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Auguste Rodin. Arte para comer y Arte para transgredir

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Foto. Los Burgueses de Calais. 1895.

Auguste Rodin. París 1840. Maudon, Francia, 1917.

Estudió en La Escuela de Artes Decorativas de PARÍS. Primeramente trabajó para otros escultores.

Cuando conoció al gran amor de su vida, y que siempre estaría a su lado, Auguste RODIN tenía 23 años, ella, Rose Beuret era costurera. También fue su inspiración, modelo y musa; poco después tendrían un hijo que llevaría los apellidos maternos.

ARTE PARA COMER

Realizaba sobre todo piezas decorativas para el consumo de la burguesía de su tiempo. Tenía 30 años, cuando se declaró la Guerra Franco/Prusiana. No participó en ella a causa de su mala visión, era un gran miope. Se traslada a Bruselas, allí trabaja en un taller de escultura ajeno. Es una época en la que el artista para poder subsistir necesita trabajar para otros. Ya establecido por su cuenta y gozando de un gran éxito, sus esculturas fueron tan demandadas, como falsificadas, en su taller trabajaban muchos, y los moldes de escayola, se apilaban monótonas, almacenadas en los estantes. Su arte se hizo entonces, comercial y mecanizado.

VIAJE INICIATICO A ITALIA

Con 35 años, Auguste RODIN viaja a Italia donde estudia a los grandes maestros Miguel Ángel y Donatello.

REGRESO A PARÍS, Y DENUNCIA, POR TRAMPOSO

Una obra suya «La Edad de Bronce«, una escultura a tamaño natural de un hombre desnudo, (primera obra en bronce de Rodin) es el punto de partida para un estilo más personal. Con «La Edad de Bronce» llega la polémica; muchos son los que creen, que no puede haber tanta perfección en una escultura, sin hacer trampas y acusan/opinan que RODIN obtiene sus moldes directamente del cuerpo del modelo, y no del modelado del barro en el taller. Al fin se demuestra la verdad (su maestría), por medio de  documentos gráficos, y testimonios de testigos, y se le autoriza por fin a fundir su veraz obra en bronce.

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Foto. La edad de bronce. Mármol.

Edgard Degas, declara a favor de AUGUSTE RODIN en el proceso,  aportando su testimonio personal, demuestra que Auguste RODIN, no es un farsante, sino más bien un escultor, que no hace trampa y que modela sus esculturas en barro, copiando del modelo, y guiándose por sus dibujos. Demostrándose así…, «su inocencia y su genialidad al mismo tiempo».

ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste RODIN alcanza la fama. Desde ese momento, podrá elegir sus propios trabajos. La pieza de la polémica, «La edad de bronce», es finalmente adquirida por el estado francés.

iSu fuerza creadora se desborda, es el momento de mostrar otros caminos; caminos nuevos!

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Los Burgueses de Calais

En esta época de controversia y transgresión, realiza » Los Burgueses de Calais», en ella representa a seis Nobles de Calais que van a ser sacrificados, pronto darán sus vidas por los vecinos de la ciudad. La historia de este hecho se produce durante el asedio de las tropas inglesas a Calais, Francia, al inicio de la Guerra de los Cien Años, en 1347.

RODIN se especializa en la anatomía del cuerpo humano. Su calidad, es indiscutible; tan perfecta, que como hemos visto anteriormente levanta sospechas. Su poética sensibilidad, se funde con la naturaleza de la piedra y sus manos de exquisito cirujano, trabajan la píel del frío mármol insuflandole calor… La piel…,  y la piedra

Ahora el escultor por fin tiene su propio taller donde trabajaban, una veintena de canteros. RODIN también revoluciona la ESCULTURA en espacios públicos.

En 1886 conoce a la escultora Camille Claudel y se casan, viajan por Francia e Inglaterra. Dos años después abren un taller de ESCULTURA. El matrimonio no va bien. Debussy, (el afamado músico), se enamora perdidamente de Camille. Los esposos permanecen separados. Camille vive entre la miseria y el abandono; echa toda la culpa de su mala situación personal y profesional al escultor y  en diferentes ocasiones, presa de ira, y  desesperación destruye parte de su obra, y negocia ventas por su cuenta. Está enferma, y acaba ingresando en un hospital para enfermos mentales.

SE CASA CON ROSA BEURET EL GRAN AMOR DE SU VIDA

Finalmente en 1917, RODIN, se casa con Rose Beuret, su novia de toda la vida a la que conoció con 23 años, y con la que tuvo un hijo que llevaba los apellidos maternos, y con la que por fin contraería matrimonio a los 77 años de edad. Tristemente, los dos enamorados fallecen el mismo año de su boda, primero Rosa, y luego a los pocos meses Auguste. Un final agridulce para uno de los escultores mas grandes de todos los tiempos.

Los museos que más obras de RODIN contienen, son: El Museo Rodin de París, merece una visita, es un museo maravilloso, y el Museo Rodin de Filadelfia, Pensilvania.

AUGUSTE RODIN. ARTE PARA COMER Y ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste Rodin. Rodin. Escultura. Escultores. La edad de bronce. Los burgueses de Calais.

