,

Jeff Koons. Escultor Mediático. «Puppy» del Guggenheim Bilbao Una inversión rentable

imageJeff Koons. York, Pensilvania, USA. 1955.

Comenzó su carrera realizando estudios de Arte en Chicago y Baltimore.

Se ha convertido, en uno de los artistas contemporáneos que han alcanzado la más alta cotización económica, en el panorama del arte mundial. Para que se hagan una idea, la obra «Globo perro naranja», alcanzó el precio de ¡Agárrense!, 55 millones de dólares…

image

Perro globo de Jeff Koons

MERCADO DEL ARTE

¡Jesus en el templo, lleno de mercaderes!

Hay quienes sospechan, que la labor de la agencia de publicidad de la que se sirve para promocionarse, tiene mucho que ver con los precios astronómicos que alcanzan sus obras. Utilización del Marqueting, para inflar los precios, en un mercado de inversión (el arte como valor especulativo), que Jeff Koons conoce muy bien, pues no en vano antes de artista, fue un ávido corredor de bolsa.

image

Escultura de Jeff Koons. Museo Guggenheim Bilbao. Foto, by TbArt. Archivos fondos propios.

¡En fin, la polémica está servida, y a sus espectaculares creaciones le viene muy bien!

En 1991 Koons se casa, con la actriz italiana de porno «Cicciolina» de la cual realiza una serie de obras de marcado carácter sexual. Se divorcian dos años después. Comienza entonces una dura  batalla legal, por la custodia de su única hija.

image

Jeff Koons y Cicciolina. Vía internet.

En los años 80 Jeff Koons, ya es un artista conocido, son tantos los encargos que recibe que trabajan en su Taller de Arte más de 30 personas. Para algunos es genial, para otros, no es nada más que un farsante al que le pierde el dinero. ¿Ustedes qué  piensan? Trabaja Koons, en pequeñas esculturas de porcelana, y también en obras monumentales de más de 1000 kilos de peso, (realizadas en materiales como acero y cromo), su aspecto aparentemente, parece muy ligero, aunque en realidad son esculturas muy pesadas.

ARTISTA MEDIATICO

Su vida se asemeja más a la de un artista del «Show business», que a la de un escultorJeff Koons siempre está abierto a colaboraciones que le mantengan de actualidad, como la sesión de fotos realizadas, a la cantante Lady Gaga, que posó desnuda para la cámara del genial artista de York.

EL PERRO PUPPY UN ICONO BILBAÍNO

En España ha participado en Arco (Feria internacional de arte contemporáneo de Madrid). Aunque su obra más conocida se encuentra en el exterior del Museo Guggenheim de Bilbao, se trata de su perro «Puppy», un terrier gigante, cubierto de plantas y pequeñas flores en constante crecimiento, que es una verdadera delicia, y lo primero que se encuentra uno en el exterior (a la entrada), del maravilloso museo bilbaíno.

image

El Perro Puppy en el exterior del Guggenheim Bilbao. Foto. Archivos fondos propios, by TbArt.

JEFF KOONS ARTE O NEGOCIO

 Jeff Koons. Escultor mediático, y el perro «Puppy» del Guggenheim Bilbao

Jeff Koons. Escultura. Escultores. Arte Contemporáneo. koons. Perro Puppy. Puppy Guggenheim Bilbao. Mercado del Arte. Arte. Artistas.

, ,

Arte. Paisaje. T. Bartolomé. “Al olmo viejo, hendido por el rayo”

Paisaje. (2020). Tomás Bartolomé

La naturaleza, fuente inspiradora y motor de artistas, sobrecoge, con sublime belleza, ámbitos, predios, con dueño, la que es libre, no tiene límites. Paisaje, mente soñadora, gesto que me impregna y sana, y su intensidad, me inquieta, pleno, me nutre la totalidad absorbente. Belleza pura, la más pura, anárquica alquimia sublimada. Libertad plena, que por su gracia no se somete en su totalidad. Pedagogía disponible, ciegos voluntarios ignoran.

Antonio Machado. 26 de julio de 1875, Sevilla. 22 de febrero de 1939, Colliure, Francia

A UN OLMO SECO

Al olmo viejo, hendido por el rayo

y en su mitad podrido,

con las lluvias de abril y el sol de mayo

algunas hojas verdes le han salido.

