Entradas

,

Arte. “El Greco”. Al párroco, el cuadro le pareció muy caro

image

Toledo entonces era una de las capitales más grandes de Europa (62000 habitantes). El Greco llegó a la ciudad en 1577 con 36 años, su idea era acercarse a la corte, con la pretensión de lograr algún encargo, pues en ese histórico momento se estaba construyendo el Monasterio de el Escorial, 1563-1584.

Domenikos Theotokópoulos, “El Greco”, Candia, 1541. Toledo 1614, (73 años).

EL GRECO vivió en Creta hasta los 26 años, después residiría en Italia donde permaneció una década. Cuando el griego aparece en Toledo es recibido como un gran pintor y, enseguida obtiene muchos pedidos, el mismo rey Felipe II, le encarga dos obras, que tal vez no agradaron mucho al regio monarca de un gran imperio, pues en el futuro, no le solicitaría más…

image

San Francisco en éstaxis. 1577/80. El Greco

No le importó, a El Greco el mutismo del rey, puesto que no le faltaban pedidos.

EL GRECO EMPRESARIO  «La Gran Fábrica»

Bien recibido y con apoyos, decide trabajar, y residir en Toledo, donde es un vecino más,  y  allí, a orillas del Río Tajo monta un gran taller de pintura, donde rodeado de magníficas obras de arte, emplea a oficiales y ayudantes que trabajan con él -para él- y copian sus obras más solicitada, para así, satisfacer los múltiples encargos, que al pintor apremian.

OS CONTARE UNA ANÉCDOTA…

image

El entierro del Conde Orgaz. 1587. El Greco

Le habían encargado «El entierro del Conde Orgaz», para decorar la iglesia de Santo Tomé, de Toledo. Con cien ducados a cuenta, El Greco se pone a la tarea, (1586/88). Ya terminada la obra, al párroco de Santo Tomé le pareció que el cuadro era muy caro; el artista pedía por la obra 1200 Ducados, el párroco argumentaba que «El Expolio», pintado para la sacristía de la Catedral de Toledo, 1577/79, había costado 318 Ducados, «El Martirio de  San Mauricio» 1580/82, para el Monasterio de El Escorial, 800 Ducados.

image   image

El Expolio 1577/79, y El Martirio de San Mauricio, 1580/82. El Greco

Se inició un pleito en el que intervino el obispado. Se encargó una segunda tasación. La pintura fue valorada en 1700 Ducados, al conocer el resultado, el párroco de Santo Tome asustado, aceptó pagar a regañadientes los 1200 Ducados iniciales.

En el Mercado del Arte, hoy, la cotización de El Greco se ha disparado, hace unos pocos años, Sotheby’s, subastó la pintura «Santo Domingo rezando», por 10.667.500 €.

image

Santo Domingo rezando. 1600?. El Greco

Sobre todo desde finales del síglo XIX su pintura se revalorizó muchísimo, siendo considerado en estos momentos, como un autor de culto por la modernidad de sus obras. Sus pinturas se encuentran repartidas por medio mundo en museos, y colecciones particulares, y también por muchas ciudades españolas: El Museo del Prado, contiene en sus salas 34 pinturas de El Greco.

El Greco. Al párroco de Santo Tomé, (Toledo), le pareció que el cuadro era muy caro

Arte. El Greco. Pintura. Pintores. Toledo. Mercado del Arte. Tasación. Modernidad

, ,

Literatura. “Los cuatro jinetes de la Apocalipsis”

Los cuatro jinetes de la Apocalipsis. (1887). Viktor Vasnetsov

Los cuatro jinetes de la Apocalipsis.

Vicente Blasco Ibáñez. Novela (publicada en 1916). Extracto

“iMira!”, gritaba al poeta visionario con voz estentórea uno de los animales…Y aparecía el primer jinete sobre un caballo blanco. En la mano llevaba un arco y en la cabeza una corona: era la Conquista, según unos; la Peste según otros. Podía ser las dos cosas a la vez. Ostentaba una corona, y esto era bastante para Tchernoff.

“iSurge!”, gritaba el segundo animal removiendo sus mil ojos. Y del sello roto saltaba un caballo rojizo. Su jinete movía sobre la cabeza una enorme espada. Era la Guerra. La tranquilidad huía del mundo ante su galope furioso; los hombres iban a exterminarse.

Al abrirse el tercer sello, otro de los animales alados mugía como un trueno: “iAparece!” Y Juan veía un caballo negro. El que lo montaba tenía una balanza en la mano para pesar el sustento de los hombres. Era el Hambre.

