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Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé

PAISAJE CON ARPÍO. TOMÁS BARTOLOMÉ

Técnica Mixta Sobre Cartulina

Arpía, Arpío:

En la mitología griega, “Que vuela y saquea”. Hermosas mujeres aladas. Criaturas de adorables cabellos, y apariencia monstruosa. Castigadoras, sus actos delictivos, fueron siempre, violentos y maléficos.

Fabio y Licori, ramera

De la astuta Licori á los umbrales

Te vió saliendo el sol, ¡oh Fabio amigo!

Creció en su luz el dia, y fue testigo

De tu lamento y quejas desiguales.

Oyó tambien el Héspero tus males,

La blanca luna se dolió contigo;

Mas el ingrato dueño, tu enemigo,

Ni aun de corta piedad mostro señales.

¿Cuál otro galardón en tal porfia,

Inútil yedra de su puerta, esperas?

¿Hasta cuándo tu propio engaño adoras?

Huye la fiera Circe y cruel arpía,

Que alegra en ver que por su causa mueras,

Riendo está lo mismo que tú lloras.

Juan de Arguijo

Arte. Paisaje con Arpío. T. Bartolomé

Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé

Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé. Arpía. Arte abstracto. Tomás Bartolomé

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Arte. Juan Gris. Siempre Fiel al Cubismo

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“Juan Gris”. José Victoriano González Pérez

Madrid. 23/3/1887. Boulogne-sur-Seine. 11/5/1927. Con solo 40 años de edad.

Juan Gris nace en Madrid en el seno de una familia acomodada. Con 17 años comienza su formación artística en la Escuela de Artes y Manufacturas de Madrid, y en el estudio de pintura de José Moreno Carbonero.

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Ilustración de Juan Gris

Sus primeros pasos profesionales, los da en el campo de la ilustración, y realiza trabajos para algunas conocidas revistas de la época en España. Pronto su deseo es conocer la bohemia de un París, lleno de artistas y envuelto en una alta fiebre creadora. En1906, con solo, 19 años, se establece en el barrio de Montmartre donde, desde lo alto de la colina, París, su sueño, se despliega majestuoso, bajo el basto plomizo horizonte; allí conocería  enseguida a Pablo Picasso, Fernand Léger, y Georges Braque… ¡Quien da más!

Para buscarse la vida en aquel fascinante París de principios del inquieto siglo en lo que todo bullía, tuvo que dedicarse a realizar dibujos para revistas…, ¡otra vez la ilustración!

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Retrato de Pablo Picasso. 1912. Art Institute de Chicago.

CUBISMO

1910. El madrileño Juan Gris a la edad de 23 años, rasga el velo del Cubismo. Por fin deja atrás el arte de subsistir y, comienza arrollador, el fabuloso arte de transgredir, como antes le ocurriera a Goya, Rodin, o tiempo después a Rauschenberg.

1912. Juan Gris presenta varias pinturas cubistas en el Salón de los Independientes de París.

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Bodegón con persiana. 1914. Tate Gallery. Londres.

1913. Juan Gris. Reside en Ceret una pequeña localidad francesa cercana a España, situada en los Pirineos Orientales. En esta ciudad tan relacionada con el cubismo, y en la que ya había residido Pablo Picasso en 1911, pinta, y experimenta con el Papier Collé, una técnica pictórica, y de collage, que se basa en pegar recortes sobre la pintura, y que es considerada, una aportación exclusiva de Juan Gris al cubismo. Georges Braque otro de los fundadores del Cubismo junto con Pablo Picasso es a si mismo, aceptado como el inventor del Collage. Entre 1911 y 1914. Georges Braque y Pablo Picasso, ya, pintan juntos, en Ceret, algunas pinturas Cubistas.

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Retrato de Madame Jossete Gris. 1916. Museo Reina Sofía. Madrid

Con el tiempo la relación de Juan Gris y Pablo Picasso, se fue haciedo más distante, y mientras que Picasso evolucionaba hacia un arte más figurativo, Gris en cambio se mantiene en un cubismo a ultranza… Juan Gris es, Siempre fiel al Cubismo.

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Botella y Florero. 1919. Thyssen Bornemisza. Madrid

ETAPA FINAL

Juan Gris diseña escenografías para el ballet ruso Diaghilev.

