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Arte. Luis Gordillo. Ejemplo y Psicoanálisis

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Luis Gordillo. Ilustración by TbArt

Luis Gordillo. Sevilla 1934.

Su familia (él), pertenecía a la burguesia sevillana acomodada, donde su  progenitor ejercía de medico. Gordillo estudio derecho sin mucha convicción, y posteriormente Bellas Artes. A finales de los años 50 viaja a París y enseguida se siente atraído por el Informalismo. Luis Gordillo a lo largo de su larga y anárquica carrera, transita por diferentes estilos pictóricos, primeramente fue el informalismo, en este estilo, se sintió muy cómodo.

Gordillo define al informalismo como…

«Una abstracción libre que emplea diferentes materias y pintura gruesa»

Como también ocurre en el caso, de Tapies, artista, que el pintor sevillano cita, como uno de sus pintores emblemáticos.

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La Familia. 1972.

Después vendrá el Pop Art con sus repetitivas series, y Gordillo lo atrapa enseguida;  las series son evolución, transmisión, algo que reacciona, que esta vivo. Luego daría nuevamente paso a la abstracción, en la que está considerado, uno de los máximos exponentes en España; cuando paradojas de la vida, últimamente ha declarado, que él, más que un pintor abstracto, se ha considerado, un pintor figurativo, la mayor parte del tiempo. Últimamente se dedica sobre todo,  a las artes plásticas; el uso de la fotografía, los soportes digitales, la serigrafía sobre lienzo, el collage, y la pintura.

El Psicoanálisis le ha ayudado siempre en su carrera, y le sigue ayudando, y siempre que puede, se encarga de recordárnoslo.

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No te olvides. (2012). Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

EL COLOR

Tiene pinturas de un solo color, y en otras, trabaja con colores de tonos vivos, aunque siempre sofisticados. Le da importancia al color, el verde es muy empleado por él, en algunas épocas. Gordillo empezó pintando al óleo, luego, a partir de los 70, se decantó definitivamente por la pintura acrílica.

1981. Premio Nacional de Artes Plásticas. 1996. Medalla de Oro de las Bellas Artes de Madrid. 2007. Premio Velázquez de Artes Plásticas. Son solo, algunas de sus múltiples distinciones.

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Cuatroojos que se ahoga. 2015. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En la actualidad Luis Gordillo sigue trabajando, (como el buen vino, se hace excelente con los años, su innegable talento, se ha conservado y mejorado, con el paso del tiempo), realizando pinturas de gran nivel.

Es el sevillano, un artista respetado mundialmente, con obra expuesta en los  museos más importantes del mundo, y con un reconocimiento público y privado, escaso, a la vez que muy merecido.

Arte. Luis Gordillo. Ejemplo y Psicoanálisis.

Arte. Luis Gordillo. Gordillo. Pintores. Informalismo. Pop Art. Psicoanálisis.

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Arte. William Turner. Brutal y delicado

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WILLIAM TURNER. Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775. Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851 a los 76 años de edad.

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En su vida de pintor famoso, alcanzó el éxito muy pronto, aunque también muchas críticas; entre otras, aparte de por su pintura transgresora, por su procedencia social, de clase trabajadora y humilde; por su falta de modales, su brutalidad, y su mala pronunciación de barrio.

Creció en los arrabales de Londres, entre las calles, las tabernas y burdeles de Covent Garden. Rodeado de actividad, trajín, se mercaban, flores, frutas y verduras. Un vivo y colorido paisaje con un deje rural vocinglero feriado.

Su padre que era peluquero, además de ayudar a su hijo, también confeccionaba pelucas. Su madre una sencilla ama de casa, con notables desequilibrios nerviosos, agravados a raíz de la muerte de una hermana pequeña del pintor, acaecida, en 1876, finalmente, fallecería en 1804 recluida en un hospital psiquiatrico, nunca fue a visitarla, solo tenía 9 años. El niño Turner se encuentra así con una pérdida capital a muy corta edad. A raíz de este triste suceso William Turner, se traslada a vivir a casa de un tío materno residente en Brentford, al este de Londres, en las orillas del estuario del Tamesis. Un año después comienza sus estudios de arte en La Royal Academy of Art; donde ya en el primer curso, destaca como un alumno de enorme talento y como un trabajador incansable.

ACADÉMICO A LOS  23 AÑOS

Muy pronto comienza a ejercer como pintor y da clases de pintura. Se convierte en académico a los 23 años, lo que le permite pintar con libertad gracias a un salario fijo. William Turner ahora es endiabladamente libre, y comienza a recorrer con su pintura la aventura de caminos inciertos, antes nunca hollados en la historia del Arte.

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Lluvia vapor y velocidad. 1844

RASGA Y DESCUBRE ROMPE Y ALUMBRA

Descubre; rasga el delicado velo del Impresionismo con 25 años de antelación.

Realiza viajes por Europa, estudia en El Louvre, París.

