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Arte. Mark Rothko. “Éxtasis, Tragedia, Extinción, Épica”

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N 61. Rust and blue. 1953.

MARK ROTHKO. Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903. Nueva York 25 de febrero de 1970.

Su padre fue farmacéutico. La familia sufre episodios de racismo, y en 1910 emigran a Estados Unidos, huyendo de las purgas cosacas contra los judíos. Pocos años después, fallece su padre y el joven Rothko, se ve en la necesidad de vender periódicos por las calles para poder vivir. En esta época es muy aficionado a la música, y un buen estudiante; además de un comprometido activista político, defensor a ultranza de los derechos sociales. Mark Rothko tiene 18 años cuando es becado por la Universidad de Yale. Además trabaja en una lavandería, para pagarse los estudios. Dos años después abandona los estudios, y se traslada a Nueva York donde finalmente, descubre su vocación.

COMIENZA SU FORMACIÓN ARTÍSTICA

Tiene 23 años cuando comienza a impartir clases de pintura en La Center Academy de Brooklyn. Con 26 años se casa con la diseñadora de joyas Edith Sachar. Un año antes de su boda, expone por primera vez (Museo de Portland).

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Su familia de conservadores burgueses no le apoyaba, no entendian como no dedicaba su vida a algo más productivo, no podían entender, como un gran estudiante, con un futuro tan prometedor, quisiera tirar su vida a la basura, por la absurda idea de ser artista

MARK ROTHKO QUIERE SER PINTOR

Su pintura será  catalogada como Expresionismo Abstracto. Definición que él, no compartía, y que consideraba alienante. Rothko, entendía su arte como…«Una expresión mística no exenta de religiosidad»

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Mark Rothko utilizaba como soporte cuadros de gran formato, pues defendía, que en su creación, al utilizar estos enormes tamaños, podía trascender al lienzo, y por ende, el espectador cuando finalmente los observara, también podria sentiríse dentro del cuadro, (formaría  parte de el)… «Pintor lienzo y espectador serían uno»

COLOR, LUMINOSIDAD, SUAVIDAD; SUTIL DELICADEZA Y DELICADA TRANSPARENCIA

Su pintura es luminosa, y está llena de luz, en suaves y sofisticadas capas de color superpuestas, donde la pintura es libre y profunda, y el color se crea, y se transforma.

En cuanto a lo que el artista, nos quiere transmitir…

-«Solo me interesa expresar emociones humanas fundamentales, Tragedia,Éxtasis, Extinción o  Épica»-

-«Estoy a favor de las formas planas, porque ellas destruyen la ilusión y revelan la verdad… Estoy a favor de la exposición simple del pensamiento complejo»-

Sus pinturas consiguen en mi, un efecto místico e intemporal; modernas, y a la vez antiguas, sin pasado, ni tiempo…

COMO UN PRESAGIO, EL BRILLO SE APAGÓ

Al final de sus días, sus colores, pigmentos, y mediuns luminosos, mudaron a otras gamas de color, a tonos más oscuros, como un presagio, su pintura se fue oscureciendo, hasta fundirse con la noche de los tiempos, y el arcano que los gobierna desde tiempo inmemorial. Rothko, finalmente se suicidó cortándose las venas, a la edad de 67 años. Tal vez tuviera que ver con este trágico desenlace, su adicción al alcohol y los antidepresivos, pero estos, solo son un síntoma, una dura huida llena de clavos y sufrimiento.

Arte. Mark Rothko. «Sólo me interesa expresar emociones fundamentales», Éxtasis, Tragedia, Extinción, Épica.

Mark Rothko. Rothko. Arte, Pintura. Nueva York

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Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé

PAISAJE CON ARPÍO. TOMÁS BARTOLOMÉ

Técnica Mixta Sobre Cartulina

Arpía, Arpío:

En la mitología griega, “Que vuela y saquea”. Hermosas mujeres aladas. Criaturas de adorables cabellos, y apariencia monstruosa. Castigadoras, sus actos delictivos, fueron siempre, violentos y maléficos.

Fabio y Licori, ramera

De la astuta Licori á los umbrales

Te vió saliendo el sol, ¡oh Fabio amigo!

Creció en su luz el dia, y fue testigo

De tu lamento y quejas desiguales.

