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Giotto. Revolucionó el Arte en el Trecento. Tomás Bartolomé.

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GIOTTO

Giotto di Bondone. Florencia, 1267. Florencia, 1337.

PINTOR, ESCULTOR, ARQUITECTO

Recibe clases de CIMABUE, gran pintor iniciador de la escuela florentina del trecento. Y lo supera.

Esto escribía al respecto Dante…

¡Oh, vanagloria de la grandeza humana!

¡Cuán poco dura tu verdor sobre la cumbre,

Si no se sigue una época de decadencia!

Se creyó Cimabue reinar en el campo de la pintura

Y ahora es Giotto el que tiene la fama,

De modo que la fama de aquél se ha oscurecido.

CIMABUE, MAESTRO Y DESCUBRIDOR

Dante, describe en estos versos como GIOTTO, goza del favor del público y como CIMABUE, queda eclipsado por el éxito de su aventajado alumno.

Según nos cuenta en este pasaje, Giorgio Vasari…

Se encontraba Cimabue realizando uno de sus viajes, cuando ya cerca de la ciudad de Florencia pudo observar a un joven pastor que  mientras guardaba de sus ovejas pintaba sobre una piedra a una de ellas; aquel pastor que vio Cimabue cuya imagen guardaba su retina, se acabó convirtiendo en un gran pintor, para orgullo de él, su maestro, pues el muchacho, aquel pastor de 11 años e hijo de campesinos acabó finalmente superandolo.

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La enterada en Jerusalén. 1304/6.

GIOTTO, a la edad de 30 años era ya un artista muy famoso pues su obra era diferente a lo que entonces se conocía. Giotto daba a sus pinturas un tratamiento escultórico, las figuras poseían  un efecto tridimensional por lo que el pintor aportaba un claro avance; enseguida fue requerido para numerosos encargos, sobre todo retratos, y pintura religiosa. El papa Bonifacio VII estaba tan maravillado con su arte, que lo  mandó llamar para conocerlo en persona y tal vez realizarle algún encargo para la grandiosa e imperial Roma.

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La Muerte de San Francisco. 1325.

Tambien recibe Giotto reconocimientos públicos. Es nombrado Maestro Gobernador de la Obra de Santa Reparata encargándose de las mismas en la antigua Catedral de Florencia de la que él diseña el campanario, luego este fue modificado y finalmente falleció sin verlo terminado.

La mayoría de sus obras no están plenamente autentificadas por lo cual algunas de ellas,  le han sido simplemente atribuidas; hay que tener en cuenta que el artista contaba en su propio taller con la colaboración de numerosos auxiliares a los que supervisaba la obra, así pues, no todas las pinturas nacían exclusivamente de sus manos.

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Joaquín expulsado del templo. Capilla de la Arena. 1305/6.

CAPILLA DE LA ARENA

Giotto realizó los frescos de la Capilla de Scrovegni en Padua, también conocida por La Capilla de la Arena. Era un templo dedicado a Santa María de la Caridad, su decoración mural es imponente y muy importante; las pinturas cubren enteramente la capilla de una sola nave; 36 frescos de Giotto representando escenas de la vida de Cristo y vivencias de la Virgen y sus padres, y otros 14 con alegorías, vicios y virtudes.

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La Desesperacion. Capilla de la Arena. 1305/6.

Antes de la decoración de la Capilla de la Arena, Giotto había ornamentado la Iglesia Superior de San Francisco de Asís con escenas de la vida de este Santo.

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La leyenda de San Francisco. “La verificación del estigma”. 1297/9.

A GIOTTO, en vida le fue reconocido su gran mérito y socialmente fue admitido en determinados círculos sociales donde un artista antes, no habría podido soñar. Hizo una importante fortuna, y cuando finalmente falleció en la bella ciudad de Florencia, fue enterrado con honores en la catedral de Santa Reparata.

GIOTTO. REVOLUCIONÓ EL ARTE EN EL TRECENTO.

Giotto. Pintura. Pintores. Trecento. Escultura. Arquitectura. Cimabue. Dante.

 

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Mateo Hernández. Escultor. “A fuerza de mil milagros he podido tener un bloque de Diorita para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga”.

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Mateo Hernández Sánchez. Bejar, Salamanca. 1884. Meudon, Francia 1949.

ESCULTOR. TALLA DIRECTA.

MATEO HERNÁNDEZ. El escultor bejarano nace en un familia de canteros, se casa a la edad de 21 años con Petra Téllez; un año más tarde se separan y el escultor, que reside en Bejar, su ciudad de nacimiento, se traslada a Salamanca. Ese mismo año viaja a Madrid (becado por la Diputación de Salamanca) donde realiza estudios de dibujo y modelaje de lo antiguo, en la Escuela Nacional de Bellas Artes, solo dos años después regresa nuevamente a Salamanca y de allí marcha a París.