Fallece de tuberculosis con solo 40 años.

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La ventana abierta. 1921. Meter Collection Zurich

En España, podemos ver obra de este gran artista, en el Museo Reina Sofía, Fundación Telefonica, Museo Thyssen Bornemisza, y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Arte. Juan Gris. Siempre fiel al Cubismo.

Arte. Juan Gris. Cubismo. Cubistas. Picasso. Braque.

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Cardoso. Acuarela. “A menudo pisamos los valles de Castalia”

 

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 Cardoso. Acuarela

¡CARDOSO AHORA!

Cardoso, ahora, (muy temprano)…,

Ya estará con Negro. (Su perro, negro, que encontró perdido),

Transitará alguna estrecha y verde vereda.

«A orillas del Tormes»

Llevando pensamientos

Recuerdos,

Rumores de cañas.

De fronda…

«Donde el amable río fluye cerca».

Regresa presto al hogar-estudio.

A su atalaya almenada,

Aplicadamente en su oficio…

¡Pero, hoy en la terraza! «Si hace bueno».

Limón, ligero oro,

Lino brillante.

Carpetas…, pinturas por acabar,

Le esperan (esperan)… iTal vez hoy si!

Tomás Bartolomé

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Amor intellectualis

A menudo pisamos los valles de Castalia

Y de antiguas cañas oímos la música silvana,

Ignorada del común de las gentes;

E hicimos nuestra barca a la mar

Que Musas tienen por imperio suyo,

Y aramos libres surcos por ola y por espuma,

Y hacia lar más seguro no izamos reacias velas

Hasta bien rebosar nuestro navío.

De tales despojados tesoros algo queda:

La pasión de Sordello y el verso de miel

Del joven Endimión; altivo Tamerlán

Portando sus jades tan cuidados, y, más aún,

Las siete visiones del Florentino.

Y del Milton severo, solemnes armonías.

 Oscar Wilde

Cardoso. Acuarela. A menudo pisamos los valles de Castalia y de antiguas cañas oímos la música silvana, ignorada del común de las gentes.

Cardoso. Acuarela. Pintura. Pintores. Poesía. Oscar Wilde.

 

 

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Arte. Renoir. «Aline». Mujer Modelo, Mujer Esposa

Impresionismo

EL ALMUERZO DE LOS REMEROS

PIERRE AUGUSTE RENOIR. 1841 LIMOGES. 1919 DOMAINE DES COLETTES.

Renoir es el sexto de siete hermanos, su familia es, en origen, humilde; su padre sastre, su madre costurera, se trasladan a París en busca de estabilidad profesional, cuando Auguste tiene solo 4 años. Muy pronto, el Renoir niño, empieza a pintar las maltratadas paredes del sencillo y agitado hogar, con trozos de negro carbón…

Su vocacion es tan pura y clara como un límpido y frío brillo de adiamantada belleza

1862 RENOIR ingresa en la Escuela de Bellas Artes. Comienza así una etapa adulta no exenta de riesgo y vocación, y también, de dura pobreza, en la que el artista vive de prestado en casa de amigos de la talla, de Bacille, Sisley, o Monet. Los 4 pintan en ocasiones juntos, por los alrededores de París.

Para Renoir el «Louvre» es como su casa y Delacroix su maestro

1870 COMIENZA LA GUERRA FRANCO PRUSIANA

Renoir es reclutado y destinado a caballería. En la brutal contienda muere su querido amigo Bacille. Sangrienta y triste hasta la nausea, es la oscura hiel, que se se ceba en Europa, Auguste Renoír resulta muy afectado por la pérdida del pobre Bacille. Ya licenciado, Renoir se traslada a vivir a Montmartre en 1873/84. En este barrio de la bohemia parisina, el pintor sería muy feliz, por primera vez se siente de algún lugar, y lo más importante de todo, conoce a la que sería su gran amor Aline.

A ORILLAS DEL SENA

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En una caseta entre cañas y varetas, a orillas del Río Sena los parisinos huyen del calor de la gran metrópoly  para beber, comer, y darse un refrescante baño  en tan míticas aguas. El río en verano alegra la vida a los vecinos de la gran urbe capitalina. La que se convertiría finalmente en esposa del pintor, Alíne Charigot, posa para el artista en muchas ocasiones, pero ahora nos fijaremos en una de sus pinturas más emblemáticas…

«EL ALMUERZO DE LOS REMEROS». ÓLEO (1881)

En primer plano a la izquierda del cuadro, sentada, se encuentra Aline ¡tan jóven!, con su sombrero floreado y haciéndole mimitos a un caniche pequinés.

