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Cine. “Déjame entrar”. Una deconstrucción vampirica. Tomás Bartolomé.

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Cine. Película. Déjame entrar. 2008. Director. Tomas Alfredson. Suecia.
Es una película, reconocida y premiada, pero creo que no lo suficiente, tal vez sea por qué es una producción sueca alejada de los proyectos mastodonticos de la industria U.S.A.

La película está basada en una novela (2004) del escritor John Ajvide, que también es el guionista del Film.

No confundir esta película con un remake USA del 2010, con el mismo titulo, realizado poco después, y que realmente es una copia estadounidense para el mercado mundial, y que aunque no está mal, pierde algo y ese algo resulta ser definitivo.

Déjame entrar, se sitúa en los años 80 en un suburbio de la ciudad de Estocolmo donde nuestros protagonistas son vecinos. Ella es una niña de pelo largo y moreno ligeramente ondulado, él un chico de 12 años rubio y delgado.
Los dos se sienten solos.

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La vampira “Eli” y su amigo.

Ella (Eli) es una vampira (con todo lo que esto conlleva) sólo sale por las noches, el sol y la luz son mortales, los cristales de las ventanas de su casa están tapados con cartones para que no entré la luz, y vive en su piso con un señor mayor también vampiro y acuciado siempre por la imperante necesidad de conseguir el líquido elemento de color rojo que ambos tanto necesitan.

“Eli tiene doce años, doce eternos años; doce años por muchos años, de cansancio y necesaria depredación”.

Él (Oscar) un chico de doce años, callado y doliente, que en el colegio es acosado por un compañero matón y sus amigos; luego nuestro protagonista, se vengará.

Los dos coinciden en el portal de su bloque de viviendas, y se hacen amigos. “Eli” la vampira, es muy diferente y misteriosa además nunca tiene frío. Se enamoran; pero ella sabe que es un amor imposible. Su cara refleja una enorme tristeza. (La interpratacion de Lina Leanderson “Eli”  debería haber sido más premiada; pero no).

Eli la vampira parece un niña de 12 años, pero claro solo lo parece. ¡Lleva viviendo una eternidad! 

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Foto. La película está sostenida por un ambiente de calma en el que suceden hechos terribles.

La fotografía contribuye a crear una calma tensa, en la que parece que no pasa nada, pero en la que pronto sucederá algo horrible, mientras tanto,  todo parece nítido, claro, blanco, puro y luminoso.

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Foto. Oscar y Eli en el pequeño parque de su barrio.

Destaca el tratamiento de la luz en los escenarios urbanos, solitarios y nocturnos en los que se desarrolla gran parte de la película; siempre con la luminosa y blanca nieve de telon de fondo.

Los efectos especiales también rayan a gran altura. En los ataques de los vampiros a sus víctimas hay una escena muy impactante en la qué una mujer que ha sido mordida por un vampiro, es atacada con fiereza demoniaca por sus gatos la acción se sitúa en  la sala de estar de su propia vivienda  y en presencia de su marido alcohólico y un amigo…

¡En esta secuencia los efectos especiales son magistrales!

“Son para no perdérselos; para guardarlos”

¿Quieren saber sí la historia de amor tiene final feliz?…  Yo no se lo contare.

Desde qué la vi cuando la estrenaron, no paro de recomendarla. Si no la has visto, te la estas perdiendo.

Recuerda que debes ver la sueca la de Tomas Alfredson.

Cine. “Dejame entrar”. Una deconstrucción vampirica.  Tomás Bartolomé.

Películas. Critica Cine. Déjame Entrar. Cine. Vampiros. 

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Cine. Iván Zulueta. 1979, Arrebato, una película de culto.

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Iván Zulueta nace en San Sebastián en 1943.

Arrebato se rueda en 1979, cuando España es un hervidero de ideas  y la libertad recién estrenada actua como una potente levadura sobre la creación artística.

La capital de España vive unos momentos irrepetibles; Pedro Almodovar en el momento de la grabación de Arrebato trabaja en  Telefonica y esta rodando Pepi  Luci Bom y otras chicas del monton; en la película de Iván Zulueta, Pedro Almodovar que es amigo, visita el rodaje, e incluso participa en el film doblando a la actriz Helena Fernán-Gómez que con las prisas de su contratación a última hora no es capaz de aprenderse los textos. Iván Zulueta, ya reside en Madrid en este momento, tiene 36 años.