PARÍS

La llegada a la capital francesa en 1910, no resulta nada fácil, el escultor no habla ni una palabra de francés y se encuentra sin trabajo, sin embargo al poco, comienza a trabajar en la construcción como cantero. Tiene 26 años. Dos años después conoce al gran amor de su vida, se trata de Fernande Carton Millet, estudiante de magisterio que habla perfectamente español y que ayudará al escultor incluso, con su pobre sueldo de maestra.

MATEO HERNÁNDEZ, trabaja incansablemente en su oficio, es un asiduo visitante del zoo parisino donde toma apuntes del natural y se percibe su amor y respeto por los animales; además, son unos modelos baratos, en un momento en que a veces es difícil pagar las facturas… Así transcurren unos años.

1920 EL AÑO DEL ÉXITO, MATEO HERNÁNDEZ, alcanza la fama y el reconocimiento.

El Barón Rothschild, adquiere su obra Pantera, en el Salón de Otoño de París. El aristócrata paga por la escultura nada más, ni nada menos, que 60.000 francos, una cifra desorbitada para aquellos años 20 de penuria y crisis.

LA PANTERA DE JAVA O PANTERA KERRIGAN

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1923, MATEO HERNÁNDEZ consigue un gran bloque de diorita, la diorita es una de esas rocas de la naturaleza similar al granito, y a esta última roca, la conoce bien de su tierra bejarana, donde al ser muy abundante, es usada en la construcción; el escultor, así pues el artista, con su apreciado bloque de diorita comienza lo que sería una de sus obras más emblemáticas, La Pantera de Java, que actualmente se encuentra en el Metropolitan de NUEVA YORK. Después de dos años de arduo trabajo con su talla directa llena de riesgos, la presenta en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925, resultando galardonada, con el Gran Premio de Escultura. Dos años después La Pantera de Java, sería adquirida por el señor y la señora Kerrigan.

Mateo Hernádez declaró sobre lo ocurrido…

“Yo no quería venderla, esa obra la quería para mí, puse un precio muy alto para no venderla… y se la llevaron”.

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Mateo Hernández esculpiendo La Bañista. 1925.

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La Bañista. 1925. Museo Nacional Centeo de Arte Reina Sofía. Madrid. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En 1927, la Sociedad del Amigos del Arte organiza una exposición en Madrid, de 27 obras de arte del escultor, asistió al evento la Familia Real; esculturas, no se vendió ninguna, si bien es cierto, que los precios del genial artista no eran aptos para cualquier bolsillo.

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1928, MATEO HERNÁNDEZ, adquiere una espaciosa casa en Meudon, Francia; allí, en su taller, en el que solo y exclusivamente trabaja él, realiza obras de gran tamaño. Trabajador incansable se consagra totalmente a la Escultura, desdeña los materiales blandos y dúctiles y ataca con rabia los grandes bloques de piedra, ¡cuanto más duros mejor! A veces tenía que vendarse los brazos del dolor, pues constantemente, las briznas de piedra y el chisporroteo que provoca el cincel sobre la dura roca, le causaban golpes y laceraciones.

1949. MATEO HERNÁNDEZ, fallece en su casa de Meudon; finalmente es repatriado y enterrado en Bejar, su localidad natal donde existe un museo (permítanme recomendárselo), dedicado íntegramente a la figura de su insigne vecino; contiene unas 50 obras que actualmente, están cedidas en deposito, por el Museo Reina Sofía de Madrid.

Mateo Hernández. Escultor….

“A fuerza de mil milagros he podido tener un bloque de Diorita para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga”.

MATEO HERNÁNDEZ. LA PANTERA DE JAVA. ESCULTORES. ESCULTURA. BEJAR. SALAMANCA. MUSEO REINA SOFÍA.

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Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti. El Divino.

Michelangelo Buonarroti. “El divino”.

Miguel Ángel. Caprese, Florencia, 6 de Marzo 1475, Roma 18 de Febrero 1564.

Se quedó huérfano de madre con solo 6 años, su familia bien situada, vívia de empleos estatales y de algunas rentas pues eran propietarios de una cantera.

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Vista de Florencia. Carl Gutav Carus. 1841.

Estudió gramática en Florencia pero pronto el mordisco del arte agarró con ansia su alma; según él, su pasión la mamó de la misma nodriza que lo crió y que para más señas era hija de un cantero. Como tantas veces en la historia al padre no le pareció, ni bien, ni sobre todo digno de su familia, la vocación temprana de Miguel Ángel, pero pronto tuvo que admitir la terca voluntad de su hijo y finalmente decidió ayudarlo.