El cuarto animal saludaba con un bramido la rotura del cuarto sello: “iSalta!” Y aparecía un caballo de color pálido. “El que lo monta se llama la Muerte, y un poder le fue dado para hacer perecer a los hombres por la espada, por el hambre, por la peste y por las bestias salvajes.”

Los cuatro jinetes emprendían una carrera loca, aplastante, sobre los cabezas de la humanidad aterrada.

Tchernoff describía los cuatro azotes de la tierra lo mismo que si lo viese directamente. El jinete del caballo blanco iba vestido con un traje ostentoso y bárbaro. Su rostro oriental se contraía odiosamente, como si husmease las víctimas. Mientras su caballo seguía galopando, él armaba el arco para disparar la peste. En su espalda saltaba el carcaj de bronce lleno de flechas ponzoñosas que contenían los gérmenes de todas las enfermedades, lo mismo las que sorprenden a las gentes pacíficas en su retiro que las que envenenan las heridas del soldado en el el campo de batalla.

El segundo jinete, el del caballo rojo, manejaba el enorme mandoble sobre sus cabellos, erizados por la violencia de lo carrera. Era joven, pero el fiero entrecejo y la boca contraída le daban una expresión de ferocidad implacable. Sus vestiduras, arremolinadas por el impulso del galope, dejaban al descubierto una musculatura atlética.

Viejo, calvo y horriblemente descarnado, el tercer jinete saltaba sobre el cortante dorso del caballo negro. Sus piernas disecadas oprimían los flancos de la magra bestia. Con una mano enjuta mostraba la balanza, símbolo del alimento escaso, que iba a alcanzar el valor del oro.

Las rodillas del cuarto jinete, agudas como espuelas, picaban los costados del caballo pálido. Su piel apergaminada dejaba visibles las aristas y oquedades del esqueleto. Su faz de calavera se contraía con la risa sardónica de la destrucción. Los brazos de caña hacían voltear una hoz gigantesca. De de sus hombros angulosos pendía un harapo de sudario. Y la cabalgada furiosa de los cuatro jinetes pasaba como un huracán sobre la inmensa muchedumbre de los humanos.

Literatura. “Los cuatro jinetes de la Apocalipsis”

Literatura. Los cuatro jinetes de la Apocalipsis. Vicente Blasco Ibáñez. Novela. Arte

,

ART MADRID’19. Feria de Arte Contemporáneo

Pequeño Jardín salvaje. (2019). Técnica mixta. Rubén Martin de Lucas. Galería BAT Alberto Cornejo.

ART MADRID’19. Feria de Arte Contemporáneo.14 edición
Madrid. Del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019

Lugar. Galería de Cristal de CentroCentro Madrid Cibeles

Hola apasionados por el arte…

La Feria de Arte emergente ART MADRID’19, este año, se mostró agradable a primera vista, renovada en su distribución, con más representación internacional, y con artistas, y galerías latinoamericanas, pisando fuerte, y garbosas, en los stands.

Entre Flores de D’estramonio. (2018). Mónica Subidé. Técnica mixta.

Visitamos la feria el domingo por la mañana, fue, una luminosa mañana, que se presentaba, aunque estamos en el mes de febrero, totalmente veraniega, incluso, con su brillante sol, y en que un cielo de azul, sin mácula, obtenía mágicamente reflejos dorados, en todo lo que dulcemente sus rayos acariciaba. A nuestra llegada la afluencia de publico era notable, mas el ambiente y, el ámbito en que nos desenvolvíamos, bajo una enorme cúpula acristalada, bella e impresionante, se nos mostraba a los ojos muy agradablemente. Bañada por una benéfica inmensa luz.

«Christmas Chicken. (2018). Efraïm Rodrïguez.

Participaron en tal útil y necesario, anual evento artístico internacional, 50 galerías. 200 artistas, y 15 países.

Pintura, Escultura, Obra Gráfica, Fotografía, Videoarte, Instalaciones Artísticas.

«Dark Side 3«. (2018). Samuel Salcedo.

Además del, programa general, este año ART MADRID’19, presenta One Proyect (Proyectos inéditos en formato solo show), y nos muestra 7 propuestas artísticas patronadas, por mujeres, bajo la leyenda «Ficciones, máscaras, y paisajes, el color como telón de fondo». La feria de arte contemporáneo, en su programa paralelo de actividades, nos ofreció en esta edición, debates, mesas redondas, networking, masterclasses; en el apartado artístico, del Videoarte.

«Real World«. (2019). Alejandro Monge. Óleo sobre tela.

