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Edgar Degas. «Ciudad de la luz que guardaba bailarinas y desnudos»

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Hilaire-Germain-Edgar Degas. París, 19 de julio de 1834. París, 27 de septiembre de 1917, (a los 83 años de edad).

Pintor, Escultor, y Dibujante, conocido sobre todo por su extensa obra, sobre el mundo del Ballet Clásico, y considerado como uno de los fundadores del Impresionismo.

Edgar Degas pertenecía a una familia acomodada, por parte de padre (banqueros), por parte de madre, (industriales algodoneros). Huérfano desde muy temprano, su madre murió, cuando el niño Edgar, contaba solo 13 años de edad.

Degas estudió derecho por deseo del padre, pero ya había destacado con el dibujo, y enseguida abandonó las clases, estableciendose como pintor. Su padre Auguste de Gas, que a la postre tendría, gran influencia en su vida, viendo su gran talento, y siendo él mismo, un ferviente enamorado del arte decidió ayudarlo; comieza entonces, su formación pictórica, en la Escuela de Bellas Artes, realizando, estudios de dibujo, pintura y modelado; poco tiempo después, viajara a Italia donde copia, durante tres años, a los grandes maestros de renacimiento.

Al término de la Guerra Franco-Prusiana (1870/71), en la que no participa, al detectarle tempranamente problemas de visión, viaja a Nueva Orleans (1873), donde, se establece en casa de una hermana (La madre del pintor había nacido allí), vive en la ciudad cinco meses, y activo, realiza al menos una veintena de obras.

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Oficina de contratación de algodón. (A cotton office). 1873

Con este bagaje artístico regresa a París donde, su padre pensando en futuras económias, le recomienda que se dedique al retrato pues, piensa con lógica comercial, (Arte para vivir), que así recibirá más encargos. Vive una vida dedicada al Arte y obtiene un gran éxito, con sus dulces pinturas sobre la danza; las clases, y el ambiente que se respira en los ensayos, y sobre todo, en los más íntimos camerinos, (el pintor es admitido en ellos casi como uno más de la compañía), en este aspecto el pintor parisino, guarda cierta similitud con su colega Toulouse Lautrec, aunque este, 30 años más joven…

Las bailarinas de ballet son pintadas y dibujadas una y mil veces en su ambiente de trabajo y ensayo.

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A la muerte de su padre ocurrida en 1874, y no siendo ya tan boyante su situación economica, Edgar Degas, se ve obligado a vender su atesorada colección de  pinturas, (por primera vez en su vida), pues el ávido estado francés, demanda al pintor parisino, por las grandes deudas que deja su extinto banquero progenitor. Degas tristemente embargado, se ve obligado a vender la casa, y la colección de arte recibida en herencia.

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En la foto, Lorenzo Pagans y Auguste de Gas. (1871-72). En primer término de la pintura vemos al guitarrista  español (Lorenzo Pagans), y al fondo al padre del pintor, Auguste de Gas; fue una pintura muy querida por Edgar Degas conservandola, con celosa nostalgia filial, hasta el día de su fallecimiento.

Bailarinas de Ballet Tal vez fuera su marchante, el que le aconsejó pintar esta temática; el caso es que, contradiciendo el prudente consejo de su progenitor, sobre el retrato, el  triunfo de Edgar Degas fue rotundo y por ende, obtuvo grandes ingresos económicos. Mas, como vimos anteriormente, Edgar Degas arrastró toda su vida problemas de visión, por lo que al final de su existencia fue decantandose, por la técnica del pastel y la escultura. También, poco a poco, el artista galo, se fue haciendo más reservado, arisco, no quiso exponer su obra, y se apartó de la sociedad; pensaba con extrema radicalidad que… «Un artista no debe tener vida personal».

Degas coleccionista. A lo largo de su vida, se hizo con una importante coleccion de arte aquiriendo obra, o cambiándola por la suya, así fue como consiguió una magnifica selección de cuadros, de Van Gogh, Gauguin, Delacroix, Ingres, Cézanne, El Greco, Manet… ¡Una verdadera fortuna en obras de arte!

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Además, de por el mundo de las Bailarinas, el pintor también se interesó, y prestó atención, especialmente al mundo del Caballo, y las Carreras Hipicas (Turf), así como por el desnudo femenino, la mujer en su momento íntimo de la toilette (baño). Edgar Degas pintaba, sobre todo en interiores y obviamente con luz artificial.

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Degas nunca se casó (algunos quieren ver en ello, la alargada sombra de la misoginia) y falleció, casi ciego en París, el 29 de Septiembre de 1917, a los 82 años de edad.