Oyó tambien el Héspero tus males,

La blanca luna se dolió contigo;

Mas el ingrato dueño, tu enemigo,

Ni aun de corta piedad mostro señales.

¿Cuál otro galardón en tal porfia,

Inútil yedra de su puerta, esperas?

¿Hasta cuándo tu propio engaño adoras?

Huye la fiera Circe y cruel arpía,

Que alegra en ver que por su causa mueras,

Riendo está lo mismo que tú lloras.

Juan de Arguijo

Arte. Paisaje con Arpío. T. Bartolomé

Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé

Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé. Arpía. Arte abstracto. Tomás Bartolomé

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Arte. Juan Gris. Siempre Fiel al Cubismo

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“Juan Gris”. José Victoriano González Pérez

Madrid. 23/3/1887. Boulogne-sur-Seine. 11/5/1927. Con solo 40 años de edad.

Juan Gris nace en Madrid en el seno de una familia acomodada. Con 17 años comienza su formación artística en la Escuela de Artes y Manufacturas de Madrid, y en el estudio de pintura de José Moreno Carbonero.

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Ilustración de Juan Gris

Sus primeros pasos profesionales, los da en el campo de la ilustración, y realiza trabajos para algunas conocidas revistas de la época en España. Pronto su deseo es conocer la bohemia de un París, lleno de artistas y envuelto en una alta fiebre creadora. En1906, con solo, 19 años, se establece en el barrio de Montmartre donde, desde lo alto de la colina, París, su sueño, se despliega majestuoso, bajo el basto plomizo horizonte; allí conocería  enseguida a Pablo Picasso, Fernand Léger, y Georges Braque… ¡Quien da más!

Para buscarse la vida en aquel fascinante París de principios del inquieto siglo en lo que todo bullía, tuvo que dedicarse a realizar dibujos para revistas…, ¡otra vez la ilustración!

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Retrato de Pablo Picasso. 1912. Art Institute de Chicago.

CUBISMO

1910. El madrileño Juan Gris a la edad de 23 años, rasga el velo del Cubismo. Por fin deja atrás el arte de subsistir y, comienza arrollador, el fabuloso arte de transgredir, como antes le ocurriera a Goya, Rodin, o tiempo después a Rauschenberg.

1912. Juan Gris presenta varias pinturas cubistas en el Salón de los Independientes de París.

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Bodegón con persiana. 1914. Tate Gallery. Londres.

1913. Juan Gris. Reside en Ceret una pequeña localidad francesa cercana a España, situada en los Pirineos Orientales. En esta ciudad tan relacionada con el cubismo, y en la que ya había residido Pablo Picasso en 1911, pinta, y experimenta con el Papier Collé, una técnica pictórica, y de collage, que se basa en pegar recortes sobre la pintura, y que es considerada, una aportación exclusiva de Juan Gris al cubismo. Georges Braque otro de los fundadores del Cubismo junto con Pablo Picasso es a si mismo, aceptado como el inventor del Collage. Entre 1911 y 1914. Georges Braque y Pablo Picasso, ya, pintan juntos, en Ceret, algunas pinturas Cubistas.

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Retrato de Madame Jossete Gris. 1916. Museo Reina Sofía. Madrid

Con el tiempo la relación de Juan Gris y Pablo Picasso, se fue haciedo más distante, y mientras que Picasso evolucionaba hacia un arte más figurativo, Gris en cambio se mantiene en un cubismo a ultranza… Juan Gris es, Siempre fiel al Cubismo.

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Botella y Florero. 1919. Thyssen Bornemisza. Madrid

ETAPA FINAL

Juan Gris diseña escenografías para el ballet ruso Diaghilev.

Fallece de tuberculosis con solo 40 años.

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La ventana abierta. 1921. Meter Collection Zurich

En España, podemos ver obra de este gran artista, en el Museo Reina Sofía, Fundación Telefonica, Museo Thyssen Bornemisza, y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Arte. Juan Gris. Siempre fiel al Cubismo.

Arte. Juan Gris. Cubismo. Cubistas. Picasso. Braque.

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Arte. «Paisaje en los campos de Zamora. T. Bartolomé

 

Paisaje en los campos de Zamora

Paisaje en los campos de Zamora. Tomás Bartolomé.

Paisaje en los campos de Zamora. Tomás Bartolomé

Técnica mixta, óleo, acrílico, lienzo. 22 x 27 cms.

