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Exposiciones. Warhol. El Arte Mecánico. Un emocionante y notable recorrido artístico que transita desde los primeros momentos de Warhol, como diseñador a su postrera y rica (variada), y poliedrica trayectoria creativa

Exposiciones. Warhol. El Arte Mecánico. Del uno de febrero al 6 de mayo de 2018; CaíxaForum, Paseo del Prado, Madrid. Foto by TbArt archivos fondos propios

Un emocionante y notable recorrido artístico que transita desde los primeros momentos de Warhol, como diseñador a su postrera y rica (variada), y poliedrica trayectoria creativa. Warhol, solo expuso, una primera y única ocasión en la capital madrileña que ahora acoge sus obras, corría el año 1983 (con la movida en curso).

En la exposición que nos ocupa en 2018, podremos ver unas 350 obras, pinturas, serigrafías, esculturas, películas, dibujos, fotografías, folletos, revistas, portadas de discos. Se trata de la retrospectiva más importante celebrada hasta el momento realizada en España, sobre el níveo y enjuto artista de Pittsburgh.
Método mecánico de serigrafía, series, repeticiones; la violencia, la muerte, los objetos de consumo masivo, la metaventa…. Al final, el signo del dólar, el arte de hacer dinero, o según declararía el propio Warhol, “El arte que me interesa”. Atrás habían quedado sus quijotescas películas, (tan necesarias), pero también tan… anticomerciales.
“Si queréis saber todo de  Andy Warhol, solo tenéis que mirar la superficie de mis pinturas, de mis películas y de mi mismo; y ahí estoy. Detrás, no hay nada”, declaró en una ocasión este verdadero y pajizo cazatalentos de la modernidad.

Before and After. (1961). Una de las obras de la exposición. Foto by TbArt archivos fondos propios.

Pittsburgh, Pensilvania, ciudad donde nació y donde vivía con su familia en el barrio más pobre de la urbe. Una ciudad acerera, moderna, inundada de cadenas de montaje. (Serie, repetición, mecanización). Monetización.

Él, era Andrew Warhola hijo de Andrej y Julia Warhola, de Miková localidad perteneciente a lo que hoy situamos en la República Eslovaca. Su padre había emigrado a Estados Unidos (a trabajar en las minas de carbón en 1914), el resto de su familia (mujer e hijos) lo harían 7 años después. Retraído, reservado, y aislado, en parte por su temprana enfermedad (el baile de San Vito), fue su abuela quien lo enseñó a dibujar; ella poseía, sentido artístico y talento y así contagió a su nieto Andy.

Cuando Andy Warhol, sólo tenía 14 años, (1942), falleció su padre (envenenado accidentalmente, al consumir agua contaminada). Siempre fue un gran apoyo, consiguió matricularle en dibujo, y además, había vaticinado, “algún día os sentiréis orgullosos de Andy”.

Simbolo del dólar. (1967). Una de las obras de la exposición. Foto by TbArt archivos fondos propios.

A los 17 años Andy Warhol fue admitido Universidad Tecnológica, de Carnegie donde realizó estudios en Artes aplicadas, Diseño y Artes Gráficas . En 1949 obtiene finalmente su licenciatura. Entonces con 21 años se dirige a Nueva York donde vive su bohemia de artista en un entonces sucio barrio de Manhattan. Busca empleo. Haarper Bazar y Vogue son algunas de las revistas que enseguida, le emplean, poco después, las tiendas de moda de la metrópoli neoyorquina, lo solicitan ávidamente para que intervenga sus escaparates, ahora Warhol es un joven y exitoso diseñador gráfico, que empieza a firmar como Warhol, (suprime la ultima vocal de su apellido, Warhola, americanizando su firma).

En 1952, su madre Julia se reúne con Andy para así cuidar de él, cosa que hizo durante casi 20 años. En 1960  Warhol compra un edificio de 4 plantas en el barrio más elegante de la ciudad, el (Upper West Side), allí pinta en la planta baja. muy cerca de Central Park. En 1962 Warhol descubre una técnica… el estampado serigrafico, que le permitíra reproducir sus trabajos infinitamente sobre lienzo.

Tres botellas de Coca-Cola. (1962). Una de las obras de la exposición. Foto by TbArt archivos fondos propios.

A finales de 1962 expone por primera vez en la ciudad de Nueva York, Galería Stable (ihabía nacido el Pop Art americano!); entre otra obras presentó Diptico de Marilyn y Latas de Sopa Campbell, 100 botellas de Coca Cola y 100 billetes de dólar. La creatividad y la producción, el consumismo de ida y vuelta. Se vendió prácticamente todo lo expuesto.

1964 con Malanga (poeta), invirtieron ( alquilaron), en una fábrica de sombreros en desuso, desde ese momento, es una especie de taller, (The Factory), trabajo y fiestas, hibridación y diversidad. En1964 rueda Empire, (8 horas de película sin cambios de plano, que muestra el Empire State). 1965 anunció que dejaría la pintura, por el cine, realizó unas 60 películas en 5 años.

Farah Diba Palhlavi, Empress of Irán. (1977). Una de las obras de la exposición.  Foto by TbArt archivos fondos propios.

1968. Valerie Solanas (escritora) dispara a Warhol y al crítico de arte Mario Maya. Andy resulta gravemente herido. A partir de este momento, se transforma, ahora es más prudente e introspectivo. En 1970 su madre que siempre fue un gran apoyo para él, decide volverse a Pittsburgh, fallecería solo dos años después. Warhol participa en numerosos programas de TV y recibe encargos de retratos para personalidades de profesiones diversas. Rinde culto al dinero (lo postuló y lo cumplió). Ya es una persona muy rica.