En 1829 muere su padre, al que se encontraba muy unido, y que a menudo lo ayudaba en las tareas del taller, las ventas, y en sus quehaceres profesionales y domésticos. Cuando fallece esta vital figura de su vida, William Turner tenía 54 años y resulta un durísimo golpe, el gran artista ahora cae sumido en una fuerte y oscura depresion. Socialmente, se convirtió así en un bicho raro, siempre lo había sido, pero a raiz del fallecimiento paterno se encuentra terriblemente solo. Se vuelve más excéntrico si cabe, y se aisla quedándose prácticamente sin amigos. Sin embargo, su faceta amorosa es variada, misteriosa, y desesperante, no le faltan las amantes, mas desprecia vehementemente el matrimonio y por ende a los casados…

-«Siempre ocupados en satisfacer a la mujer  y mantener a los hijos«.

Era el pintor inglés frecuentemente visitador de camas del servicio doméstico; jovencitas y viudas eran algunas de sus especialidades amatorias. En el trato William Turner era hosco, irritante, y despreciaba profundamente a la sociedad.

ARDIENTEMENTE ENAMORADO DE LA FUERZA QUE EMANA DE LA NATURALEZA

Pinta incansablemente: realiza sus maravillosos paisajes impresionistas. Le obsesionan la luz, la calima, el reflejo, la bruma, y los efectos atmosféricos temporales. Va detrás de lo que sueña.

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William Turner. «El pintor de la luz»

Trabajador compulsivo, innovador en la técnica (que domina a gran altura), William Turner ocupa, en el Olimpo de los grandes genios, un lugar muy destacado.

NO ES TAN FIERO EL LEÓN COMO LO PINTAN

Finalmente; nunca sabremos si por una pasión verdadera; conoce a Sophia Booth, una dulce viuda que le acompañará los últimos días de su vida.

Proverbial tacaño, sin embargo dejó toda su fortuna, que no era menor, a lo que él llamaba… «Los artistas desmoronados» Aunque en vida le ofrecieron mucho dinero por ellas, cedió generosamente sus pinturas al estado inglés con el romántico deseo, de que permanecieran siempre juntas, así, afortunadamente, la  mayor parte de sus obras se encuentran reunidas, y expuestas, en la Tate Gallery de Londres.

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Roma desde el Monte Aventine. Vendido por 47, 400, 000 $

Hoy la cotización de las pinturas de William Turner, en el Mercado del Arte, ronda los 50 millones de dólares.

Arte. William Turner. Brutal y delicado. 

William Turner. Turner. Arte. Pintura. Mercado del Arte

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ART MADRID’19. Feria de Arte Contemporáneo

Pequeño Jardín salvaje. (2019). Técnica mixta. Rubén Martin de Lucas. Galería BAT Alberto Cornejo.

ART MADRID’19. Feria de Arte Contemporáneo.14 edición
Madrid. Del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019

Lugar. Galería de Cristal de CentroCentro Madrid Cibeles

Hola apasionados por el arte…

La Feria de Arte emergente ART MADRID’19, este año, se mostró agradable, y a primera vista, renovada en su distribución, con más representación internacional, y con artistas, y galerías latinoamericanas, pisando fuerte y garbosas, en los stands.

Entre Flores de D’estramonio. (2018). Mónica Subidé. Técnica mixta.

Visitamos la feria el domingo por la mañana. Una luminosa mañana, se presentaba, aunque, en el mes de febrero, totalmente veraniega, incluso, con su brillante sol, y un cielo azul, sin mácula, obtenía reflejos dorados, en todo lo que dulcemente sus rayos acariciaba.

A nuestra llegada la afluencia de publico era notable, mas el ambiente y, el ámbito en que nos desenvolvíamos, bajo una enorme cúpula acristalada, (bella e impresionante), se nos mostraba a los ojos muy agradablemente. Bañada por una benéfica inmensa luz.

«Christmas Chicken. (2018). Efraïm Rodrïguez.

Participaron en tal útil y necesario, anual evento artístico internacional, 50 galerías. 200 artistas, y 15 países.

Pintura, Escultura, Obra Gráfica, Fotografía, Videoarte, Instalaciones Artísticas.

«Dark Side 3«. (2018). Samuel Salcedo.

Además del, programa general, este año ART MADRID’19, presentaba, One Proyect (Proyectos inéditos en formato solo show), y nos muestra 7 propuestas artísticas patronadas, por mujeres, bajo la leyenda «Ficciones, máscaras, y paisajes, el color como telón de fondo». La feria de arte contemporáneo, en su programa paralelo de actividades, ofreció en esta edición, debates, mesas redondas, networking, masterclasses; en el apartado artístico, del Videoarte.

«Real World«. (2019). Alejandro Monge. Óleo sobre tela.

Un feria felizmente orientada, y sólidamente asentada, que se celebra anualmente en el cercano marco, incomparable, de la Cibeles cerca, como un estupendo, telón de fondo, cerró sus puertas este año, con un gran aumento de coleccionistas particulares, e instituciones, buenas ventas y una afluencia de público que se calcula en unas 20.000 personas. Gracias Art Madrid, y hasta la próxima.