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Iván Zulueta y William More en un momento del rodaje.

En la película participan, Eusebio Poncela, William More, Cecilia Roth, Marta Fernandez, Helena Fernán-Gómez.

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Cecilia Roth y Eusebio Poncela, en una escena del film.

Iván Zulueta era hijo de una familia de la alta burguesía donostiarra, su padre abogado proviene de una familia de industriales que hicieron su fortuna en Cuba dedicados al negocio de los ingenios azucareros.

En 1960 estudia decoración en  Madrid, tres años después, viaja a Nueva York donde estudia Arte y pintura y toma contacto con las vanguardias artísticas de la metrópoli, allí conoce de primera mano el Pop Art. Después de un año en la gran manzana regresa a la capital de España donde se matricula en la Escuela Nacional de Cine.

En 1969 rueda su primer largometraje; Un, dos, tres, al escondite inglés. Se estrena en Cannes.

1970 rueda diferentes cortometrajes en super 8 mm, también participa como cámara en alguno de Almodóvar y como ayudante de dirección con Jaime Chavarri y Ricardo Franco.

1976 participa en el Festival de Berlín con la película, Leo es pardo.

1979 Arrebato. Si no la han visto y son cinefilos, no pierdan más tiempo. Deben verla.

El rodaje de esta película estuvo lleno de dificultades, Jaime Chavarri prestó su casa en el campo como escenario del film; era una finca deliciosa donde se recreó un mundo aparte; casi todos consumían drogas y la anarquía reinaba en el ambiente; el equipo encargado del sonido abandonó en plena grabación, el rodaje se alargó mucho y se pasó de presupuesto; pasó por dificultades económicas; luego, la fascinante película no fue aceptada por el gran público y se convirtió en un film maldito y de culto; las vanguardias artísticas se dieron cuenta de su valor inmediatamente. La película no fue a más porque permaneció muy poco en cartelera.

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Arrebato es un drama vampírico donde el protagonista que rueda películas en súper 8 vive apartado de la sociedad en una finca donde disfruta de su actividad como realizador, así como con el consumo de heroína; de repente le comienzan a ocurrir sucesos inexplicables, “Parece que la cámara lo está vampirizando”. Todo es muy extraño ¿Qué pasara al final?.

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William More, vampirizado.

El director donostiarra, cree que no ha hecho un buen trabajo, regresa a su casa de San Sebastián agotado y enfermo, la heroína y los excesos le están pasando factura; se somete a una cura de Metadona de la que dependerá el resto de su vida…

La Metadona, Botecitos de droga legal con etiqueta… Le evocan recuerdos a Iván.

Después se dedicaria sobre todo al diseño de carteles de cine para direcctores como Almodovar, Garci, Buñuel etc; además realiza obras de arte con polaroid y pintura Pop Art. Siempre tiene una pequeña cámara de video a mano dispuesta para grabar.

En relación con las drogas nunca ocultó su consumo del que opinaba que una persona adulta debería poder decidir libremente sobre su uso; siempre fue partidario de su total legalización.

Fallecio en San Sebastián el 30 de diciembre de 2009 en la gran casa familiar que se encontraba embargada y en la que convivía con su madre, a los 66 años de edad de insuficiencia respiratoria.

Cine. Iván Zulueta. Arrebato. Película de culto. Películas. Drama Vampirico.

Cine. Critica. Maps to the Stars. “En cada mano que se tiende escribo tu nombre”. Paul Eluard. Tomás Bartolomé.

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MAPS TO THE STARS

Dirctor. David Cronenberg. Guionista, Bruce Wagner. Musica, Howad Shore. Duración 111 minutos.

Muy buena la Dirección y muy buenos el Guión y la Música.

REPARTO

Julianne Moore. (Premiada por esta película, como Mejor Actriz, en los Festivales de Cannes y Sitges 2014). John Cusac. Rober Pattinson. Evan Bird. Mía Vasikowska. Todas las interpretaciones están muy logradas, aunque destaca sobre todas la de Julianne Moore en una soberbia interpretación realizada desde las tripas.

Los Angeles, California. Limusinas, Lujo, Artistas Famosos; sofistificacion y miseria que se  dan la mano, que se funden bajo una nube de  tóxico polvo de estrellas.

Como una oración, como un mantra vértebra el film la cadencia poética de los versos de Paul Eluard (fue pareja de Gala Dalí).