Edgar Degas. «Ciudad de la luz que guardaba bailarinas y desnudos».

Edgar Degas. Pintura. Pintores. Degas. Impresionismo. París. Arte 

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Arte. Paisaje. T. Bartolomé. “Al olmo viejo, hendido por el rayo”

Paisaje. (2020). Tomás Bartolomé

La naturaleza, fuente inspiradora y motor de artistas, sobrecoge, con sublime belleza, ámbitos, predios, con dueño, la que es libre, no tiene límites. Paisaje, mente soñadora, gesto que me impregna y sana, y su intensidad, me inquieta, pleno, me nutre la totalidad absorbente. Belleza pura, la más pura, anárquica alquimia sublimada. Libertad plena, que por su gracia no se somete en su totalidad. Pedagogía disponible, ciegos voluntarios ignoran.

Antonio Machado. 26 de julio de 1875, Sevilla. 22 de febrero de 1939, Colliure, Francia

A UN OLMO SECO

Al olmo viejo, hendido por el rayo

y en su mitad podrido,

con las lluvias de abril y el sol de mayo

algunas hojas verdes le han salido.

El olmo centenario en la colina

que lame el Duero! Un musgo amarillento

le mancha la corteza blanquecina

al tronco carcomido y polvoriento.

No será, cual los álamos cantores

que guardan el camino y la ribera,

habitado de pardos ruiseñores.

Ejército de hormigas en hilera

va trepando por él, y en sus entrañas

urden sus telas grises las arañas.

Antes que te derribe, olmo del Duero,

con su hacha el leñador, y el carpintero

te convierta en melena de campana,

lanza de carro o yugo de carreta;

antes que rojo en el hogar, mañana,

ardas en alguna mísera caseta,

al borde de un camino;

antes que te descuaje un torbellino

y tronche el soplo de las sierras blancas;

antes que el río hasta la mar te empuje

por valles y barrancas, 

olmo, quiero anotar en mi cartera

la gracia de tu rama verdecida.

Mi corazón espera

también, hacia la luz y hacia la vida,

otro milagro de la primavera.

Antonio Machado

Arte. Paisaje. Tomás Bartolomé. “Al olmo viejo, hendido por el rayo”

Paisaje. Tomás Bartolomé. Arte. Artista. Art. Óleo.  Antonio Machado. Machado

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Mark Rothko. «Sólo, Emociones Fundaméntales «, Éxtasis, Tragedia, Extinción, Épica

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N 61. Rust and blue. 1953.

MARK ROTHKO. Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903. Nueva York 25 de febrero de 1970.

Su padre fue farmacéutico. La familia sufre episodios de racismo, y en 1910 emigran a Estados Unidos, huyendo de las purgas cosacas contra los judíos. Pocos años después, fallece su padre y el joven Rothko, se ve en la necesidad de vender periódicos por las calles para poder vivir. En esta época es muy aficionado a la música, y un buen estudiante; además de un comprometido activista político, defensor a ultranza de los derechos sociales. Mark Rothko tiene 18 años cuando es becado por la Universidad de Yale. Además trabaja en una lavandería, para pagarse los estudios. Dos años después abandona los estudios, y se traslada a Nueva York donde finalmente, descubre su vocación.

COMIENZA SU FORMACIÓN ARTÍSTICA

Tiene 23 años cuando comienza a impartir clases de pintura en La Center Academy de Brooklyn. Con 26 años se casa con la diseñadora de joyas Edith Sachar. Un año antes de su boda, expone por primera vez (Museo de Portland).

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Su familia de conservadores burgueses no le apoyaba, no entendian como no dedicaba su vida a algo más productivo, no podían entender, como un gran estudiante, con un futuro tan prometedor, quisiera tirar su vida a la basura, por la absurda idea de ser artista

MARK ROTHKO QUIERE SER PINTOR

Su pintura será  catalogada como Expresionismo Abstracto. Definición que él, no compartía, y que consideraba alienante. Rothko, entendía su arte como…«Una expresión mística no exenta de religiosidad»

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Mark Rothko utilizaba como soporte cuadros de gran formato, pues defendía, que en su creación, al utilizar estos enormes tamaños, podía trascender al lienzo, y por ende, el espectador cuando finalmente los observara, también podria sentiríse dentro del cuadro, (formaría  parte de el)… «Pintor lienzo y espectador serían uno»

COLOR, LUMINOSIDAD, SUAVIDAD; SUTIL DELICADEZA Y DELICADA TRANSPARENCIA

Su pintura es luminosa, y está llena de luz, en suaves y sofisticadas capas de color superpuestas, donde la pintura es libre y profunda, y el color se crea, y se transforma.