La feria felizmente orientada,  bien asentada y cómoda, que se celebra anualmente en un marco incomparable, con la Cibeles de telón de fondo, cerró sus puertas este año, con un gran aumento de coleccionistas particulares, e instituciones, buenas ventas y una afluencia de público que se calcula en unas 20000 personas. Gracias Art Madrid, y hasta la próxima.

Quiero desde aquí felicitar, a la organización de esta magnifica feria de arte contemporáneo, por su eficacia, y buen trabajo, en un evento artístico anual, que felizmente cada año, va a más.

ART MADRID’19. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Madrid

Art Madrid’19. Art Madrid. Feria de arte contemporáneo. Feria de arte. Arte. Madrid

,

Arte. Barceló. Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

image

Miquel Barceló. Felanitx, Mallorca, 1957

-Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

-Premio Nacional de Artes Plásticas. 1986

-Premio Príncipe de Asturias  de las Artes. 2003

-Único artista contemporáneo vivo, que ha expuesto en el Museo de el Louvre

-Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, 22 de septiembre de 2017, en el 800 aniversario de su creación. Estos son, sólo algunos de los innumerables premios que ha recibido el Artista Mallorquín.

image

Pintor arrodillado. 1983. Litografía.

Los padres de Barceló, bien situados económicamente, son una familia acomodada de terratenientes. Su madre, que le acompaña a las exposiciones siempre que puede, y que locuaz es amable con todos, pintaba; y en su casa siempre había material de pintura. Cuenta de Miquel, «Era un niño inquieto y revoltoso, que de esta manera, se estaba quieto un rato». Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca, y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi. En ellas permaneció apenas dos años, luego arrebatado, e inquieto, abandonó convencido los insulsos y convencionales estudios reglados.

Autodidacta (él mismo, se encargó de su formación artística).

image

Biblioteca. Miquel Barceló 

En los primeros tiempos Miquel Barceló se aparta; trabaja intensamente, se considera a sí mismo, al margen, un pijo aparte,  un verso suelto, que joven, se fuga sin contemplaciones, fuera de los límites de la cultura oficial.  Son años muy espidicos, en los que el artista vive y pinta. Los paraísos artificiales, a cada esquina, y “algo pa fumar”, en el bolsillo, del pantalón,  forman parte de la joven aventura del momento, y del también, aventurero, y chisposo, paisaje urbano, variado y colorido, de aquellos emocionantes, años 80. Locos…, y desbocados años…

Según él mismo, ha declarado, sin cortarse, en alguna ocasión,

«Tomé mucho acido durante algún tiempo, creo que el LSD, ayuda a la creación artística… Ahora ya no lo tomo»

«Me libré de la mili, haciéndome pasar por loco. Lo conseguí, me lo curré mucho. ¡Me diagnosticaron una Psicopatía!»

Vayamos a su Arte

Miguel Barceló, empezó pintando en grandes formatos, utilizando materiales baratos, como, harina, cartón, o ceniza, que luego mezclaba, y después pintaba. Muy pronto su evidente genio es reconocido. Con solo 29 años de edad, obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1986.

image

Malí. Miquel Barceló

Miquel Barceló reside entre París, Mallorca, mas también residió, en una aldea de Malí, en ella Barceló llegó a pasar grandes temporadas, trabajando con un magnífico barro rojizo que felices, hoyaban, sus europeos pies, golpeándolo, con sus puños, y también pintándolo. En esta ciudad que transitando habitó, le gustaba encerrarse en su choza estudio y pintar (concentrado). absolutamente solo con la atmósfera, de la luz y la sombras. Su relación con Malí, se remonta muy lejos en el tiempo, viene de el año 1988.

Miquel Barceló 

Le inspira el paisaje africano…

Le dan sus frutos…

El desierto, el río, la pesca…

«El barro al que tanto ama»

T. Bartolomé

En el sencillo y arcilloso poblado africano es considerado un vecino más, allí Barceló, es el pintor y tiene su sitio, (ocupa su lugar), todos los vecinos lo admiran y quieren, y él también a ellos.

image

Capilla de la Catedral de la Seu, Mallorca

ALGUNAS DE SUS OBRAS

2007 Un Año Importante 

En 2007 termina la Capilla (elaborada en arcilla), de la Catedral de la Seu de Mallorca. El mismo año, que también se inaugura la monumental Cúpula de una de las salas de las Naciones Unidas de Ginebra. La magna intervención, no estubo exenta de polémica (Se acusó a la obra, de deficiencias técnicas, al desprenderse parte de la materia, adherida a la cubierta), por ello, fue criticada profusamente por algunos medios, y provocó un gran terremoto informativo.