1488. A los 12 años de edad, Miguel Ángel, comienza sus estudios de pintura. En 1492 Se instala en Bolonia.

1496  Michelangelo Buonarroti, viaja a Roma, donde como carta de presentación realiza el Bacus del Barcello el mismo año de su llegada, a la monumental, y poderosa capital papal; luego realizaría obras maestras como…

La Piedad del Vaticano, con solo 23 años, y el David 1501/4, con 29.

Mármol blanco de Carrara en talla directa, el David se realizó sin moldes, el bloque de mármol desnudo e inane frente al artista, nada más difícil y nada más bello. Se trata de una obra cumbre de la escultura de todos los tiempos.

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David. 1501/4. Fotos. Wikipedia (2). Foto fondo negro, BYTBART. Archivos fondos propios.

Multidisciplinario y genial, Miguel Ángel es un artista total, un perfeccionista al que le interesan todas las artes en una época de reivindicación y consolidación de él mismo y de su colectivo. de su ubicación e imbricación en un estamento distinto, el de los artistas, (que ahora poseían conocimientos de álgebra, matemáticas, y geometría), frente al gremio de los artesanos donde hasta hacía poco se les había incluido; así pues Miguel Ángel con su genio y estudios contribuyó al incipiente ascenso, de una nueva categoría, la de los artistas, en la escala social.

GENIO
Pintor, Escultor, Arquitecto, Escritor, Matemático todo esto y mucho más fue Miguel Ángel, y todo a una gran altura. Ante todo le interesa la escultura y el estudio del cuerpo humano; también le subyuga el riesgo, es a veces provocador y rebelde. También pendenciero. Una pelea le dejaría torcida y rota la nariz, a raíz de la acción agresiva, de un pintor celoso de su arte. Riesgo y valentía de un gran genio que vivió a su manera, sin impórtale el que dirán de sus dudosas amistades; se le amó y él amó.

FLORENCIA Y ROMA. MEDICIS Y PAPAS

En aquellos años Italia precisaba obras de arte y las obras de buenos artistas, eran muy demandadas sobre todo por la nobleza para decorar sus palacios y por la iglesia para ornar sus templos y, conseguir así de esta manera, más fieles. A Miguel Ángel le sobraban los encargos.
Banqueros y Papas florentinos así com los Médici pertenecientes a la nobleza, amantes del arte  y obsesionados con el poder y el dinero, fueron sus mecenas, junto con los Papas de Roma.

EN BUCA DE UNA TUMBA

El Papa Julio II, un Papa amante del arte y guerrero, fue el más grande mecenas de su época (1500) y tuvo que tratar con el gran Miguel Ángel y soportar con infinita paciencia y comprensión al capresino que a veces se mostraba intratable aunque en muchas ocasiones con razón.
Os contaré un suceso que desquició al Sumo Pontífice en grado máximo…

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Tumba de Julio II. 1505/45.

Nos encontramos en 1504. Julio II encarga lo que será su sepulcro a Miguel Ángel. El artista obtiene un gran bloque de mármol blanco de Carrara y comienza la obra, pronto necesita dinero y acude al Papa Julio, pero el Papa centrado sobre todo en la reconstrucción de San Pedro, lo ignora. La paciencia de Miguel Ángel tiene un limite, ofendido, abandona Roma y se dirige a Florencia. Julio II no desea enemistarse con el artista y encarecidamente le pide que vuelva, lo que finalmente el artista hace en 1508, en esta ocasión, para comenzar las pinturas de la Capilla Sixtina.

En marzo de 1513, muere el Papa Julio II cuando la tumba apenas era un proyecto. Entonces surgieron problemas de dinero y de concepción de la obra que no fue terminada por Miguel Ángel pues los familiares del ilustre finado no solo encargaron el proyecto a otros escultores, si no que además lo demandaron.  Entonces el grupo escultórico, perdió monumentalidad, y lo que iba a ser una obra exenta se convirtió en una tumba adosada a una parez. Ya finalmente terminado, ni siquiera el pobre Papa Julio está enterrado en el bello sepulcro de la discordia.

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Pinturas de la Bóveda da de la Capilla Sixtina.

Otra de sus grandes obras fueron las pinturas de la Bóveda de la Capilla Sixtina 1508/12. Un trabajo ímprobo  y sumamente agotador, cuando Julio II le preguntó que cuando terminaría las pinturas, Michelangelo Buonarroti, contestó…

“Cuando pueda”.

Ciudad del Vaticano, Roma. Basílica de San Pedro 1546, el Papa Paulo III le encarga la dirección arquitectónica de los trabajos de la misma y Miguel Ángel siempre genial apoya los muros con absides monumentales y sobre todo con una magnifica y bella gran cúpula.