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Mateo Hernández. «A fuerza de mil milagros con un bloque de diorita, hice una pantera de tamaño natural»

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Mateo Hernández Sánchez. Bejar, Salamanca. 1884. Meudon, Francia 1949.

ESCULTOR. TALLA DIRECTA

MATEO HERNÁNDEZ. El escultor bejarano nace en un familia de canteros, se casa a la edad de 21 años con Petra Téllez; un año más tarde se separan, y el escultor, que reside en Bejar, su ciudad de nacimiento, se traslada a Salamanca. Ese mismo año viaja a Madrid (becado por la Diputación de Salamanca) donde realiza estudios de dibujo, y modelaje de lo antiguo, en la Escuela Nacional de Bellas Artes, solo dos años después regresa nuevamente a Salamanca, y de allí marcha a París.

PARÍS

La llegada a la capital francesa en 1910, no resulta nada fácil, el escultor no habla ni una palabra de francés y se encuentra sin trabajo, sin embargo al poco, comienza a trabajar en la construcción como cantero. Tiene 26 años. Dos años después conoce al gran amor de su vida, Fernande Carton Millet, estudiante de magisterio, que habla perfectamente español, y que ayudará al escultor incluso, con su pobre sueldo de maestra.

MATEO HERNÁNDEZ, trabaja incansablemente en su oficio, es un asiduo visitante del zoo parisino donde toma apuntes del natural y se percibe su amor y respeto por los animales; además, son unos modelos baratos, en un momento, en que a veces es difícil pagar las facturas… Así transcurren unos años.

1920 EL AÑO DEL ÉXITO, alcanza la fama y el reconocimiento

Pantera de Java. Pantera Rothschild. 1920

El Barón Rothschild, adquiere su obra Pantera de Java realizada en granito negro de Bélgica, en el Salón de Otoño de París. El aristócrata paga por la escultura nada más, ni nada menos, que 60.000 francos, una cifra desorbitada para aquellos años 20 de penuria y crisis. Pertenece a la colección particular del Barón, se encuentra en Paris.

PANTERA DE JAVA

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Gran Pantera de Java o Pantera Kerrigan. 1922/1925

1923, MATEO HERNÁNDEZ consigue un gran bloque de diorita, la diorita, es una de esas rocas de la naturaleza, similar al granito, y a esta última roca, la conoce bien de su tierra bejarana, donde al ser muy abundante, es usada en la construcción; el escultor, así pues el artista, con su apreciado bloque de diorita comienza, lo que sería una de sus obras más emblemáticas, La Pantera de Java, que actualmente se encuentra en el Metropolitan de NUEVA YORK. Después de dos años de arduo trabajo con su talla directa llena de riesgos, la presenta en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925, resultando galardonada, con el Gran Premio de Escultura. Dos años después La Pantera de Java, sería adquirida por el señor y la señora Kerrigan.

Mateo Hernádez declaró sobre lo ocurrido…

«Yo no quería venderla, esa obra la quería para mí, puse un precio muy alto para no venderla… y se la llevaron».

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Mateo Hernández esculpiendo La Bañista. 1925.

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La Bañista. 1925. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En 1927, la Sociedad del Amigos del Arte organiza una exposición en Madrid, de 27 obras de arte del escultor, asistió al evento la Familia Real; esculturas, no se vendió ninguna, si bien es cierto, que los precios del genial artista no eran aptos para cualquier bolsillo.

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Gorilas. (Maternidad). 1948. Museo Municipal de Escultura Mateo Hernández

1928, MATEO HERNÁNDEZ, adquiere una espaciosa casa en Meudon, Francia; allí, en su taller, en el que solo y exclusivamente trabaja él, realiza obras de gran tamaño. Trabajador incansable se consagra totalmente a la Escultura, desdeña los materiales blandos y dúctiles, y ataca con rabia los grandes bloques de piedra, ¡cuanto más duros mejor! A veces tenía que vendarse los brazos del dolor, pues constantemente, las briznas de piedra y el chisporroteo que provoca el cincel sobre la dura roca, le causaban golpes y laceraciones.

1949. MATEO HERNÁNDEZ, fallece en su casa de Meudon; finalmente es repatriado y enterrado en Bejar, su localidad natal donde existe un museo (permítanme recomendárselo), dedicado íntegramente a la figura de su insigne vecino; contiene unas 50 obras que actualmente, están cedidas en deposito, por el Museo Reina Sofía de Madrid.

Mateo Hernández. Escultor….

«A fuerza de mil milagros he podido tener un bloque de diorita para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga».

MATEO HERNÁNDEZ. LA PANTERA DE JAVA. ESCULTORES. ESCULTURA. BEJAR. SALAMANCA. MADRID. PARÍS. MUSEO REINA SOFÍA.

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Baltasar Lobo Escultor

Baltasar Lobo. Escultor

Nació el 22 de febrero de 1910, en Cerecinos de Campos, Zamora. Un pequeño pueblo, situado en la comarca de Tierra de Campos, de la comunidad autónoma de Castilla y León. Falleció el 4 de septiembre de 1993 en Paris. Descansa, en el Cementerio de Montparnase.