Libertad
En la salud reencontrada
en el riesgo desaparecido
en la esperanza sin recuerdo
escribo tu nombre.

La madurez y la adolescencia  posan desnudas e indefensas arrinconadas hacia el desastre  por la oscura decadencia y el más sucio mercantilismo.

Maps to the Stars, nos muestra a una joven estrella de 13 años (Evan Bird) en cuarentena por un asunto de drogas y a una actriz madura (Julianne Moore)  hija de una actriz famosa ya fallecida, en los dos casos sus personajes están impregnados de sus trágicos pasados familiares que se deshacen quemando sus desnudos hombros como un derretido y caliente  plomo gris pesado.

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Evan Bird                                                                                            Julianne Moore.

Ambos poseen unas casas carísimas. El chaval vive en la vivienda familiar (minimalismo y decoración al limite), su madre es una madre sobreprotectora,  su padre (John Cusac), una estrella mediática de la TV y un afamado y exitoso escritor de best seller con su mezcla de filosofía, masajes, y consejos de autoayuda, que no sabe ayudarse a él y ni mucho menos a su familia. Vive sumido en un incesto asumido y es un gran narcisista.

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John Cusac

Tambien tenemos en escena a una joven y frágil muchacha (Mía Wasikowska) desfigurada por un incendio que ella misma provocó y que desesperadamente busca redención y solo recibe dinero.

En la carne que me es dada
en la frente de mis amigos
en cada mano que se tiende
escribo tu nombre.

No podía  faltar el joven guapo y ambicioso, que mientras llega el éxito espera conduciendo coches de lujo como empleado (Robert Pattinson), escribiendo guiones,  y haciendo pequeños papeles de figurante. Tiene la belleza,  y en este caso es su moneda.

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Robert Pattinson.                                 Mia Wasikowska

La película es una dura crítica; nos muestra de una manera muy descarnada la otra realidad, la  exenta de oropel y glamour.

Unos personajes que sufren en sus vidas y en las de sus familias el látigo despiadado de la competencia  y la tiranía del poder establecido que  dicta estupidas leyes basandose en criterios alejados de la competencia artística.

La sumisión y el vicio decadente gobierna en los despachos.

En los nidos en las emboscadas
en el eco de mi infancia
escribo tu nombre.

Las victimas se convierten en verdugos y como seres llenos de dolor y sufrimiento, su grito solo es acallado y hundido a base de drogas ilegales y de farmacia, para ello, existen las recetas o el “camello”.

Pero la vida se les va de las manos y son egoístas y soberbios… El ambiente no les ayuda.

Un chaval de 13 años, -Evan Bird- actor con problemas de adulto y “enganchado” a las drogas y la actriz -Julianne Moore- la mujer madura (víctima de  Incesto) que lucha desesperadamente por conseguir un papel para ella crucial.

La actriz quiere dar vida en la película por la que lucha al mismo personaje  que interpretó su madre en los años 60, ella cree que servirá como exorcismo a una encrucijada sórdida, dolorosa y de difícil solución en la que se ha convertido su vida.

Maps to the Stars. Una desnudez vulgar y desquiciada atizada de excesos deliberados que acabará con el más débil.

DECADENCIA Y SOLEDAD

El lenguaje descarnado y cruel de unas adolescentes que consideran viejo a un chico de 20 años.

Los chismes mas groseros y la belleza mas vacua aderezada de lujo sofisticado bajo corrientes de abuso, soledad y dominación.

Cine. Critica. Maps to the Stars. “En cada mano que se tiende escribo tu nombre”. Paul Eluard.

Cine. Critica. Maps to the Stars. Películas. Cine. Cine Critica. Paul Eluart. Libertad. Tomás Bartolomé.

Cine. Critica. Calvary. “Creo que el perdón está infravalorado”. La venganza contra un hombre bueno y valiente. Tomás Bartolomé.

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CALVARY

Director y Guionista .John Michael McDonagh.