Painting title: «Landscape in the fields of  Zamora»

Mixed media, oil, acrylic, canvas. 22 x 27 cms.

El paisaje que tiñe mis ojos, de campos marrones claros, ocres, sienas, barrosos; húmedos en la tormenta, secos en días de siega y sol, de tabaco y bota, siesta escocedura y corte.

PAISAJE EN LOS CAMPOS DE ZAMORA

Un paisaje

Unos campos de labor…

Barro cuando llueve

Heridos hierros oxidados 

impregnados en el barro de centeno

De mis abrasados y cegados ojos

En la caliente sangre y la saliva pegajosa

De mis primeros recuerdos de juego y muerte

El sufrido centeno, cerca del campo

Del campo de labor

¡La cebada! …

En la mejor tierra zamorana

En la cortina cerrada

Piedra de afilar, hoz y siega

Mediado julio, sangre sudor

Ropa gastada y vieja, remendada el alma

Desapego inocente, arcano eterno

Aguardiente al alba

Cocido, vino, tabaco, y siesta

Picaduras, cortes, nudos en las gavillas…

Cántara de agua fresca.

Tomás Bartolomé

Arte. Tomás Bartolomé. «Paisaje en los campos de Zamora». Painting. «Landscape in the fields of Zamora». Óleo, acrílico; lienzo.

Esta pintura participó en Art Fair Málaga Feria de Arte Contemporáneo que se celebró en la ciudad de Málaga, del 30 de junio al 2 de julio de 2017, en el Palacio de Ferias y Congresos.

Más información. Interesados en esta pintura. contacto@tomasbartolome.com

Arte.Tomás Bartolomé. Paisaje en los campos de Zamora. Landscape in the Fields of  ZamoraÓleo

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Arte. Barceló. Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

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Miquel Barceló. Felanitx, Mallorca, 1957

-Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

-Premio Nacional de Artes Plásticas. 1986

-Premio Príncipe de Asturias  de las Artes. 2003

-Único artista contemporáneo vivo, que ha expuesto en el Museo de el Louvre

-Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, 22 de septiembre de 2017, en el 800 aniversario de su creación. Estos son, solo algunos de los innumerables premios que ha recibido el Artista Mallorquín.

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Pintor arrodillado. 1983. Litografía.

Los padres de Barceló, bien situado, son una familia acomodada de terratenientes. Su madre, aún le acompaña a las exposiciones siempre que puede. Locuaz es amable con todos, ella pintaba; y en su casa siempre había material de pintura. Cuenta sobre Miquel, «Era un niño inquieto y revoltoso, que de esta manera, (pintando) se estaba quieto un rato».

Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca, y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi. En ellas permaneció apenas dos años, luego arrebatado, e inquieto, desistió  finalmente convencido, de los insulsos y convencionales manidos estudios reglados.

Autodidacta (él mismo, se encargó de su formación artística).

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Biblioteca. Miquel Barceló 

En los primeros tiempos Miquel Barceló se aparta; trabaja intensamente, se considera a sí mismo, al margen, un pijo aparte,  un verso suelto, que joven, se fuga valiente, sin contemplaciones, fuera de los límites de la cultura oficial.  Son años muy espidicos, en los que el joven artista vive y pinta. Los paraísos artificiales, a cada esquina, y “algo pa fumar”, en el bolsillo, del pantalón,  forman parte de la aventura del momento, y del chisposo, paisaje urbano, variado y colorido, de aquellos emocionantes, años 80. Locos…, y desbocados años…, en España.

Según él mismo, ha declarado, sin cortarse, en alguna ocasión,

«Tomé mucho acido durante algún tiempo, creo que el LSD, ayuda a la creación artística… Ahora ya no lo tomo»

«Me libré de la mili, haciéndome pasar por loco. Lo conseguí, me lo curré mucho. ¡Me diagnosticaron una Psicopatía!»

Vayamos a su Arte

Miguel Barceló, empezó pintando en grandes formatos, utilizando materiales baratos, como, harina, cartón, o ceniza, que luego mezclaba, y después pintaba. Muy pronto su evidente genio es reconocido. Con solo 29 años de edad, obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1986.