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EN EL ALMUERZO DE LOS REMEROS. Aline tiene 22 años, Renoir, 40. Se casaron 9 años más tarde en París, corría el año 1890.  Tuvieron 3 hijos.

GUSTAVE RENOIR Y “ALINE” CHARIGOT

Se conocieron en 1880, eran vecinos, Aline oficiaba de costurera, al igual que su madre. Era una guapa modistilla que paseaba su gracia femenina por el barrio de Montmartre; en esas  mismas calles de París de las que era vecino Auguste RenoirPronto surgió entre ellos una fuerte atracción. Fue como una luminosa y brillante descarga eléctrica. Además de en su modelo, pronto Aline, se convirtió en su enamorada musa y en fuente continua de inspiración. La década de los 80 fué muy importante para RENOIR (ahora padre); pues significó una cierta estabilidad económica y le salvó a él y a su familia de morir en la más absoluta indigencia.

RENOIR ÉXITO Y RECONOCIMIENTO

El pintor, por fin, empieza a recibir encargos regularmente; en 1900 logra el éxito con rotundidad, es internacionalmente reconocido y recibe premios y homenajes.

DESENLACE

Después de una vida en la que compartieron amor y éxito, llegó otra en la que el sufrimiento se instaló en las vidas de Aline y Gustave…

LA  GRAN CARNICERÍA. (1914), comienza la Primera Guerra Mundial.

Dos de los tres hijos de Aline y Renoir, son llevados al matadero, a aquella enorme trituradora de carne humana, (y animal) fruto de la sinrazón que fue lo que se conoce como La Gran Guerra. Resultan los dos gravemente heridos.Encontrándose Aline visitándolos, fallece (1915) a causa del agotamiento, y la diabetes que padece desde hace mucho tiempo, y que ahora se agrava con tanto dolor. Muere Aline tres años antes que Renoir.

Renoir es considerado un pintor impresionista, y por supuesto uno de los más importantes de la historia del arte.

*La primera exposición impresionista, se celebró en Paris el año 1874 y resultó, un rotundo fracaso con ácidas y descalificantes críticas. Participaron en este histórico evento 29 artistas con 165 obras».

Renoir, falleció (1919), de una pulmonía a los 78 años.

Arte. Renoir. Aline, su gran amor, mujer modelo, mujer esposa.

Arte. Auguste Renoir. Renoir. Pintura. El Almuerzo de los Remeros. Aline

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¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Plensa, se queda

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Jaume Plensa. Tomás Bartolomé. Óleo cartón. 2016

¡AY, CARMELA!

El escultor barcelonés Jaume Plensa; Barcelona 1955, tiene su estudio muy cerca de la Ciudad Condal. Escultor, Grabador, Dibujante, Arquitecto, Ilustrador etc. Es uno de los artistas españoles más cotizados en el Mercado de Arte Internacional.

Los vecinos del barrio, no querían que la cabeza de niña (CARMELA) de Plensa (4 metros de altura, de pesado hierro fundido), que se encontraba situada frente al Palau de la Música de Ciutat Vella, dejara la vecindad del centro histórico… Como estaba previsto, aquella gran y bella cabeza, era para casi todos, como algo, que sentían, que había llegado hasta allí, para quedarse; pero el plazo de su retirada, inexorablemente vencía ,como un árbol viejo, que arrastra sus secas ramas, al final de su impávida vida… ¡Y, sí, las obras de PLENSA están pensadas para la eternidad!

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CARMELA. Esta magnifica foto pertenece a su autor Carles Rivas, imagen via internet

La rotunda escultura CARMELA impresionante y bella, es pesada y etérea, hecha para quedarse, atrás quedaron, las fotografias previas, y el trabajo de estudio.
El tiempo era tasado, debería haber sido retirada ya, hace mucho tiempo, (el extinto día 18 del mes de septiembre de 2016)… ¡PERO CAMELA SE QUEDA!