El barro fue uno de los modos de expresión del pequeño Baltasar, al que el modelado y el dibujo apasionaban. De familia modesta su padre era ebanista, pronto dio muestras de su talento artístico, y alentado por su progenitor, realizó estudios de dibujo, en Valladolid, con el escultor Ramón Núñez, a la edad de 12 años. En el taller se trabajaba la talla en madera, y la imaginería, era su principal actividad. También cursó estudios en la Escuela de Artes y Oficios. Becado de 1924 a 1930, por la Diputación, reside en Valladolid, posteriormente, se traslada a Madrid, donde continúa su formación en la Escuela de Bellas Artes De San Fernando, aunque decepcionado, la abandona a los pocos meses. Trabaja como tallista mientras asiste a clases nocturnas. En Madrid se interesa, por las ideas anarquistas, mientras vive para su vocación. Realiza visitas sobre todo al Museo del Prado, pero le interesa sobremanera, el Museo Arqueológico, donde se impregna de la escultura primitiva ibérica.

Sin título. Aguatinta. Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Conoce a Mercedes Camposada, que estudiante de derecho, y militante libertaria, se convertiría, en su compañera, y motor vital. En 1935 vaja a Paris. A su regreso, y con la guerra  civil española en ciernes, colabora como ilustrador en diferentes revistas anarquistas, y en la novela ¡No pasarán! de Upton Sinclair. También colabora en algunas revistas extranjeras. En 1936, todo está muy revuelto, y en el caluroso mes de julio en España, los españoles divididos, y enloquecidos, comienzan a matarse entre hermanos. Baltasar Lobo forma parte del ejército popular, realizando tareas de formación, enseña las primeras letras a los milicianos. Las bombas aterrorizan Madrid, y destruyen su taller, sus esculturas, y la casa familiar. Su padre, 2 años después, fallecería al explotarle la bomba, que manipulaba en un taller de municiones, en el que, arrimaba el hombro. En ese momento, Baltasar Lobo, se encontraba en Barcelona, donde residió la mayor parte del conflicto bélico.

EXILIO

En 1939, terminada la guerra fratricida, en la que él, como otros muchos, también españoles, salieron derrotados, cruzó la frontera de Port Bou, con los restos de su batallón. Después sería confinado en el campo de concentración para españoles Argéles-sur-Mer, de donde se fuga, y pasa a reunirse al fin, con Mercedes, con la que finalmente, se traslada a Paris. Nuestro Zamorano de pueblo pequeño, tenía solo 29 años, ya había vivido mucho, y por desgracia, ya nunca volvería a vivir cerca de sus raíces.

PARIS

El miedo se instaló en sus vidas, impregnándolas de inquietud y soledad, que acabaron de sumarse a su precariedad económica, debilidad, y salud derivadas. Así aguantaron hasta terminada la Segunda Guerra Mundial, y la ocupación francesa de las tropas alemanas. Terminadas las horribles contiendas de la sin razón, introvertido y honesto, trabaja, y participa, del ambiente artístico parisino, en el que Picasso, ya famoso y rico, ayuda, al que puede. También conoce a Henry Laurens que sería, desde entonces para él, una influencia importante en su manera de entender la escultura, tambien, compartían amistad, y afinidad política.

Baltasar Lobo busca su propio estilo, mientras bebe, y se nutre de lo que ve, hasta que en 1946, la semilla crece en forma de maternidad, obra germinal, comenzando lo que sería un leít motiv continuado, hasta los años 50, en que una cierta abstracción, aparece en sus obras.

Femme á la chevelure lise. Mujer con cabellera lisa. Yeso. (1967/68). Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

En Paris, es un Artista apreciado, que expone sus obras, y participa activamente en su momento artístico. Es su vocación lo que le motiva, y trabaja incansablemente, en sus proyectos, que incluyen, encargos, de diferentes parte del mundo. Aunque ya cuenta, con una situacion económica desahogada, como siempre hasta el final, se muestra, modesto, silencioso, y austero, consagra, su vida, al arte, y descuida voluntariamente, lo que está fuera de el.

Femme á genoux. Mujer de rodillas. Yeso. (1968). Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Por vez primera vez en España, en Madrid, se presenta, una retrospectiva del escultor Zamorano, ocurrió en 1976, un año después de la muerte del dictador, en el Museo de Arte Moderno, tuvo entonces unas horas para visitar el pueblo que le vio nacer. Nunca se olvidó de sus comienzos ni de sus raíces a las que pertenece, y con generosidad dona a la Diputación de Zamora una Maternidad, en bronce.

Mere et enfant, La Ciotat, sur socle. Bronce. Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

En los 80 expone con regularidad, en diferente galerías españolas. En 1984, es nombrado hijo predilecto, de Cerecinos de Campos, y expone sus obras, en este marco incomparable, que le vio nacer. El mismo año le es otorgado el, Premio Nacional de Artes Gráficas, y al siguiente, el Premio de Castilla y León de las Artes.