1978,  (en esta época, esperimentales y etéreas, su creaciones giran hacia la abstracción, el color, la espiritualidad, adquieren un notable y bello sentido místico de recogimiento, el titula su trabajo como “Sombras”. Finalmente en 1986, (a escasos meses de su muerte) pinta, La Ultima Cena. (Vendido en Suecia), a un comprador anónimo, (2015),  por casi 7 millones de euros.

El 22 de febrero de 1987 fallece de un ataque al corazón en el New York Hospital, cuando se estaba recuperando de una operación de vesícula.

Exposiciones. Warhol. El Arte Mecánico. Un emocionante y notable recorrido artístico que transita desde los primeros momentos de Warhol, como diseñador a su postrera y rica (variada), y poliedrica trayectoria creativa.

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Pintura. Mercado del Arte. Los jugadores de cartas. Cézanne. Récord 2011. 250 Millones de dólares. Los jugadores de cartas, adquirido por la familia Real de Catar.

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LOS JUGADORES DE CARTAS. Cézanne. 1890/95. Existen 5 versiones.

PAUL CÉZANNE. Aix En Provence.1839/1906 (de pulmonía).

Su padre poseia un banco , así pues el gran Cézanne pertenecía a una familia acomodada.

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Retrato de Cézanne. 1880. Pastel/Papel. Renoir.

El artista se trasladó a París a pintar pero no tuvo éxito. Las críticas de sus pinturas fueron muy duras, sufre entonces una grave depresión y se cuestiona su carrera, así pues, inseguro y hundido, decide volver al banco familiar a trabajar como contable… No pudo aguantar mucho.

Regreso a la Pintura

En sus comienzos, Cézanne utiliza sobre todo el negro y los colores oscuros y con mucho empaste.

Periodo impresionista

Alternando Provenza y París, pinta sobre todo paisajes. Los colores entonces pasan a ser más brillantes y los empastes más suaves, utilizando a menudo pequeños toques de colores puros.

Periodo de madurez

Cézanne, regresa a Provenza. Introspección.  Es para el artista en ese momento, un periodo de aislamiento, concentración, búsqueda, y experimentación.

Peiodo final

“Los jugadores de naipes”. En este periodo Cézanne pinta Bodegones, Retratos, Paisajes, Bañistas…, empieza a vislumbrarse el camino del CubismoPicasso, declaró refiriéndose a los Cubistas… Cézanne es el padre de todos ellos”.

Cézanne. Postimpresionista.

Cézanne está considerado como el padre de la pintura moderna. La mayor parte de su vida la pasó ignorado, aislado, y solitario, pero al final le llegó el éxito y se convirtió en un “Artista de Culto“. A su casa de AIX acudían en peregrinación gentes de todos los lugares del mundo para verle pintar, conocerlo, charlar con él…, preguntarle… Entonces sus obras subieron de precio, como también sube la cometa avivada y rebelde en los días de viento. Su valor, subió, subió, y sigue subiendo, como sube  la espuma del agua brava de mar, atropellada, empujada violentamente contra la dura roca de granito,  una mañana de fuerte viento y oleaje… ¡El temporal aún no amainará! Hoy día este es el resultado, en el apasionante mercado internacional de arte. Los jugadores de cartas, Cézanne. 250 Millones de dólares. 2011.

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Una de las 5 versiones que existe del cuadro.

MERCADO DEL ARTE

Sus obras arrasan todos los récords. Los jugadores de cartas, fue adquirida por la Familia Real de Catar por  250 millones de dólares, el mayor precio de la historia, en ese momento, pagado por una obra de arte. La venta se llevó a cabo en el año 2011. Hasta entonces, la pintura había sido propiedad de un millonario griego que acuciado por la crisis, por fin, decidió vender. El acaudalado heleno murió antes de cerrar tan complejas negociaciones. Su familiares entonces se encargaron de concluirlas con éxito.

La administración catarí. sigue así en su imparable lucha por conseguir hacerse con una buena imagen museistica mundial, y convertirse por fin y por derecho propio, en una referencia internacional en el Mundo del Arte, junto con las ciudades de Paris y Nueva York.

Pintura. Mercado del Arte. Los jugadores de cartas. Cézanne. Récord 2011. 250 Millones de dólares. Los jugadores de cartas, adquirido por la familia Real de Catar.

Pintura, Paul Cézanne. Mercado del Arte. Los jugadores de cartas. Cézanne. Tomás Bartolomé.

 

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Francisco de Zurbarán. “Yo no soy Caravaggio”. Tomás Bartolomé.

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SAN FRANCISCO. (1635). MUSEO DE ARTE DE MILWAUKEE.

FRANCISCO DE ZURBARÁN. Fuente de cantos, Badajoz, 7 de noviembre de1598. Madrid 27 de agosto de 1664.

¿Saben esos artistas de TV que después de participar en una serie de éxito, corren el riesgo de ser encasillados como el personaje al que interpretaron en la ficción?, algo así, le paso a nuestro protagonista… En sus comienzos, sus pinturas, estaban influenciadas por CARAVAGGIO y, no pudo nunca quitarse la etiqueta de ser, “El Caravaggio Español”. ZURBARÁN, pertenecía a una familia adinerada, no en vano su padre era un comerciante muy bien situado.

Francisco de Zurbarán se casa muy pronto, lo hace con una mujer mayor que él; 19 años tenía el pintor y 29 años su novia María Pérez. Se establecen entonces en una importante localidad, Llerena, en la provincia de Badajoz, tienen 3 hijos. Pocos años después fallece su mujer. En este momento, el pintor, ya es reconocido y recibe muchos encargos. Eran unos años  de expansión económica y él, estaba en el sitio adecuado, en el momento oportuno y, con la formación requerida.