El olmo centenario en la colina

que lame el Duero! Un musgo amarillento

le mancha la corteza blanquecina

al tronco carcomido y polvoriento.

No será, cual los álamos cantores

que guardan el camino y la ribera,

habitado de pardos ruiseñores.

Ejército de hormigas en hilera

va trepando por él, y en sus entrañas

urden sus telas grises las arañas.

Antes que te derribe, olmo del Duero,

con su hacha el leñador, y el carpintero

te convierta en melena de campana,

lanza de carro o yugo de carreta;

antes que rojo en el hogar, mañana,

ardas en alguna mísera caseta,

al borde de un camino;

antes que te descuaje un torbellino

y tronche el soplo de las sierras blancas;

antes que el río hasta la mar te empuje

por valles y barrancas, 

olmo, quiero anotar en mi cartera

la gracia de tu rama verdecida.

Mi corazón espera

también, hacia la luz y hacia la vida,

otro milagro de la primavera.

Antonio Machado

Arte. Paisaje. Tomás Bartolomé. “Al olmo viejo, hendido por el rayo”

Paisaje. Tomás Bartolomé. Arte. Artista. Art. Óleo.  Antonio Machado. Machado

, , ,

Naturaleza y Materia. T. Bartolomé. Invalido hombre, que la hiere

image

Naturaleza y Materia. 2011. Tomás Bartolomé

Nature and Matter

Óleo sobre lienzo. Oil/Canvas. 33×24 cms

«Hercúlea Naturaleza»

Hercúlea naturaleza; inválido hombre,

Que  la hiere; que le roba.

Abuso desnudo, objetos; asentados.

Pétrea materia, más fuerte…

Que los chisposos saltos de agua;

Más fuerte; que una herida en el pecho;

Más  fuerte, más fuerte, no mejor;

Pero si más fuerte… que una flor.

Más fuerte, no mejor; asido al asa;

Acero de alfileres, alfileres delgados,

En delgados dedos blancos.

Tomás Bartolomé

Esta pintura participó en Art Fair Málaga Feria de Arte Contemporáneo que se celebró en la ciudad de Málaga, del 30 de junio al 2 de julio de 2017, en el Palacio de Ferias y Congresos.

Óleo en venta. Más información, en e-mail de contacto… tomy.bart@hotmail.com

Oil for sale. More information, in contact email … tomy.bart@hotmail.com

 

Naturaleza y Materia. Nature and Matter. Hercúlea Naturaleza; inválido hombre, que la hiere; que le roba.

Pintura. Pintores. Tomás Bartolomé. Naturaleza y Materia. Nature and Matter. Óleo/Lienzo. 

,

Pop Art. Provocación, cinismo y frivolidad. Tomás Bartolomé

image

El denominado Pop Art, nace a finales de los años 50 en inglaterra, y seguidamente o casi simultáneamente, en Estados Unidos. Richard Hamilton, está considerado como el padre, de este movimiento artístico.

1956. Richard Hamilton, presenta en el Instituto de Arte Contemporaneo de Londres ( Institute of Contemporary Art, ICA ) la obra (foto de abajo), que a la postre se acabaría convirtiendo en el punto de partida inicial, de un nuevo estilo artístico, que acabó echando raíces en todo el mundo.

image

Foto pintura. «¿Just what is makes that today’s homes so different so appeling?»/ «¿Que es lo que hace a los hogares de hoy, tan diferentes, tan atractivos?»

Richard Hamilton. Nacimiento, Pimlico, Londres 24 de febrero de 1922. Fallecimiento, Northend, Londres, 13 de septiembre de 2011, a  los 89 años de edad.

image

Foto pintura. Autorretrato. Richard Hamilton.

Hamilton definió el Pop Art como : «Popular, efímero, prescindible, barato, producido en serie, joven, ingenioso, sexy, divertido, glamuroso y un gran negocio».

Otro de los grandes de este estilo artístico, pero esta vez americano… Andy Warhol. Pittsburg 6 de agosto de 928, Nueva York  22 de febrero de 1987, a los 59 años de edad. Sólo seis años más joven Warhol, afirmaba, «No hay mejor Arte que hacer dinero» ¡Cuando falleció, sus obras fueron subastadas por más de 20 millones de dólares!