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Malí. Miquel Barceló

Miquel Barceló reside entre París, Mallorca, mas también residió, en una aldea de Malí, en ella Barceló llegó a pasar grandes temporadas, trabajando con un magnífico barro rojizo que plenamente felices, hoyaban, pisando sus europeos pies blancos, golpeándolo, con sus puños, y también pintándolo. En esta ciudad que transitando habitó, le gustaba encerrarse en su choza estudio y pintar (concentrado). absolutamente solo con la atmósfera, de la luz y la sombras. Su relación con Malí, se remonta muy lejos en el tiempo, viene de el año 1988.

Miquel Barceló 

Le inspira el paisaje africano…

Le dan sus frutos…

El desierto, el río, la pesca…

«El barro al que tanto ama»

T. Bartolomé

En el sencillo y arcilloso poblado africano es considerado un vecino más, allí Barceló, es el pintor y tiene su sitio, (ocupa su lugar), todos los vecinos lo admiran y quieren, y él también a ellos.

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Capilla de la Catedral de la Seu, Mallorca

ALGUNAS DE SUS OBRAS

2007 Un Año Importante 

En 2007 termina la Capilla (elaborada en arcilla), de la Catedral de la Seu de Mallorca. El mismo año, que también se inaugura la monumental Cúpula de una de las salas de las Naciones Unidas de Ginebra. La magna intervención, no estubo exenta de polémica (Se acusó a la obra, de deficiencias técnicas, al desprenderse parte de la materia, adherida a la cubierta), por ello, fue criticada profusamente por algunos medios, y provocó un gran terremoto informativo.

La intervención de Barceló, es una…

Arriesgada apuesta. Valentía, innovación, trabajo y transpiración

Espesa y carnosa, está cargada de una colorida y mastodontica materia, su costo final fue, de 20 millones de euros. Contiene (soporta), 35.000 kilos de pintura, y ocupa 1.400 mts de superficie.

Barceló, bajo, la Cúpula de una de las salas de las Naciones Unidas de Ginebra

El artista actualmente expone en las ciudades más importantes del mundo, y está considerado uno de los pintores españoles más importantes del momento, su prestigio es enorme. Es también el pintor español contemporáneo mejor cotizado en el Mercado del Arte Internacional.

Por su última obra subastada, se pagaron, 4’4 Millones de Euros

Arte. Barceló. Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

Pintura. Miquel Barceló. Barceló. Pintores. Arte Gráfico. Mercado del Arte

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Arte. Landscape. El agua de aquel río

Landscape. Tomás Bartolomé. Técnica mixta sobre cartulina

EL RELOJ DE ARENA

Está bien que se mida con la dura
Sombra que una columna en el estío
Arroja o con el agua de aquel río
En que Heráclito vio nuestra locura

El tiempo, ya que al tiempo y al destino
Se parecen los dos: la imponderable
Sombra diurna y el curso irrevocable
Del agua que prosigue su camino.

Está bien, pero el tiempo en los desiertos
Otra substancia halló, suave y pesada,
Que parece haber sido imaginada
Para medir el tiempo de los muertos.

Surge así el alegórico instrumento
De los grabados de los diccionarios,
La pieza que los grises anticuarios
Relegarán al mundo ceniciento

Del alfil desparejo, de la espada
Inerme, del borroso telescopio,
Del sándalo mordido por el opio
Del polvo, del azar y de la nada.

¿Quién no se ha demorado ante el severo
Y tétrico instrumento que acompaña
En la diestra del dios a la guadaña
Y cuyas líneas repitió Durero?

Por el ápice abierto el cono inverso
Deja caer la cautelosa arena,
Oro gradual que se desprende y llena
El cóncavo cristal de su universo.

Hay un agrado en observar la arcana
Arena que resbala y que declina
Y, a punto de caer, se arremolina
Con una prisa que es del todo humana.

La arena de los ciclos es la misma
E infinita es la historia de la arena;
Así, bajo tus dichas o tu pena,
La invulnerable eternidad se abisma.

No se detiene nunca la caída
Yo me desangro, no el cristal. El rito
De decantar la arena es infinito
Y con la arena se nos va la vida.

En los minutos de la arena creo
Sentir el tiempo cósmico: la historia
Que encierra en sus espejos la memoria
O que ha disuelto el mágico Leteo.