Desde aquí felicitar, a la organización de esta magnifica feria de arte contemporáneo, por su eficacia, y buen trabajo, en un evento artístico anual, que felizmente cada año, va a más. Gracias

ART MADRID’19. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Madrid

Art Madrid’19. Art Madrid. Feria de arte contemporáneo. Feria de arte. Arte. Madrid

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Drawing Room Madrid. Feria Internacional de Dibujo. Arte . 2018

Foto captura. Verser l’offrande. (2017). Video compuesto de imágenes y dibujos. Sandra Kraser. Galerie Jean-Louis Ramand. Foto by TbArt archivos fondos propios.

Hola apasionados por el Arte. Hoy contaré algunas impresiones, sobre una Feria de Arte interesante, por la calidad de las obra que contiene…

Drawing Room Madrid
Feria Internacional de Dibujo. Arte Contemporáneo

21/25 de febrero. 2018. Madrid

Fernando Martin Godoy. Galería SIBONEY. Foto by TbArt archivos fondos propios.

En esta reciente tercera edición de la feria, han participado 30 galerías (cada una de ellas con un máximo de 3 artistas), 7 países, (Japón, Países Bajos, Francia…, con Italia como el más representado); y alrededor de 70 artistas.

Portait. (2017). Ángeles Agrela. ¿Cual es el papel de la mujer en el mundo del arte? Galeria  Yusto/Giner. Foto by TbArt archivos fondos propios.

El lugar elegido este año para ubicar la feria, (El Salón de Baile, del Circulo de Bellas Artes de Madrid), ha sido bastante acertado, facilita su visita, su belleza, y la superficie expositiva, que este año, ha permitido una mayor participación de espacios artísticos, y como no, por su privilegiada situación en pleno centro de Madrid, y a escasos metros de la Cibeles.

Madrid, 1962. «S/T» 1996. María R. Valverde. Galeria PINTURAPINTURA.COM. Foto by TbArt archivos fondos propios.

María Rosa Valverde, madrileña, realiza sus estudios en la Escuela de Arquitectura de Madrid, y en la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad Complutense, esta artista profesionalmente, se ocupa en una primera época, a las actividades de diseño editorial, y publicidad, ahora, lleva más de 10 años, dedicándose por entero a su propia conceptualización del Arte. En su estudio, la escultura, la pintura, la fotografía, y sobre todo el dibujo, son sus medios de expresión más utilizados. Es reconocida, valorada y, expone generalmente, con importantes galerías. En esta feria participa con la Galería PINTURAPINTURA.COM que también mostraba obra de Manuel Salinas.

Sin título, Juanjo Lazcano. N2 Galeria. Foto by TbArt archivos fondos propios.

La asistencia a la feria este año, ha sido, de alrededor, de 10.000 visitantes.

Tambien me interesaron, otros artistas…

Manuel Caeiro pintor y dibujante portugués. Carlos Carvalho Arte Contemporânea de Lisboa.
Javier Calleja, el malagueño con la Galería Yusto/Giner. David de las Heras, en Pepita Lumier.

Una feria de Arte, con sinceras propuestas al coleccionista.

Muy recomendable

Drawing Room Madrid. Feria Iternacional de Dibujo. Arte Contemporáneo. 21/25 de febrero de 2018. Madrid.

Drawing Room Madrid. Feria Internacional de Dibujo Contemporáneo. Drawing Room 2018. Arte. Arte Contemporáneo. Madrid 

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Arte. Paul Gauguin. «Yo soy un salvaje»

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Autorretrato

PAUL GAUGUIN. París 7 de junio de 1848. Autona, Islas Marquesas 9 de mayo de 1903.

POSIMPRESIONISMO

Fue el menor de los dos hijos del periodista Clovis Gauguin, y Aline Chazal, a la sazón, hija de la activista peruana Flora Tristán. Tenía un año, cuando se ven obligados al exilio (a causa del golpe de estado de Napoleón III, Clovis, el padre de GAUGUIN era antimonarquico). Durante el duro trayectos del exilio Clovis, fallece; el resto de la familia; su madre, su hermana y él, con poco más de un año de edad, se establecen en Lima, Perú, en casa de un tío; es en esta ciudad donde GAUGUIN, realiza sus primeros estudios reglados, con muy buenas notas.

1855. Regresan a Francia

Con 17 años Gauguin, se separa de su madre, con la que a menudo no está de acuerdo, y decepcionado, y huyendo alocado como una gran bestia herida, se alista primeramente en la marina mercante, para después hacerlo en la armada francesa; al poco tiempo Flora Tristán, su abuela, fallecería.

Despues de 5 años, en los que conoce mundo y participada en una guerra (Guerra franco-prusiana, 1870/1), regresa a París. En 1873 a la edad de 25 años, se casa con la pintora sueca Mette Sophie Gad con la que tuvo 5 hijos. En París lleva la vida del perfecto burgués acomodado; casado y con hijos, es un aplicado agente de cambio y bolsa, al que sus negocios marchan viento en popa…, a velocidad de crucero, pero…

1874 EL SALVAJE ASOMA LAS OREJAS

GAUGUIN, conoce a Camille Pissarro. Le fascina su obra y se interesa apasionadamente por el Impresionismo. Comienza a recibir clases de PINTURA; poco después expondrá sus obras en el círculo de los impresionistas. También es coleccionista, adquiere pinturas de Manet, Cézanne, Monet, Pissarro.