Provocadores, Frívolos, Cínicos, son algunos de los adjetivos que se ganaron a pulso, hoy en día su Arte ocupa un puesto destacado e indiscutible, en la creación artística de la segunda mitad del siglo XX. En España, el Pop Art , dejó una seríe de obras de alto interés artístico, y creadores de la talla de Equipo Crónica, Equipo Realidad, Eduardo Arroyo, Juan Genovés, Darío Villalba, y Luis Gordillo; entre muchos otros.

image

Foto pintura. Equipo Crónica. Serie Negra; 1975.

Las imágenes que supieron crear estos, y otros artistas, verdadera borbojeante magma del Pop Art, permanecen imborrables sin remisión, en todos, y cada uno de nosotros. Podemos recordar con facilidad imágenes, que ya, son iconos del arte; como por ejemplo, lo es, el famoso Bote de Sopa Campbell, la Taza de Café de Lichtenstein, o la Marilyn de Warhol, que encabeza este artículo. Objetos industriales de consumo, lavadoras, tostadoras, aspiradoras, personajes famosos, anuncios publicitarios, sociedad de consumo, dinero, marqueting; todo esto y mucho más es el Pop Art.

Pop Art. Provocación, cinismo y frivolidad. Tomás Bartolomé

Arte. Pop Art. Pintura. Pintores. Warhol. Andy Warhol. Hamilton. Richard Hamilton. Londres. Nueva York. España. Mercado del Arte

,

Arte. Fernand Léger. Mecanización y Futurismo

image

Tres Mujeres. 1921. Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Fernand Léger. Argentan, 4/2/1881. Gif-sur-Yvette. 17/8/1955.

Un día frío del mes de febrero, en la Bretaña francesa venía al mundo, en una familia de agricultores, el que pronto seria bautizado por sus padres, con el nombre de Fernand, mas la alegría familiar duró poco, pues no había cumplido ni 2 años, cuando se quedó huérfano de padre.

El bachillerato lo realizó en una institución religiosa. 1897/99. Poco después,  Fernad Léger, se pone a trabajar en un estudio de arquitectura de la ciudad de Caen.

UN NUEVO SIGLO

1900. En busca de ocupacion y formación, se establece en París donde pronto ejerce como delineante, a la vez que realiza estudios de arte en la Académie Julián, una escuela de arte de carácter privado que gozó de gran popularidad, al ser la primera que permitía matricularse a las mujeres, y en la que además en el programa de estudios, se incluía la pintura del modelo al natural, (hombres y mujeres posaban desnudos).

1902/3. El cartero dejó una carta en el buzón, en la misiva se le comunicaba a Fernand Léger, su inminente ingreso en filas para así cumplir el servicio militar, algo que era totalmente obligatorio e ineludible. Terminado el servicio a la patria, Léger intentó matricularse en la Academia de Bellas Artes, pero como a menudo es frecuente, según en que ciudades, la empresa en París le fue harto imposible; como era más que probable, Fernand Léger, no fué admitido en la misma, tras lo cual el artista lo hizo finalmente en la Escuela de Artes Decorativas.

CÉZANNE LE MUESTRA EL CAMINO

La vanguardia está en Cézanne y Léger bebe ávido, e inmediatamente comprende con claridad  lo que vé, se identifica; al mismo tiempo, y ya dedicado de lleno a la pintura, traba amistad con el tándem Braque/Picasso. Mantiene con ellos, además de amistad, la misma forma de entender el arte, no en vano él mismo es un pintor cubista. En estos años, en 1907 concretamente, Pablo Picasso el gran genio malagueño, pintaba lo que sería el gran icono del cubismo, Las señoritas de Avignon.

La pintura de Léger se traduce en un exquisito trato al color y al uso de la modernidad, de principios del siglo XX, una modernidad, que se mantiene traducida transversalmente a nuestros dias, ahora tecnológicos. Fernad Léger utiliza formas geométricas, artefactos, robots, figuras tridimensionales, simbolismo…, mecanización y futurismo.

1910. Expone junto con Braque y Picasso en la galería de Daniel Henry Kahnweiler, un coleccionista y marchante de arte, que pronto tuvo a los 3 en cartera.1912, exposición individual de Léger, en la Galería Kahnweiler. 1914/17. Cine, colabora con el escritor Blaise Cendrars.

image

Composicion. 1926. Museo del Hermitage.