El pilar de humo y el pilar de fuego,
Cartago y Roma y su apretada guerra,
Simón Mago, los siete pies de tierra
Que el rey sajón ofrece al rey noruego,

Todo lo arrastra y pierde este incansable
Hilo sutil de arena numerosa.
No he de salvarme yo, fortuita cosa
De tiempo, que es materia deleznable.

Jorge Luis Borges

Arte. Landscape. El agua de aquel río

Arte. Tomás Bartolomé. Pintura

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Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

 

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Primer autorretrato conocido de GOYA. 1768? Con 22 años de edad

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

El genial pintor nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo de Zaragoza (Fuendetodos), que se encuentra a medio camino entre Cariñena y Belchite, a 40 Kms de la capital aragonesa; cabras, ovejas y agricultura de secano; este es el entorno rural en que nace el monstruo.

Su padre era maestro dorador y su trabajo sobre todo consistia en la restauración de retablos. La formación artística de GOYA comienza tarde, aconteciendo cuando su progenitor, se da cuenta, de que no podrá ofrecer a su hijo un futuro mejor, que el de darle, (al igual que sucederá entre otros, con el padre de Paco de Lucia y el de Ara Malikian, 250 años después), un oficio.

Francisco de Goya empezó sus estudios de arte a los 13 años, muy tarde para las costumbres de la época. La familia vivía entonces en Zaragoza. Con 23 años Goya viaja a Italia donde copia a los clásicos. Concluidos sus estudios regresa finalmente a Madrid, comenzando su carrera en la capital de la Villa y Corte, como pintor de cartones para tapices, trabajo en el que permanecerá 12 años en dos periodos de 5 y 7 años respectivamente.

Francisco de Goya a los cuarenta años, tenía ya solucionada su vida en cuanto a ingresos económicos regulares se refiere; poseía el título de Pintor del Rey (Carlos IV) y posteriormente el de Primer Pintor de Cámara, así pues, el artista cada vez depende menos de los encargos de particulares y puede dedicarse a una pintura mucho más personal, creativa y diferente, de lo que entonces era habitual; con 47 años empieza a desarrollar su visión de genio, él lo llama «Obras de capricho e invención».

¿PORQUÉ  SE QUEDÓ SORDO EL GENIAL PINTOR?

 «Goya se queda sordo con casi 47 años (la enfermedad comienza a manifestarse en el mes de noviembre de 1792) a causa de la Plumbosis».

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El AQUELARRE. 1797/8

El genial pintor aragonés, ya estaba sordo cuando realizó «El Aquelarre» 1797.  Su sordera se produjo cuatro años antes debido, a lo que llamaríamos hoy una enfermedad profesional, el nombre que recibe este mal es Plumbosis, el óleo contiene plomo y su constante utilización puede producir una intoxicación gradual de la sangre. Goya estuvo muy grave y la secuela que le dejo la enfermedad fue la sordera y, tal vez el mal genio; esta enfermedad era frecuente entre pintores en aquellas épocas, Caravaggio, el genial pintor italiano de las riñas, los escorzos, y claroscuros… también la padeció.

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Tio Paquete. 1820. Goya

Superada esta enfermedad, y ya sordo, el pintor parece hacer una declaración de intenciones, y su obra se vuelve más personal si cabe; proclamando la libertad creativa del autor al margen de los encorsetamientos de la época; sirva como muestra la temática elegida por el artista para la escena de «El Aquelarre«.

EL GENIAL SORDO NO RENUNCIA A SU MANERA DE SER

Debido a su gran éxito el pintor no puede renunciar a los innumerables compromisos que conlleva su situación y más teniendo en cuenta que la mayoría de sus encargos proceden de la alta sociedad, entre la que se ha convertido en el pintor de moda, por lo tanto al genial sordo no le queda nada más que «nadar entre dos aguas», algo a lo que ya está acostumbrado; GOYA con dosis de inteligencia y sorna supo defender su más íntima identidad, y obtener la libertad que como artista y ser humano entendía como un derecho inalienable; un universal derecho, al que él, no renunciaría fácilmente. Siempre me ha interesado este GOYA  cargado de retranca que parece saber en todo momento quien es, y que mantiene con astucia una cierta desconfianza e independencia. El que trata a diario con reyes y nobles y, también el que sin embargo, siempre tiene presente donde nació, quien es, y lo más importante, ¡Quien, y que, quiere ser!