1882. EL SALVAJE SE HACE FORMA

GAUGUIN, abandona su trabajo en la Bolsa (en 1882 la bolsa francesa atravesó una grave crisis, en la que el pintor, perdió una parte importante de su patrimonio), y decide dedicarse por entero al Arte. Para poder subsistir, se dirige con su mujer y sus cinco hijos a Copenhague, Dinamarca, donde viven en casa de su familia política; desgraciadamente los negocios no van bien y la convivencia tampoco; finalmente los abandona, y regresa a París en 1885… Donde ya totalmente entregado a la pintura, visita a Pissarro en Ruan (Normandía), y realiza un viaje a Panamá.

1986. Conoce a Van Gogh y a su hermano Theo, marchante, que a partir de entonces lo apoyará compradole obra, y organizándole exposiciones. Se traslada a Pont-Aven, en Bretaña.

Paul Gauguin conoce a Emile Bernard amigo de Van Gogh y, los tres enseguida se convierten en inseparables.

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Vincent Van Gogh pintado los girasoles. 1888

1888. Sucede el famoso episodio de la «Oreja de Van Gogh». Así ocurrieron los hechos… Cuando Gauguin vivía, y pintaba en el año 1888, con su amigo Van Gogh en los prados amarillos de Arles, después de una pelea que ambos mantuvieron a la puerta de un burdel; según algunas teorías, Gauguin, le habría seccionado a Vincent una de las orejas, según otras, fue el propio Van Gogh, quien se automutiló. Después de estos dramáticos sucesos, ya nunca volverían a ser amigos. Gauguin, pensaba que Vincent estaba loco, y recordad, ¡que sí!,  el miedo es libre.

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Arearea. (1892)

UN SALVAJE REAFIRMADO

«Llegará un día en el que me enterraré en los bosques

de alguna isla de los mares del sur y allí viviré en  éxtasis de paz,

con mi arte, rodeado de mi nueva familia,

lejos de Europa y de la lucha por el dinero»

1891.Gauguin, es ahora, un salvaje que rompe con todo lo establecido. No le Interesa la sociedad que conoce,»la sociedad del mercado». En busca del paraíso perdido comienza el periplo viajero, y el errático cambio, sus próximos destinos van a ser: Isla de Taboga. Itsmo de Panamá. Martinica. Tahití, y Polinesia. Sobrevive gastando poco, con la magra herencia que le dejó su tío Isidore, y la venta de algunos de sus magníficos cuadros.

1897. GAUGUIN, enfermo, cansado, y arruinado, intenta quitarse la vida con Arsénico.

1891. Se establece en las Islas Marquesas.

1903. Enfermo de sifilis y con grandes problemas de alcoholismo fallece en Autona, Islas Marquesas.

LA PARADOJA DE GAUGUIN Y EL DINERO

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¿Cuando te casas? (1892)

MERCADO DEL ARTE

Recordais sus palabras, «Lejos de Europa y de la lucha por el dinero»… En el año 2015, El Emirato de Qatar, adquirió la obra «¿Cuando te casas?», por 300 millones de dólares; la obra de arte más cara de la historia; mandando a la segunda posición, al récord de cotización mundial, que hasta entonces había pertenecido a «Los jugadores de cartas» de Cezzane, vendido en 250 millones y que fué adquirido por los mismos propietarios que en este caso, el Emirato de Qatar, en 2013.

ARTE. PAUL GAUGUIN. «YO SOY UN SALVAJE»

Arte. Pintura. Paul Gauguin. Pintores. Posimpresionismo. Mercado del Arte. Van Gogh

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Arte. Velázquez/Equipo Crónica, García Lorca y los niños

LAS MENINAS. 1970. EQUIPO CRÓNICA

Velazquez transportado en un viaje en el tiempo, se encuentra a sus meninas versionadas, su impresionante pintura convertida por el tiempo, en un icono, en una imagen, que llegó para permanecer eternamente, y que hoy, sigue inspirando a los artistas.

LAS MENINAS. 1656. VELÁZQUEZ

VELAZQUEZ/EQUIPO CRÓNICA VERSUS GARCÍA LORCA Y LOS NIÑOS

Los niños son protagonistas, y el maestro sevillano sitúa a la infanta Margarita de Austria, arropada por sus sirvientas, que también son niñas como ella, en segundo término, sitúa Velázquez, el mundo más serio de los adultos.