Lo pidieron los vecinos y Plensa se siente feliz, la cederá gratis al ayuntamiento 8 años más, con opción a prorroga; (como es natural, aunque, esta no debería ser la única opción). El consistorio, correrá con los gastos de fabricación y mantenimiento, y también, habrá que hacerle una peana más duradera a la bella cabeza. Mas el ayuntamiento no la adquirirá como era su interés; además, la cabeza de niña había sido en principio comprometida con otro comprador, que elegantemente, al fin se abstendrá. La magnífica escultura está valorada en 500.000/700.000 euros. Pero bueno, Plensa está contento. Se encuentra en Barcelona ciudad a la que ama, de ella dice, «Como no vas a querer el lugar donde naciste».

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LA FUENTE CROWN. Chicago. Foto internet.

Plensa ha estado exponiendo recientemente sus obras en USA; Nashville, Tampa, y Toledo, fueron las ciudades elegidas, en todas ellas, las piezas mostradas, fueron finalmente adquiridas, y se quedaron allí; actualmente PLENSA tiene a punto de inauguración, una obra en Toronto, y está trabajando, en un proyecto para Montreal, ahora, vive más en los aviones y hoteles, que en su estudio taller de Barcelona.

LA FUENTE CROWN 2004.  En el “PARQUE MILLENNIUM” de la ciudad de CHICAGO. Es un verdadero icono para la gran urbe, y una magnífica inversión para la ciudad y la ciudadanía.

UNA GRAN ESCULTURA DE 52 METROS DE ALTURA JUNTO AL MAR

En Barcelona su ciudad natal acaricia un gran sueño, una escultura junto al mar. Las cosas van despacio, pero PLENSA, sabe esperar. La escultura que presentó en Venecia podría ser un avance sobre la presentada para la Ciudad Condal.

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MIST. Basílica San Giorgio Maggiore. La cabeza de PLENSA en Venecia. Esta foto pertenece a su autor, y fue obtenida via internet.

El proyecto, como no puede ser de otra manera es importante y complejo, pero hay voluntad de acuerdo por las dos partes, PLENSA, artista muy cotizado mundialmente, ofrece la escultura a sus vecinos de BARCELONA gratuitamente, (solo se tendrían que abonar los costes y el mantenimiento), que aún así son elevados, y no son ahora momentos, de inversiones ávidas, pero difíciles de abordar económicamente, mas no debemos de olvidar nunca el arte, lo que este nos ofrece; y, si es de calidad, este, debe ser justamente valorado. El Ayuntaminto de Barcelona tiene ante sí, sin duda, una gran oportunidad, no exenta de rentabilidad.

¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.

Jaume Plensa. Plensa. Escultores. Escultura. Arte Contemporáneo. Carmela. Barcelona. Mercado del Arte. Pintura. Tomás Bartolomé

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Arte. Fernand Léger. Mecanización y Futurismo

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Tres Mujeres. 1921. Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Fernand Léger. Argentan, 4/2/1881. Gif-sur-Yvette. 17/8/1955.

Un día frío del mes de febrero, en la Bretaña francesa venía al mundo, en una familia de agricultores, el que pronto seria bautizado por sus padres, con el nombre de Fernand, mas la alegría familiar duró poco, pues no había cumplido ni 2 años, cuando se quedó huérfano de padre.

El bachillerato lo realizó en una institución religiosa. 1897/99. Poco después,  Fernad Léger, se pone a trabajar en un estudio de arquitectura de la ciudad de Caen.

UN NUEVO SIGLO

1900. En busca de ocupacion y formación, se establece en París donde pronto ejerce como delineante, a la vez que realiza estudios de arte en la Académie Julián, una escuela de arte de carácter privado que gozó de gran popularidad, al ser la primera que permitía matricularse a las mujeres, y en la que además en el programa de estudios, se incluía la pintura del modelo al natural, (hombres y mujeres posaban desnudos).

1902/3. El cartero dejó una carta en el buzón, en la misiva se le comunicaba a Fernand Léger, su inminente ingreso en filas para así cumplir el servicio militar, algo que era totalmente obligatorio e ineludible. Terminado el servicio a la patria, Léger intentó matricularse en la Academia de Bellas Artes, pero como a menudo es frecuente, según en que ciudades, la empresa en París le fue harto imposible; como era más que probable, Fernand Léger, no fué admitido en la misma, tras lo cual el artista lo hizo finalmente en la Escuela de Artes Decorativas.