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San Serapio. 1628. Fraile Mercedario.

Los encargos los recibe Zurbarån, sobre todo de conventos. ¿Cuántos frailes Mercedarios (como el de San Serapio), que os muestro?, ¿cuántos hábitos blancos de estos frailes que tenían a bien dar su vida por la de los prisioneros cautivos, y que tuvieron mucho que ver con la liberación de Cervantes, habrá pintado el artista pacense? ¡Cuántos ratos  habrá pasado Francisco de ZURBARÁN entre claustros y sacristías! Es tan grande su éxito, que  cuando pintó en 1627 “El Cristo en la cruz” fue invitado por el consistorio sevillano, a residir en la ciudad andaluza a orillas del Guadalquivir, cuya importante via fluvial conectaba comercialmente SEVILLA con el nuevo mundo.

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Cristo en la cruz. 1627.

En 1625 Francisco de Zurbarán se vuelve a casar, en esta ocasión con Beatriz de  Morales, viuda y con una buena posición económica, nuevamente, ella es diez años mayor que él.

1629. Francisco de ZURBARÁN vive en SEVILLA donde atiende múltiples encargos. Tiene el pintor allí un importante taller de de donde salen infinidad de Obras de Arte, muchas de ellas para ser exportadas desde la ciudad hispalense (siendo embarcadas) a América del Sur , donde irán a decorar sus incipientes monasterios y sus bisoñas blancas iglesias encaladas.

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San Hugo en el refectorio de los Cartujos. 1630/35.

IMAGINERÍA Y MARKETING EN EL SIGLO XVI

Imaginería y Marketing, ideas muy modernas para el siglo XVI pero que como vemos la Iglesia ya las aplicaba para su causa. Sabía la Iglesia que la belleza de las obras de arte ayudarían a convencer a aquellos pobres pecadores que necesitaban tanto al Señor. La iglesia en estos años ostenta un gran poder, y el arte sacro le interesa,  piensa ganar fieles con las imágenes de los santos mártires; la trinidad, la virgen, o acaso algún milagro o pasaje bíblico que cale hondo en los corazones de aquellas almas tan cándidas. Hay que llenar de contenido infinidad de templos nuevos. Iglesias, sacristías, conventos. 12 cuadros de Zurbarán, titulados “Las tribus de Israel”, destinados a la exportación, nunca llegaron a su destino, pues desgraciadamente el barco en que viajaban fue abordado por piratas ingleses y los cuadros vendidos al mejor postor. Esos cuadros actualmente se encuentran en la ciudad de Auckland, Durham, Ingaterra.  Ahora el municipio se plantea vender las pinturas tal vez, al observar atónitos que uno de los últimos cuadros de ZURBARÁN sacados a subasta finalmente alcanzó un valor aproximado de 4 millones de euros.

En 1639 muere Beatriz de Morales, su segunda esposa. El pintor en esta época vive en MADRID, donde frecuenta la amistad de  Diego Velázquez,  con el que mantiene una buena relación. En ese momento se encuentran también en la capital de España, Bartolomé Murillo y Alonso Cano; los tres en aquel momento son de una edad parecida.

Recibe ZURBARÁN algunos encargos de la realeza. Regresa a Llerena.

1644, se casa por tercera vez, esta vez su mujer, Leonor de Tordera, es mucho más joven que él (18 años) Tienen 6 hijos.

1650 se establece en MADRID.

ZURBARÁN, además de pintura religiosa, pinta bodegones, naturalezas, cuadros de batallas, escenas mitologicas, y en todos estos estilos sobresale su genio; su maestría.

Francisco de ZURBARÁN es uno de los más grandes pintores, del Siglo de Oro Español.

Francisco de Zurbarán. “Yo no soy Caravaggio”.

FRANCISCO DE ZURBARÁN. ZURBARÁN. PINTURA. PINTORES., CARAVAGGIO. MERCADO DEL ARTE. TOMÁS BARTOLOMÉ.

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El Greco. Al párroco de Santo Tomé, (Toledo), le pareció que el cuadro era muy caro.

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Toledo entonces era una de las capitales más grandes de Europa (62000 habitantes).

El Greco llegó a la ciudad en 1577 con 36  años, su idea era acercarse a la corte con la pretensión de lograr algún encargo, pues en ese momento se estaba construyendo el Monasterio de el Escorial, 1563-1584.

Domenikos Theotokópoulos, El Greco, Candia, 1541. Toledo 1614, (73 años).

EL GRECO vivió en Creta hasta los 26 años, después se fue a Italia donde permaneció una década. Cuando el griego aparece en  Toledo es recibido como un gran pintor y enseguida obtiene muchos pedidos, hasta el mismo Rey Felipe II le encarga dos obras, que tal vez no agradaron mucho al monarca de un gran imperio pues no le solicitaría más.

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San Francisco en éstaxis. 1577/80. El Greco.

No importa, a El Greco no le faltan pedidos, decide trabajar en Toledo monta su taller de pintura  y se convierte en un vecino más.

EL GRECO EMPRESARIO

“La Gran Fábrica”. El pintor instala un gran taller de pintura en Toledo; emplea a oficiales y ayudantes que trabajan con él -para él- y copian sus obras más solicitadas. 

OS CONTARE UNA ANÉCDOTA…

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El entierro del Conde Orgaz. 1587. El Greco.