1920. Léger diseñó el vestuario y la escenografía los Ballets Suédois (suecos) que se encontraban instalados en el Teatro de los Campos Elíseos.

image

Dos figuras (Desnudos sobre fondo rojo). Les deux figures (Nus sur fond rouge). Two figures (Nudes on a red ground). 1923. Kunstmuseum Basel, Suiza. Foto. Archivos fondos propios, by TbArt.

1924. Necesita espacio y junto con el pintor cubista Amedée Ozenfant decide abrir un taller. 1925. Realiza unos murales para decorar el pabellón del Espíritu Nuevo de Le Corbusier.

DESCUBRE AMÉRICA

1931. Fernand Léger nunca había viajado al nuevo continente, él nunca había estado antes en  Nueva York y la ciudad le cautiva con su halo de modernidad. En 1935, expondrá por primera vez en la magnífica ciudad de los rascacielos; el lugar elegido, fue el Museo de Arte Moderno de Nueva York, también expondría Léger en el Instituto de Arte de Chicago.

1940/5. Se encuentra tan bien acogido en la ciudad de Nueva York, que a principios de la década de los años 40; años gloriosos en la gran metrópoli, decide fijar su residencia en la capital de EU, donde ejerce de profesor en la prestigiosa Universidad de Yale.

1945. Terminada la Segunda Guerra Mundial, regesa a Francia, donde la ultima década de su vida la dedica a pintar, ilustrar, esculpir, realizar vidrieras, mosaicos, escenografías, en 1955, recibe el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.

Finalmente fallece el 17 de agosto de 1955 en Gif-sur-Yvette, muy cerca de París.

Arte. Fernand Léger. Mecanización y Futurismo.

Arte. Fernand Léger. Léger. Pintores. Picasso. Braque. Académie Julián. Mecanización. Futurismo

, , ,

Self Portrait Red. Óleo/Lienzo. Tomás Bartolomé

image

Self Portrait Red. Tomás Bartolomé

Óleo/Lienzo. 2016

Hay aquí en esta pintura, un enigma sin respuesta y, no mucho más de mi vida. Tal vez algo de  autorretrato, un pequeño instante, congelado e intradiagetico, una introspección nunca ahora ya melancólica, mas triste, y una difícil pregunta…

¿Yo soy un campesino español; la nocturna cálida habitación roja, y también la casa?, o tal vez la desesperacion y el terrible grito de Bacon, Picasso, o Caravaggio.

Hurtas mi vulto y, cuanto más le debe
a tu pincel, dos veces peregrino,
de espíritu vivaz el breve lino
en las colores que sediento bebe,
vanas cenizas temo al lino breve,
que émulo del barro lo imagino,
a quien, ya etéreo fuese, ya divino,
vida le fió muda esplendor leve.
Belga gentil, prosigue al hurto noble;
que a su materia perdonará el fuego,
y el tiempo ignorará su contextura.
Los siglos que en sus hojas cuenta un roble,
árbol los cuenta sordo, tronco ciego;
quien más ve, quien más oye, menos dura.

Luis de Góngora

El poema se lo escribe el genial escritor en el año 1620, a un pintor que le está retratando.

Para cualquier consulta sobre esta  pintura. contacto. tomy.bart@hotmail.com

Nocturno rojo. Red night. Óleo/Lienzo. Tomás Bartolomé. Pintura. Los siglos que en sus hojas cuenta un roble, árbol los cuenta sordo, tronco ciego; quien más ve, quien más oye, menos dura.

Arte. Self Portrait Red. Tomás Bartolomé. Pintor. Pintores. Óleo. Góngora. Bacon. Picasso. Caravaggio

, , ,

Émile Zola. “La Obra”. Dramático almuerzo sobre la hierba

 

Émile Zola. (1868). Manet

Émile Zola. (París, 1840-1902). Hijo de un fugaz ingeniero veneciano, y de una complicada francesa, pronto, se quedaría huérfano, y así, se trasladará con la familia, a Aix-en-Provence, Fatigados desde entonces económicamente, pudo esto, influir negativamente, en el poco aprovechamiento de sus primeros estudios. Mal estudiante abandonó tempranamente las aulas.