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Basilica de San Pedro con su Cúpula de Miguel Ángel.

Grande entre los grandes, Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti. El Divino. falleció en Roma a lo 88 años de edad y está enterrado en Florencia en la Basílica de la Santa Cruz.

Miguel Ángel. Michelangelo Buonarroti. El Divino.

Michelangelo Buonarroti. Miguel Ángel. Pintura. Pintores. Escultores. Escultura. Arquitectura.

 

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¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.

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Jaume Plensa. Tomás Bartolomé. Óleo cartón. 2016.

AY, CARMELA!

El escultor barcelonés Jaume Plensa; Barcelona 1955, tiene su estudio muy cerca de la Ciudad Condal. Escultor, Grabador, Dibujante, Arquitecto, Ilustrador etc. Es uno de los artistas españoles más cotizados en el Mercado de Arte Internacional.

Los vecinos del barrio no querían que la cabeza de niña (CARMELA) de Plensa (4 metros de altura,  pesado hierro fundido) que se encontraba situada frente al Palau de la Música de Ciutat Vella, dejara la vecindad del centro histórico como estaba previsto, aquella gran cabeza era para casi todos como algo, que sentían que había llegado hasta allí para quedarse; pero el plazo inexorablemente vencía como un árbol viejo que arrastra sus secas ramas al final de aquella impávida vida… ¡Y, si, las obras de PLENSA están pensadas para la eternidad!

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CARMELA. Esta magnifica foto pertenece a su autor Carles Rivas, imagen obtenida de internet

La rotunda escultura CARMELA impresionante y bella, es pesada y etérea hecha para quedarse, atrás quedaron las fotografias previas y el trabajo de estudio.
El tiempo era tasado, debería haber sido retirada ya hace un tiempo, el extinto día 18 del mes de septiembre de 2016… ¡PERO CAMELA SE QUEDA!

Lo pidieron los vecinos y Plensa se siente feliz, la cederá gratis al ayuntamiento 8 años más con opción a prorroga; como es natural aunque no debería ser la única opción, el consistorio correrá con los gastos de fabricación y mantenimiento y también habrá que hacerle una peana más duradera a la bella cabeza. Pero el ayuntamiento no la adquirirá como era su interés, precisamente se estaba en negociaciones en esos momentos, además la cabeza de niña había sido en principio comprometida con otro comprador que elegantemente al fin se abstendrá. La magnífica escultura está valorada en 500.000/700.000 euros. Pero bueno, Plensa está contento. Se encuentra en Barcelona ciudad a la que ama, de ella dice, “como no vas a querer el lugar donde naciste”.

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LA FUENTE CROWN. Chicago. Foto internet.

Plensa ha estado exponiendo recientemente sus obras en USA; Nashville, Tampa, Toledo, fueron las ciudades elegidas, en todas ellas las piezas mostradas fueron finalmente adquiridas y se quedan allí; actualmente PLENSA tiene a punto de inauguración una obra en Toronto y está trabajando ahora en un proyecto para Montreal, el artista vive más en los aviones y hoteles que en su estudio taller de Barcelona.

LA FUENTE CROWN 2004.  En el “PARQUE MILLENNIUM” de la ciudad de CHICAGO. Es un verdadero icono para la gran urbe, y una magnífica inversión para la ciudad y la ciudadanía.

UNA GRAN ESCULTURA DE 52 METROS DE ALTURA JUNTO AL MAR

En Barcelona su ciudad natal acaricia un gran sueño, una escultura junto al mar. Las cosa van despacio, PLENSA, sabe esperar. La escultura que presentó en Venecia podría ser un avance sobre la presentada para la Ciudad Condal.

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MIST. Basílica San Giorgio Maggiore. La cabeza de PLENSA en Venecia. Esta foto pertenece a su autor. Ha sido obtenida de internet.

El proyecto como no puede ser de otra manera es importante y complejo pero hay voluntad de acuerdo por las dos partes, PLENSA artista muy cotizado mundialmente ofrece la escultura a sus vecinos de BARCELONA gratuitamente, (solo se tendrían que abonar los costes y el mantenimiento), aún así son elevados, y no son ahora momentos de inversiones ávidas, pero difíciles de abordar económicamente, mas no debemos olvidar el arte, lo que nos ofrece, y, si es de calidad, este debe ser justamente valorado. El Ayuntaminto de Barcelona tiene ante sí, sin duda, un gran oportunidad.

¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.

Jaume Plensa. Plensa. Escultores. Escultura. Arte Contemporáneo. Carmela. Mercado del Arte. Pintura. Tomás Bartolomé.

 

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Auguste Rodin. Arte para comer y Arte para transgredir. Tomás Bartolomé.