El gran maestro un año antes de fallecer en Burdeos realiza uno de sus últimos óleos. «La lechera de Burdeos»

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«La lechera de Burdeos» 1827. Goya. Museo del Prado

Goya muere en su exilio de Burdeos el 16 de abril de  1828 a los 82 años de edad.

Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?. Pintores. Goya Sordo. Sordera Goya. El Aquelarre. Goya. Arte

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Arte. Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre

 

Mujer en el jardín de Monsieur Forest, c. 1889. Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Hola apasionados del Arte. Visita a la exposición

«Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre»

Más de 350 obras de diferentes artistas, como Bonnard, Forain, Vuillard, Signac, o Van Gogh.
Caixa Forum Madrid. Del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019. Muy recomendable.


Toulouse-Lautrec. Conde hijo de un conde, de padres pronto separados, aunque nació noble, prefirió Montmartre y sus cabarets, donde las bailarinas fueron retratadas, y más aún, se convirtieron, en una especie de familia enlazada a la bohemia, que tenía y tiene, tanto que ofrecer, y por la que tanto hubo, y hay que pagar hoy día, aunque al final merezca la pena.

Toulouse-Lautrec, sufrió, con su menguada talla, por mor de la consanguinidad. Él que nació y murió en un castillo, acabó contraviniendo a su altivo padre, que lo despreciaba, por sus defectos físicos, decidió ser artista, y eso, lo fue de sobra. Su noble progenitor, debió de tragarse, entonces atragantado, su orgullo mal entendido. El Niño Toulouse…, se quedó con su madre.

Algunas fotos de la exposición:

El caballero del cabaré y cuatro artistas del Chat Noir, c. 1884. Antonio de la Gándara. Foto by Tbart archivos fondos propios.

En París Montmartre, bullía entonces frenético, mas aunque la vida no era fácil, también la belleza exibia un variado muestrario, y los vecinos del barrio, artistas, camareros, bailarinas, poblaban pululando, la elevada cota parisina, desde donde, se expandían difundiéndose alegremente  imparables, nuevas e incomodas formas de entender el arte.

Caricatura de Toulouse-Lautrec enfrente del Moulin Rouge. (1890). Ferdinand Bac. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Al anochecer a diario, nuestro protagonista se dirigía al Moulin Rouge, donde tenía categoría de lo que llamaríamos hoy, cliente vip, y se entretenía a menudo, conversando con los empleados y las bailarinas del cabaret, así de esa manera, tuvo el privilegio de retratar a estas ultimas, en sus rutinas de camerino, sin que ellas, se sintieran avergonzadas, o molestamente invadidas. Para muchas, fue de gran ayuda, casi, el familiar (a menudo, les faltaba), que las comprendía, aconsejaba, y también si lo necesitaban, ayudaba económicamente. Toulouse-Lautrc, siempre fiel a sus rutinas, se sentaba en un velador reservado, a solas, con su bella absenta azulada y sus tizas de colores, y abstraído, entonces, rompía la figuración, para crear algo nuevo, diferente, más sincero, y curiosamente, cuanto más alejado de la realidad, más veraz.

En el Moulin Rouge, la Goulue y su hermana. (1892). Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Debo de confesarles que mi opinión de Toulose-Lautrec, se ha modificado mucho, desde que pude ver sus primeros carteles, y confieso, que me pareció un magnífico ilustrador publicitario, pero no le di más importancia, poco tiempo después, cuando por fin, fui conociendo más su obra en profundidad, me di cuenta enseguida, de que nos encontramos, ante uno de los pintores más importantes de la historia reciente en el mundo del arte, tuve la feliz ocasión de ver en París pinturas suyas de gran formato, y otras más pequeñas, que me descubrieron, la dimensión, la gran talla, de un artista, cuya menguada talla y sufrimiento, pudieron en principio, ser meras coartadas, que le empujaran sin remisión, al incierto camino del arte; mas hicieron de ėl, un artista único que le dio un vuelta al figurativismo, y que finalmente…, me atrapó para siempre.

Todas las reproducciones de obras de arte, aquí expuestas, participaron en dicha exposición.