Al pintor le habían encargado El entierro del Conde Orgaz” para decorar la iglesia de Santo Tomé, Toledo. Con cien ducados a cuenta, El Greco se pone a la tarea, (1586/88). Ya terminada la obra al párroco de Santo Tomé le pareció que el cuadro era muy caro; el artista pedía por la obra 1200 Ducados, el párroco argumentaba que “El Expolio” pintado para la sacristía de la Catedral de Toledo, 1577 /79, había costado 318 Ducados “El Martirio de  San Mauricio” 1580/82, para el Monasterio de El Escorial, 800 Ducados.

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El Expolio 1577/79, y El Martirio de San Mauricio, 1580/82. El Greco.

Se inició un pleito en el que intervino el obispado. Se encargó una segunda tasación. La pintura fue valorada en 1700 Ducados, al conocer el resultado el párroco de Santo Tome asustado, aceptó pagar a regañadientes los 1200 Ducados iniciales. Mercado del Arte. Hoy la cotización de El Greco se ha disparado, hace algo más de un año Sotheby’s, subastó la pintura “Santo Domingo rezando” por 10.667.500 €.

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Santo Domingo rezando. 1600?. El Greco.

Sobre todo desde finales del síglo XIX su pintura se revalorizó muchísimo, siendo considerado en estos momentos como un autor de culto por la modernidad de sus obras. Sus pinturas se encuentran repartidas por medio mundo en museos y colecciones particulares, también por muchas ciudades españolas: El Museo del Prado, tiene 34 pinturas de El Greco.

El Greco. Al párroco de Santo Tomé, (Toledo), le pareció que el cuadro era muy caro

El Greco. Pintura. Pintores. Toledo. Mercado del Arte. Tasación. Modernidad.

 

 

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Goya. Enamorado, Acusado y Rico. “Él estuvo enamorado”. Para ella tal vez solo fuera una provocadora y morbosa coquetería”.

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Duquesa se Alba vestida de negro. 1797.

GOYA ENAMORADO

María Pilar Teresa Cayetana  de Silva Álvarez de Toledo y Silva Bazán. La Duquesa de Alba, es la mujer más retratada por el pintor, “él estuvo enamorado”, para ella tal vez solo fuera una provocadora y morbosa coquetería.

MARÍA TERESA murió, tenía solo 4o años. En julio de 1802 cuando se encontraba residiendo en su magnífico Palacio de Buenavista sito en la céntrica Calle del Barquillo de la capital de España fue tristemente visitada de urgencia, por la que nunca descansa. La Duquesa que era viuda falleció sin descendencia aunque antes adoptó a una niña negra llamada María de la Luz, de la que hasta el momento, misteriosamente, se ha perdido el rastro.

¿DE QUE MURIÓ LA DUQUESA?

La causa de su muerte parece ser que fue un sincope, aunque claro; en la villa y corte corrieron muchos rumores y las lenguas de vencíndona, divagaron ampliamente sobre el suceso; se chismorreó que podría haber sido envenenada y también, que la causa más probable habría sido una enfermedad de transmisión sexual. Nada de esto ha sido probado nunca. Un sincope del que  nunca se recuperó acabó con ella en poco más de un mes y sin haber recuperado la consciencia. María Tresa, murió en una situacion económica muy difícil pues tenía grandes deudas.

Nunca se ha podido demostrar que  Goya tuviera una relación amorosa con María Teresa, pero parece asegurado que el pintor  la amaba. Esto parece confirmarlo el retrato  “Duquesa de Alba vestida de negro” en la que la aristócrata, señala con el dedo el texto que tiene a sus pies y que reza… Solo Goya 1797

GOYA ACUSADO

En 1803 el pintor es investigado por la Santa Inquisición a la que le interesa, su serie de grabados “Los Caprichos”. Así pues, la Compañía de la Cruz Verde los consideraba anticlericales y por supuesto inmorales, también miran con lupa “La Maja Desnuda”, según decían era una impudicia que nadie debería contemplar. ¡Pasó miedo!…, ¡le avisaron de que andaban tras él!

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ENSAYOS. Estampa. Numero 60. De la serie “Los Caprichos”. 1799.

Nuestro genio se siente acosado por el santo tribunal, pero se le ocurre una solución ingeniosa, el astuto aragonés, se los quitará de encima cediéndo “Los Caprichos”, al Rey Carlos IV, Rey del que GOYA era Pintor de Cámara por lo que además  de la gratitud Real por el regalo, el pintor recibe  una renta de 1200 reales al año y además, y lo más importante, deja fuera de juego a los censores de la Santa Inquisición que como sabuesos sedientos de sangre y protagonismo andaban tras sus sordos pasos. ¡Una jugada maestra del genial pintor!

GOYA RICO

En la época en que vivió Francisco de Goya los pintores sobre todo realizaban retratos

El retrato estaba de moda y GOYA pintó muchos y ganó mucho dinero. ¡GOYA se hizo rico! Aparte de su sueldo de funcionario, el genial aragonés, tenía clientes muy poderosos y acaudalados que le pagaban muy bien por su trabajo, así pues, el artista se hizo con una buena fortuna que supo invertir convenientemente. Fue uno de los principales accionistas del Banco Nacional de San Carlos, precedente de lo que hoy conocemos como Banco de España.

Mercado del Arte. Actualmente una serie completa de 80 grabados de “Los Caprichos” fue subastada en Nueva York por un millón de euros.

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“La Duquesa de Alba vestida de negro”, detalle. Esta pintura fue realizada por Francisco de Goya, en 1797 en el Palacio del Coto de Doñana, propiedad de la DUQUESA DE ALBA, a la que siguió el pintor cuando esta enviudó. En la pintura, sobre la arena de la playa puede leerse… “Solo Goya 1797”. La Duquesa, lleva puesto en un dedo de la mano que señala esta leyenda, dos anillos yuxtapuestos con las palabras, “Alba”, en uno, y en el otro, “Goya”. Actualmente el cuadro se encuentra expuesto en La Hispanic Society de Nueva York.