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Foto. Los Burgueses de Calais. 1895.

Auguste Rodin. París 1840. Maudon, Francia, 1917.

Estudió en La Escuela de Artes Decorativas de PARÍS. Primeramente trabajó para otros escultores.

Cuando conoció al gran amor de su vida, y que siempre estaría a su lado, Auguste RODIN tenía 23 años, ella, Rose Beuret era costurera. También fue su inspiración, modelo y musa; poco después tendrían un hijo que llevaría los apellidos maternos.

ARTE PARA COMER

Realizaba sobre todo piezas decorativas para el consumo de la burguesía de su tiempo

Tenía el artista 30 años cuando se declaró la Guerra Franco/Prusiana. No participó en ella a causa de su mala visión, era un gran miope. Se traslada a Bruselas, allí trabaja en un taller de escultura ajeno. Es una época en la que el artista para poder subsistir necesita trabajar para otros.

VIAJE INICIATICO A ITALIA

Con 35 años, Auguste RODIN viaja a Italia donde estudia a los grandes maestros Miguel Ángel y Donatello.

REGRESO A PARÍS. RODIN ES DENUNCIADO POR TRAMPOSO

Una obra suya “La Edad de Bronce” una escultura a tamaño natural de un hombre desnudo, (primera obra en bronce de Rodin) es el punto de partida para un estilo más personal. Con “La Edad de Bronce” llega la polémica; muchos son los que creen que no puede haber tanta perfección en una escultura sin hacer trampas y acusan/opinan que RODIN obtiene sus moldes directamente del cuerpo del modelo y no del modelado del barro en el taller. Al fin se demuestra la verdad (su maestría), por medio de  documentos gráficos y testimonios de testigos, y se le autoriza por fin a fundir su obra en bronce.

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Foto. La edad de bronce. Mármol.

Edgard Degas, declara a favor de AUGUSTE  RODIN en el proceso,  aportando su testimonio personal. Se demuestra que Auguste RODIN no es un farsante sino más bien un escultor, que no hace trampa y que modela sus esculturas en barro, copiando del modelo y guiándose por sus dibujos. Como no hay mal que por bien no venga se demostró…, “su inocencia y su genialidad al mismo tiempo”.

ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste RODIN alcanza la fama. Desde ese momento podrá escoger sus propios trabajos. La pieza de la polémica, “La edad de bronce”, es finalmente adquirida por el estado francés. iSu fuerza creadora se desborda, es el momento de mostrar otros caminos; caminos nuevos!

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Los Burgueses de Calais

En esta época de controversia y transgresión realiza ” Los Burgueses de Calais”, en ella representa a seis Nobles de Calais que van a ser sacrificados, pronto darán sus vidas por los vecinos de la ciudad. La historia de este hecho se produce durante el asedio de las tropas inglesas a Calais, Francia, al inicio de la Guerra de los Cien Años, 1347.

RODIN se especializa en la anatomía del cuerpo humano. Su calidad, es indiscutible; tan perfecta que como hemos visto anteriormente levanta sospechas. Su poética sensibilidad se funde con la naturaleza de la piedra y sus manos de exquisito cirujano trabajan la píel del frío mármol insuflandole calor…

“La piel”…  y la piedra”

Ahora el escultor por fin tiene su propio taller donde trabajaban una veintena de canteros. Auguste RODIN también revoluciona la ESCULTURA en espacios públicos.

En 1886 conoce a la escultora Camille Claudel y se casan, viajan por Francia e Inglaterra. Dos años después abren un taller de ESCULTURA. El matrimonio no va bien. Debussy (el afamado músico) se enamora perdidamente de Camille. Los esposos permanecen separados. Camille vive entre la miseria y el abandono; echa toda la culpa de su mala situación personal y profesional al escultor y  en diferentes ocasiones  presa de ira y  desesperación destruye parte de su obra y negocia ventas por su cuenta. Finalmente acaba ingresando en un hospital para enfermos mentales.

AUGUSTE RODIN SE CASA CON ROSA BEURET EL GRAN AMOR DE SU VIDA

Finalmente en 1917, Auguste RODIN se casa con Rose Beuret, su novia de toda la vida a la que conoció con 23 años, con la que tuvo un hijo que llevaba los apellidos maternos y con la que por fin contraería matrimonio a los 77 años de edad. Tristemente los dos enamorados fallecen el mismo año de su boda, primero Rosa, y luego a los pocos meses Auguste. Un final agridulce para uno de los escultores mas grandes de todos los tiempos.

Los museos que más obras de RODIN contienen, son: El Museo Rodin de París, merece una visita, es un museo maravilloso, y el Museo Rodin de Filadelfia, Pensilvania.