BALADA DE LA PLACETA

Cantan los niños
En la noche quieta:
¡Arroyo claro,
Fuente serena!
LOS NIÑOS
¿Qué tiene tu divino
Corazón en fiesta?
YO
Un doblar de campanas,
Perdidas en la niebla.
LOS NIÑOS
Ya nos dejas cantando
En la plazuela.
¡Arroyo claro,
Fuente serena!
¿Qué tienes en tus manos
De primavera?
YO
Una rosa de sangre
Y una azucena.
LOS NIÑOS
Mójalas en el agua
De la canción añeja.
¡Arroyo claro,
Fuente serena!
¿Qué sientes en tu boca
Roja y sedienta?
YO
El sabor de los huesos
De mi gran calavera.
LOS NIÑOS
Bebe el agua tranquila
De la canción añeja.
¡Arroyo claro,
Fuente serena!
¿Por qué te vas tan lejos
De la plazuela?
YO
¡Voy en busca de magos
Y de princesas!
LOS NIÑOS
¿Quién te enseñó el camino
De los poetas?
YO
La fuente y el arroyo
De la canción añeja.
LOS NIÑOS
¿Te vas lejos, muy lejos
Del mar y de la tierra?
YO
Se ha llenado de luces
Mi corazón de seda,
De campanas perdidas,
De lirios y de abejas,
Y yo me iré muy lejos,
Más allá de esas sierras,
Más allá de los mares
Cerca de las estrellas,
Para pedirle a Cristo
Señor que me devuelva
Mi alma antigua de niño,
Madura de leyendas,
Con el gorro de plumas
Y el sable de madera.
LOS NIÑOS
Ya nos dejas cantando
En la plazuela.
¡Arroyo claro,
Fuente serena!
Las pupilas enormes
De las frondas resecas,
Heridas por el viento,
Lloran las hojas muertas.

Federico García Lorca

Arte. Velázquez/Equipo Crónica, García Lorca y los niños

Velázquez. Las meninas. Equipo crónica. García Lorca. Arte. Literatura

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Arte. Francis Bacon. “Tres estudios de Lucien Freud”

Francis Bacon Dublin, Irlanda, 28 de octubre de 1909. Madrid, España, 28 de abril de 1992.

VETERINARIOS. ESTABLOS Y ESTIÉRCOL EN LA VERDE CAMPIÑA DE EYRE

Su padre era un militar inglés dedicado a la cría de «purasangres» que participaban en las carreras de caballos. Veterinarios.

Establos y estiércol en la verde campiña de Eyre

Creció Francis Bacon en un ambiente en el que no se encontraba cómodo, además, estaba lo de su asma, que muchos días no le permitía asistir a la escuela. Fue un niño enfermizo. A los 16 años su padre descubrió las inclinaciones sexuales del artista, disgustado e intentando quitarlo del «ambiente», lo mandó con un familiar a Berlín. Fue peor, en Alemania Francis Bacon encontró más posibilidades. Había en Berlín chicos guapos, muy guapos, y lo más importante de todo, les gustaban las mismas cosas que a él.

Vivió en LondresBerlín y París. En la capital francesa sucedería algo que marcaría a fuego su camino de arte, conoció a Pablo Picasso, y admirando sus pinturas, profundamente impresionado, decidió comenzar su carrera como pintor. El artista regresa a Londres donde empieza estudios de dibujo y pintura, poco después expone sus obras. Estamos en el año 1929, tiene apenas  20 años. Al comienzo su pintura rompedora no es aceptada, por lo que también, se dedica al diseño y la decoración. Ya lo habían predicho Rodin, tiempo antes… «Existe un Arte para comer y un Arte para transgredir».

_»LA CARNE ME PARECE HERMOSA»

Francis Bacon pinta con desesperacion, con rabia, con dolor. ¡Su expresión es un grito. Grito con el nacemos, con el, nos vamos! Sufrimiento, angustia, deformidad… todo esto en un lienzo. La vida misma. La carne, la violencia. ¡Todo es vida! _«No hay diferencia entre nuestra carne y la carne de un buey o elefante». La puesta en escena de sus obras es soberbia, su calidad pictórica también; utiliza el color con una sofisticada precisión. Sus cuadros son presa de una inquietante y bella esquizofrenia.

DOS AMORES, DOS MUERTOS

En su estudio, al norte de Inglaterra donde vive, pinta de manera sistemática; las mañanas acude al estudio, las tardes va al pub, «The Colony Room» a beber y a ligar. Tal vez luego visite a algún «chapero» que le alivie de su constante pasión destructiva, (fuego del deseo que le quema los sesos), y alivie , como un fino y delicado ungüento, su alma dolorida. Las relaciones sentimentales que marcarán al pintor comienzan en 1952 cuando conoce a Peter Llacy;’con él, mezclados, son alto voltaje. Fueron 8 años de idas y venidas, hasta que Llacy pone tierra por medio, y se instala en Tánger, (Marruecos) poco después, Peter moriría víctima de los excesos con el alcohol y las drogas.

En 1963 conoce a George Dyerfue su amante y su modelo, que en 1971, fallecería a causa de una combinación mortal de antidepresivos y alcohol. La tragedia amorosa, va a ser constante en la vida del atormentado artista.