Goya Enamorado, Acusado, y Rico. Tomás Bartolomé

Francisco de Goya. Goya. Pintura. Pintores.  Goya y la Duquesa de Alba. Goya Enamorado. Goya Rico. Mercado del Arte.

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Paul Gauguin. “Yo soy un salvaje”. Tomás Bartolomé.

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Autorretrato.

PAUL GAUGUIN. París 7 de junio de 1848. Autona, Islas Marquesas 9 de mayo de 1903.

POSIMPRESIONISMO

Fue el menor de los dos hijos del periodista Clovis Gauguin, y Aline Chazal a la sazón, hija de la activista peruana Flora Tristán. Tenía GAUGUIN un año cuando se ven obligados al exilio (la causa fue el golpe de estado de Napoleón III, Clovis, el padre de GAUGUIN era antimonarquico). Durante el duro trayectos del exilio Clovis, su padre fallece; el resto de la familia; su madre, su hermana y él con poco más de un año de edad, se establecen en Lima, Perú, en casa de un tío; es en esta ciudad donde GAUGUIN, realiza sus primeros estudios con muy buenas notas.

1855. Regresan a Francia.

Con 17 años se separa de su madre, a menudo no están de acuerdo, y decepcionado, huyendo como una gran bestia herida, se alista primeramente en la marina mercante, para después hacerlo en la armada francesa; al poco tiempo Flora Tristán, su abuela, fallecería.

Despues de 5 años en los que conoce mundo y participada en una guerra ( Guerra franco-prusiana, 1870/1), regresa a París. En 1873 a la edad de 25 años, se casa con la pintora sueca Mette Sophie Gad con la que tuvo 5 hijos. En París lleva la vida del perfecto burgués acomodado; casado y con hijos, es un agente de cambio y bolsa, al que sus negocios marchan viento en popa…, a velocidad de crucero, pero…

1874 EL SALVAJE ASOMA LAS OREJAS

GAUGUIN, conoce a Camille Pissarro. Le fascina su obra y se interesa apasionadamente por el Impresionismo. Comienza a recibir clases de PINTURA; poco después expondrá sus obras en el círculo de los impresionistas. También es coleccionista, adquiere pinturas de Manet, Cézanne, Monet, Pissarro.

1882. EL SALVAJE SE HACE FORMA

GAUGUIN, abandona su trabajo en la Bolsa (en 1882 la bolsa francesa atravesó una grave crisis, el pintor, perdió una parte importante de su patrimonio), y decide dedicarse por entero al Arte. Para poder subsistir, se dirige con su mujer y sus cinco hijos a Copenhague, Dinamarca, donde viven en casa de su familia política; desgraciadamente los negocios no van bien y la convivencia tampoco; finalmente los deja, y regresa a París en 1885…

Ya totalmente entregado a la pintura visita a Pissarro en Ruan, Normandía, y realiza un viaje a Panamá.

1986. Conoce a Van Gogh y a su hermano Theo que es marchante y que a partir de entonces lo apoyará compradole obra y organizándole  exposiciones. Se traslada a Pont-Aven, Bretaña. Paul Gauguin conoce a Emile Bernard ya amigo de Van Gogh y los tres enseguida se convierten en inseparables.

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Vincent Van Gogh pintado los girasoles. 1888. GAUGUIN.

1888. Sucede el famoso episodio de la “Oreja de Van Gogh”. Así ocurrieron los hechos…

Cuando Gauguin vivía, y pintaba en el año 1888 con su amigo Van Gogh en los prados amarillos de Arles, después de una pelea que ambos mantuvieron a la puerta de un burdel; según algunas teorías, Gauguin le habría seccionado a Vincent una de las orejas, según otras, fué Van Gogh quien se automutilo. Después de esto, ya nunca volverían a ser amigos. Gauguin, pensaba que Vincent estaba loco, y recordad que sí…, el miedo es libre.

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Arearea. 1892.

UN SALVAJE REAFIRMADO…

“Llegará un día en el que me enterraré en los bosques

de alguna isla de los mares del sur y allí viviré en  éxtasis de paz,

con mi arte, rodeado de mi nueva familia,

lejos de Europa y de la lucha por el dinero”

1891.Gauguin, es ahora, un salvaje que rompe con todo lo establecido. No le Interesa la sociedad que conoce,”la sociedad del mercado”.

En busca del paraíso perdido comienza el periplo viajero, y el errático cambio, sus próximos destinos van a ser: Isla de Taboga. Itsmo de Panamá. Martinica. Tahití y Polinesia.

Sobrevive gastando poco, con la magra herencia que le dejó su tío Isidore, y la venta de algunos de sus magníficos cuadros.

1897. GAUGUIN, enfermo, cansado, y arruinado, intenta quitarse la vida con Arsénico.

1891. Se establece en las Islas Marquesas.

1903. Enfermo de sifilis y con grandes problemas de alcoholismo fallece en Autona, Islas Marquesas.

LA PARADOJA DE GAUGUIN Y EL DINERO

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¿Cuando te casas? 1892. GAUGUIN

MERCADO DEL ARTE

Recordais sus palabras, “lejos de Europa y de la lucha por el dinero”…

En el año 2015, El Emirato de Qatar, adquirió la obra “¿Cuando te casas?”, por 300 millones de dólares; la obra de arte más cara de la historia; mandando a la segunda posición al récord de cotización que hasta entonces había pertenecido a “Los jugadores de cartas” de Cezzane, vendido en 250 millones y que fué adquirido por los mismos propietarios que en este caso, el Emirato de Qatar, en 2013.

PAUL GAUGUIN. “YO SOY UN SALVAJE”.