En cuanto a lo que el artista, nos quiere transmitir…

-«Solo me interesa expresar emociones humanas fundamentales, Tragedia,Éxtasis, Extinción o  Épica»-

-«Estoy a favor de las formas planas, porque ellas destruyen la ilusión y revelan la verdad… Estoy a favor de la exposición simple del pensamiento complejo»-

Sus pinturas consiguen en mi, un efecto místico e intemporal; modernas, y a la vez antiguas, sin pasado, ni tiempo…

COMO UN PRESAGIO, EL BRILLO SE APAGÓ

Al final de sus días, sus colores, pigmentos, y mediuns luminosos, mudaron a otras gamas de color, a tonos más oscuros, como un presagio, su pintura se fue oscureciendo, hasta fundirse con la noche de los tiempos, y el arcano que los gobierna desde tiempo inmemorial. Rothko, finalmente se suicidó cortándose las venas, a la edad de 67 años. Tal vez tuviera que ver con este trágico desenlace, su adicción al alcohol y los antidepresivos, pero estos, solo son un síntoma, una dura huida llena de clavos y sufrimiento.

Mark Rothko. «Sólo me interesa expresar emociones fundamentales», Éxtasis, Tragedia, Extinción, Épica.

Mark Rothko. Rothko. Arte, Pintura, Pintores. Artista. Nueva York

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Arte. Hopper. Hiperrealismo Poético. Soledad en Nueva York

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Edward Hopper. Nyack (pequeña población, estado de Nueva York) 22 de julio de 1882. Nueva York 15 de mayo de 1967.

Edward Hopper. Hiperrealismo poético y soledad en Nueva York

En 1900. Edward Hopper realiza estudios de Arte (pintura) en la New School of Art, posteriormente comenzaría a trabajar como ilustrador publicitario. En 1906, viaja por Europa donde estudia a los pintores más relevantes de la historia. Visita París (reside en la capital francesa medío año en 1909), después vendrán, Londres, Bruselas, Berlín. Finalmente regresa a USA.

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Gasolinera. 1940.

Posteriormente en 1910, vuelve a Europa, París (nuevamente), y España, donde se interesa vivamente por Francico de Goya. Visita Madrid y Toledo donde admira la pintura de El Greco. Sería la última vez que el gran artista viajaria a Europa, y España fue el destino elegido por el gran pintor neoyorkino. A su regreso, se establece definitivamente en Nueva York. Ciudad a la que él ama; ciudad que le alimenta.

Ama a la gran urbe, encontrando en ella una individualizada soledad; una soledad congelada, impregnada de melancolía; es un mordaz observador, que fija la imagen de la vida cotidiana estadounidense, en sedados paisajes urbanos; a la luz del tugsteno, de una tarde soleada; o tal vez, en el poético contraluz, o en la fría radiación de un neón brillante; morfinómano, hiriente e inconstante

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Ventanas en la noche. 1928.

1918. Edward Hopper forma parte del Whitney Studio Club (Asociacion de artistas independientes).

En 1915 y hasta 1923, más que propiamente a la pintura, se dedica al grabado (punta seca, y aguafuerte), en esta especialidad recibe premios y reconocimiento. Sin embargo Edward Hopper, tarda en obtener éxito. Finalmente después de realizar dos exposiciones, una de acuarelas, y otra de pinturas, (1923/24), ya con 42 años, consigue el reconocimiento y la fama.

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Habitación en Nueva York. 1932.

Hopper siendo ahora un artista reconocido, se casa en 1924 con Josephine Nivison, (Jo), también pintora y que se convierte en su única y exclusiva modelo, ya que la posesiva Josephine, no aprobaba, que su marido contara con otras para nada.

Dos comediantes. 1965. La ultima pintura de Hopper

La pareja lleva una vida de lo mas burgués, hasta poseen una bonita segunda casa, tranquila y apacible cerca del mar; se entienden tan bien, el sincronismo es tan grande, que curiosamente fallecerían los dos, casi al mismo tiempo; apenas, con unos meses de diferencia. (Hopper, Al final, adelantó un poco el ignoto viaje).

Mercado del Arte

Hasta un año antes de su boda (1924), HOPPER no había vendido más que dos cuadros y, estaba derivando su realidad, a la que tristemente le aconteció a Van Gogh, del que fue su contemporáneo 8 años, y que a los 37 años, cuando sé suicidó en 1890, de un  disparo, detrás de las ruinas de un castillo (para más romanticismo), se encontraba en el mismo precario caso ¡El pasado 2013, se subastó una obra de HOPPER en Nueva York por 29’8 millones de euros!, de nuevo otra similitud más con el genio holandés del cabello rojo, y de precios prohibitivos, en 1990 se pagan en subasta casi 16 millones de euros, por un Van Gogh…, ¡mas, que distintos eran!