Duracion. 100 minutos. Reparto. Brendan Gleeson. Padre James Lavelle

Kelly Reilly. Fiona. Chris O´Dowd. Jack Brennan. Aidan Gillen. Frank Harte

CALVARY. LA VENGANZA CONTRA UN HOMBRE BUENO Y VALIENTE.
En primerisimo plano el rostro del Padre James (Brendan Gleeson) Escucha en confesión a un feligrés que habiendo sido víctima de abusos sexuales por un sacerdote en su niñez, le trasmite la intención, de no sólo no redimirse, sino de vengarse en él. Estamos en domingo; el siguiente, amenaza con matarle, “Padre le doy siete días para que arregle sus asuntos aquí en la tierra, luego le mataré”.
El Padre James, no sabe quien es su amenazante, puede ser cualquiera, hay mas de un buen candidato en aquella sociedad racista podrida y enferma; además está el secreto de confesión.
La cuenta atrás a comenzado y ya no se puede parar.
El Padre James y  su anónimo parroquiano, se verán las caras en la playa 7 días despues, en lo que se presume un amañado duelo al sol con el mar de la bella Eyre como rumoroso telón de fondo.
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Foto. Brendan Glesson, en un momento del Film.
La película es una dura crítica a la iglesia católica, y no solo en el apartado de los abusos sexuales. El Padre James, un hombre bueno, será el encargado de redimir al estamento eclesiástico; pero claro él no es un cura al uso (antes de cocinero, fue fraile), antes de ordenarse sacerdote estuvo casado y tiene una hija que no quiere vivir.
Todo esto transcurre en una localidad pequeña (pueblo pequeño, infierno grande) de la costa irlandesa, en la que un sacerdote sencillo y campechano convive con una colección de personajes atormentados y decadentes que no le perdonan; “La gente odia su sencillez y se defiende de ella”.
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¡Un drama!. De comedia, solo tiene algún momento de ingenioso humor negro.
En Calvary, se cuestiona la fé, asimismo se plantea el papel de la Iglesia en la sociedad y su implicación en las causas sociales.
Se reflexiona sobre el perdón, “Creo que el perdón está infravalorado”, nos dice el Padre James.
La iglesia y sus representantes (aunque el Padre James no se considere así), es percibida por la sociedad como una amenaza en cuanto a abusos sexuales a menores y en la película podemos ver una escena durísima, en la que un padre alterado y neurótico  rescata a su hijo cuando este, está en la calle y circunstancialmente se encuentra conversando con el sacerdote.
A DESTACAR.
La interpretación del Padre James por el actor Brendan Gleeson; solo por esto la película ya merece la pena, Brendan Gleeson, realiza un trabajo magistral, aguanta los primeros planos con una naturalidad que engancha y no puedes de dejar de mirar la pantalla, no os lo perdáis.
Los actores secundarios realizan una labor correcta y hacen sus personajes creibles y llenos de matices y trasfondo.
La fotografía excelente, respira arte en cada plano; algunos fotogramas son valiosas obras de arte.
La música es adecuada y esta  bien engarzada con la imagen.
El montaje tal vez podría ser mejorado.
El guión del que es autor el director de la película es muy bueno y esta balanceado en la orientación y el peso en que el autor dibuja la dirección de lo que es  importante, y qué secundario; consiguiendo dejar en un plano diferenciado el drama de la amenaza de muerte, y las tambien importantes subtramas latentes.
Calvary. calvario, sacrifico y redención en la figura del Padre James. una película que hay que ver.
Cine. Critica. Calvary. La venganza contra un hombre bueno y valiente. Tomás Bartolomé.
 

Cine. “La Isla Mínima” Secuestros y la aparición de los cadaveres de dos chicas jóvenes salvajemente mutiladas. Una buena película que se debe ver.

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LA ISLA MÍNIMA 2014. Goya 2015, Mejor Película.

Ha sido la película ganadora en ellos premios Goya 2015. Premiada con diez estatuillas. Mejor Pelicula, mejor director, mejor actor, mejor actriz revelación, mejor guión original, mejor montaje, mejor dirección artística, mejor fotografía, mejor diseño de vestuario, mejor música original.

DIRECCIÓN. ALBERTO RODRÍGUEZ

. Director sevillano que cumplia 44 años el 23 de Julio de 2015.

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Foto. Alberto Rodriguez. Premio Goya 2015. Mejor Director.

En su bagaje profesional 6 películas, esta es la sexta, la anterior del año 2012 fue la aclamada “Grupo 7”. Alberto Rodriguez también participa en el guión junto con Ramón Cobos con el que ya trabajó en anteriores largometrajes. En 2005 rodó Siete Virgenes.

ACTORES PROTAGONISTAS:

JAVIER GUTIERREZ  (el “Satur” de Aguila roja). Luanco, Asturias 1971. Premio concha de plata en el Festival de Cine de San Sebastián 2014.