Pintura. Paul Gauguin. Pintores. Posimpresionismo. Mercado del Arte. Van Gogh. Emile Bernard.

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Vilhen Ammershøi. La casa de Ammershøi. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

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AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1895. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi. Copenhague 13 de Mayo de 1864. Copenhague, 13 de febrero de 1916.

Miembro de una pequeña parte de la sociedad privilegiada de aquella época, en la que Dinamarca se encontraba en guerra con el Imperio Astríaco, Guerra de los Ducados, (1 de febrero de 1864/30 de octubre del mismo año), -los daneses salieron derrotados-, nació en Copenhaguen, VILHEN AMMERHSØI, en una buena casa de acaudalados comerciantes. Vilhen Ammersøi realizó estudios con otros maestros, y también en la Facultad de Bellas Artes de Copenhague.

En él se despertó pronto como un rayo la pasión por el arte, y ya a la corta edad de 8 años comenzó su andadura artística, en el intimo mundo del artista que mira sin ser percibido, que se llena observando, que nos escruta, y él, es a su vez mirado, en un raro desdoblamiento psíquico. 

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AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1911. Foto vía internet.

Su pintura muy de la época, obtuvo rápidamente éxito y reconocimientos en todo el mundo. Con 27 años AMMERSHØI felizmente encuentra, a la que desde entonces, será su modelo y compañera hasta el final de sus días, se trata de Ida Listed hermana de Peter Listed un compañero de trabajo  de Vilhen Ammershøi y amigo, que también es pintor; y la curiosidad, es que sus obras y las de su cuñado Peter, se parecen como podemos ver seguidamente…

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Sunshine falling on a door. Peter Listed (pintor y hermano de Ida, modelo, y compañera de AMMERSHØI). Foto vía internet.

En 1887 VILHEN AMMERHSØI realiza un viaje iniciatico a Holanda, para poder contemplar las pinturas de Vermeer por primera vez… Vermeer el pintor holandés, se convierte así en un motor inspirador para él, a la vuelta de dos siglos.

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BEDROOM. VILHEN AMMERHSØI. 1890. Foto vía internet.

LA CASA DE AMMERSHØI

Es el interior de la casa que a todos nos es familiar; a ella se mudan Vilhen e Ida en el año de 1898, y es retratado sin pudor en los cuadros del artista, profusamente; de ella lo conocemos casi todo; las ventanas, las puertas, los muebles, las cortinas, los objetos domésticos, y la calidad de la luz, que rendijera, parece flotar en el recogimiento de sus exhibicionistas escenas, y que armónicamente se cuela por la ventanas, pero siempre, siempre…,  de una forma matizada y esquinada. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

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Petri Kirken in Copenhaguen. VILHEN AMMERSHØI. 1906. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi pinta en su Copenhague natal, retratos, paisajes, arquitecturas, pero sobre todo, sus íntimos y suaves interiores cargados de una atmósfera poética de una luz y perspectiva que atrae; así como nos atrae también, el retrato de un mujer ensimismada y, secretamente observada; se trata de su modelo-mujer-esposa-Ida.

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IDA READING A LETTER. Ida leyendo una carta. VILHEN AMMERSHØI. 1899. Foto vía internet.

Mercado del Arte. En 2012. Vilhen Ammershøi se convierte en el artista mejor pagado de Dinamarca al ser subastado, y vendido un cuadro suyo, “Ida reading a letter“, (Ida leyendo una carta), en Sotheby’s, Londres, por la respetable cantidad de 1.721.250 libras.

Vilhen Ammershøi. La casa de Ammershøi. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

Pintura. Vilhen Ammershøi. Ammershøi. Pintores. Mercado del Arte.  Copenhague. Dinamarca.

 

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¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.

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Jaume Plensa. Tomás Bartolomé. Óleo cartón. 2016.

AY, CARMELA!

El escultor barcelonés Jaume Plensa; Barcelona 1955, tiene su estudio muy cerca de la Ciudad Condal. Escultor, Grabador, Dibujante, Arquitecto, Ilustrador etc. Es uno de los artistas españoles más cotizados en el Mercado de Arte Internacional.

Los vecinos del barrio no querían que la cabeza de niña (CARMELA) de Plensa (4 metros de altura,  pesado hierro fundido) que se encontraba situada frente al Palau de la Música de Ciutat Vella, dejara la vecindad del centro histórico como estaba previsto, aquella gran cabeza era para casi todos como algo, que sentían que había llegado hasta allí para quedarse; pero el plazo inexorablemente vencía como un árbol viejo que arrastra sus secas ramas al final de aquella impávida vida… ¡Y, si, las obras de PLENSA están pensadas para la eternidad!

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CARMELA. Esta magnifica foto pertenece a su autor Carles Rivas, imagen obtenida de internet

La rotunda escultura CARMELA impresionante y bella, es pesada y etérea hecha para quedarse, atrás quedaron las fotografias previas y el trabajo de estudio.
El tiempo era tasado, debería haber sido retirada ya hace un tiempo, el extinto día 18 del mes de septiembre de 2016… ¡PERO CAMELA SE QUEDA!

Lo pidieron los vecinos y Plensa se siente feliz, la cederá gratis al ayuntamiento 8 años más con opción a prorroga; como es natural aunque no debería ser la única opción, el consistorio correrá con los gastos de fabricación y mantenimiento y también habrá que hacerle una peana más duradera a la bella cabeza. Pero el ayuntamiento no la adquirirá como era su interés, precisamente se estaba en negociaciones en esos momentos, además la cabeza de niña había sido en principio comprometida con otro comprador que elegantemente al fin se abstendrá. La magnífica escultura está valorada en 500.000/700.000 euros. Pero bueno, Plensa está contento. Se encuentra en Barcelona ciudad a la que ama, de ella dice, “como no vas a querer el lugar donde naciste”.