Las pinturas de Hopper, son muy elaboradas, y con un estudio geométrico previo importante; rezuman reflexión, planificación, dibujo (bocetos), y trabajo previo.

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Llenos de sol y soledad. En medio del desierto, en el interior de un bar, o una habitación de hotel, sus personajes, en un momento especialmente íntimo, nos invitan a contemplarlos, y dulcemente se olvidan de nosotros…

¿Qué Pensarán? Silenciosos, Absortos, Congelados en un Ambiente Frío y Artificial

Iluminación fluorescente, neónes, o luz solar hiriente; luces y sombras. Ensimismamiento, una cuidada puesta en escena de sofisticación y belleza. Imágenes urbanas de alto impacto visual, en una ambientación «Poéticorrealista», colmada de casas, personajes, y ventanas; imágenes a menudo llenas, de meridianas referencias al lenguaje cinematográfico, y a los bajos fondos de la novela negra.

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Dos comediantes. 1965. La ultima pintura de Hopper

La última pintura que realizó HOPPER fue la titulada «Dos comediantes», en ella sus dos personajes, Josephine (Nivison), y Edward (Hopper), se despiden saludando al público desde el proscenio. Es el ultimo adios. Aplausos; poco después caerá el telón, todo habrá acabado para siempre, han asistido ustedes… a la última representación mundial, de Edward Hopper y Josephine Nivison.

Edward Hopper. Hiperrealismo Poético y Soledad en Nueva York

Edward Hopper. Hopper. Pintura. Pintores. Artista. Hiperrealismo. Nueva York. Mercado del Arte. Goya. El Greco. Van Gogh

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Eduardo Arroyo. «El destino del pintor es serlo hasta el final»

MAX BILL. (1976). EDUARDO ARROYO

Eduardo Arroyo, Pintor, (Pintura Poltica, Figuración Narrativa, Pop Art).

Escultor, Escritor. Artista. Madrid, 26 de febrero de 1937, Madrid 14 de octubre de 2018, nació, en la Callle Argensola, cerca de la céntrica y popular, Puerta del Sol.

Arroyo, pronto hurtado, y solo, es, huérfano de padre, (Juan González Arroyo), murciano, (farmacéutico), de clase media, y amigo de grandes escritores como, García Lorca, Jacinto Benavente, o Jardiel Poncela; privó pronto de su figura, a su joven vástago, de tan solo 5 años. Su madre, Consuelo Rodríguez (de Madrid), muy pronto se convierte, en una joven viuda, republicana, y radicalista de izquierdas.

Eduardo Arroyo, comenzó mal sus estudios en el Liceo Francés, donde fue duramente castigado, y expulsado por mala conducta, luego está, su paso, por el Instituto Docente Nuestra Señora de la Almudena, después, los estudios de periodismo, y luego, el servicio militar obligatorio, en el Regimiento de Infantería Asturias 3.

Dibujaba desde niño, mas quería ser escritor. Fue desde muy temprano, un ansioso lector, un gran amante de la literatura, que no renunciaría nunca, al uso de la palabra dirigida cual afilada saeta, como aguda critica, y con una muy personal orientación, y clarividencia.

ARROYO EXILIADO

1958. Perdedor, en una España de posguerra, parte pronto huyendo, hacia el frío, y desamparado exilio; llega a París, en diciembre, (un mes especialmente triste, si te encuentras extrañado, y solo), tenía 21 años… ¡En España, ya era mayor de edad!

Retrato del enano Salvador de Morra, bufón de corte nacido en Figueras, en la primera mitad del siglo XX.  Eduardo Arroyo. (1970).

Será París, la ciudad en la que residirá, la mayor parte de su vida; y pronto, se relaciona con otros españoles (los de la otra España), y explosivo, activo, y combativo como es, ataca sin descanso, denunciando el régimen del general Franco.

Es en París, faro del exilio, ciudad bella, y dura, donde el literato, que prosaicamente, tiene que vivir, se hace pintor, (pronto realiza retratos callejeros, y pinta con tizas de colores, las aceras del Louvre). París, mosaico de teselas, con sus orillas al Sena, con su liberté, será para él, la acogedora ciudad vecina. Es en esta década (1960), cuando retrata a Napoleón, «el rebelde que hay en Eduardo Arroyo, enseña las orejas», contra él, y contra todo. También, tienen lugar, sus primeras instalaciones artísticas, y sus primeros retratos.