Con 19 años Zola, regresa a París, donde realiza sus pobres estudios de bachiller luego suspendidos; así, su mala situación económica, y el poco aprovechamiento de sus estudios reglados, favorecería, pronto, un primer empleo como dependiente de librería; tenia, 22 años de edad. Ėmile precoz, ya se pone ha escribir, y publica artículos en diferentes diarios. Desde entonces escribe novelas. En 1870, con 30 años de edad, se casa. En 1878, adquiere una casa en Medán, que con el tiempo se convertirá en un lugar de reunión, para él, y sus amigos, entre los cuales se encuentran, escritores, pintores, escultores…, entre otros, Manet, Maupassant, Flaubert, o Cézanne. Desde 1897, Se implica en el caso Dreyfus, apoyando la causa de los judios franceses, con el famoso “Yo acuso”, artículo periodístico de gran repercusión mediática.

Escritor prolífico, es creador de más de 40 novelas, (ensayos, y obras de teatro). Entre la cuales citaré algunas como, Germinal, El Sueño, La Bestia Humana, El dinero. Pero, ahora nos detendremos en “La Obra” publicada en 1886.

Como hemos visto anteriormente, es amigo de pintores, que hoy, son estudiados, y ocupan un destacado lugar en la historia, del arte universal, de ese habitual trato, tomará apuntes, para lo que posteriormente, será considerada como una novela autobiográfica. También se le atribuye a La Obra, su enemistad con Cézanne (precursor del impresionismo), al sentirse reconocido este, en Claude Lantier, un pintor atormentado, finalmente destruido y consumido, en pos de una quimera.

Le Déjeuner sur L’Herbe. Almuerzo sobre la hierba. Manet. Musée. d’Orsay. Parīs.

En “La Obra”, también cobra importancia Le Déjeuner sur L’Herbe. Almuerzo sobre la Hierba, la aclamada obra maestra, del genial Manet.

Así, con soltura, (como veremos). Zola, describe, algo, que ocurre con frecuencia, cuando se trata de seleccionar, cuadros para cualquier concurso de pintura; donde un seleccionado jurado, valora las obras, a concurso, tal vez ahora inválidas, como abandonadas, y generalmente, tratadas como simples objetos desalmados; juzgadas, desposeídas, de calma, y detención; expuestas sobre un caballete, o simplemente apoyadas en la pared. Intrigas, son mudas testigos de manejos, celos, intereses, recomendaciones; deudas y amistades. iHagan juego señores! Las obras ahora están en sus desnudas manos marcadas.

LA OBRA. NOVELA. 1886

Dio un terrible campanillazo.

-Vamos señores, ya casi está… un poco de buena voluntad, por favor.

Por desgracia, apenas pusieron los primeros cuadros en el tablado, hubo otro contratiempo. Una tela entre todas atrajo su atención, de tan mala como le parecía, de un cromatismo tan áspero que hacía rechinar los dientes; y, al bajar la vista, se inclinó para ver la firma murmurando:

-¿Quien ha sido el cerdo que…?

Pero se levantó al punto, impresionado al haber leído el nombre de uno de sus amigos, un artista que era el bastión de los sanos principios. Confiando en que no le hubiera oído, exclamó:

-iMagnífico!… El número uno, ¿no, señores?

Y le concedieron el número uno, la admisión que daba derecho a los honores del cimacio. Sólo que se reían, se daban con el codo. Él se sintió muy herido por ello y adoptó una actitud hosca.

Pero todos hacían lo propio, muchos se desahogaban al primer vistazo, para luego, una vez descifrada la firma, corregir lo dicho; lo cual los acababa volviendo prudentes, les hacía arquear los hombros y cerciorarse del nombre con mirada furtiva, antes de pronunciarse. Por otra parte, cuando pasaba la obra de un colega, alguna tela sospechosa de ser de un miembro del jurado, se tenia la precaución de hacerse una señal de advertencia a espaldas del pintor:<<iCuidado con meter la pata, que es suyo.!>>.

Émile Zola. “La Obra”. Los sufrimientos de un desayuno sobre la hierba

Literatura. Escritores. Émile Zola. Zola. La obra. Arte. Cézanne. Desayuno sobre la hierba. Manet

,

Gustav Klimt. “Agradar a todos con tu arte, es malo”

image

GUSTAV KLIMT. Baumgarten, Austria, 14 de julio de 1862. Alsergrund, Austria, 6 de febrero de 1918.