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LA FUENTE CROWN. Chicago. Foto internet.

Plensa ha estado exponiendo recientemente sus obras en USA; Nashville, Tampa, Toledo, fueron las ciudades elegidas, en todas ellas las piezas mostradas fueron finalmente adquiridas y se quedan allí; actualmente PLENSA tiene a punto de inauguración una obra en Toronto y está trabajando ahora en un proyecto para Montreal, el artista vive más en los aviones y hoteles que en su estudio taller de Barcelona.

LA FUENTE CROWN 2004.  En el “PARQUE MILLENNIUM” de la ciudad de CHICAGO. Es un verdadero icono para la gran urbe, y una magnífica inversión para la ciudad y la ciudadanía.

UNA GRAN ESCULTURA DE 52 METROS DE ALTURA JUNTO AL MAR

En Barcelona su ciudad natal acaricia un gran sueño, una escultura junto al mar. Las cosa van despacio, PLENSA, sabe esperar. La escultura que presentó en Venecia podría ser un avance sobre la presentada para la Ciudad Condal.

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MIST. Basílica San Giorgio Maggiore. La cabeza de PLENSA en Venecia. Esta foto pertenece a su autor. Ha sido obtenida de internet.

El proyecto como no puede ser de otra manera es importante y complejo pero hay voluntad de acuerdo por las dos partes, PLENSA artista muy cotizado mundialmente ofrece la escultura a sus vecinos de BARCELONA gratuitamente, (solo se tendrían que abonar los costes y el mantenimiento), aún así son elevados, y no son ahora momentos de inversiones ávidas, pero difíciles de abordar económicamente, mas no debemos olvidar el arte, lo que nos ofrece, y, si es de calidad, este debe ser justamente valorado. El Ayuntaminto de Barcelona tiene ante sí, sin duda, un gran oportunidad.

¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.

Jaume Plensa. Plensa. Escultores. Escultura. Arte Contemporáneo. Carmela. Mercado del Arte. Pintura. Tomás Bartolomé.

 

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Edward Hopper. Hiperrealismo Poético y Soledad en Nueva York.

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Edward Hopper. Nyack (pequeña población, estado de Nueva York) 22 de julio de 1882. Nueva York 15 de mayo de 1967.

Edward Hopper. Hiperrealismo poético y soledad en Nueva York

En 1900. Edward Hopper realiza estudios de Arte (pintura) en la New School of Art, posteriormente comenzaría a trabajar como ilustrador publicitario. En 1906, viaja por Europa donde estudia a los pintores más relevantes de la historia. Visita París (reside en la capital francesa medío año en 1909), después vendrán, Londres, Bruselas, Berlín. Finalmente regresa a USA.

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Gasolinera. 1940.

Posteriormente en 1910, vuelve a Europa, París (nuevamente), y España, donde se interesa vivamente por Francico de Goya. Visita Madrid y Toledo donde admira la pintura de El Greco. Sería la última vez que el gran artista viajaria a Europa, y España fue el destino elegido por el gran pintor neoyorkino. A su regreso, se establece definitivamente en Nueva York. Ciudad a la que él ama; ciudad que le alimenta.

“Ama a la gran urbe, encontrando en ella una individualizada soledad; una soledad congelada, impregnada de melancolía; es un mordaz observador que fija la imagen de la vida cotidiana estadounidense en sedados paisajes urbanos; a la luz del tugsteno, de una tarde soleada; o tal vez, en el poético contraluz, o tal vez en la fría radiación de un neón brillante; morfinómano, hiriente, e inconstante”

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Ventanas en la noche. 1928.

1918. Edward Hopper forma parte del Whitney Studio Club (Asociacion de artistas independientes).

En 1915 y hasta 1923, más que propiamente a la pintura, se dedica al grabado (punta seca y aguafuerte), en esta especialidad recibe premios y reconocimiento. Sin embargo Edward Hopper, tarda en obtener éxito. Finalmente después de realizar dos exposiciones, una de acuarelas, y otra de pinturas (años 1923/24) ya con 42 años, consigue el reconocimiento y la fama.

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Habitación en Nueva York. 1932.

Hopper siendo ahora un artista reconocido, se casa en 1924 con Josephine Nivison (Jo) también pintora y que se convierte en su única y exclusiva modelo, ya que la posesiva Josephine, no aprueba que su marido cuente con otras para nada.

Dos comediantes. 1965. La ultima pintura de Hopper

La pareja lleva una vida de lo mas burgués, hasta poseen una bonita segunda casa, tranquila y apacible cerca del mar; se entienden tan bien, el sincronismo es tan grande, que curiosamente fallecerían los dos, casi al mismo tiempo; apenas, con unos meses de diferencia. (Hopper, Al final, adelantó un poco el ignoto viaje).

Mercado del Arte

Hasta un año antes de su boda (1924), HOPPER no había vendido más que dos cuadros y,  estaba derivando su realidad, a la que tristemente le aconteció a Van Gogh, del que fue su contemporáneo 8 años, y que a los 37 años, cuando sé suicidó en 1890, de un  disparo, detrás de las ruinas de un castillo (para más romanticismo), se encontraba en el mismo precario caso. Recientemente, (el pasado 2013), se subastó una obra de HOPPER en Nueva York, por 29’8 millones de euros, de nuevo otra similitud más con el genio holandés del cabello rojo y de precios prohibitivos, en 1990 se pagan en subasta casi 16 millones de euros por un Van Gogh… , ¡mas, que distintos eran!