Gran aficionado a la tauromaquia, realiza la serie «Los Toros», (retratos de toreros). La contradicción, el yin y el yang, la atracción y la repulsión, la vida y la muerte; símbolos y épica mandarina, manchados de roja…, sangre roja, y negra…, reza el verso lorquiano, «a las 5 de la tarde». A las 5 de la tarde, se tiñe de abstracción el lienzo del albero, donde es serio y soleado, el escenario del bárbaro coso taurino.

1963, presenta en la III Bienal de París, la serie, efigies de dictadores, (Franco, Salazar, Hitler y Mussolini), el gobierno español airado protesta. Expone, en la Galería Biosca de Madrid, (fue censurada), y el artista perseguido, (huyó de la policía); finalmente, el evento sería clausurado. 1969. Realiza retratos de Sir Winston Churchill (como pintor dominguero), y la serie El Alhameim, al más puro Pop Art.

Década de los 70. En 1972 viaja a Nueva York. En 1973 pinta desiertos y palmeras. Expone en Milán, la serie Óperas y Operetas.1972/3/4, Pinta retratos, de sus amigos, también de figuras universales del arte y la sociedad, y retratos de fotografías, de las que se nutre, interviniéndolas artísticamente.
1975/76.

En 1975 (Muere Franco), la Academia de Bellas Artes de Berlín, cursa una invitación formal, en la que invita a trabajar al artista, en la capital del triste muro, 9 meses, (Arroyo acepta), pinta y expone en Berlín, Barcelona, y París.1976.

Con 39 años de edad, puede por fin obtener, el pasaporte español, después de 20 años de prohibición. El apátrida exiliado, vuelve a España, en 1977, pero algo en ella le es extraño, y se siente solo y abandonado, todo cambió, mas ahora todo debe fluir de nuevo.

Tal vez su vuelta, es inversa a su esperanza idealizada, y como al mito, le supera. ¡Mas a menudo, son tan lentos los cambios!), e implicado, pinta dos cuadros con idéntico título, «Feliz, quien como Ulises, ha hecho un largo viaje, I, y II«. Pop Art, figuración cinematográfica, al más puro cine negro americano. Pinta las series, «Deshollinadores», «Pintores Ciegos», y «Entre los Pintores».

Seres sin rostro, fantasmas, es un Hamlet revivido, en busca de la verdad escondida.

Entre pintores. 1976. Eduardo Arroyo

No en vano, conoce la lucha, el terrible grito; y posee, la misma cohesión epica, que impregna al boxeador, aureolado de tragedia y culmen, ¿el arte?  Si, y también  el boxeo. al que tantas cosas le une, identificándose con sus valores, de sacrificio, soledad, y dolor.

1982 recibe el Premio Nacional de Artes Plásticas. Este año, se publica en Francia «Panamá» Al Brown, la biografía de Alfonso «Panamá» Al Brown, boxeador que fascinó al pintor, y que tardó en escribir 5 años. Tambien este año, comienza su actividad como escenógrafo.

1987, expone en Madrid, una serie de esculturas, de cabezas de mujeres españolas.

1999, monta, la ópera Tristán e Isolda, ilustra libros y realiza esculturas.

2000, recibe la Medalla de Oro al mérito en las Bellas Artes.

2012, Por encargo (de su director), pinta un cuadro para el Museo del Prado. La obra es expuesta posteriormente, en la magnífica pinacoteca madrileña.

Eduardo Arroyo, corajudo e irreverente, pintor autodidacta, con obras en los más importantes museos de todo el mundo, y cerval anti franquista, falleció el domingo,14 de octubre de 2018, de cancer, a los 81 años de edad, en su domicilio de Madrid.

En febrero, solo unos meses antes de su óbito, asistía a Arco Madrid (feria internacional, anual, de arte contemporáneo) donde tuvo la oportunidad de saludar y conversar unos minutos, con el rey Felipe VI.

«El destino del pintor es serlo hasta el final». Eduardo Arroyo

Eduardo Arroyo. Arroyo. Arte. Pintor. Artista. Pintura Política. Figuración Narrativa. Pop Art. Madrid. París. Exilio. 

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Arte. Ahora en el sur. Tomás Bartolomé

AHORA EN EL SUR. (2018). Tomás Bartolomé

Dibujo. Grafito y lápices de colores sobre cartulina.

El Sur que habito

Los recuerdos lejanos…, dulce soledad,

silencios pegajosos; de belleza y calma,

donde no pasa nada y aún así,

veo, como ahora, en mis ojos, pasa todo;

las sombras ni tienen sentido aquí,

el principio y el fin, son los enjutos brazos que acogen, la madre esbelta,

la serena dignidad, la elegante gacela, de languidez,

a la que la luz alerta, y el sol impregna.