PINTOR. SÍMBOLISMO. MODERNISMO. DECORACIÓN

Nació en un pueblecito cerca de Viena. Su padre era grabador de oro, su madre siempre quiso dedicarse al canto. Becado a los 14 años, empieza sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena, en la especialidad de pintura, y decoración de interiores.

1880. Realiza, algunos trabajos. En 1888, recibe la Orden de Oro al Mérito, por sus pinturas para el Teatro Imperial de la Corte, en Viena.

1890. Conoce a Emile Flöge, la mujer que le acompañaría hasta el final de su vida, y con la que tendría 14 hijos, pese a su fama de libertino y mujeriego, en su vida, nunca dio un escándalo, huía de las reuniones sociales, y llevaba una vida familiar sencilla. Sobre su manera de trabajar, febril y arrebatada, su familia opinaba, que las llamas de su genialidad acabarian consumiendolo en vida.

1892. Mueren su padre y su hermano, Ernst; su familia , la componían, tres hermanos y cuatro hermanas. En ese momento KLIMT, ya podia, ocuparse económicante de la familia, gracias a su trabajo de artista.

1894. Recibe el encargo de 3 pinturas, para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Los temas elegidos para las mismas, fueron, Filosofía, Medicina, y Jurisprudencia, que ya terminadas, provocan una sucesión de críticas adversas, y son tachadas ferozmente, de pornograficas, además, a algunos no les gusta, que el autor se autorretrate en forma de alegoría. La Universidad de Viena asustada y apocada, después de la polémica, y del gran escándalo sobrevenido decide no exponerlas.

KLIMT decide entonces, que no aceptará nunca más un encargo. En mayo de 1945 durante la retirada de las tropas nazis, las 3 pinturas de la discordia, fueron quemadas, arrojadas a una gran hoguera; aunque seguramente, en ese preciso momento, algún joven soldado alemán, enrojecería hasta la cejas, de vergüenza y asco, hacia sus mandos y la sociedad…, su misma sociedad.

1899. GUSTAV KLIMT, SE PLANTA DESAFIANTE

image

Nuda Veritas. La Verdad Desnuda. 1899.

Nuda Veritas es una verdadera declaración de intereses, nos muestra a una mujer de frente y desnuda…, en la mano derecha sostiene el espejo de la verdad. Con esta pintura el  artista, provoca a una sociedad, pacata, estrecha, y miedosa, que se niega a cambiar. En la cabecera de la pintura incluye el siguiente texto de Schiller…

«Si no puedes agradar a todos con tu Arte, agrada a unos pocos. Agradar a muchos es malo»

image

Detalle superior del cuadro con el texto de Schiller.

1903. Visita las ciudades de Florencia, Roma y Ravena. Sus pinturas están llenas de Alegorías y Simbolismos. Como herencia paterna, utiliza en sus cuadros pan de oro, como elemento ornamental. Le seduce sobre todas las cosas, la mujer con su sensualidad desnuda y desafiante, pero también realiza, retratos y paisajes.

image

El Beso. 1907/8.

1911. GUSTAV KLIMT recibe el primer premio de la Exposición Universal de Roma por su pintura La vida y la muerte. 1915. Fallece su madre Anne.

1918 . Fallece GUSTAV KLIMT

image

Retrato de Adele Bloch-Bauer I. 1907.

Durante toda su vida sus cuadros se vendieron bien, no pasó apuros económicos y pudo mantener su independencia, hoy sus pinturas se cotizan a gran altura, en el Mercado del Arte Internacional. Una de sus obras, Retrato de Adele Bloch-Bauer I, se vendió en 2006, por 135 millones de dólares.

Gustav Klimt. «Si no puedes agradar a todos con tu arte, agrada a unos pocos. Agradar a muchos es malo». Schiller.

GUSTAV KLIMT. ARTE. PINTORES. KLIMT. MODERNISMO. MERCADO DEL ARTE

,

Auguste Rodin. Arte para comer y Arte para transgredir

image

Foto. Los Burgueses de Calais. 1895.

Auguste Rodin. París 1840. Maudon, Francia, 1917.