Las pinturas de Hopper, son muy elaboradas, y con un estudio geométrico previo importante; rezuman reflexión, planificación, dibujo (bocetos), y trabajo previo.

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Llenos de sol y soledad. En medio del desierto, en el interior de un bar, o una habitación de hotel, sus personajes, en un momento especialmente íntimo, nos invitan a contemplarlos, y dulcemente se olvidan de nosotros…

¿Qué Pensarán? Silenciosos, Absortos, Congelados en un Ambiente Frío y Artificial

Iluminación fluorescente, neónes, o luz solar hiriente; luces y sombras. Ensimismamiento, una cuidada puesta en escena de sofisticación y belleza. Imágenes urbanas de alto impacto visual, en una ambientación “Poéticorrealista”, colmada de casas, personajes, y ventanas; imágenes a menudo llenas, de meridianas referencias al lenguaje cinematográfico, y a los bajos fondos de la novela negra.

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Dos comediantes. 1965. La ultima pintura de Hopper

La última pintura que realizó HOPPER fue la titulada “Dos comediantes” en ella sus dos personajes, Josephine (Nivison) y Edward (Hopper), se despiden saludando al público desde el proscenio. Es el ultimo adios. Aplausos; poco después caerá el telón, todo habrá acabado para siempre, han asistido ustedes… a la última representación mundial de Edward Hopper y Josephine Nivison.

Edward Hopper. Hiperrealismo Poético y Soledad en Nueva York.

Edward Hopper. Hopper. Pintura. Pintores. Artista. Hiperrealismo. Nueva York. Mercado del Arte. Goya. El Greco. Van Gogh.

 

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Gustav Klimt. “Si no puedes agradar a todos con tu arte, agrada a unos pocos. Agradar a muchos es malo”. Schiller.

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GUSTAV KLIMT. Baumgarten, Austria, 14 de julio de 1862. Alsergrund, Austria, 6 de febrero de 1918.

PINTOR. SÍMBOLISMO. MODERNISMO. DECORACIÓN.

Nació en un pueblecito cerca de Viena. Su padre era grabador de oro, su madre siempre quiso dedicarse al canto. Becado a los 14 años empieza sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena en la especialidad de pintura, y decoración de interiores.

1880. Comienza a realizar algunos trabajos. 1888. Recibe la Orden de Oro al Mérito, por sus pinturas para el Teatro Imperial de la Corte, Viena.

1890. Conoce a Emile Flöge, la mujer que le acompañaría hasta el final de su vida, y con la que tendría 14 hijos, pese a su fama de libertino y mujeriego nunca dio un escándalo, huía de las reuniones sociales y llevaba una vida familiar y sencilla. Sobre su manera de trabajar febril y arrebatada su familia opinaba que las llamas de su genialidad le consumirían vivo.

1892. Mueren su padre y uno de sus hermanos, Ernst; eran tres hermanos y cuatro hermanas. En ese momento KLIMT, ya puede ocuparse económicante de la familia gracias a su trabajo.

1894. Recibe el encargo de 3 pinturas para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Los temas elegidos serán, Filosofía, Medicina y Jurisprudencia. Las obras provocan una sucesión de críticas adversas, son tachadas ferozmente, de pornograficas, además, a algunos no les  gusta que el autor se autorretrate en forma de alegoría. La Universidad de Viena asustada y apocada, después del gran escándalo suscitado, decide no exponer las obras de la polémica.

KLIMT decide entonces, no aceptar nunca más un encargo. En mayo de 1945 durante la retirada de las tropas nazis, las 3 pinturas de la discordia fueron quemadas, arrojadas a una gran hoguera; seguramente en ese preciso momento, algún joven soldado alemán enrojecería hasta la cejas de vergüenza y asco hacia sus mandos y la sociedad…, su sociedad.

1899. GUSTAV KLIMT, SE PLANTA DESAFIANTE.

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Foto. Nuda Veritas. La Verdad Desnuda. 1899.

Nuda Veritas es una verdadera declaración de intereses, el pintor nos muestra a una mujer de frente y desnuda…, en la mano derecha sostiene el espejo de la verdad. Con esta pintura el  artista, provoca a una sociedad pacata estrecha y miedosa que se niega a cambiar. En la cabecera de la pintura incluye el siguiente texto de Schiller…

“Si no puedes agradar a todos con tu Arte, agrada a unos pocos. Agradar a muchos es malo”

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Foto. Detalle superior del cuadro con el texto de Schiller.

1903. Visita las ciudades de Florencia, Roma y Ravena. Sus pinturas están llenas de Alegorías y Simbolismos. Como herencia paterna utiliza en sus cuadros pan de oro como elemento ornamental. Le seduce sobre todas las cosas, la mujer con su sensualidad desnuda y desafiante; también realiza retratos y paisajes.

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El Beso. 1907/8.

1911. GUSTAV KLIMT recibe el primer premio de la Exposición Universal de Roma por su pintura La vida y la muerte. 1915. Fallece su madre Anne.

1918 . Fallece GUSTAV KLIMT.

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Retrato de Adele Bloch-Bauer I. 1907.

Durante toda su vida sus cuadros se vendieron bien, el Artista no pasó apuros económicos y pudo mantener su independencia, hoy sus pinturas se cotizan a gran altura en el Mercado del Arte Internacional. Una de sus obras, Retrato de Adele Bloch-Bauer I, se vendió en 2006 por 135 millones de dólares.

Gustav Klimt. “Si no puedes agradar a todos con tu arte, agrada a unos pocos. Agradar a muchos es malo”. Schiller.

GUSTAV KLIMT. PINTURA. PINTORES. KLIMT. MODERNISMO. MERCADO DEL ARTE.