Aquí en el sur que habito el mar está cerca pero…, no se ve,

mas presentido…, se sienten rumores soñadores,

en días iguales como caldo en un cuenco de sopa,

una fantasía oriental un lujo ascetico del sur,

(de su luz) pasada y persistente;

es sereno el atardecer,

la rojiza línea rubí rabioso, lejano brilla,

las estrellas, y astros luminosos,

están encima de nosotros, solo es levantar la vista,

Sus guiños plateados, visibles,

te impregnan, y tiemblan.

Aquí en la tierra, fijados,

mujeres, y también los hombres,

y sobre nosotros cielo,

y cerca de aquí el mar.

Tomás Bartolomé

Pintor. Pintura. Dibujo. Ahora en el sur. Tomás Bartolomé. Arte. Artista

Arte. Dibujo. Ahora en el sur. Tomás Bartolomé. Una fantasía oriental un lujo de ascetismo del sur

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Fotografia. Mindor. “Los sollozos más hondos del violín”

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FOTOGRAFÍA… MINDOR

VERLAINE. Sazón, desarrollo pleno, momento de cosecha, Goya el gran pintor aragonés hijo de un un dorador de retablos y esculturas, cuya formación artística, comenzó a una edad muy temprana, sin embargo parece que fue un artista de evolución lenta, que alcanza la madurez a fuego lento. A los 20 años de edad se comporta como un niño de 13. Los buenos guisos se cocinan despacio. VERLAINE contemporáneo del genial sordo a buen seguro, le acabaría añadiendo, especias y abundante vino. Amado y odiado, motor y ancla, el vino, siempre el vino rojo burdeos, tiñendo su vida bohemia y salpicando con su locura, a su familia (madre), y amigos (Rimbaud).

Decadentismo . Simbolismo. Impresionismo.

VERLAINE fue elegido príncipe de lo poetas en 1894 cuando ya residía de manera permanente en París.

Verlaine. Edmon Aman-Jean

Canción de otoño

Los sollozos más hondos
del violín del otoño
son igual
que una herida en el alma
de congojas extrañas
sin final.

Tembloroso recuerdo
esta huida del tiempo
que se fue.
Evocando el pasado
y los días lejanos
lloraré.

Este viento se lleva
el ayer de tiniebla
que pasó,
una mala borrasca
que levanta hojarasca
como yo.

Verlaine

Fotografia. Mindor. Los sollozos más hondos del violín del otoño son igual que una herida en el alma. Canción de otoño. Verlaine.

FOTOGRAFIA. MINDOR. FOTÓGRAFOS. CANCIÓN DE OTOÑO. VERLAINE. POESÍA. PARIS. ARTISTA.

 

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BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

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El Arca de Noé. Miquel Barceló. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

BARCELÓ HONORIS CAUSA Y SU ARCA DE NOÉ

Jueves 22 de septiembre de 2017. MIQUEL BARCELÓ el artista reconocido internacionalmente, (con obra expuesta en el museo del Louvre) en el Paraninfo de las Escuelas Mayores, fue investido como Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, en el 800 aniversario de su creación. También, el crítico de arte y catedrático, Francisco Calvo Serraller recibió, este significativo doctorado.

En Salamanca, la bella ciudad charra, a orillas del Tormes llena de arte, en ese mismo, y emocionante momento de la formal investidura, se encuentraba activa, una interesante muestra, con parte de los últimos trabajos del artista mallorquín…

Exposición «El Arca de Noé»

28 de abril de 2017 /1 de octubre de 2017

Miquel Barceló. VIII Centenario de la Universidad de Salamanca

80 obras: pintura, escultura, cerámica, obra sobre papel (acuarelas), perfomance. La mayoría realizadas en los últimos 6 años, y algunas de ellas inéditas. Se encuentraban, repartidas así:

Sala de Exposiciones del Patio de Escuelas, 26 acuarelas (2001/2003) pertenecientes, a las ilustraciones realizadas por el artista para La Divina Comedia, de Dante Alighieri. Formando, un grupo de acuarelas de formato medio, muy interesantes, oscuras y bellas.

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El ifierno. Acuarela. Barceló. Imagen, foto vía internet

Sala de Exposiciones Hospedería Fonseca. Pinturas y obras en papel de gran formato (2009/2016), y cuadros con relieve, a base de telas (empapadas en almidón antes de aplicar la pintura, para así conseguir volúmenes y relieves), son representaciones de pinturas rupestres, animales de las Cuevas de Chauvet (descubiertas en 2014) que recuerdan a las de Altamira. Intensos blancos, verdes, o azules apasionantes, también oscuros fondos abismales, fogonazos de intemporalidad; fluorescencias (2015).