SU PAREJA DEFINITIVA

Por fin en 1975 conoce a John Edwards. Sería su última pareja, y el que heredaría todos sus bienes, unos 2.000 millones de libras. A la muerte de Francis Bacon, John Edward cedió el estudio del pintor en el estado que se encontraba cuando ocurrió el deceso (el estudio era un auténtico caos), a la Galería Municipal de Arte Moderno de Dublín. Fue desmontado y restaurado. Hoy se expone como una obra de arte más… Una obra de arte más, que contiene sus pinturas.

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El pintor posa en su estudio

ESPAÑA Y LOS PINTORES ESPAÑOLES LE INFLUYEN

Los pintores españoles le influyen. Velazquez y Picasso son caudalosas fuentes de inspiración para su obra. Por Pablo Picasso siente admiración, se da cuenta de que entre ellos existe una conexión muy fuerte. Aunque lo considera su padre, también piensa que «pintó mucha basura».

Practicamente toda su obra fue gestionada comercialmente por la «Malborough Fine Art» con esta  galería su cotización desde los años  80, no ha dejado de crecer como la espuma. Hasta los 80 solo algunos afortunados pudieron comprar sus obras; los pocos propietarios que compraron en esta época, vieron como estas rompian todos los records de cotización, en el Mercado Internacional de Arte y su inversión se multiplcaba hasta limites antes nunca soñados. Pocos años después, adquirir alguno de los cuadros de Bacon, es algo  prohibitivo; sólo reservado para grandes magnates. En 2013, un tríptico (el formato preferido del pintor; el más cinematográfico)… Tríptico, «Tres Estudios de Lucien Freud» fue adquirido en subasta en la ciudad de Nueva York  por 142 millones de dólares.

Tríptico Tres Estudios de Lucien Freud. 1969.

FRANCIS BACON, FALLECE EN MADRID, CIUDAD QUE AMA

Francis Bacon, viajaba frecuentemente a Madrid, ciudad en la que le gustaba sobre todo, visitar el Museo del Prado. Un íntimo y, ascético placer, que pudo permitirse el pintor en varias ocasiones, fue el de acudir en soledad al museo, cuando se encuentra cerrado al público… Vacío de visitantes, solitario y silencioso. En sus salas, admira Bacon, la belleza que encierran las magníficas obras de Arte que contempla absorto, y un grito sobrecogido, apenas audible, se escapa de su garganta. ¡Su grito, es el grito… de Picasso, Caravaggio. Nuestro mismo grito!

Finalmente Francis Bacon fallece de un ataque al corazón, muere en la Clinica Ruber de Madrid en 1992 (82 años). Había sido ingresado unos días antes por problemas respiratorios.

Francis Bacon. 2013. «Tres estudios de Lucien Freud, 142 millones de dólares»

Arte. Francis Bacon. Pintores.Tres Estudios de Lucien Freud. Mercado del Arte. Bacon.

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Cine. “Sombra”. Zhang Yimou. Aguada, blanca, gris, negra, y sangre roja

SOMBRA. PELÍCULAS. CINE

SHADOW. SOMBRA

Año 2019. Duración 116 min

Guion, Zhang Yimou, Wei Li

Fotografia, Xiaoding Zhao

Musica, Lao Zao

Reparto, Deng Chao, Sun Li, Ryan Zheng Kai, Guan Xiao Tang

Genero. Acción, Artes Marciales, Drama

ZHANG YIMOU. Nacido, el 14 de noviembre de 1959, en X’ian. China. Realiza estudios en la Academia de cine de Pekín, es, director, productor, actor, director de fotografía, fotógrafo, operador de cámara, dibujante. En definitiva, un artista del Renacimiento, al que le interesan todas las artes, y en las que, en todas adquiere conocimientos, que unidos a su gran talento, dan como resultado maravillosas obras de arte, con fondo, y bañadas de color.

Películas, «La linterna roja», (1991), aquí traducida, como Esposas y concubinas, «¡Vivir!» (1994), «Sorgo rojo» (Su ópera prima como director en 1987, Oso de Oro en Berlín, y un gran éxito comercial, y de critica), «Ni uno menos» (1999), «La casa de las dagas voladoras» (2004), «La gran muralla» (2016), entre otras. Ha sido premiado en festivales de cine tan importantes, como los de, Cannes, Venecia, o Berlín, y es reconocido y valorado, en todo el mundo.

Zhang Yimou en esta ocasión, reinterpreta el clásico, «El Romance de los Tres Reinos» (siglo XIV).

SHADOW/YING/SOMBRA

Un noble y aguerrido comandante militar, se ve forzado a crearse un doble, (sombra), para proteger su amenazada vida, de las intrigas palaciegas, de un peligroso rey, pero en la película, ¿Donde está el color? Bueno, es como aquellos pintores, que a lo largo de su carrera usan cromatismos  diferentes; artistas, en diferentes épocas y estados, a lo largo del camino, en el tiempo. Zhang Yimou, pasa así, de una intensa paleta de colores, y de sugerentes baños de color, definidos, brillantes, vaporosamente fundentes, a la difícil aguada, blanca, gris, y negra, con algunas gotas de rebajada roja, sangre mojada; y todo esto, en diferentes, vaporosas, y soñadoras, gradaciones tonales. Es un valiente riesgo que Zhang Yimou, asume, y resuelve felizmente. Si algo hay que me eche para atrás, es el artista funcionario, aquel que encuentra un modelo, y seguidamente, lo repite sistemáticamente, igualándolo hasta la saciedad.