Estudió en La Escuela de Artes Decorativas de PARÍS. Primeramente trabajó para otros escultores.

Cuando conoció al gran amor de su vida, y que siempre estaría a su lado, Auguste RODIN tenía 23 años, ella, Rose Beuret era costurera. También fue su inspiración, modelo y musa; poco después tendrían un hijo que llevaría los apellidos maternos.

ARTE PARA COMER

Realizaba sobre todo piezas decorativas para el consumo de la burguesía de su tiempo. Tenía 30 años, cuando se declaró la Guerra Franco/Prusiana. No participó en ella a causa de su mala visión, era un gran miope. Se traslada a Bruselas, allí trabaja en un taller de escultura ajeno. Es una época en la que el artista para poder subsistir necesita trabajar para otros. Ya establecido por su cuenta y gozando de un gran éxito, sus esculturas fueron tan demandadas, como falsificadas, en su taller trabajaban muchos, y los moldes de escayola, se apilaban monótonas, almacenadas en los estantes. Su arte se hizo entonces, comercial y mecanizado.

VIAJE INICIATICO A ITALIA

Con 35 años, Auguste RODIN viaja a Italia donde estudia a los grandes maestros Miguel Ángel y Donatello.

REGRESO A PARÍS, Y DENUNCIA, POR TRAMPOSO

Una obra suya «La Edad de Bronce«, una escultura a tamaño natural de un hombre desnudo, (primera obra en bronce de Rodin) es el punto de partida para un estilo más personal. Con «La Edad de Bronce» llega la polémica; muchos son los que creen, que no puede haber tanta perfección en una escultura, sin hacer trampas y acusan/opinan que RODIN obtiene sus moldes directamente del cuerpo del modelo, y no del modelado del barro en el taller. Al fin se demuestra la verdad (su maestría), por medio de  documentos gráficos, y testimonios de testigos, y se le autoriza por fin a fundir su veraz obra en bronce.

image

Foto. La edad de bronce. Mármol.

Edgard Degas, declara a favor de AUGUSTE RODIN en el proceso,  aportando su testimonio personal, demuestra que Auguste RODIN, no es un farsante, sino más bien un escultor, que no hace trampa y que modela sus esculturas en barro, copiando del modelo, y guiándose por sus dibujos. Demostrándose así…, «su inocencia y su genialidad al mismo tiempo».

ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste RODIN alcanza la fama. Desde ese momento, podrá elegir sus propios trabajos. La pieza de la polémica, «La edad de bronce», es finalmente adquirida por el estado francés.

iSu fuerza creadora se desborda, es el momento de mostrar otros caminos; caminos nuevos!

image

Los Burgueses de Calais

En esta época de controversia y transgresión, realiza » Los Burgueses de Calais», en ella representa a seis Nobles de Calais que van a ser sacrificados, pronto darán sus vidas por los vecinos de la ciudad. La historia de este hecho se produce durante el asedio de las tropas inglesas a Calais, Francia, al inicio de la Guerra de los Cien Años, en 1347.

RODIN se especializa en la anatomía del cuerpo humano. Su calidad, es indiscutible; tan perfecta, que como hemos visto anteriormente levanta sospechas. Su poética sensibilidad, se funde con la naturaleza de la piedra y sus manos de exquisito cirujano, trabajan la píel del frío mármol insuflandole calor… La piel…,  y la piedra

Ahora el escultor por fin tiene su propio taller donde trabajaban, una veintena de canteros. RODIN también revoluciona la ESCULTURA en espacios públicos.

En 1886 conoce a la escultora Camille Claudel y se casan, viajan por Francia e Inglaterra. Dos años después abren un taller de ESCULTURA. El matrimonio no va bien. Debussy, (el afamado músico), se enamora perdidamente de Camille. Los esposos permanecen separados. Camille vive entre la miseria y el abandono; echa toda la culpa de su mala situación personal y profesional al escultor y  en diferentes ocasiones, presa de ira, y  desesperación destruye parte de su obra, y negocia ventas por su cuenta. Está enferma, y acaba ingresando en un hospital para enfermos mentales.