Arte. Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Toulouse-Lautrec me atrapó enseguida

Toulouse-Lautrec. Exposiciones. Montmartre. Arte. Moulin Rouge.  Paris

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Cine. “Sombra”. Zhang Yimou. Aguada, blanca, gris, negra, y sangre roja

SOMBRA. PELÍCULAS. CINE

SHADOW. SOMBRA

Año 2019. Duración 116 min

Guion, Zhang Yimou, Wei Li

Fotografia, Xiaoding Zhao

Musica, Lao Zao

Reparto, Deng Chao, Sun Li, Ryan Zheng Kai, Guan Xiao Tang

Genero. Acción, Artes Marciales, Drama

ZHANG YIMOU. Nacido, el 14 de noviembre de 1959, en X’ian. China. Realiza estudios en la Academia de cine de Pekín, es, director, productor, actor, director de fotografía, fotógrafo, operador de cámara, dibujante. En definitiva, un artista del Renacimiento, al que le interesan todas las artes, y en las que, en todas adquiere conocimientos, que unidos a su gran talento, dan como resultado maravillosas obras de arte, con fondo, y bañadas de color.

Películas, «La linterna roja», (1991), aquí traducida, como Esposas y concubinas, «¡Vivir!» (1994), «Sorgo rojo» (Su ópera prima como director en 1987, Oso de Oro en Berlín, y un gran éxito comercial, y de critica), «Ni uno menos» (1999), «La casa de las dagas voladoras» (2004), «La gran muralla» (2016), entre otras. Ha sido premiado en festivales de cine tan importantes, como los de, Cannes, Venecia, o Berlín, y es reconocido y valorado, en todo el mundo.

Zhang Yimou en esta ocasión, reinterpreta el clásico, «El Romance de los Tres Reinos» (siglo XIV).

SHADOW/YING/SOMBRA

Un noble y aguerrido comandante militar, se ve forzado a crearse un doble, (sombra), para proteger su amenazada vida, de las intrigas palaciegas, de un peligroso rey, pero en la película, ¿Donde está el color? Bueno, es como aquellos pintores, que a lo largo de su carrera usan cromatismos  diferentes; artistas, en diferentes épocas y estados, a lo largo del camino, en el tiempo. Zhang Yimou, pasa así, de una intensa paleta de colores, y de sugerentes baños de color, definidos, brillantes, vaporosamente fundentes, a la difícil aguada, blanca, gris, y negra, con algunas gotas de rebajada roja, sangre mojada; y todo esto, en diferentes, vaporosas, y soñadoras, gradaciones tonales. Es un valiente riesgo que Zhang Yimou, asume, y resuelve felizmente. Si algo hay que me eche para atrás, es el artista funcionario, aquel que encuentra un modelo, y seguidamente, lo repite sistemáticamente, igualándolo hasta la saciedad.

Reivindicativo. La mujer, no ha sido olvidada en sus películas nunca, es un tema recurrente, una reivindicativa lucha, adoptada por el polifacético director chino, censurado a menudo en su país, y con películas prohibidas, como «Semilla de crisantemo» (1990), o «La linterna roja» (1991).  En esta ocasión en Shadow, Sombra, nos la muestra, inteligente, fuerte, valiente, y decidida, mas también imprescindible para lograr objetivos que son decisivos, para un reino, en esta historia de Juego de Tronos, que nos narra, la historia de un rey traicionado, y desterrado.

La música, es también una baza importante, como en todas sus películas. Me gustó mucho la escena en la que se interpreta, un dueto, en el que los instrumentos de cuerda, percutiendo la atmósfera, dialogan entre si con fuertes disonancias, reflejando, las tensiones (pulsiones) expresadas (expulsadas de este modo), por sus ejecutantes, mujer y hombre. El YIN y el YANG son siempre una constante en la película. También, el verde bambú se expresa, con todo su símbolismo, (se mece con la lluvia pero no se rompe), fibroso, cortante y flexible, humilde y sobrio, a la vez, que poderoso, y fuerte.

Como imagen destacada, en una película tan visual, hay muchas, pero, me quedaría entre otras para el recuerdo, con la coreografía de ballet, en una lucha de formación y aprendizaje, sobre el símbolo del Ying, Yang, impreso, en un bello mosaico de piedra, donde, los protagonistas son, la sombra, y la mujer del sombrado, y que está acompañada, de increíbles y admirables alardes técnicos, en cámara lenta, con una fértil imaginación, y un sentido del ritmo, fabulosos.

Una película muy recomendable, valiente, y bella, que merece la pena ver en cine, en pantalla grande, y sin interrupciones, algo que en este caso es totalmente imprescindible. Vayan a verla, merece la pena.