RAÚL AREVALO (También la lluvia, Che: guerrilla, o Primos). Mostoles, Madrid, 1979.

ACTORES DE REPARTO:

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Foto. Nerea Barrros. Premio Goya 2015. Actriz Revelación.

Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesus Castro, Manuel Solo (hace de fotógrafo y realiza la mejor interpretación de los actores secundarios), Jesus Carroza, Cecilia Villanueva, Salvador Reina, Juan Carlos Villanueva.

FOTOGAFIA. Alex Catalán. Premiada en el reciente festival de cine de San Sebastián. Goya 2015.

MONTAJE. José.M.G. Moyano. Premio Goya 2015.

GUIÓN. Aberto Rodríguez. Rafael Cobos. Premio Goya 2015, Mejor Guión Original.

DURACIÓN. 105 minutos.

TRAMA ARGUMENTAl :

Dos policías expedientados, ideológicamente opuestos, y que no tienen mucho en común son destinados a la provincia de Sevilla en pleno mes de agosto de 1980 a resolver la desaparición de dos chicas adolescentes. Hace calor, mucho calor en esta pequeña poblacion de las Marismas del Guadalquivir.

Desde el primer momento la película me trasladó a esa España profunda de crímenes como los de Puerto Urraco o los de El Cortijo de los Galindos (todavía sin resolver).

La película esta muy cuidada en aspectos como en el de las localizaciones, la fotografía y la dirección artística. Algunos planos del film son sencillamente sublimes, respiran arte. También muy interesantes la recreación histórica y los encuadres cenitales con la cámara situada a gran altura que nos muestra los canales de regadío y los campos de arroz en unas panorámicas impresionantes y llenas de sutilidad y belleza.

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Foto. Alberto Rodríguez y  Javier Gutiérrez en un momento del rodaje.

Marismas del bajo Guadalquivir en las que existen tres islas, La Mayor, La Menor y La Mínima.

Caminos de polvo, barro, lluvias torrenciales, tormentas del mes de Agosto que impiden a los jornaleros comenzar la recogida del arroz. Ambiente muy caldeado por la lucha obrera con un juez más preocupado por el conflicto social que plantean los trabajadores rurales que por la resolución de los asesinatos en serie que el pueblo parece querer solapar en una comunidad podrida, enferma y esclava en la que a los jóvenes no les queda otra esperanza que escapar  y aquí, radica el drama.

Persecuciones escalofriantes que dan miedo, carreras por caminos de polvorienta  tierra en la noche oscura, solo iluminada con la luz de los faros de los automóviles Citroën Dyane 6  y Chrysler 150.

Suspense y sustos bajo una lluvia torrencial de tormenta. España rancia de pantalon de pana, peonada y jornalero a finales del mes  de Agosto de 1980, secuestros y aparición  de cadaveres de chicas jóvenes salvajemente mutiladas. Muertes y  misterio.

Los actores de reparto unos están bien y otros no tanto. Los actores protagonistas están en general bien. El mejor papel, el mas agradecido lo tiene JAVIER GUTIÉRREZ  que encarna a un policía franquista gravemente enfermo y homicida.

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Foto. Javier Gutirrez. Premio Goya 2015. Mejor Actor.

El papel más dificil le corresponde a RAÚL ARÉVALO que da vida a un policía democrata. Es un papel mas complicado porque tiene algo menos de protagonismo y por lo mismo menos texto y mas lenguaje gestual.

Los dos papeles que interpretan tienen miga (son exigentes) interpretativa, la cadencia con que lo resuelven es para  grandes actores. La prueba a la que los somete el director en esta película  es de una gran altura profesional y por lo tanto, difícil de alcanzar en algunos momentos. Magnifica y exigente dirección de actores.

Uno de los aspectos mas interesantes de la película es la trama que corresponde a la investigación, ya que nos deja ver de cerca la urdimbre de la misma. Nos muestra como todo tiene un precio dentro y fuera de la ley.

Los agentes de policía  se ven obligados a navegar frecuentemente entre las procelosas  aguas de dos orillas, las de la ley y las del delito, aguas que a menudo confluyen y se mezclan, que no son ajenas, como no son ajenas, las lascas de pizarra que se superponen delicadamente  en claras laminas diferenciadas pero también comunicadas por su porosidad cuando empapadas por la lluvia rezuman humedad.