CÉZANNE LE MUESTRA EL CAMINO

La vanguardia está en Cézanne y Léger bebe ávido, e inmediatamente comprende con claridad  lo que vé, se identifica; al mismo tiempo, y ya dedicado de lleno a la pintura, traba amistad con el tándem Braque/Picasso. Mantiene con ellos, además de amistad, la misma forma de entender el arte, no en vano él mismo es un pintor cubista. En estos años, en 1907 concretamente, Pablo Picasso el gran genio malagueño, pintaba lo que sería el gran icono del cubismo, Las señoritas de Avignon.

La pintura de Léger se traduce en un exquisito trato al color y al uso de la modernidad, de principios del siglo XX, una modernidad, que se mantiene traducida transversalmente a nuestros dias, ahora tecnológicos. Fernad Léger utiliza formas geométricas, artefactos, robots, figuras tridimensionales, simbolismo…, mecanización y futurismo.

1910. Expone junto con Braque y Picasso en la galería de Daniel Henry Kahnweiler, un coleccionista y marchante de arte, que pronto tuvo a los 3 en cartera.1912, exposición individual de Léger, en la Galería Kahnweiler. 1914/17. Cine, colabora con el escritor Blaise Cendrars.

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Composicion. 1926. Museo del Hermitage.

1920. Léger diseñó el vestuario y la escenografía los Ballets Suédois (suecos) que se encontraban instalados en el Teatro de los Campos Elíseos.

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Dos figuras (Desnudos sobre fondo rojo). Les deux figures (Nus sur fond rouge). Two figures (Nudes on a red ground). 1923. Kunstmuseum Basel, Suiza. Foto. Archivos fondos propios, by TbArt.

1924. Necesita espacio y junto con el pintor cubista Amedée Ozenfant decide abrir un taller. 1925. Realiza unos murales para decorar el pabellón del Espíritu Nuevo de Le Corbusier.

DESCUBRE AMÉRICA

1931. Fernand Léger nunca había viajado al nuevo continente, él nunca había estado antes en  Nueva York y la ciudad le cautiva con su halo de modernidad. En 1935, expondrá por primera vez en la magnífica ciudad de los rascacielos; el lugar elegido, fue el Museo de Arte Moderno de Nueva York, también expondría Léger en el Instituto de Arte de Chicago.

1940/5. Se encuentra tan bien acogido en la ciudad de Nueva York, que a principios de la década de los años 40; años gloriosos en la gran metrópoli, decide fijar su residencia en la capital de EU, donde ejerce de profesor en la prestigiosa Universidad de Yale.

1945. Terminada la Segunda Guerra Mundial, regesa a Francia, donde la ultima década de su vida la dedica a pintar, ilustrar, esculpir, realizar vidrieras, mosaicos, escenografías, en 1955, recibe el Gran Premio de la Bienal de Sao Paulo.

Finalmente fallece el 17 de agosto de 1955 en Gif-sur-Yvette, muy cerca de París.

Arte. Fernand Léger. Mecanización y Futurismo.

Arte. Fernand Léger. Léger. Pintores. Picasso. Braque. Académie Julián. Mecanización. Futurismo

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Arte. «Paisaje en los campos de Zamora. T. Bartolomé

 

Paisaje en los campos de Zamora

Paisaje en los campos de Zamora. Tomás Bartolomé.

Paisaje en los campos de Zamora. Tomás Bartolomé

Técnica mixta, óleo, acrílico, lienzo. 22 x 27 cms.

Painting title: «Landscape in the fields of  Zamora»

Mixed media, oil, acrylic, canvas. 22 x 27 cms.

El paisaje que tiñe mis ojos, de campos marrones claros, ocres, sienas, barrosos; húmedos en la tormenta, secos en días de siega y sol, de tabaco y bota, siesta escocedura y corte.