Femme assise sur socle. Mujer sentada en un poyo. Yeso. (1942). Baltasar Lobo. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Zamora 1986. En los meses de septiembre y octubre, ocupa bellamente la ciudad del Duero, la Bienal de Escultura Ibérica Contemporánea, en la que Baltasar Lobo, participa con 40 de sus obras, un evento magnífico, que precioso, guardan las retinas de aquellos que tuvieron el placer de contemplarlo. Este momento se instala en la mente del genio, la intención de que una parte importante de su obra, permanezca para siempre, en  este ámbito lleno de autenticidad, sobriedad, y modernismo.

1993, es el año del fallecimiento del escultor, y dibujante, a los 83 años de edad. Desde entonces, su familia, y el ayuntamiento de Zamora, constituyen la Fundación Baltasar Lobo, encargada de la gestión del museo (Museo Baltasar Lobo, Zamora, muy recomendable), desde 2003, y de promover, y divulgar, su obra.

Baltasar Lobo Escultor

Baltasar Lobo. Escultura. Escultor. Arte. Cerecinos de Campos. Zamora

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Escultura. Alonso Berruguete. Un escultor de Palencia, que nació predestinado

Alonso  González Berruguete. Paredes de Nava, (Palencia). 1490. Toledo 1561

ALONSO HIJO DE PEDRO

Alonso Berruguete es hijo de un gran pintor español, Pedro Berruguete, que le enseñó, los trucos del oficio y el uso de la pintura y los colores, también le animó, a que dejara la Tierra de Campos palentina, y viajara a Italia, a completar su formación, su padre, así lo hizo; Alonso Berruguete probablemente, residió en Italia 10 años. Así pues, Alonso, viaja a Italia, en 1507. Residirá en Florencia y Roma, donde su padre, conservaria todavía buenas amistades que le ayudan en un primer momento. En Italia, sigue con su formación, y talla sus esculturas. Tambien, conoce a grandes maestros como Miguel Ángel, que en ese mismo momento, se encuentra trabajando en la Capilla Sixtina, y a Rafael, que a su vez decora las Estancias Vaticanas.

A su regreso a España, Alonso Berruguete se casa casi con cuarenta años, con Juana Pereda, a la que felizmente, había conocido 20 años antes, en Medina de Rioseco, (Valladolid), sería el gran amor de su vida, y nunca se separarían; tuvieron 4 hijos. Establecen su hogar, en Valladolid; allí, Alonso monta su taller de escultura, y no para de recibir encargos. También reside temporalmente en Toledo, donde realiza la Sillería del Coro de la Catedral, en esa misma Catedral, donde su padre Pedro Berruguete, años antes había realizado sus pinturas, para el gran templo.

Alonso Berrugete, se esfuerza por transmitir con su arte, lo que heredaron sus sentidos allá en Tierra de Campos, donde las llanuras son eternas y existe, esa sobriedad que cala, que impresiona; pero el escultor a la vez pretende ser diferente, dota a sus obras de fuerza expresiva, pasión, y sentimiento; dice el escultor palentino…

«Quiero crear emociones, que se impongan, que hagan sentir»

Tiene mucho trabajo, Alonso; su clientela está basada sobre todo en el funcionarado del estamento eclesial y la nobleza; Hidalgos como él mismo, que es hijo de Hidalgos.

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San Jerónimo. Madera policromada. 1526/37.  Alonso Berruguete

VALOR Y PRECIO

Alonso Berruguete  pone un precio elevado a sus obras; el precio que él cree que es justo. A veces tarda en cobrar o le regatean, pero él, siempre terco, lo mantiene. Después de mucho trabajo consigue amasar unos ahorros, con ellos, compra primero, El Señorío de Villatoquite, (Palencia),  pero se le presentan unos enojosos problemas legales, y finalmente adquiere, El Señorio de Ventosa de la Cuesta, esta vez, en Valladolid, en 1560.

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Sepulcro del Cardenal Tavera. 1561

Era su deseo, dejarle algo a su familia; Juana, su mujer, y sus cuatro hijos. Sólo un año después, en 1561, fallecia en Toledo, donde se había dirigido el escultor, para entregar el Sepulcro del Cardenal Tavera, sepulcro, que se iba a instalar, en el Hospital de San Juan Bautista. Así pues, Alonso Berruguete, se desplazó a Toledo prometiendo a Juana, su mujer, que pronto regresaría a Ventosa y  que lo haría «antes de la vendimia»; pero el artista no pudo cumplir su promesa; pues, jamás volvería al lado de su familia.

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Virgen de la Piedad. Salamanca. Alonso Berruguete

Algunas de las obras de este magnífico escultor son:

La sillería de la Catedral de Toledo

Pinturas para la Capilla Real de Granada

Pinturas para la Iglesia de San Lorenzo, Valladolid

Retablo de San Benito, Valladolid

Retablo de Santa Ursula, Toledo

Retablo de Los Irlandeses, Salamanca

Virgen de la Piedad, Salamanca

La Virgen Guapa con el Niño.Museo de la Iglesia de Santa Eulalia, Paredes de Nava

Escultura. Alonso Berruguete. Un escultor de Palencia, que nació predestinado.