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Foto. Alex Catalán. Premio Goya 2015. Mejor Fotogafía.

La lluvias torrenciales  de las tormentas del mes de Agosto en Sevilla añaden un cierto encanto poético a las escenas de acción que trufan la película de aire fresco y frenética inquietud; son como una ventana abierta por la que circula  una  viciada corriente de tensión y peligro. No  se ovida Alberto Rodríguez de la acción con mayusculas  en un film contenido, sino que además, la borda y nos deleita con ella en unas magistrales  secuencias difíciles de olvidar y que trascienden.

Lo que vemos en la pantalla nos habla de exigencia, paciencia, sacrificio, trabajo, ambición y sobre todo un inmenso amor al  cine.

En definitiva, una buena narrativa que al final se vuelve un poco confusa por lo que el espectador tiene que pararse a pensar como acaba la historia, no os preocupéis si os sucede pues no  seréis lo únicos, estar atentos al final y todo saldrá rodado…

Una buena película que merece la pena ver.

Cine. La Isla Mínima. Ganadora de los Premios Goya 2015. Tomás Bartolomé.

Cine. Critica. El Niño. Premios Goya 2015. Tomás Bartolomé.

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Una de las películas favoritas para arrasar en los Premios Goya que se celebrarán el próximo dia siete (Sábado) este año se ha cambiado de dia, anteriormente era en Domingo. “Se le quiere dar mas realce”

El presentador de la gala será el actor Dani Rovira (Siete apellidos vascos) el año pasado lo presentó Manel Fuentes con índices muy bajos de audiencia.

Antonio Banderas recibirá un premio Goya de Honor, es el actor mas joven en recibirlo (54 años) el malagueño ha declarado que piensa pasar mas tiempo en España, veremos lo que nos cuenta en su discurso, al actor le gusta escribir y seguro que ha preparado algo.

EL NIÑO. 16 Nominaciones a los Premios Goya, incluyendo Mejor Pelicula.

DIRECCION. Daniel Monzón. GUIÓN. Daniel Monzon y Jorge Gerricaechevarria. DURACION. 135 minutos.

LOS POLICÍAS.

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Foto. Luis Tosar (Jesus)

Jesus (Luis Tosar) y Eva (Bárbara Lennie) son dos polícias que investigan la utilización de los cauces del tráfico de haschis por un cartel inglés de cocaina para introducír su mercancía por la ruta del estrecho de Gibraltar.

Forman equipo con otros policias. Eduard Fernández (Sergio) y Sergi López (Vicente), los dos son de lo mejor de la película, quiero hacer una mención especial para Juan Montilla (Manolo) un secundario de lujo que raya a gran altura interpretando a un veterano oficial de policía (piloto de helicoptero) está sublime, bueno, “Mítico”, como diría Monzon que siempre utiliza este adjetivo para dar de paso la escena cuando la toma ha sido buena.

LOS TRAFICANTES.

Jesus  Castro (El Niño),  junto con Jesus Carroza (El Compi), premio Goya Actor Revelación 2005 por 7 Virgenes, junto al “Bola” y dirigida por Alberto Rodríguez.

El Niño y El Compi, son dos chavales de veintitantos años uno, repara lanchas motoras, otro trabaja en la almadraba en la pesca del atún  “El Compi”.

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Foto. El Compi, Raschid, y El Niño.

El Niño tiene una moto acuática y es un buen piloto que no tiene miedo a nada, los dos son buenos chavales, pero necesitan dinero para escapar de sus precarias vidas, y ven en el narcotrafico un medio factible de progreso, en su inocencia no lo ven  tan dificil… ¡pronto llegaran los problemas!.

Los dos actores realizan buenas  interpretaciones aunque me quedo con la de Jesus Carroza (El Compi); también me pareció muy buena la interpretación de Moussa Maaskri (Raschid) en el papel de socio necesario y amigo, y la de Ian MacShame en el papel de capo del narcotrafico.

ALGO MAS A DESTACAR.

Algunas escenas de persecución marina; la potente motora pilotada por “El Niño“, y el helicóptero de la policía, mano a mano sobre las grises aguas fronterizas, (los dobles que pilotan la aeronave, realmente son policías en activo que realizan estas mismas misiones de vigilancia  en el estrecho) son escenas arriesgadas, en una de ellas se encuentra tal vez la mejor secuencia de acción de toda la película… ¡prestar atención!.