La intervención de Barceló, es para mí… Arriesgada apuesta. Valentía, innovación, trabajo y transpiración

Espesa y carnosa, está cargada de una colorida y mastodontica materia, su costo final fue, de 20 millones de euros. Contiene (soporta), 35.000 kilos de pintura, y ocupa 1.400 mts de superficie.

Barceló, bajo, la Cúpula de una de las salas de las Naciones Unidas de Ginebra

El artista actualmente expone en las ciudades más importantes del mundo, y está considerado uno de los pintores españoles más importantes del momento, su prestigio es enorme. Es también el pintor español contemporáneo mejor cotizado en el Mercado del Arte Internacional.

Por su última obra subastada, se pagaron, 4’4 Millones de Euros

Arte. Barceló. Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

Pintura. Miquel Barceló. Barceló. Pintores. Arte Gráfico. Mercado del Arte

,

ARTE. BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

image

El Arca de Noé. Miquel Barceló. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

Jueves 22 de septiembre de 2017. MIQUEL BARCELÓ el artista reconocido internacionalmente, (con obra expuesta en el museo del Louvre) en el Paraninfo de las Escuelas Mayores, fue investido como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, en el 800 aniversario de su creación. También, el crítico de arte y catedrático, Francisco Calvo Serraller recibió, este significativo doctorado.

ARTE

En Salamanca, la bella ciudad charra, a orillas del Tormes llena de arte, en ese mismo, y emocionante momento de la formal investidura, se encuentraba activa, una interesante muestra, con parte de los últimos trabajos del artista mallorquín…

Exposición «El Arca de Noé»

28 de abril de 2017 /1 de octubre de 2017

Miquel Barceló. VIII Centenario de la Universidad de Salamanca

80 obras: pintura, escultura, cerámica, obra sobre papel (acuarelas), perfomance. La mayoría realizadas en los últimos 6 años, y algunas de ellas inéditas. Se encuentraban, repartidas así:

Sala de Exposiciones del Patio de Escuelas, 26 acuarelas (2001/2003) pertenecientes, a las ilustraciones realizadas por el artista para La Divina Comedia, de Dante Alighieri. Formando, un grupo de acuarelas de formato medio, muy interesantes, oscuras y bellas.

image

El infierno. Acuarela. Barceló. Imagen, foto vía internet

Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca. Pinturas y obras en papel de gran formato (2009/2016), y cuadros con relieve, a base de telas (empapadas en almidón antes de aplicar la pintura, para así conseguir volúmenes y relieves), son representaciones de pinturas rupestres, animales de las Cuevas de Chauvet (descubiertas en 2014) que recuerdan a las de Altamira. Intensos blancos, verdes, o azules apasionantes, también oscuros fondos abismales, fogonazos de intemporalidad; fluorescencias (2015).

Detalle de una de las obras de la exposición. Miquel Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Capilla del Arzobispo Fonseca. Inédita, La obra El Arca de Noé que dando título a esta exposición ocupa el muro frontal, el crucero de la capilla, mide 4×20 metros. El  público en general aún no pudo verla, hasta en esta feliz ocasión; acompañan a la monumental obra, 18 cerámicas (2012/2016). ¡Siempre, eternamente el barro pegado a la piel y el alma de Barceló!

image

Cerámica. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio Palacio de Anaya. Le grand écouteur, (2015). Simula una gran obra de barro, y lo consigue, su aspecto es pesado, sin embargo es una pieza muy ligera (una mezcla de poliuretano y otros materiales). Es como un gran oreja que se ablanda en su pedestal.

image

Le grand écouteur. Miquel Barceló. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio de Escuelas Menores. 14 Allumettes, (2015). bosque de cerillas de bronce que se retuercen ya apagadas, son de gran altura y, necesitan un espacio más amplio de exposición, que en el que se encuentran situadas, que por lo demás, es un patio bellísimo a escasos metros de la fachada de la universidad, desde el que se pueden ver las torres de la catedral. Una gran competencia para las tristes y apagadas cerillas.

image

Allumettes. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Plaza Mayor. Gran Elefant Dret (2008). El monumental elefante blanco boca abajo. i O como hacer equilibrios imposibles sobre su trompa!

image

Gran Elefant Dret. Miquel Barceló. Foto. By TbArt Archivos fondos propios

Barceló Honoris Causa y su Arca de Noé

Miquel Barceló. Barceló. Honoris Causa Salamanca. Exposición El Arca de Noė. Pintura. Pintores. Arte. Artista. Escultura. Cerámica.

Arte. Juan Genovés. «El mar no tiene fin»

Juan Genovés

Pintor. Artista Gráfico

Valencia 31 de mayo de 1930. Madrid, viernes15 de mayo de 2020, a los 89 años de edad, en un hospital de Madrid.