Escultura. Alonso Berruguete.  Berruguete. Paredes de Nava. Palencia. Escultores. Artista.

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Pintura. Pedro Berruguete. Una magnífica dinastía de Artistas Castellanos

La Virgen de la leche. Ayuntamiento de Madrid

Pedro Berruguete. Paredes  de Nava, 1450, Palencia 1503

Paredes de Nava a mediados del siglo XV, podía albergar unas 5.000 almas, pues esta localidad, se encontraba situada, entre las quince más pobladas de toda Castilla. Situada en la comarca palentina de Tierra de Campos, y a solo, 21 Km de Palencia, era, una ciudad amurallada y temática, donde sobriamente, mas a menudo, se erigían ermitas, hospitales, capillas, monasterios, y siete iglesias, así pues, era un buen sitio de partida para un pintor de arte sacro.

UNA SAGA, UNA DINASTÍA DE PINTORES Y ESCULTORES

Perteneciente a una notable saga de artistas: Su abuelo fue, «Berruguete el Viejo«, escultor. Su hijo, Alonso de Berruguete, también notable escultor y pintor; y su nieto Inocencio Berruguete también escultor.

Comenzaremos la narración, situándonos, en el mundo de la hipótesis y de la falta de documentación, ya que hay demasiados datos que son inciertos, y otros, basados meramente, en conjeturas históricas, o especulaciones de análisis de indicios. Por lo tanto, su fecha de nacimiento, así, como la posibilidad de que falleciera en Madrid, son datos dudosos. En cuanto a su formación, se barajan las siguientes, realizó sus estudios, en Salamanca, o por el contrario, se formó en los Países Bajos. Después de realizados sus primeros estudios, es probable que residiera en Italia, aproximadamente 10 años, primero; en Roma, y Nápoles, pero sobre todo en Urbino, donde realiza una serie de retratos para el Duque de Urbino, su benefactor.

Berruguete introduce el renacimiento italiano en la pintura castellana

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Federico de Moltefeltro y su hijo Guidobaldo. Pedro Berruguete, h, 1474/1477. Galería de las Marcas de Urbino.

Pedro Berruguete, regresa a su pueblo, Paredes de Nava, Palencia, donde contrae matrimonio con Elvira Gonzalez, dama, que pertenece a una familia adinerada, no en vano, también nuestro protagonista proviene, de una familia de hidalgos, y goza de una posición económica privilegiada.

Allí. Su obra se vuelve más sobria, deja de lado los detalles, y se centra sobre todo en el encuadre, y la armonía cromática. Sus pinturas, aportan un algo diferente, las figuras de sus retratos, nos hablan. A veces, le interesa más la verdad, que la belleza…, «Antes la verdad que la paz», escribiría un atormentado, y siempre en lucha con él mismo, el escritor, Miguel de Unamuno 5 siglos después.

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Disputa entre Santo Domingo y los Albigenses. Museo del Prado.

En Paredes de Nava, el pintor, ya instalado en su taller, recibe multitud de encargos, sobre todo, de instituciones eclesiásticas, es también más que probable, que los recibiera incluso de la misma reina Isabel La Católica.

Sobre todo Palencia y, casi todas la provincias de Castilla y León, así como Toledo y Madrid, son contenedoras de muchas de las obras del excepcional pintor palentino. Su pintura cabalga entre el gótico y el renacimiento Italiano. Algunas de sus pinturas en España son:

Pinturas para la catedral de Toledo, Pinturas para el Convento de Santo Tomas de  Ávila, Pinturas para la Catedral de Burgos.

Cuando falleció se encontraba trabajando en unas tablas para el retablo de la  Catedral de Ávila. Murió antes de concluir su trabajo.

Pedro Berruguete, forma parte de una magnífica dinastía de Artistas Castellanos.

Pedro Berruguete. Berrugete. Pintura. Pintores. Escultura. Dinastía. Saga. Palencia. Gótico. Renacimiento. Castilla y León. Pintura Castellana.

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¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda

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Jaume Plensa. Tomás Bartolomé. Óleo cartón. 2016.

¡AY, CARMELA!

El escultor barcelonés Jaume Plensa; Barcelona 1955, tiene su estudio muy cerca de la Ciudad Condal. Escultor, Grabador, Dibujante, Arquitecto, Ilustrador etc. Es uno de los artistas españoles más cotizados en el Mercado de Arte Internacional.

Los vecinos del barrio, no querían que la cabeza de niña (CARMELA) de Plensa (4 metros de altura, de pesado hierro fundido), que se encontraba situada frente al Palau de la Música de Ciutat Vella, dejara la vecindad del centro histórico… Como estaba previsto, aquella gran y bella cabeza, era para casi todos, como algo, que sentían, que había llegado hasta allí, para quedarse; pero el plazo de su retirada, inexorablemente vencía ,como un árbol viejo, que arrastra sus secas ramas, al final de su impávida vida… ¡Y, sí, las obras de PLENSA están pensadas para la eternidad!