Detalle de una de las obras de la exposición. Miquel Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Capilla del Arzobispo Fonseca. Inédita, La obra El Arca de Noé que dando título a esta exposición ocupa el muro frontal, el crucero de la capilla, mide 4×20 metros. El  público en general aún no pudo verla, hasta en esta feliz ocasión; acompañan a la monumental obra, 18 cerámicas (2012/2016). ¡Siempre, eternamente el barro pegado a la piel y el alma de Barceló!

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Cerámica. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio Palacio de Anaya. Le grand écouteur, (2015). Simula una gran obra de barro, y lo consigue, su aspecto es pesado, sin embargo es una pieza muy ligera (una mezcla de poliuretano y otros materiales). Es como un gran oreja que se ablanda en su pedestal.

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Le grand écouteur. Miquel Barceló. By TbArt. Archivos fondos propios

Patio de Escuelas Menores. 14 Allumettes, (2015). bosque de cerillas de bronce que se retuercen ya apagadas, son de gran altura y, necesitan un espacio más amplio de exposición, que en el que se encuentran situadas, que por lo demás, es un patio bellísimo a escasos metros de la fachada de la universidad, desde el que se pueden ver las torres de la catedral. Una gran competencia para las tristes y apagadas cerillas.

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Allumettes. Barceló. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios

Plaza Mayor. Gran Elefant Dret (2008). El monumental elefante blanco boca abajo. i O como hacer equilibrios imposibles sobre su trompa!

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Gran Elefant Dret. Miquel Barceló. Foto. By TbArt Archivos fondos propios

Barceló Honoris Causa y su Arca de Noé

Miquel Barceló. Barceló. Honoris Causa Salamanca. Exposición El Arca de Noė. Pintura. Pintores. Pintor. Artista. Escultura. Cerámica.

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El Artista. «Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua»

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Foto. By TbArt.

Artista. Produce y crea obras de arte.

Del latín ars, artis. Capaz de crear… crear volúmenes, conformar espacios.

 

El Artista

Un día nació en su alma el deseo de modelar la estatua del «Placer que dura un instante».

Y marchó por el mundo para buscar el bronce, pues sólo podía ver sus obras en bronce.

Pero el bronce del mundo entero había desaparecido y en ninguna parte de la tierra podía encontrarse, como no fuese el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida».

Y era él mismo con sus propias manos quien había modelado esa estatua, colocándola sobre la tumba del único ser que amó en su vida.

Sobre la tumba del ser amado colocó aquella estatua que era su creación, para que fuese muestra del amor del hombre que no muere nunca y como símbolo del dolor del hombre, que se sufre toda la vida.

Y en el mundo entero no había más bronce que el de aquella estatua.

Entonces cogió la estatua que había creado, la colocó en un gran horno y la entregó al fuego.

Y con el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida» modeló la estatua del «Placer que dura un instante».

Oscar Wilde

«Lo único que consuela a los hombres por las estupideces cometidas, es el orgullo de realizarlas»

O.W

El Artista. Oscar Wilde. «Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua»

LITERATURA. El ARTISTA. OSCAR WILDE. ESCRITORES. WILDE. ARTISTA. ESCULTURA. PLACER. DOLOR.

 

Juan Genovés. «El mar no tiene fin»

Juan Genovés

Pintor. Artista Gráfico

Valencia 31 de mayo de 1930. Madrid, viernes15 de mayo de 2020, a los 89 años de edad, en un hospital de Madrid. Pintor. Artista Gráfico.

Realiza sus estudios artísticos, en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, y la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos.

Premio Nacional de Artes Plásticas de España, en 1984. Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, en 2005. Orden de Jaume I, el Conqueridor, en 2016.

Gente corriendo. (1975). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Estaba felizmente casado con Adela. Tenía 1 hijo, Pablo, y 2 hijas, Silvia y Ana, que le salieron los 3 artistas, aunque él hubiera preferido que se dedicarán a otra actividad. Lo que es un vicio demasiado común, en los miedosos planes familiares de casi todo el mundo. Padres, recordad, que hay un arte para vivir y un arte para subsistir, además, nunca se ha podido meter el agua del mar en una pecera.

Juan Genovés positivo y energético, pronto desbrozará caminos ignotos, con un afán renovador del arte que hasta entonces percibía en su ámbito. La pregunta era, ¿En qué lugar y cual es la función del arte en general, y en particular la del encaje, del artista individual, siempre empotrado en la sociedad, pero a menudo sumiso, en una intradiagetica estancia estanca.