Aguada, blanca, gris, y negra, salpicada, de mojada sangre roja

Sombra. Película. Películas. Cine. Zhang Yimou. Shadow.  Arte

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Fotografía. Alberto García-Alix. “Un horizonte falso”

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Retrato. García-Alix. By TbArt.

Alberto García-Alix. León 1956.

Alberto García-Alix comenzó su carrera profesional a principios de los años 80. En 1981, tiene lugar su primera exposición, en la Galería Buades. Con sus cámaras fotográficas Leica y Hasselblad, antes tuvo una Canon FTB, no ha dejado de fotografiar la noche, las motos, la música, los tatuajes y por supuesto… Retratos.

MOTOS

Su primeras fotografías datan del año 1974. Uno de sus hermanos participaba en una carrera de motocross y él fue a acompañarlo. Una de las últimas, 40 años después, continúa, su temática identificativa, olor a gasolina, tatuajes, y como no, chupa de cuero.

Piloto. 2014. García-Alix. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Algunos de los premios que ha recibido García-Alix a lo largo de su trayectoria profesional son, el Premio Nacional de Fotografía, 1999, el Premio Fotografía Comunidad de Madrid, 2004, y el  Premio PHofo España, 2012.

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Autorretrato. 2013. Garcia-Alix.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA. UN HORIZONTE FALSO. ALBERTO GARCÍA-ALIX
LA PRINCIPAL. TABACALERA, 11.02.2016 – 10.04.2016. MADRID

Más de 80 fotografías, contuvieron esta exposición, prácticamente todas ellas, más, algunas incorporaciones, venían de ser expuestas, en la Maison Européene de la Photographie de París, (todas fotos nuevas). En la ciudad del Sena es donde el artista ha venido residiendo y creando últimamente. Se presenta en La Tabacalera, de Madrid, un García-Alix, más personal, más vivido, más intenso; más oscuro y clarividente. También recientemente, 31 de enero concluyó en el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de León, su exposición «Las sombras del viento».

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Autorretrato infantil. García-Alix.

TRANSPANTOJO DE SENTIMIENTOS. AUSENCIA, MUERTE, DOLOR

No sabe utilizar una cámara digital, que «esconde más falsedad», realiza fotografías, analógicas en blanco y negro, una técnica que se extingue, un dinosaurio herido de muerte, que propicia, vacío, inquietud, angustia ¡Cansancio. Nostalgia! Mas, nos muestra, un García-Alix siempre poeta… “Un cauce donde mis ojos se estiran”, escribe Alberto, sobre una fotografía.

TABACO Y PAPEL DE LIAR

BÚSQUEDA Y TRANSPIRACION

Y Alberto regresa a Madrid, de nuevo, después de su estancia parisina, y vuelve a subir a su moto, y a ponerse su chupa de cuero negro y su pañuelo. Atrás, hace mucho tiempo de eso (años 80),  quedó una Movida, más que pasada; arrasada, vivida, tragada, asimilada, trasegada, e inmutables,  los paraísos artificiales, a los que Garcia-Alix, volvería…»si pudiera». Como siempre vuelve el poeta.

“Mi memoria se ha vuelto líquida. Se mueve en olas por esta arena. Enterrada en ella se ofrece a mis ojos como un gabinete de curiosidades”.

“Sigo dejándome llevar por la capacidad de ensoñación, por la revelación de un instante fugaz”.

A GARCIA-ALIX…

Le atraen los perros, los pájaros, los cuervos o las sombras, y considera la fotografía como «un camino de búsqueda».

«Cuando miramos por una cámara nos preguntamos, si nos gusta o no nos gusta, y la intensidad de esa búsqueda, es un trance positivo que me mantiene despierto, vivo, curioso, en un estado de deslumbramiento, en contacto con el exterior».

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ABSTRACCIÓN

Su obra gira ahora hacia lo abstracto plena de metáforas; resonancias, implicación y trance emocional; su ojo pegado a la cámara, es un ojo succionante que pegajosamente transgrede personalizando la realidad, y se enfanga mezclándose en la escena, en una deconstrucción plena de sinceridad, desenfoque, e intención.

La exposición se completó con un vídeo; en una narración en primera persona.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA. UN HORIZONTE FALSO. ALBERTO GARCÍA-ALIX

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