Realiza sus estudios artísticos, en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, y la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos.

Premio Nacional de Artes Plásticas de España, en 1984. Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, en 2005. Orden de Jaume I, el Conqueridor, en 2016.

Gente corriendo. (1975). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Estaba felizmente casado con Adela. Tenía 1 hijo, Pablo, y 2 hijas, Silvia y Ana, que le salieron los 3 artistas, aunque él hubiera preferido que se dedicarán a otra actividad. Lo que es un vicio demasiado común, en los miedosos planes familiares de casi todo el mundo. Padres, recordad, que hay un arte para vivir y un arte para subsistir, además, nunca se ha podido meter el agua del mar, en una pecera.

Juan Genovés positivo y energético, pronto desbrozará caminos ignotos, con un afán renovador del arte que hasta entonces percibía en su ámbito. La pregunta era, ¿En qué lugar y cual es la función del arte en general, y en particular, la del encaje, del artista individual, siempre empotrado en la sociedad, pero a menudo sumiso, en una intradiagetica estancia estanca.

La inquietud de su vivo carácter siempre activo, su gran amor a la vida, y su mente despejada, fueron siempre, un motor transformador, así como también lo serían, su comprometida lucha, motivada, por fuertes convicciones, primeramente sociales. Fue un miembro activo del Partido Comunista Español.

Aguafuerte sobre papel. (1972). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Terminada la guerra civil española, participa, en diferentes colectivos artísticos. Los siete, en 1949, Parpallós, en 1950, y Hondo en 1960. También se le relaciona con el Pop Art, si bien es verdad que mediaba mucha distancia entre este movimiento artísticooriginario Pop Art, americano o ingles, más genético, y seminal.

En los años sesenta, dedica parte de su tiempo a participar en actividades en contra de la dictadura franquista…

«Yo era un perdedor y quería ganar alguna vez»

Así, fue como se convirtió en un activista siempre en lucha. Su gran motor en la vida, fue el miedo al régimen franquista. Tenía 6 años cuando comenzó la guerra civil española. 9 cuando terminó, y ya la política era su vida… Aunque Genovés, también quería ser futbolista del Valencia

Sin Titulo. (1970). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Artísticamente, sus caminos se dirigen pronto a un figurativismo renovado, frente al informalismo, con el que a menudo convive, aún así, imprime en sus obras un carácter expresionista y abstracto.

Su padre fue un pintor aficionado fracasado, tal vez, ėl conseguiría triunfar en el mundo del Arte, pues ante todo, la de Juan Genovés, es una familia, que se agarra fuertemente a la cultura.

Piensa Genovés que el mar no tiene fin

DECADA DE LOS 70

EL ABRAZO 1976

Se hicieron 500.000 carteles del cuadro y se repartieron casa por casa. Nació en la transición y la clandestinidad. Sería utilizado como cartel, por Amnistia Internacional, y después como escultura conmemorativa, del horrible atentado de los abogados de Atocha, en cuyo despacho se encontraba colgado un póster de tan iconica imagen, el día del cruel atentado.

«El abrazo lo pinté yo, pero pertenece a todos los españoles«

La pintura, se expuso en Zurich, Alemania, y Estados Unidos, donde, es adquirida por un coleccionista, de Chicago. El éxito de Genovés es enorme, tanto, que la Galería Marlborough, entonces la más importante del mundo, se fija en él, y le propone asentarse, en USA, algo que rechaza, «No podía dejar tirados a mis compañeros de lucha, porque yo ahora fuera un pintor de éxito», éxito que comenzaría, el año 1966, en la Bienal de Venecia, donde se vendieron los 10 cuadros expuestos, y cuando, la Galería Marlborough, además de otras, trataron de llevárselo a su porfolio, y desde entonces, seguirían mantenido relación. La galería, tiene sedes en España, en las ciudades, de Barcelona y Madrid.

Mientras tanto El Abrazo, se ha convertido en símbolo de reconciliación, y se procede a su adquisición, por el estado español, en la que media, la Galería Marlborough, de Nueva York, (donde posee, una de sus sedes, más importantes), que finalmente logra, mediante un intercambio, hacerse, con tan preciada obra. Genovés, bajo el amparo de la galería inglesa, consigue hacerse así, un hueco en el panorama artístico internacional.

El Apagón. (1989). Juan Genovés. Óleo sobre lienzo. Foto by Tb Art Archivos fondos propios

MULTITUDES

Con el tiempo y el tránsito por diferentes estilos, logra por fin descubrir una forma de expresión que posee un relato que nos cuenta algo, sobre el individuo inevitablemente solo, y el individuo fundido en la multitud, y las enormes fuerzas que inevitables ráfaguean violentas y enérgicas.