AUGUSTE RODIN. ARTE PARA COMER Y ARTE PARA TRANSGREDIR.

Auguste Rodin. Rodin. Escultura. Escultores. La edad de bronce. Los burgueses de Calais.

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El sepulcro del Cardenal Tavera. Alonso Berruguete.

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El Sepulcro del Cardenal Tavera. 1551/61. Alonso Berruguete.

Se encuentra ubicado en la Iglesia del Hospital Tavera, en la ciudad de Toledo es de estilo renacentista y está tallado en mármol blanco de Carrara, Italia, el material es de una gran calidad y pureza, libre de cualquier mácula o imperfección. En el sarcófago está enterrado el Cardenal Tavera, antiguo fundador del Hospital en que descansa. El monumento fue encargado por él patronato en 1554 a un insigne artista de la Tierra de Campos palentina, que murió en Toledo y fue enterrado (al pie del altar mayor en la Iglesia de Santa María de la Asunción, en Ventosa de la Cuesta (Valladolid) se trata del insigne escultor, Alonso Berruguete.

El sepulcro se terminó en el año de 1561. El precio pactado por la obra  fue de 3000 Ducados. Supongo que el que le puso Berrruguete pues el palentino fue un artista muy solicitado, y su costumbre fue siempre fijar él mismo, el precio, valorar su obra justamente… sus clientes, en su mayor parte eclesiásticos muy dados a regatear, y pedir, tenían finalmente que claudicar con el austero y cabál castellano.

En Valladolid, Alonso Berruguete monta su taller y no para de recibir encargos. También por trabajo,  reside en Toledo laborando en el sepulcro; su padre, Pedro Berruguete, (pintor), también había realizado sus pinturas, en la Catedral de la capital toledana que tanto pintara El Greco.

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FALLECEN BERRUGUETE Y TAVERA

Alonso Berruguete en 1561, con 71 años, fallecía en Toledo a donde se había dirigido, para por fin, entregar el Sepulcro del Cardenal Tavera, sepulcro, instalado en la iglesia del Hospital Tavera, también nombrado como de San Juan Bautista, por estar dedicado a este santo, y también conocido como Hospital de afuera, puesto que  se encontraba a las afueras de Toledo, y porque en el interior de la noble ciudad se ubicaba, el también Hospital de Santa Cruz. Así pues, Alonso Berruguete, se habia desplazado de Valladolid a Toledo y allí trabajaba en el sepulcro. Cuando salió del hogar le había prometido a Juana, su mujer, que pronto regresaría de nuevo a su casa de Ventosa,  y que lo haría “antes de la vendimia”; pero el escultor no pudo cumplir su promesa; jamás volvería al lado de su familia, ya que el triste óbito se produjo en una de las habitaciones del Hospital,  cuando encontrándose trabajando en el monumento funerario del Cardenal se sintió indispuesto… Fue su ultima obra.

El sepulcro se encuentra situado bajo el crucero de la cúpula de la Iglesia, es una obra exenta, visible por los cuatro lados.

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Juan Pardo de Tavera, El Cardenal Tavera, el destinatario,  falleció en 1545 en Valladolid ( donde residía). Como cuando se produjo la muerte del Cardenal, el sepulcro no estaba terminado sus restos descansaron en la catedral de la capital del Pisuerga, hasta su destino definitivo en la iglesia del Hospital, 16 años después del óbito. Él ya no tenía prisa.

Actualmente el Hospital Tavera es propiedad de La Casa de Medinacelli, y entre otras dependencias, se encuentra, un más que interesante museo con pinturas de El Greco, Rivera, Tintoretto, Luca Giordano, Tizziano, Zurbaran etc, además de una escultura (una rareza), de El Greco, El Cristo resucitado.

El sepulcro del Cardenal Tavera. Alonso Berruguete.

El Sepulcro del Cardenal Tavera. Alonso Berruguete. Berruguete. Escultura. Escultores.

 

 

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Jeff Koons. Escultor mediático y el perro “Puppy” del Guggenheim Bilbao. Una inversión rentable.

imageJeff Koons. York, Pensilvania, USA. 1955.

Comenzó su carrera realizando estudios de Arte en Chicago y Baltimore.

Se ha convertido, en uno de los artistas contemporáneos que han alcanzado la más alta cotización económica en el panorama del arte mundial. Para que se hagan una idea la obra “Globo perro naranja” alcanzó el precio de ¡Agárrense! 55 millones de dólares…

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Perro globo de Jeff Koons

MERCADO DEL ARTE

¡Jesus en el templo repleto de mercaderes!