La inquietud de su vivo carácter siempre activo, su gran amor a la vida, y su mente despejada, fueron siempre, un motor transformador, así como también lo serían, su comprometida lucha, motivada, por fuertes convicciones, primeramente sociales. Fue un miembro activo del Partido Comunista Español.

Aguafuerte sobre papel. (1972). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Terminada la guerra civil española, participa, en diferentes colectivos artísticos. Los siete, en 1949, Parpallós, en 1950, y Hondo en 1960. También se le relaciona con el Pop Art, si bien es verdad que mediaba mucha distancia entre este movimiento artísticooriginario Pop Art, americano o ingles, más genético, y seminal.

En los años sesenta, dedica parte de su tiempo a participar en actividades en contra de la dictadura franquista…

«Yo era un perdedor y quería ganar alguna vez».

Así, fue como se convirtió en un activista siempre en lucha. Su gran motor en la vida, fue el miedo al régimen franquista. Tenía 6 años cuando comenzó la guerra civil española. 9 cuando terminó, y ya la política era su vida…

Aunque también quería ser futbolista del Valencia

Sin Titulo. (1970). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Artísticamente, sus caminos se dirigen pronto a un figurativismo renovado, frente al informalismo, con el que a menudo convive, aún así, imprime en sus obras un carácter expresionista y abstracto.

Su padre fue un pintor aficionado fracasado, tal vez, ėl conseguiría triunfar en el mundo del Arte, pues ante todo, la de Juan Genovés, es una familia, que se agarra fuertemente a la cultura.

Piensa Genovés que el mar no tiene fin

DECADA DE LOS 70

EL ABRAZO 1976

Se hicieron 500.000 carteles del cuadro y se repartieron casa por casa. Nació en la transición y la clandestinidad. Sería utilizado como cartel, por Amnistia Internacional, y después como escultura conmemorativa, del horrible atentado de los abogados de Atocha, en cuyo despacho se encontraba colgado un póster de tan iconica imagen, el día del cruel atentado.

«El abrazo lo pinté yo, pero pertenece a todos los españoles«

La pintura, se expuso en Zurich, Alemania, y Estados Unidos, donde, es adquirida por un coleccionista, de Chicago. El éxito de Genovés es enorme, tanto, que la Galería Marlborough, entonces la más importante del mundo, se fija en él, y le propone asentarse, en USA, algo que rechaza, «No podía dejar tirados a mis compañeros de lucha, porque yo ahora fuera un pintor de éxito», éxito que comenzaría, el año 1966, en la Bienal de Venecia, donde se vendieron los 10 cuadros expuestos, y cuando,  la Galería Marlborough, además de otras, trataron de llevárselo a su porfolio, y desde entonces, seguirían mantenido relación. La galería, tiene sedes en España, en las ciudades, de Barcelona y Madrid.

Mientras tanto El Abrazo, se ha convertido en símbolo de reconciliación, y se procede a su adquisición, por el estado español, en la que media, la Galería Marlborough, de Nueva York, (donde posee, una de sus sedes, más importantes), que finalmente logra, mediante un intercambio, hacerse, con tan preciada obra. Genovés, bajo el amparo de la galería inglesa, consigue hacerse así, un hueco en el panorama artístico internacional.

El Apagón. (1989). Juan Genovés. Óleo sobre lienzo. Foto by Tb Art Archivos fondos propios

MULTITUDES

Con el tiempo y el tránsito por diferentes estilos, logra por fin descubrir una forma de expresión que posee un relato que nos cuenta algo, sobre el individuo inevitablemente solo, y el individuo fundido en la multitud, y las enormes fuerzas que inevitables ráfaguean violentas y enérgicas. Dudas, y subconsciente.

Primero fotografía, después, dibuja, luego brotan, pegotes de pintura aplicada directamente desde el tubo, y finalmente, el pincel da sombras, logrando la perspectiva aérea, perspectivas, que nos descubren, como las mareas, también en lo cotidiano, van formando su universo de masas, y personajes solitarios, que son tratados delicadamente por Genovés, con mimo, de uno, en uno.

Ámbito. (2016). Juan Genovés. Giclcée/Papel Hahnemühle Photo. Foto by Tb Art Archivos fondos propios

Amante del mar Mediterráneo, de Valencia, de su Valencia club de fútbol, y de Mestalla, donde se inspira observando los flujos humanos y sus corrientes. Y también del mar, siempre el mar. Últimamente dedicaba parte de su tiempo a repasar descartes, seleccionar lo válido, o tirar a la basura, lo superfluo... Descansa en paz, Juan Genovés, que la tierra te sea leve.

Juan Genovés. «El mar no tiene fin»

Juan Genovés. Genovés. Arte. Art. Artista. El abrazo