Reivindicativo. La mujer, no ha sido olvidada en sus películas nunca, es un tema recurrente, una reivindicativa lucha, adoptada por el polifacético director chino, censurado a menudo en su país, y con películas prohibidas, como «Semilla de crisantemo» (1990), o «La linterna roja» (1991).  En esta ocasión en Shadow, Sombra, nos la muestra, inteligente, fuerte, valiente, y decidida, mas también imprescindible para lograr objetivos que son decisivos, para un reino, en esta historia de Juego de Tronos, que nos narra, la historia de un rey traicionado, y desterrado.

La música, es también una baza importante, como en todas sus películas. Me gustó mucho la escena en la que se interpreta, un dueto, en el que los instrumentos de cuerda, percutiendo la atmósfera, dialogan entre si con fuertes disonancias, reflejando, las tensiones (pulsiones) expresadas (expulsadas de este modo), por sus ejecutantes, mujer y hombre. El YIN y el YANG son siempre una constante en la película. También, el verde bambú se expresa, con todo su símbolismo, (se mece con la lluvia pero no se rompe), fibroso, cortante y flexible, humilde y sobrio, a la vez, que poderoso, y fuerte.

Como imagen destacada, en una película tan visual, hay muchas, pero, me quedaría entre otras para el recuerdo, con la coreografía de ballet, en una lucha de formación y aprendizaje, sobre el símbolo del Ying, Yang, impreso, en un bello mosaico de piedra, donde, los protagonistas son, la sombra, y la mujer del sombrado, y que está acompañada, de increíbles y admirables alardes técnicos, en cámara lenta, con una fértil imaginación, y un sentido del ritmo, fabulosos.

Una película muy recomendable, valiente, y bella, que merece la pena ver en cine, en pantalla grande, y sin interrupciones, algo que en este caso es totalmente imprescindible. Vayan a verla, merece la pena.

Aguada, blanca, gris, y negra, salpicada, de mojada sangre roja

Sombra. Película. Películas. Cine. Zhang Yimou. Shadow.  Arte

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Arte. Georges Braque. “Cubismo”, junto a Gris y Picasso

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Georges Braque. 13 de mayo, Argentuil-sur-Seine.1882. 31 de agosto, París.1963.

Viene al mundo en el seno de una familia de artesanos, y auque nace en Argentuil, se cría y realiza estudios en El Havre, a las orillas del estuario del Río Sena, mientras estudia en la Academia de Bellas Artes, (1897/99).

Georges Braque se traslada a París en 1900; los primeros años se interesa por el Fauvismo (1905), y sus extravagantes colores, con su correspondiente estudio, pero pronto ocurrirá un suceso que cambiaría radicalmente su vision del mundo del arte.

GRIS, PICASSO, BRAQUE, FUNDADORES BÁSICOS DEL CUBISMO

Pablo Picasso. Málaga 1881. Mougins. 1973

Georges Braque. Argentuil-sur-Seine. 1882. París. 1963

Juan Gris. Madrid 1887. Boulogne-sur-Seine. 1927

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El Músico de la tabla, 1926. Juan Gris

Juan Gris. Corría el año 1906 cuando abandona Madrid y se dirige a París, no quiere realizar el servicio militar obligatorio y, además su sueño es la pintura, y así, reside en Montmartre más de una década, Picasso se había instalado también en el bohemio barrio capitalino, dos años antes, de esta manera se relaciona con Braque y Picasso, y juntos, alumbran un nuevo camino, en el mundo del Arte.

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En 1907 Braque visita en París el taller del pintor malagueño Pablo Picasso y se queda fuertemente impresionado, por la monumental pintura que en ese momento Picasso está realizando. Enseguida surge una fuerte afinidad entre ellos, la pintura  que contempla absorto, por primera vez en el estudio del maestro malagueño, y que le dejada perplejo, es nada más, ni nada menos, que «Las Señoritas de Avignon», un cuadro seminal que posteriormente, se revelaría emblemático, en la historia de la pintura universal y el Cubismo.

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Las Señoritas de Avignon, 1907. Pablo Picasso

A lo largo del tiempo los dos pintores, Braque y Picasso, seguirían conservando su amistad. Sin embargo, Braque, al contrario que Picasso, es movilizado y participa en la Primera Guerra Mundial; en aquella verdadera picadora de carne humana (y animal), donde el pintor tristemente, cae herido de gravedad, en 1915.

Para Georges Braque los «pescados negros» de la pintura que vemos seguidamente, son tragicos símbolos de la guerra y el hambre, que siempre lleva aparejada.

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Still Life With Blak Fish, 1942. Georges Braque.