Hay quienes sospechan  que la labor de la agencia de publicidad de la que se sirve el artista para promocionarse tiene mucho que ver con los precios astronómicos que alcanzan sus obras. Utilización del Marqueting para inflar los precios, en un mercado de inversión (el arte como valor especulativo) que Jeff Koons conoce muy bien pues no en vano antes de artista fue corredor de bolsa.

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Escultura de Jeff Koons. Museo Guggenheim Bilbao. Foto, by TBART.

¡En fin, la polémica está servida, y a sus espectaculares creaciones les viene muy bien!

En 1991 Koons se casa con la actriz italiana de porno “Cicciolina” de la cual realiza una serie de obras de marcado carácter sexual. Se divorcian dos años después. Comienza entonces la batalla legal por la custodia de su única hija.

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Jeff Koons y Cicciolina. Vía internet.

En los años 80 Jeff Koons, ya es un artista conocido, son tantos los encargos que recibe que trabajan en su Taller de Arte más de 30 personas. Para algunos es genial, para otros, no es nada más que un farsante al que le pierde el dinero. ¿Ustedes qué  piensan?

Trabaja en pequeñas esculturas de porcelana y también en obras monumentales de más de 1000 kilos de peso, (realizadas en materiales como acero y cromo) su aspecto parece muy ligero aunque en realidad son esculturas muy pesadas.

ARTISTA MEDIATICO

Su vida  se asemeja más a la de un artista del “Show business” que a la de un escultor. Jeff Koons siempre está abierto a colaboraciones que le mantengan de actualidad, como la sesión de fotos con la cantante Lady Gaga, que posó desnuda para la cámara del genial artista de York.

EL PERRO PUPPY UN ICONO BILBAÍNO

En España ha participado en Arco (Feria internacional de arte contemporáneo de Madrid). Aunque su obra más conocida se encuentra en el exterior del Museo Guggenheim de Bilbao, se trata de su perro “Puppy”, un terrier gigante, cubierto de plantas y pequeñas flores en constante crecimiento, que es una verdadera delicia, y lo primero que se encuentra uno en el exterior (a la entrada), del maravilloso museo bilbaíno.

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El Perro Puppy en el exterior del Guggenheim Bilbao. Foto. Archivos fondos propios, by  TBART.

JEFF KOONS ARTE O NEGOCIO

 Jeff Koons. Escultor mediático y el perro “Puppy” del Guggenheim Bilbao. 

Jeff Koons. Escultura. Escultores. Arte Contemporáneo. koons. Perro Puppy. Puppy Guggenheim Bilbao. Mercado del Arte. Arte. Artistas.

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Cardoso. Escultura. Aquel cuyas ideas, cual si fueran alondras, levantan hacia el cielo matutino su vuelo. Charles Baudelaire.

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Cardoso. Escultura.

Cardoso nos muestra esta magnífica escultura llena de estilizada belleza y movimiento.

¡Feliz aquel que puede con brioso aleteo
Lanzarse hacia los campos luminosos y calmos!

POESIA

Elevación

Por encima de estanques, por encima de valles,
De montañas y bosques, de mares y de nubes,
Más allá de los soles, más allá de los éteres,
Más allá del confín de estrelladas esferas,

Te desplazas, mi espíritu, con toda agilidad
Y como un nadador que se extasía en las olas,
Alegremente surcas la inmensidad profunda
Con voluptuosidad indecible y viril.

Escápate muy lejos de estos mórbidos miasmas,
Sube a purificarte al aire superior
Y apura, como un noble y divino licor,
La luz clara que inunda los límpidos espacios.

Detrás de los hastíos y los hondos pesares
Que abruman con su peso la neblinosa vida,
¡Feliz aquel que puede con brioso aleteo
Lanzarse hacia los campos luminosos y calmos!

Aquel cuyas ideas, cual si fueran alondras,
Levantan hacia el cielo matutino su vuelo
-¡Que planea sobre todo, y sabe sin esfuerzo,
La lengua de las flores y de las cosas mudas!

Charles Baudelaire

Cardoso. Escultura. Aquel cuyas ideas, cual si fueran alondras, levantan hacia el cielo matutino su vuelo. Charles Baudelaire.

Cardoso. Escultura. Escultores. Poesía. Baudelaire. Elevación. 

 

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Fotografía. By Tb Art. El Artista. Oscar Wilde. “Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua”.

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Foto. By TbArt.

Artista. Produce y crea obras de arte.  Del latín ars, artis. Capaz de crear… crear volúmenes, conformar espacios.

El Artista

Un día nació en su alma el deseo de modelar la estatua del «Placer que dura un instante».

Y marchó por el mundo para buscar el bronce, pues sólo podía ver sus obras en bronce.

Pero el bronce del mundo entero había desaparecido y en ninguna parte de la tierra podía encontrarse, como no fuese el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida».