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Foto. Persecución marina.

La siempre impactante Roca del Peñon de Gibraltar (Frontera sur de Europa a solo 14 Kms de África)  como una imagen altamente iconica que está presente a lo largo de todo el film.

La belleza de algunas de sus imágenes.

LO PEOR.

No puedo por menos que comparar las persecuciones de automóviles de esta película con las de La Isla Mínima o Relatos Salvajes, las de El Niño en este aspecto tan importante, salen perdiendo claramente.

En la pelicula hay muchos personajes y esto no es malo sin embargo esto no debe de ser obice para tratar alguno de ellos con mayor profundidad, en algunos casos no se aprovechan las sinergias para sumar.

El montaje. Falla en alguna secuencia clave.

Superficialidad. Algunos temas de la trama deberían quedar mejor cerrados; fallos de guión.

La película es en muchos aspectos interesante y aunque no es un gran film, es entretenida y merece la pena.

Cine. Critica. El Niño. Premios Goya 2015. Tomás Bartolomé.

 

 

 

Cine. Corazones de acero, (Fury). Una (película) de tanques. Tomás Bartolomé.

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Luz de Invierno, campos encharcados en la Alemania Nazi de Abril en 1945, desde que entré en la sala de cine no pude apartar la mirada de las imagenes, y el dramatismo de la tragedia que contemplaban mis ojos, me atrapó.

Empezaré destacando lo peor (El guión)

ESCENA FINAL INVEROSÍMIL.

El guión tiene fallos y uno que es importante pues se sitúa al final del film; no está bien resuelto y desafía lo que en un caso real sería impensable en cuanto a resolución de un problema, (tactica militar a emplear) esto quita puntos al resto de la película.

Las escenas de acción están muy conseguidas; retratan con realismo y mórbida crudeza la masacre en un conflicto bélico. También destacan en la película la Fotografía de Román Vasyanov, (en grises), el Sonido (muy logrado e impactante)  la Banda Sonora, de Steven Price (óscar por Gravity)  y la interpretación de los actores; el casting está muy logrado, los efectos especiales son buenos (nos muestran con desnuda crudeza las atrocidades a las que son sometidos los hombres en la guerra).

CORAZONES DE ACERO (FURY).

Director. David Ayer. Duración 128 minutos.

Cinco militares hacen la guerra en un Tanque “Sherman”, mas que camaradas, son ya viejos amigos que han visto muchos combates rápidos y contundentes contra los Tanques “Tiger I” que aunque más lentos son casi indestructibles; debido a su blindaje causan enormes bajas. Se necesitan muchos Tanques americanos para acabar con uno de ellos. Hay que buscarles la vueltas para meterles “un pepino” en su punto más débil.

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¿PUEDE HABER BELLEZA EN LA GUERRA?

Mi respuesta es, puede haberla, pero es totalmente prescindible y no la echaría de menos si terminara para siempre.

Si te gusta Brad Pitt…  adelante, si te gustan las películas de guerra, no debes perdértela, si ademas te gustan los tanques…, ¡tienes que verla!.

CON EL TIEMPO MADURAN LAS UVAS.

Brad Pitt. Hace un muy buen papel; como el buen vino va mejorando con los años, y con el tiempo se ha convertido en un actor que pasará a la historia como un clásico; hoy en día se ha ganado un puesto entre los grandes.

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 Brad Pitt en el papel del veterano sargento “Wardaddy” (papá guerra)

Mientras los Alemanes se baten en retirada cuatro tanques del ejército americano comandados por el sargento “Wardaddy” apoyan a la tropas de infantería; el sargento es un viejo perro de la guerra “Empecé matando alemanes en África, ahora los mato en Alemania”.

Destinado a ayudante de conductor aparece un oficinista joven que no se sabe como ha ido a parar allí. La vida de los demás componentes de la patrulla está en peligro por la inexperiencia del recién llegado que tendrá que aprender pronto para no poner en riesgo a sus camaradas. El aprendizaje será duro.

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Logan Lerman en el papel del  joven recluta.

VOMITARE HASTA LA BILIS SOBRE EL BARRO Y LA SANGRE

En una de las escenas mas crudas de la película podremos escuchar este diálogo; uno de los veteranos habla con el novato y le dice…

– Espera a verlo.

– A ver que?

– Lo que un hombre puede hacerle a otro.

Cine. Corazones de acero, (Fury). Una (película) de tanques. Tomás Bartolomé.