Dudas, y subconsciente.

Primero fotografía, después, dibuja, luego brotan, pegotes de pintura aplicada directamente desde el tubo, y finalmente, el pincel da sombras, logrando la perspectiva aérea, perspectivas, que nos descubren, como las mareas, también en lo cotidiano, van formando su universo de masas, y personajes solitarios, que son tratados delicadamente por Genovés, con exquisito mimo, de uno, en uno.

Ámbito. (2016). Juan Genovés. Giclcée/Papel Hahnemühle Photo. Foto by Tb Art Archivos fondos propios

Amante del mar Mediterráneo, de Valencia, de su Valencia club de fútbol, y de Mestalla, donde se inspira observando los flujos humanos y sus corrientes. Y también del mar, siempre el mar. Últimamente dedicaba parte de su tiempo a repasar descartes, seleccionar lo válido, o tirar a la basura, lo superfluo... Descansa en paz, Juan Genovés, que la tierra te sea leve.

Juan Genovés. «El mar no tiene fin»

Juan Genovés. Genovés. Arte. Art. Artista. El abrazo

, , ,

Acuarela. Cardoso. Hay algo denso, unido, sentado en el fondo

ACUARELA. CARDOSO

Uno de los últimos trabajos de CARDOSO

Los colores, el peso mineral, delicado, asentado, de una fuerza equilibrada, una señal tal vez del lejano pasado, o del incierto devenir colectivo; grandes piedras, cantos primarios, suave mole aguada, sensualidad mecida, que desgasta, se suaviza…, y es Inevitable. Transferencia colateral ataque al tiempo, y a su fuerza estereotipada. Nada será ya, como el pretérito ayer añejo, nada como el incierto y lechoso mañana. Aún, mudables formas…, permanecen.

UNIDAD
Hay algo denso, unido, sentado en el fondo,
repitiendo su número, su señal idéntica.
Cómo se nota que las piedras han tocado el tiempo,
en su fina materia hay olor a edad,
y el agua que trae el mar, de sal y sueño.

Me rodea una misma cosa, un solo movimiento:
el peso del mineral, la luz de la miel,
se pegan al sonido de la palabra noche:
la tinta del trigo, del marfil, del llanto,
envejecidas, desteñidas, uniformes,
se unen en torno a mí como paredes.

Trabajo sordamente, girando sobre mí mismo,
como el cuervo sobre la muerte, el cuervo de luto.
Pienso, aislado en lo extremo de las estaciones,
central, rodeado de geografía silenciosa:
una temperatura parcial cae del cielo,
un extremo imperio de confusas unidades
se reúne rodeándome.
Pablo Neruda

Acuarela. Cardoso. Hay algo denso, unido, sentado en el fondo.

Acuarela. Cardoso. Arte. 

,

Fotografía. Alberto García-Alix. “Un horizonte falso”

image

Retrato. García-Alix. By TbArt.

Alberto García-Alix. León 1956.

Alberto García-Alix comenzó su carrera profesional a principios de los años 80. En 1981, tiene lugar su primera exposición, en la Galería Buades. Con sus cámaras fotográficas Leica y Hasselblad, antes tuvo una Canon FTB, no ha dejado de fotografiar la noche, las motos, la música, los tatuajes y por supuesto… Retratos.

MOTOS

Su primeras fotografías datan del año 1974. Uno de sus hermanos participaba en una carrera de motocross y él fue a acompañarlo. Una de las últimas, 40 años después, continúa, su temática identificativa, olor a gasolina, tatuajes, y como no, chupa de cuero.

Piloto. 2014. García-Alix. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Algunos de los premios que ha recibido García-Alix a lo largo de su trayectoria profesional son, el Premio Nacional de Fotografía, 1999, el Premio Fotografía Comunidad de Madrid, 2004, y el  Premio PHofo España, 2012.

image

Autorretrato. 2013. Garcia-Alix.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA. UN HORIZONTE FALSO. ALBERTO GARCÍA-ALIX
LA PRINCIPAL. TABACALERA, 11.02.2016 – 10.04.2016. MADRID

Más de 80 fotografías, contuvieron esta exposición, prácticamente todas ellas, más, algunas incorporaciones, venían de ser expuestas, en la Maison Européene de la Photographie de París, (todas fotos nuevas). En la ciudad del Sena es donde el artista ha venido residiendo y creando últimamente. Se presenta en La Tabacalera, de Madrid, un García-Alix, más personal, más vivido, más intenso; más oscuro y clarividente. También recientemente, 31 de enero concluyó en el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de León, su exposición «Las sombras del viento».

image

Autorretrato infantil. García-Alix.