PAISAJE EN LOS CAMPOS DE ZAMORA

Un paisaje

Unos campos de labor…

Barro cuando llueve

Heridos hierros oxidados 

impregnados en el barro de centeno

De mis abrasados y cegados ojos

En la caliente sangre y la saliva pegajosa

De mis primeros recuerdos de juego y muerte

El sufrido centeno, cerca del campo

Del campo de labor

¡La cebada! …

En la mejor tierra zamorana

En la cortina cerrada

Piedra de afilar, hoz y siega

Mediado julio, sangre sudor

Ropa gastada y vieja, remendada el alma

Desapego inocente, arcano eterno

Aguardiente al alba

Cocido, vino, tabaco, y siesta

Picaduras, cortes, nudos en las gavillas…

Cántara de agua fresca.

Tomás Bartolomé

Arte. Tomás Bartolomé. «Paisaje en los campos de Zamora». Painting. «Landscape in the fields of Zamora». Óleo, acrílico; lienzo.

Esta pintura participó en Art Fair Málaga Feria de Arte Contemporáneo que se celebró en la ciudad de Málaga, del 30 de junio al 2 de julio de 2017, en el Palacio de Ferias y Congresos.

Más información. Interesados en esta pintura. contacto@tomasbartolome.com

Arte.Tomás Bartolomé. Paisaje en los campos de Zamora. Landscape in the Fields of  ZamoraÓleo

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Arte. Barceló. Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

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Miquel Barceló. Felanitx, Mallorca, 1957

-Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

-Premio Nacional de Artes Plásticas. 1986

-Premio Príncipe de Asturias  de las Artes. 2003

-Único artista contemporáneo vivo, que ha expuesto en el Museo de el Louvre

-Doctor Honoris Causa por la Universidad de Salamanca, 22 de septiembre de 2017, en el 800 aniversario de su creación. Estos son, solo algunos de los innumerables premios que ha recibido el Artista Mallorquín.

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Pintor arrodillado. 1983. Litografía.

Los padres de Barceló, bien situado, son una familia acomodada de terratenientes. Su madre, aún le acompaña a las exposiciones siempre que puede. Locuaz es amable con todos, ella pintaba; y en su casa siempre había material de pintura. Cuenta sobre Miquel, «Era un niño inquieto y revoltoso, que de esta manera, (pintando) se estaba quieto un rato».

Estudió en la Escuela de Artes Decorativas de Palma de Mallorca, y en la Escuela de Bellas Artes de Sant Jordi. En ellas permaneció apenas dos años, luego arrebatado, e inquieto, desistió  finalmente convencido, de los insulsos y convencionales manidos estudios reglados.

Autodidacta (él mismo, se encargó de su formación artística).

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Biblioteca. Miquel Barceló 

En los primeros tiempos Miquel Barceló se aparta; trabaja intensamente, se considera a sí mismo, al margen, un pijo aparte,  un verso suelto, que joven, se fuga valiente, sin contemplaciones, fuera de los límites de la cultura oficial.  Son años muy espidicos, en los que el joven artista vive y pinta. Los paraísos artificiales, a cada esquina, y “algo pa fumar”, en el bolsillo, del pantalón,  forman parte de la aventura del momento, y del chisposo, paisaje urbano, variado y colorido, de aquellos emocionantes, años 80. Locos…, y desbocados años…, en España.

Según él mismo, ha declarado, sin cortarse, en alguna ocasión,

«Tomé mucho acido durante algún tiempo, creo que el LSD, ayuda a la creación artística… Ahora ya no lo tomo»

«Me libré de la mili, haciéndome pasar por loco. Lo conseguí, me lo curré mucho. ¡Me diagnosticaron una Psicopatía!»

Vayamos a su Arte

Miguel Barceló, empezó pintando en grandes formatos, utilizando materiales baratos, como, harina, cartón, o ceniza, que luego mezclaba, y después pintaba. Muy pronto su evidente genio es reconocido. Con solo 29 años de edad, obtiene el Premio Nacional de Artes Plásticas en 1986.

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Malí. Miquel Barceló

Miquel Barceló reside entre París, Mallorca, mas también residió, en una aldea de Malí, en ella Barceló llegó a pasar grandes temporadas, trabajando con un magnífico barro rojizo que plenamente felices, hoyaban, pisando sus europeos pies blancos, golpeándolo, con sus puños, y también pintándolo. En esta ciudad que transitando habitó, le gustaba encerrarse en su choza estudio y pintar (concentrado). absolutamente solo con la atmósfera, de la luz y la sombras. Su relación con Malí, se remonta muy lejos en el tiempo, viene de el año 1988.