 

 

Cine. Critica. Magia a la luz de la luna. Cuando el eufemismo “Una obra menor de Woody Allen” se hace realidad.

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Magia a la luz de la luna.

Escrita y dirigida por Woody Allen.

El mago chino Wei Ling es el ciudadano inglés  Stanley Crawford (Colin Firth) él será, el encargado de desenmascarar a la joven vidente Sophie Baker (Emma Stone). El mago chino se hace pasar por un hombre de negocios. La historia transcurre en la Costa Azul.

Empezare diciendo que Woody Allen es uno de mis directores de cine favoritos.
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Woody Allen, no debía de hacer películas tan mediocres a sus casi 80 años, no lo necesita.
Fui al cine, pensando si esta vez sería una de las buenas o una de las malas películas que el director neoyorquino cuela de vez en cuando y resultó ser de las peores; la verdad es que hay poco que se salva, los pobres actores están vendidos; detrás de un guión flojo, y un desarrollo de personajes deficiente; hacen lo que pueden, pero la película naufraga estrepitosamente; no suma ni en diálogos, ni en fotografía (a ratos está bien), ni en ambientación, ni en decoración, ni en localizaciones y ni tan siquiera en recreación histórica (el film se sitúa en 1928).
La ambientación se reduce a unos automóviles de época, el vestuario,  y algúnos interiores en los que no destaca nada de la decoración; todo muy insulso, facilon, y sin complicaciones.
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En una película tan plana solo destaca algún secundario y una interpretación correcta de los actores protagonistas. El desarrollo de los personajes es muy pobre y la historia de amor amorfa y sin pulsiones.
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La banda sonora de la película, mezcla música clásica y jazz, pero tampoco es nada significativa, y si muy manida y ya sabida.
Una de las bazas del cine de Woody Allen siempre fueron los diálogos, pero esta vez son pobres y poco esforzados, es como una letanía ya empleada; interesante, pero ya oída y superada; ¿porque volver a lo mismo, sino es para hacerlo mejor?.
La próxima vez me lo pensare mejor; cuando Woody Allen estrene algo…pondré más cuidado.
Cine. Critica. Magia a la luz de la luna. Cuando el eufemismo “Una obra menor de Woody Allen” se convierte en realidad. Tomás Bartolomé.
Cine. Woody Allen. Peliculas. A la luz de la luna. Critica Cine.

 

 

 

CINE CRITICA. SE DEBE DE VER APROPOSITO DE LLEWYN DAVIS. TOMÁS BARTOLOMÉ.

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A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS.

 SI TE INTERESA UN CINE DE AUTOR, ES MUY COHEN;  SU DISCURSO PLASTICO Y NARRATIVO MUY PERSONAL, SIN CONCESIONES.

BASICAMENTE,  ES LA HISTORIA DE UN PERDEDOR Y POR LO TANTO ES DURA, NUESTRO PROTAGONISTA,  LUCHA Y SUFRE (SOLEDAD INCOMPRENSION FRIO NECESIDADES).

¿SE RENDIRA LLEWYN?.

EN LA PELICULA, SE MUESTRAN, DE UNA MANERA MUY DESCARNADA, LOS ENTRESIJOS DE LA INDUSTRIA MUSICAL EN LOS 60,  EN LA QUE TODAVÍA SUBSISTE UNA ESCUELA ANTIGUA (MUY BIEN REFLEJADA)A LA QUE YA LE QUEDA POCO TIEMPO.

PRONTO,  LOS TIEMPOS IRAN CAMBIANDO COMO NOS CANTA DYLAN.

MAGNIFICAS LOCALIZACIONES Y SECUNDARIOS, QUE APORTAN MUCHO A LA HISTORIA.

TAL VEZ,  SOBREN NUMEROS MUSICALES,  PERO ALGUNOS SON REALMENTE DELICIOSOS. CHISPAZOS DE SURREALISMO.

Y EN ESTADO PURO, LA ESCENA DE LA DETENCION POR LA POLICIA, DE UN CONDUCTOR,  CON EL QUE VIAJA LLEWYN.

AUN CON TODO,  LE FALTA ALGO PARA SER REDONDA. PERO…

MERECE LA PENA ,YO IRIA.

CINE CRITICA. SE DEBE DE VER A PROPÓSITO DE LLEWYN DAVIS. TOMÁS BARTOLOMÉ.