Y era él mismo con sus propias manos quien había modelado esa estatua, colocándola sobre la tumba del único ser que amó en su vida.

Sobre la tumba del ser amado colocó aquella estatua que era su creación, para que fuese muestra del amor del hombre que no muere nunca y como símbolo del dolor del hombre, que se sufre toda la vida.

Y en el mundo entero no había más bronce que el de aquella estatua.

Entonces cogió la estatua que había creado, la colocó en un gran horno y la entregó al fuego.

Y con el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida» modeló la estatua del «Placer que dura un instante».

Oscar Wilde

Fotografía. By Tb Art. El Artista. Oscar Wilde. “Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua”.

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Escultura. Alonso Berruguete. Un escultor de Palencia, que nació predestinado.

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Alonso  González Berruguete.  Paredes de Nava, Palencia 1490. Toledo 1561.

ALONSO HIJO DE PEDRO

Alonso Berruguete es hijo de un gran pintor español, Pedro Berruguete, que le enseñó, los trucos del oficio y el uso de la pintura y los colores, también le animó, a que dejara la Tierra de Campos palentina y viajara a Italia a completar su formación, él mismo, su padre, así lo hizo; Berruguete probablemente residió en Italia 10 años. Así pues, Alonso Berruguete, viaja a Italia, en 1507.  Residará en Florencia y Roma, donde su padre, conserva todavía buenas amistades que le ayudan en un primer momento. En Italia, Alonso Berruguete sigue su formación, y talla sus esculturas. Conoce a grandes maestros como Miguel Ángel, que en ese mismo momento se encuentra trabajando en la Capilla Sixtina, y a Rafael, que a su vez decora, las Estancias Vaticanas.

A su regreso a España, Alonso Berruguete se casa casi con cuarenta años, con Juana Pereda, a la que había conocido 20 años antes, en Medina de Rioseco, (Valladolid), sería el gran amor de su vida y ya nunca se separarían; tuvieron 4 hijos. Establecen su hogar, Juana y Alonso, en Valladolid; allí, Alonso Berrugete monta su taller de escultura, y no para de recibir encargos. También reside temporalmente en Toledo, donde realiza la Sillería del Coro de la Catedral, esa misma Catedral, donde su padre Pedro Berruguete, años antes había realizado pinturas para el gran templo.

Alonso Berrugete, se esfuerza por transmitir con su arte lo que heredaron sus sentidos allá en Tierra de Campos, donde las llanuras son eternas y existe esa sobriedad que cala, que impresiona; pero el escultor a la vez pretende ser diferente, dota a sus obras de fuerza expresiva, pasión, y sentimiento; dice el escultor palentino…

“Quiero crear emociones, que se impongan, que hagan sentir”

Tiene mucho trabajo Alonso; su clientela está basada sobre todo en el funcionarado del estamento eclesial y la nobleza; Hidalgos como él mismo, que es hijo de Hidalgos.

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San Jerónimo. Madera policromada. 1526/37.  Alonso Berruguete

VALOR Y PRECIO

Alonso Berruguete  pone un precio elevado a sus obras; el precio que él cree que es justo. A veces tarda en cobrar o le regatean, pero él siempre terco mantiene el precio. Después de mucho trabajo consigue amasar unos ahorros, con ellos compra primero, El Señorío de Villatoquite, Palencia,  pero se le presentan unos problemas legales y finalmente adquiere, El Señorio de Ventosa de la Cuesta, esta vez en Valladolid, en 1560.

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Sepulcro del Cardenal Tavera. 1561.

Era su deseo, dejarle algo a su familia; Juana su mujer, y sus cuatro hijos. Sólo un año después, 1561, fallecia en Toledo a donde se había dirigido el escultor, para entregar el Sepulcro del Cardenal Tavera, sepulcro, que se iba a instalar en el Hospital de San Juan Bautista. Así pues, Alonso Berruguete, se desplazó a Toledo prometiendo a Juana, su mujer, que pronto regresaría a Ventosa y  que lo haría “antes de la vendimia”; pero el artista no pudo cumplir su promesa; jamás volvería al lado de su familia.

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Virgen de la Piedad. Salamanca. Alonso Berruguete

Algunas de las obras de este magnífico escultor son:

La sillería de la Catedral de Toledo

Pinturas para la Capilla Real de Granada

Pinturas para la Iglesia de San Lorenzo, Valladolid

Retablo de San Benito, Valladolid

Retablo de Santa Ursula/ Toledo

Retablo de Los Irlandeses, Salamanca/Virgen de la Piedad, Salamanca

La Virgen Guapa con el Niño.Museo de la Iglesia de Santa Eulalia. Paredes de Nava.

Escultura. Alonso Berruguete. Un escultor de Palencia, que nació predestinado.

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