Miquel Barceló 

Le inspira el paisaje africano…

Le dan sus frutos…

El desierto, el río, la pesca…

«El barro al que tanto ama»

T. Bartolomé

En el sencillo y arcilloso poblado africano es considerado un vecino más, allí Barceló, es el pintor y tiene su sitio, (ocupa su lugar), todos los vecinos lo admiran y quieren, y él también a ellos.

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Capilla de la Catedral de la Seu, Mallorca

ALGUNAS DE SUS OBRAS

2007 Un Año Importante 

En 2007 termina la Capilla (elaborada en arcilla), de la Catedral de la Seu de Mallorca. El mismo año, que también se inaugura la monumental Cúpula de una de las salas de las Naciones Unidas de Ginebra. La magna intervención, no estubo exenta de polémica (Se acusó a la obra, de deficiencias técnicas, al desprenderse parte de la materia, adherida a la cubierta), por ello, fue criticada profusamente por algunos medios, y provocó un gran terremoto informativo.

La intervención de Barceló, es una…

Arriesgada apuesta. Valentía, innovación, trabajo y transpiración

Espesa y carnosa, está cargada de una colorida y mastodontica materia, su costo final fue, de 20 millones de euros. Contiene (soporta), 35.000 kilos de pintura, y ocupa 1.400 mts de superficie.

Barceló, bajo, la Cúpula de una de las salas de las Naciones Unidas de Ginebra

El artista actualmente expone en las ciudades más importantes del mundo, y está considerado uno de los pintores españoles más importantes del momento, su prestigio es enorme. Es también el pintor español contemporáneo mejor cotizado en el Mercado del Arte Internacional.

Por su última obra subastada, se pagaron, 4’4 Millones de Euros

Arte. Barceló. Premio Nacional de Arte Gráfico 2014

Pintura. Miquel Barceló. Barceló. Pintores. Arte Gráfico. Mercado del Arte

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Arte. Landscape. El agua de aquel río

Landscape. Tomás Bartolomé. Técnica mixta sobre cartulina

EL RELOJ DE ARENA

Está bien que se mida con la dura
Sombra que una columna en el estío
Arroja o con el agua de aquel río
En que Heráclito vio nuestra locura

El tiempo, ya que al tiempo y al destino
Se parecen los dos: la imponderable
Sombra diurna y el curso irrevocable
Del agua que prosigue su camino.

Está bien, pero el tiempo en los desiertos
Otra substancia halló, suave y pesada,
Que parece haber sido imaginada
Para medir el tiempo de los muertos.

Surge así el alegórico instrumento
De los grabados de los diccionarios,
La pieza que los grises anticuarios
Relegarán al mundo ceniciento

Del alfil desparejo, de la espada
Inerme, del borroso telescopio,
Del sándalo mordido por el opio
Del polvo, del azar y de la nada.

¿Quién no se ha demorado ante el severo
Y tétrico instrumento que acompaña
En la diestra del dios a la guadaña
Y cuyas líneas repitió Durero?

Por el ápice abierto el cono inverso
Deja caer la cautelosa arena,
Oro gradual que se desprende y llena
El cóncavo cristal de su universo.

Hay un agrado en observar la arcana
Arena que resbala y que declina
Y, a punto de caer, se arremolina
Con una prisa que es del todo humana.

La arena de los ciclos es la misma
E infinita es la historia de la arena;
Así, bajo tus dichas o tu pena,
La invulnerable eternidad se abisma.

No se detiene nunca la caída
Yo me desangro, no el cristal. El rito
De decantar la arena es infinito
Y con la arena se nos va la vida.

En los minutos de la arena creo
Sentir el tiempo cósmico: la historia
Que encierra en sus espejos la memoria
O que ha disuelto el mágico Leteo.

El pilar de humo y el pilar de fuego,
Cartago y Roma y su apretada guerra,
Simón Mago, los siete pies de tierra
Que el rey sajón ofrece al rey noruego,

Todo lo arrastra y pierde este incansable
Hilo sutil de arena numerosa.
No he de salvarme yo, fortuita cosa
De tiempo, que es materia deleznable.