TRANSPANTOJO DE SENTIMIENTOS. AUSENCIA, MUERTE, DOLOR

No sabe utilizar una cámara digital, que «esconde más falsedad», realiza fotografías, analógicas en blanco y negro, una técnica que se extingue, un dinosaurio herido de muerte, que propicia, vacío, inquietud, angustia ¡Cansancio. Nostalgia! Mas, nos muestra, un García-Alix siempre poeta… “Un cauce donde mis ojos se estiran”, escribe Alberto, sobre una fotografía.

TABACO Y PAPEL DE LIAR

BÚSQUEDA Y TRANSPIRACION

Y Alberto regresa a Madrid, de nuevo, después de su estancia parisina, y vuelve a subir a su moto, y a ponerse su chupa de cuero negro y su pañuelo. Atrás, hace mucho tiempo de eso (años 80),  quedó una Movida, más que pasada; arrasada, vivida, tragada, asimilada, trasegada, e inmutables,  los paraísos artificiales, a los que Garcia-Alix, volvería…»si pudiera». Como siempre vuelve el poeta.

“Mi memoria se ha vuelto líquida. Se mueve en olas por esta arena. Enterrada en ella se ofrece a mis ojos como un gabinete de curiosidades”.

“Sigo dejándome llevar por la capacidad de ensoñación, por la revelación de un instante fugaz”.

A GARCIA-ALIX…

Le atraen los perros, los pájaros, los cuervos o las sombras, y considera la fotografía como «un camino de búsqueda».

«Cuando miramos por una cámara nos preguntamos, si nos gusta o no nos gusta, y la intensidad de esa búsqueda, es un trance positivo que me mantiene despierto, vivo, curioso, en un estado de deslumbramiento, en contacto con el exterior».

image

ABSTRACCIÓN

Su obra gira ahora hacia lo abstracto plena de metáforas; resonancias, implicación y trance emocional; su ojo pegado a la cámara, es un ojo succionante que pegajosamente transgrede personalizando la realidad, y se enfanga mezclándose en la escena, en una deconstrucción plena de sinceridad, desenfoque, e intención.

La exposición se completó con un vídeo; en una narración en primera persona.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA. UN HORIZONTE FALSO. ALBERTO GARCÍA-ALIX

ARTE. EXPOSICIONES. ALBERTO GARCÍA-ALIX. TABACALERA. FOTOGRAFÍA. FOTÓGRAFOS.

,

Toulouse Lautrec. El niño Toulouse lloró, desde pequeño

image

El niño Toulouse lloró

Desde pequeño

Henri de Toulouse-Lautrec. 24 de noviembre de 1864. Albi (Francia). 9 de septiembre de 1901. Saint-André-du-Bois (Francia), 36 años.

– «A causa de la endogamia, el niño no nació bien, nosotros sus padres éramos primos en primer grado, pertenecíamos a la aristocracia; el pequeño Toulouse, nació el 1864 en el castillo de Albi (cerca de Burdeos). Mi marido el Conde Alphonse, nunca quiso a nuestro hijo, sabía que la alta sociedad nunca lo aceptaría, y él, era un noble».

image

Monsieur Boileau. 1893.

La consanguínidad tiene estos riesgos, y todo, la mayoría de las veces, por el único afán de juntar grandes capitales, tierras y mansiones. Cuando el niño Henri tenía cuatro años, el Conde Alphonse y Adele se separaron. Nuestro artista nació débil y enfermizo. A los 10 años, su enfermedad se muestra con especial crudeza, entonces su madre lo intenta todo, y lo lleva a los mejores médicos, pero no sólo, no mejora, sino que la enfermedad se agrava, rompiéndose, Toulouse, los fémures de ambas piernas.

–  «Y pensar que yo no pintaría si tuviera dos piernas»

Toulouse y Adele se trasladan a París, y con 17 años de edad, recibe clases de dibujo y pintura de diferentes artistas, pero a Toulouse Lautrec, lo que de verdad le interesa es la figura humana, los paisajes, tan de moda, a él no le inspiran.

image

Con solo veinte años, se instala en el tercer piso de una vivienda en la colina de Montmartre, su vecindad está compuesta de  pintores, buscavidas, camareros, artistas y trabajadores de los diferentes cabarets que pueblan la zona. De uno de ellos, se hace asiduo (El Moulin Rouge), y Lautrec, bohemio, noble, y por encima de todo pintor se convierte, en algo más que un buen cliente.

image

Algunas noches dibuja desde su mesa; junto a su inseparable, verde azulada absenta, y retrata a las bailarinas fuera y dentro de las bambalinas; al ser un cliente apreciado, puede permitirse dibujar incluso dentro de los camerinos. Siempre trató Lautrec a estas mujeres con respeto, llegó a considerarlas como amigas, las ayudó y ellas le ayudaron también a él; y finalmente, estas, se convirtieron así, en sus principales modelos, y en su familia.