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CARMELA. Esta magnifica foto pertenece a su autor Carles Rivas, imagen via internet

La rotunda escultura CARMELA impresionante y bella, es pesada y etérea, hecha para quedarse, atrás quedaron, las fotografias previas, y el trabajo de estudio.
El tiempo era tasado, debería haber sido retirada ya, hace mucho tiempo, (el extinto día 18 del mes de septiembre de 2016)… ¡PERO CAMELA SE QUEDA!

Lo pidieron los vecinos y Plensa se siente feliz, la cederá gratis al ayuntamiento 8 años más, con opción a prorroga; (como es natural, aunque, esta no debería ser la única opción). El consistorio, correrá con los gastos de fabricación y mantenimiento, y también, habrá que hacerle una peana más duradera a la bella cabeza. Mas el ayuntamiento no la adquirirá como era su interés; además, la cabeza de niña había sido en principio comprometida con otro comprador, que elegantemente, al fin se abstendrá. La magnífica escultura está valorada en 500.000/700.000 euros. Pero bueno, Plensa está contento. Se encuentra en Barcelona ciudad a la que ama, de ella dice, «Como no vas a querer el lugar donde naciste».

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LA FUENTE CROWN. Chicago. Foto internet.

Plensa ha estado exponiendo recientemente sus obras en USA; Nashville, Tampa, y Toledo, fueron las ciudades elegidas, en todas ellas, las piezas mostradas, fueron finalmente adquiridas, y se quedaron allí; actualmente PLENSA tiene a punto de inauguración, una obra en Toronto, y está trabajando, en un proyecto para Montreal, el artista ahora, vive más en los aviones y hoteles, que en su estudio taller de Barcelona.

LA FUENTE CROWN 2004.  En el “PARQUE MILLENNIUM” de la ciudad de CHICAGO. Es un verdadero icono para la gran urbe, y una magnífica inversión para la ciudad y la ciudadanía.

UNA GRAN ESCULTURA DE 52 METROS DE ALTURA JUNTO AL MAR

En Barcelona su ciudad natal acaricia un gran sueño, una escultura junto al mar. Las cosas van despacio, pero PLENSA, sabe esperar. La escultura que presentó en Venecia podría ser un avance sobre la presentada para la Ciudad Condal.

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MIST. Basílica San Giorgio Maggiore. La cabeza de PLENSA en Venecia. Esta foto pertenece a su autor, y fue obtenida via internet.

El proyecto, como no puede ser de otra manera es importante y complejo, pero hay voluntad de acuerdo por las dos partes, PLENSA, artista muy cotizado mundialmente, ofrece la escultura a sus vecinos de BARCELONA gratuitamente, (solo se tendrían que abonar los costes y el mantenimiento), que aún así son elevados, y no son ahora momentos, de inversiones ávidas, pero difíciles de abordar económicamente, mas no debemos de olvidar nunca el arte, lo que este nos ofrece; y, si es de calidad, este, debe ser justamente valorado. El Ayuntaminto de Barcelona tiene ante sí, sin duda, una gran oportunidad, no exenta de rentabilidad.

¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.

Jaume Plensa. Plensa. Escultores. Escultura. Arte Contemporáneo. Carmela. Barcelona. Mercado del Arte. Pintura. Tomás Bartolomé.

 

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Cardoso. Escultura. Cual si fueran alondras, levantan hacia el cielo matutin o su vuelo. Baudelaire

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Cardoso. Escultura.

Cardoso nos muestra esta magnífica escultura plena de estilizada belleza y movimiento

¡Feliz aquel que puede con brioso aleteo
Lanzarse hacia los campos luminosos y calmos!

POESIA

Elevación

Por encima de estanques, por encima de valles,
De montañas y bosques, de mares y de nubes,
Más allá de los soles, más allá de los éteres,
Más allá del confín de estrelladas esferas,

Te desplazas, mi espíritu, con toda agilidad
Y como un nadador que se extasía en las olas,
Alegremente surcas la inmensidad profunda
Con voluptuosidad indecible y viril.

Escápate muy lejos de estos mórbidos miasmas,
Sube a purificarte al aire superior
Y apura, como un noble y divino licor,
La luz clara que inunda los límpidos espacios.

Detrás de los hastíos y los hondos pesares
Que abruman con su peso la neblinosa vida,
¡Feliz aquel que puede con brioso aleteo
Lanzarse hacia los campos luminosos y calmos!

Aquel cuyas ideas, cual si fueran alondras,
Levantan hacia el cielo matutino su vuelo
-¡Que planea sobre todo, y sabe sin esfuerzo,
La lengua de las flores y de las cosas mudas!

Charles Baudelaire

Cardoso. Escultura. Aquel cuyas ideas, cual si fueran alondras, levantan hacia el cielo matutino su vuelo. Charles Baudelaire.

Cardoso. Escultura. Escultores. Poesía. Baudelaire. Elevación. 

 

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BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

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El Arca de Noé. Miquel Barceló. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

Jueves 22 de septiembre de 2017. MIQUEL BARCELÓ el artista reconocido internacionalmente, (con obra expuesta en el museo del Louvre) en el Paraninfo de las Escuelas Mayores, fue investido como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, en el 800 aniversario de su creación. También, el crítico de arte y catedrático, Francisco Calvo Serraller recibió, este significativo doctorado.

