del maravilloso museo bilbaíno.

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El Perro Puppy en el exterior del Guggenheim Bilbao. Foto. Archivos fondos propios, by TbArt.

JEFF KOONS ARTE O NEGOCIO

 Jeff Koons. Escultor mediático, y el perro «Puppy» del Guggenheim Bilbao

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