SE CASA CON ROSA BEURET EL GRAN AMOR DE SU VIDA

Finalmente en 1917, RODIN, se casa con Rose Beuret, su novia de toda la vida a la que conoció con 23 años, y con la que tuvo un hijo que llevaba los apellidos maternos, y con la que por fin contraería matrimonio a los 77 años de edad. Tristemente, los dos enamorados fallecen el mismo año de su boda, primero Rosa, y luego a los pocos meses Auguste. Un final agridulce para uno de los escultores mas grandes de todos los tiempos.

Los museos que más obras de RODIN contienen, son: El Museo Rodin de París, merece una visita, es un museo maravilloso, y el Museo Rodin de Filadelfia, Pensilvania.

AUGUSTE RODIN. ARTE PARA COMER Y ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste Rodin. Rodin. Escultura. Escultores. La edad de bronce. Los burgueses de Calais. Arte

,

Vilhen Ammershøi. La casa. Pulcritud íntima, hogar minimalista

image

AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1895. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi. Copenhague 13 de Mayo de 1864. Copenhague, 13 de febrero de 1916.

Miembro de una pequeña parte de la sociedad privilegiada de aquella época, en la que Dinamarca se encontraba en guerra con el Imperio Astríaco, (Guerra de los Ducados, 1 de febrero de 1864, 30 de octubre del mismo año), -los daneses salieron derrotados-, nació en Copenhaguen, VILHEN AMMERHSØI, en una buena casa de acaudalados comerciantes, realizó estudios con varios maestros, y también, en la Facultad de Bellas Artes de Copenhague.

En él se despertó pronto como un rayo la pasión por el arte, y ya, a la corta edad de 8 años comenzando, en el intimo mundo del artista que mira sin ser percibido, que se llena observando, escrutando, y él, es a su vez mirado, en un raro desdoblamiento psíquico. 

image

AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1911. Foto vía internet.

Su pintura muy de la época, obtuvo rápidamente éxito y reconocimientos en todo el mundo. Con 27 años AMMERSHØI felizmente encuentra, a la que desde entonces, será su modelo y compañera hasta el final, se trata de Ida Listed, hermana de Peter Listed, un compañero de trabajo  de Vilhen Ammershøi, además de amigo, que también es pintor; y lo curioso, es que sus obras y las de su cuñado Peter, se parecen mucho, como podemos ver seguidamente…

image

Sunshine falling on a door. Peter Listed (pintor y hermano de Ida, modelo, y compañera de AMMERSHØI). Foto vía internet.

En 1887 VILHEN AMMERHSØI realiza un viaje iniciatico a Holanda, para poder contemplar las pinturas de Vermeer por primera vez… Así, Vermeer el pintor holandés, se convierte así en un motor inspirador para él, a la vuelta de dos siglos.

image

BEDROOM. VILHEN AMMERHSØI. 1890. Foto vía internet.

LA CASA DE AMMERSHØI

Es el interior de la casa que a todos nos es familiar; a ella se mudan Vilhen e Ida, en el año de 1898, y es retratado sin pudor en los cuadros del artista, profusamente; de ella lo conocemos casi todo; las ventanas, las puertas, los muebles, las cortinas, los objetos domésticos, y la calidad de la luz, que rendijera, parece flotar en el recogimiento de sus exhibicionistas escenas, y que armónicamente se cuela por la ventanas, pero siempre, siempre…,  de una forma matizada y esquinada. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

image

Petri Kirken in Copenhaguen. VILHEN AMMERSHØI. 1906. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi pinta en su Copenhague natal, retratos, paisajes, arquitecturas, pero sobre todo, sus íntimos y suaves interiores, cargados de una atmósfera poética, de una luz y perspectiva que atrae; así como nos atrae también, el retrato de un mujer ensimismada y, secretamente observada; se trata de su modelo-mujer-esposa-Ida.

image

IDA READING A LETTER. Ida leyendo una carta. VILHEN AMMERSHØI. 1899. Foto vía internet.

Mercado del Arte. En 2012. Vilhen Ammershøi se convierte, en el artista mejor pagado de Dinamarca al ser subastado, y vendido un cuadro suyo, «Ida reading a letter«, (Ida leyendo una carta), en Sotheby’s, Londres, por la respetable cantidad de 1.721.250 libras.

Vilhen Ammershøi. La casa de Ammershøi. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

Arte. Vilhen Ammershøi. Ammershøi. Pintores. Mercado del Arte.  Copenhague. Dinamarca