En Salamanca, la bella ciudad charra, a orillas del Tormes llena de arte, en ese mismo, y emocionante momento de la formal investidura, se encuentraba activa, una interesante muestra, con parte de los últimos trabajos del artista mallorquín…

Exposición «El Arca de Noé»

28 de abril de 2017 /1 de octubre de 2017

Miquel Barceló. VIII Centenario de la Universidad de Salamanca

80 obras: pintura, escultura, cerámica, obra sobre papel (acuarelas), perfomance. La mayoría realizadas en los últimos 6 años, y algunas de ellas inéditas. Se encuentraban, repartidas así:

Sala de Exposiciones del Patio de Escuelas, 26 acuarelas (2001/2003) pertenecientes, a la ilustraciones realizadas por el artista para La Divina Comedia, de Dante Alighieri. Formando, un grupo de acuarelas de formato medio, muy interesantes, oscuras y bellas.

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El ifierno. Acuarela. Barceló. Imagen, foto vía internet

Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca. Pinturas y obras en papel de gran formato (2009/2016), y cuadros con relieve, a base de telas (empapadas en almidón antes de aplicar la pintura, para así conseguir volúmenes y relieves), son representaciones de pinturas rupestres, animales de las Cuevas de Chauvet (descubiertas en 2014)  que recuerdan a las de Altamira. Intensos blancos, verdes, o azules apasionantes, también oscuros fondos abismales, fogonazos de intemporalidad; fluorescencias (2015).

Detalle de una de las obras de la exposición. Miquel Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Capilla del Arzobispo Fonseca. Inédita, La obra El Arca de Noé que dando título a esta exposición ocupa el muro frontal, el crucero de la capilla, mide 4×20 metros. El  público en general aún no pudo verla, hasta en esta feliz ocasión; acompañan a la monumental obra, 18 cerámicas (2012/2016). ¡Siempre, eternamente el barro pegado a la piel y el alma de Barceló!

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Cerámica. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio Palacio de Anaya. Le grand écouteur, (2015). Simula una gran obra de barro, y lo consigue, su aspecto es pesado, sin embargo es una pieza muy ligera (una mezcla de poliuretano y otros materiales). Es como un gran oreja que se ablanda en su pedestal.

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Le grand écouteur. Miquel Barceló. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio de Escuelas Menores. 14 Allumettes, (2015). bosque de cerillas de bronce que se retuercen ya apagadas, son de gran altura y, necesitan un espacio más amplio de exposición, que en el que se encuentran situadas, por lo demás, un patio bellísimo a escasos metros de la fachada de la universidad, desde el que se pueden ver las torres de la catedral. Una gran competencia para las tristes y apagadas cerillas.

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Allumettes. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Plaza Mayor. Gran Elefant Dret (2008). El monumental elefante blanco ¡Como hacer equilibrios imposibles apoyado en su trompa!

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Gran Elefant Dret. Miquel Barceló. Foto. By TbArt Archivos fondos propios

Barceló Honoris Causa y su Arca de Noé

Miquel Barceló. Barceló. Honoris Causa Salamanca. Exposición El Arca de Noė. Pintura. Pintores. Pintor. Artista. Escultura. Cerámica.

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El Artista. Oscar Wilde. «Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua»

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Foto. By TbArt.

Artista. Produce y crea obras de arte. Del latín ars, artis. Capaz de crear… crear volúmenes, conformar espacios.

 

El Artista

Un día nació en su alma el deseo de modelar la estatua del «Placer que dura un instante».

Y marchó por el mundo para buscar el bronce, pues sólo podía ver sus obras en bronce.

Pero el bronce del mundo entero había desaparecido y en ninguna parte de la tierra podía encontrarse, como no fuese el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida».

Y era él mismo con sus propias manos quien había modelado esa estatua, colocándola sobre la tumba del único ser que amó en su vida.

Sobre la tumba del ser amado colocó aquella estatua que era su creación, para que fuese muestra del amor del hombre que no muere nunca y como símbolo del dolor del hombre, que se sufre toda la vida.

Y en el mundo entero no había más bronce que el de aquella estatua.

Entonces cogió la estatua que había creado, la colocó en un gran horno y la entregó al fuego.

Y con el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida» modeló la estatua del «Placer que dura un instante».

Oscar Wilde

«Lo único que consuela a los hombres por las estupideces cometidas, es el orgullo de realizarlas»

O.W

El Artista. Oscar Wilde. «Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua»

LITERATURA. El ARTISTA. OSCAR WILDE. ESCRITORES. WILDE. ARTISTA. ESCULTURA. PLACER. DOLOR.

 

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Escultura. Two Girls. Albert. Müller. Hay un país soberbio, que sueño visitar con una antigua amiga

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Dos muchachas. Two Girls. Albert Müller. 1924/5. Foto, by TbArt
Madera tallada y pintada.

Expresionismo Suizo.

Albert Müller. Basilea. 1897/26. Pintor, Escultor, Dibujante, Grabador.