Jorge Luis Borges

Arte. Landscape. El agua de aquel río

Arte. Tomás Bartolomé. Pintura

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Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

 

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Primer autorretrato conocido de GOYA. 1768? Con 22 años de edad

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

El genial pintor nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo de Zaragoza (Fuendetodos), que se encuentra a medio camino entre Cariñena y Belchite, a 40 Kms de la capital aragonesa; cabras, ovejas y agricultura de secano; este es el entorno rural en que nace el monstruo.

Su padre era maestro dorador y su trabajo sobre todo consistia en la restauración de retablos. La formación artística de GOYA comienza tarde, aconteciendo cuando su progenitor, se da cuenta, de que no podrá ofrecer a su hijo un futuro mejor, que el de darle, (al igual que sucederá entre otros, con el padre de Paco de Lucia y el de Ara Malikian, 250 años después), un oficio.

Francisco de Goya empezó sus estudios de arte a los 13 años, muy tarde para las costumbres de la época. La familia vivía entonces en Zaragoza. Con 23 años Goya viaja a Italia donde copia a los clásicos. Concluidos sus estudios regresa finalmente a Madrid, comenzando su carrera en la capital de la Villa y Corte, como pintor de cartones para tapices, trabajo en el que permanecerá 12 años en dos periodos de 5 y 7 años respectivamente.

Francisco de Goya a los cuarenta años, tenía ya solucionada su vida en cuanto a ingresos económicos regulares se refiere; poseía el título de Pintor del Rey (Carlos IV) y posteriormente el de Primer Pintor de Cámara, así pues, el artista cada vez depende menos de los encargos de particulares y puede dedicarse a una pintura mucho más personal, creativa y diferente, de lo que entonces era habitual; con 47 años empieza a desarrollar su visión de genio, él lo llama «Obras de capricho e invención».

¿PORQUÉ  SE QUEDÓ SORDO EL GENIAL PINTOR?

 «Goya se queda sordo con casi 47 años (la enfermedad comienza a manifestarse en el mes de noviembre de 1792) a causa de la Plumbosis».

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El AQUELARRE. 1797/8

El genial pintor aragonés, ya estaba sordo cuando realizó «El Aquelarre» 1797.  Su sordera se produjo cuatro años antes debido, a lo que llamaríamos hoy una enfermedad profesional, el nombre que recibe este mal es Plumbosis, el óleo contiene plomo y su constante utilización puede producir una intoxicación gradual de la sangre. Goya estuvo muy grave y la secuela que le dejo la enfermedad fue la sordera y, tal vez el mal genio; esta enfermedad era frecuente entre pintores en aquellas épocas, Caravaggio, el genial pintor italiano de las riñas, los escorzos, y claroscuros… también la padeció.

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Tio Paquete. 1820. Goya

Superada esta enfermedad, y ya sordo, el pintor parece hacer una declaración de intenciones, y su obra se vuelve más personal si cabe; proclamando la libertad creativa del autor al margen de los encorsetamientos de la época; sirva como muestra la temática elegida por el artista para la escena de «El Aquelarre«.

EL GENIAL SORDO NO RENUNCIA A SU MANERA DE SER

Debido a su gran éxito el pintor no puede renunciar a los innumerables compromisos que conlleva su situación y más teniendo en cuenta que la mayoría de sus encargos proceden de la alta sociedad, entre la que se ha convertido en el pintor de moda, por lo tanto al genial sordo no le queda nada más que «nadar entre dos aguas», algo a lo que ya está acostumbrado; GOYA con dosis de inteligencia y sorna supo defender su más íntima identidad, y obtener la libertad que como artista y ser humano entendía como un derecho inalienable; un universal derecho, al que él, no renunciaría fácilmente. Siempre me ha interesado este GOYA  cargado de retranca que parece saber en todo momento quien es, y que mantiene con astucia una cierta desconfianza e independencia. El que trata a diario con reyes y nobles y, también el que sin embargo, siempre tiene presente donde nació, quien es, y lo más importante, ¡Quien, y que, quiere ser!

El gran maestro un año antes de fallecer en Burdeos realiza uno de sus últimos óleos. «La lechera de Burdeos»

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«La lechera de Burdeos» 1827. Goya. Museo del Prado

Goya muere en su exilio de Burdeos el 16 de abril de  1828 a los 82 años de edad.

Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

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