Toulouse lautrec, tiene 26 años cuando viaja a Londres donde conoce personalmente a Oscar Wilde del qué realiza un retrato.

image

Retrato de Oscar Wilde. 1895.

Alcanza el éxito en vida; carteles publicitarios, e ilustraciones para revistas le hicieron muy popular; sin embargo, sus óleos no fueron tan conocidos.

image

El bebedor 

Toulouse Lautrec con solo 33 años, tiene importantes problemas de salud, derivados de su alcoholismo, asi, se agravan sus ataques nerviosos, llegando a sufrir trastornos como el Delirium Tremens. Solo 2 años después es internado en un sanatorio mental, donde sigue pintando (pinturas sobre el circo).

image

A los 37 años Toulouse Lautrec fallece en Saint André De Bois.

Toulouse Lautrec. «El niño Toulouse lloró, desde pequeño».

Toulouse Lautrec. Arte. Pintores. Lautrec. Toulouse. Endogamia. Consanguinidad.

,

Fotografía. Nic Nicosia. Una realidad manipulada y sugerente

image

Youth. (1986). Dallas Museum of Art

Nic Nicosia. Dallas, Texas. 1951

Hola apasionados del Arte. Hoy hablaremos de Fotografía

Nic Nicosia, es un fotógrafo muy cinematográfico, no en vano estudió esta especialidad, en su formacion universitaria, que finalizaría en 1974, y por cuyos trabajos fué becado; hoy sus obras, se encuentran expuesta en importantes museos, como el Dallas Museum, el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago y, los Museo de Arte Moderno, Guggenheim Museum, y el Whitney Museum de Nueva York.

Recien terminados sus estudios, Nic Nicosia monta una tienda de fotografía y material fotográfico, que pronto venderá , y ahora si, se dedicaría por entero a crear sus propias obras llenas de elaboración, complejidad, y emoción, en las que dirige (al modo de un director de película) a los modelos, y trabaja exhaustivamente, la música, (si la hubiera), el decorado, la luz, y el vestuario, elaborando de esta manera, un producto final, de una realidad artificiosa…, pero seductora.

image

Violence. (1951)

El artista realiza fotos, vídeos, y películas con un estilo muy personal y envolvente. Nic Nicosia sabe crear una realidad que trasluce ficción, y puesta en escena, apostando por modelos y,  por la preparación minuciosa de la obra y, un mensaje a veces critico, de la sociedad, y sus asentadas rutinas.

ARTIFICIALIDAD Y BELLEZA

MiddletownVideo. (1977)

Middletwon. Un barrio a la afueras de Dallas, una urbanización como otra cualquiera, rodeada de jardines y calles, los vecinos realizan sus quehaceres, y en unas imágenes llenas de surrealismo y cotidianidad, Nic Nicosia, de pronto, nos convierte en privilegiados mirones y, nos envuelve hipnóticamente, en un mundo pleno de cadencias emocionales, en que la musica como un sonsonete cirquense, monótono, y reiterativo, nos cala y nos pone dulcemente en ambiente.

En un apasiónante recorrido por caminos urbanizados, nos cruzaremos con variados personajes; desde dos tejanos que caminan juntos con sus maletines, y que se cruzan, con un chaval que porta un bate de béisbol, hasta la visión del vecino que lava el coche, o el que recorta el césped del jardín a la puerta de su casa, tambien aparecerá expuesto a nuestras retinas, el niño que arrastra con su bicicleta a una muñeca hinchable atada a una cuerda; caminos pulcros, y oníricas situaciones.

image        image

Fotógramas del video Middletwon

Nic Nicosia con sus fotografías cargadas de mordacidad, mensaje y simbolismo, retrata a la sociedad con sus miedos, con la violencia de su trasfondo critico cotidiano, salteado de lujuria, misterio, y soledad.

image

Love + Lust 14. (Amor y Lujuria)

image

Sin título. (Soledad y Aislamiento). 1991

Nic Nicosia. Sus fotografías nos muestran una realidad manipulada y sugerente.

Nic Nicosia. Fotografía. Fotógrafos. Arte Contemporáneo. Arte. Middletwon