LA INVITACIÓN AL VIAJE

Hay un país soberbio, un país de Jauja -dicen-, que sueño visitar con una antigua amiga.
País singular, anegado en las brumas de nuestro Norte, y al que se pudiera llamar el Oriente de Occidente, la China de Europa: tanta carrera ha tomado en él la cálida y caprichosa fantasía; tanto la ilustró paciente y tenazmente con sus sabrosas y delicadas vegetaciones.
Un verdadero país de Jauja, en el que todo es bello, rico, tranquilo, honrado; en que el lujo se refleja a placer en el orden; en que la vida es crasa y suave de respirar; de donde están excluídos el desorden, la turbulencia y lo improvisto; en que la felicidad se desposó con el silencio; en que hasta la cocina es poética, pingüe y excitante; en que todo se te parece, ángel mío.
¿Conoces la enfermedad febril que se adueña de nosotros en las frías miserias, la ignorada nostalgia de la tierra, la angustia de la curiosidad? Un país hay que se te parece, en que todo es bello, rico, tranquilo y honrado, en que la fantasía edificó y decoró una China occidental, en que la vida es suave de respirar, en que la felicidad se desposó con el silencio. ¡Allí hay que irse a vivir, allí es donde hay que morir!
Sí, allí hay que irse a respirar, a soñar, a alargar las horas en lo infinito de las sensaciones. Un músico ha escrito la Invitación al vals; ¿quién será el que componga la invitación al viaje que pueda ofrecerse a la mujer amada, a la hermana de elección?
Sí, en aquella atmósfera daría gusto vivir; allá, donde las horas más lentas contienen más pensamientos, donde los relojes hacen sonar la dicha con más profunda y más significativa solemnidad.
En tableros relucientes o en cueros dorados con riqueza sombría, viven discretamente unas pinturas beatas, tranquilas y profundas, como las almas de los artistas que las crearon. Las puestas del Sol, que tan ricamente colorean el comedor o la sala, tamizadas están por bellas estofas o por esos altos ventanales labrados que el plomo divide en numerosos compartimientos.
Vastos, curiosos, raros son los muebles, armados de cerraduras y de secretos, como almas refinadas. Espejos, metales, telas, orfebrería, loza, conciertan allí para los ojos una sinfonía muda y misteriosa; y de todo, de cada rincón, de las rajas de los cajones y de los pliegues de las telas se escapa un singular perfume, un vuélvete de Sumatra, que es como el alma de la vivienda.
Un verdadero país de Jauja, te digo, donde todo es rico, limpio y reluciente como una buena conciencia, como una magnífica batería de cocina, como una orfebrería espléndida, como una joyería policromada. Allí afluyen los tesoros del mundo, como a la casa de un hombre laborioso que mereció bien del mundo entero. País singular, superior a los otros, como lo es el Arte a la Naturaleza, en que ésta se reforma por el ensueño, en que está corregida, hermoseada, refundida.
¡Busquen, sigan buscando, alejen sin cesar los límites de su felicidad esos alquimistas de la horticultura! ¡Propongan premios de sesenta y de cien mil florines para quien resolviere sus ambiciosos problemas! ¡Yo ya encontré mi tulipán negro y mi dalia azul!
Flor incomparable, tulipán hallado de nuevo, alegórica dalia, allí, a aquel hermoso país tan tranquilo, tan soñador, es adonde habría que irse a vivir y a florecer, ¿no es verdad? ¿No te encontrarías allí con tu analogía por marco y no podrías mirarte, para hablar, como los místicos, en tu propia correspondencia?
¡Sueños! ¡Siempre sueños!, y cuanto más ambiciosa y delicada es el alma tanto más la alejan de lo posible los sueños. Cada hombre lleva en sí su dosis de opio natural, incesantemente segregada y renovada, y, del nacer al morir, ¿cuántas horas contamos llenas del goce positivo, de la acción bien lograda y decidida? ¿Viviremos jamás, estaremos jamás en ese cuadro que te pintó mi espíritu, en ese cuadro que se te parece?
Estos tesoros, estos muebles, este lujo, este orden, estos perfumes, estas flores milagrosas son tú. Son tú también estos grandes ríos, estos canales tranquilos. Los enormes navíos que arrastran, cargados todos de riquezas, de los que salen los cantos monótonos de la maniobra, son mis pensamientos, que duermen o ruedan sobre tu seno.
Tú los guías dulcemente hacia el mar, que es lo infinito, mientras reflejas las profundidades del cielo en la limpidez de tu alma hermosa; y cuando, rendidos por la marejada y hastiados de los productos de Oriente, vuelven al puerto natal, son también mis pensamientos, que tornan, enriquecidos de lo infinito, hacia ti.
LA INVITACIÓN AL VIAJE. CHARLES BAUDELAIRE

Escultura. Dos muchachas. Two Girls. Albert. Müller. Hay un país soberbio, un país de Jauja -dicen-, que sueño visitar con una antigua amiga.

Escultura. Albert Müller. Escultores. Expresionismo. Amiga. Arte. Baudelaire. País. País de Jauja.

 

 

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