En cuanto al Cubismo, Braque afirma que ve nuevos colores y formas nuevas, pudiendo ofrecer así en sus pinturas, simultáneamente, las diversas caras de las cosas que representa. Al igual que sucede con el Cubismo, Georges Braque, también fue pionero en la técnica del Collage.

Arte. Georges Braque. Fundador del Cubismo, junto con Juan Gris y Pablo Picasso

Georges Braque. Cubismo. Juan Gris. Pablo Picasso. Arte. Pintura. Pintores. París

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Arte. Sorolla. El pintor de la Luz.

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Autorretrato

JOAQUIN SOROLLA

SOROLLA, nació en la Calle Nueva (en la actualidad Calle Mantas numero 4), Valencia, el 27 de febrero de 1863. Falleció en su casa veraniega de Cercedilla, muy cerca de Madrid, en 1923.

Sus padres eran comerciantes, poseían una tienda de tejidos. Tenía apenas 2 años cuando Eugenia, su hermana, y él mismo se quedan huérfanos al morír sus padres de cólera. Los tristes hermanos son acogidos por Isabel su tía materna; su tío José que es cerrajero le enseña el oficio, pero Joaquín es un caso perdido que solo piensa en la pintura.

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Paseo por la playa. 1909.

Paseo por la playa, es una pintura de Sorolla, cuando, este es ya, un artista de éxito, el mismo año 1909, con 46 otoños, expondría en diferentes ciudades de Estados Unidos. “El pintor de la La Luz”,  se gana su apelativo, con pinturas playeras como esta, en la que la luz cobra un factor extremo, y determinante, que a veces hiere, pero que también tamiza, sombras y proyecciones.

JOAQUIN SOROLLA, estudia dibujo y pintura en Valencia. Pronto montará su estudio en la bella capital del Turia.

1882. Viaja a Madrid donde visita el Museo del Prado, y estudia la pintura de los clásicos; sobre todo le interesa Velázquez. Seguidamente viajará a Roma y París (1885).

1888. En la Iglesia de San Martin de la capital valenciana, con 25 años de edad, se casa con Clotilde García, el feliz matrimonio se instalará finalmente, en la romántica y piadosa localidad italiana de Asís, en los predios del otrora santo umbreño.

RETRATA Y DENUNCIA

1889. Clotilde y Joaquín se transladan a Madrid, donde SOROLLA empieza a ser un pintor afamado. Sus retratos tienen éxito y son muy cotizados, le llueven los encargos. Retrata entre otras personalidades a Cajal, Galdos, Machado, Castelar, Blasco Ibáñez y a el Rey Alfonso XIII. También obtienen un gran éxito, además de sus pinturas, de playa y sol, sus pinturas, de crítica y denuncia; sirvan como ejemplo, algunos de sus títulos:

«Y aún dicen que el pescado es caro» – «Trata de blancas» – «Triste herencia»- «Otra margarita»- etc.

Seguidamente, algunos ejemplos:

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Y aún dicen que el pescado es caro. 1895.

En 1900, obtiene el Gran Premio en el prestigioso Certamen Internacional de Pintura de Paris, con la obra Triste Herencia.

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Triste herencia. 1899.

EXPOSICIONES

1906. SOROLLA, expone sus pintura en la Galería George Petit de PARÍS, donde consigue muy buenas ventas y obtiene magníficas críticas. ¡Un gran éxito!

1908. Exposición en LONDRES.

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El baño del caballo. 1909.

1909, expone en NUEVA YORK, BÚFALO, Y BOSTON. 1911, exposiciones en el Museo de Artes de SAN LUIS y en el ART INSTITUTE DE CHICAGO.

1913/19. La Hispanic Society of America de NUEVA YORK, le encarga 14 murales en los que SOROLLA, retrata una VISIÓN DE ESPAÑA.

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Castilla. La fiesta de pan. 1913. Mural Hispanic Society.

1914. JOAQUIN SOROLLA, imparte clases de Composición y Color en la Escuela de Bellas Artes de MADRID.

1920. Sufre un ataque de hemipléjia que le deja graves secuelas, la parte derecha de su cuerpo queda paralizada.

1923. Fallece en su casa de Cercedilla, Madrid, a los 60 años de edad.

1925. Su viuda Clotilde García, dona la obra de SOROLLA al Ayuntamiento de Madrid, para la creación de un museo, en la que en vida, fuera, su vivienda. EL MUSEO SOROLLA. Se encuentra situado, en la calle Martínez Campos, 37 de MADRID.

MERCADO DEL ARTE

El martes día 28 de abril de 2015, La sala de subastas CHRISTIE’S en la ciudad de NUEVA YORK, sacó a subasta la marina, Velas en el Mar, la obra alcanzó el valor de 521.000 dólares; cifra baja para lo esperado que eran unos 800.000.

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Velas en el mar. 1908.

ARTE. JOAQUÍN SOROLLA. EL PINTOR DE LA LUZ

Joaquin Sorolla. Sorolla. Pintura. Arte. Mercado del Arte