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Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana. Large house in the countryside, and foreground City. Óleo sobre lienzo By Tb

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Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana. 2013. Tomás Bartolomé

Large house in the countryside, and foreground nearby city.

Óil. Canvas. Óleo. Lienzo.

“La ciudad avanza y cerca…

a una gran casa vieja;

en un viejo campo,

de un viejo y olvidado,

pueblo de Castilla”.

Tomás Bartolomé

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“The city moves and close… a large old house ; in an old field , an old and forgotten, people of Castilla”

Casa grande en el campo, y primer plano de ciudad cercana. Large house in the countryside, and foreground City. Tomás Bartolomé. Óleo sobre lienzo.

Interesados por esta pintura. Contacto. tomy.bart@hotmail.com

Pintura. Tomás Bartolomé. Pintores. Óleo. 

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Edgard Allan Poe. El Retrato Oval. Era una joven de peregrina belleza, que en mala hora amó al pintor y se desposó con él

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Foto by TbART

Edgard Allan Poe. Boston 1809. Baltimore 1848.

EL RETRATO OVAL. 1842. (FRAGMENTO).

Era una joven de peregrina belleza, tan graciosa como amable, que en mal hora amó al pintor y se desposó con él.

Él tenía un carácter apasionado, estudioso y austero, y había puesto en el ARTE  sus amores; ella, joven, de rarísima belleza, toda luz y sonrisas, con la alegría de un cervatillo, amándolo todo, no odiando más que el ARTE, que era su rival, no temiendo más que la paleta, los pinceles y demás instrumentos importunos que le arrebataban el amor de su adorado.

Terrible impresión causó a la dama oír al PINTOR hablar del deseo de retratarla. Mas era humilde y sumisa, y sentóse pacientemente, durante largas semanas, en la sombría y alta habitación de la torre, donde la luz se filtraba sobre el pálido lienzo solamente por el cielo raso.

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El pintor y la modelo. 1963. Pablo Picasso.

El ARTISTA cifraba su gloria en su obra, que avanzaba de hora en hora, de día en día. Y era un hombre vehemente, extraño, pensativo y que se perdía en mil ensueños; tanto que no veía que la luz que penetraba tan lúgubremente en esta torre aislada secaba la salud y los encantos de su mujer, que se consumía para todos excepto para él.

Ella, no obstante, sonreía más y más, porque veía que el PINTOR, que disfrutaba de gran fama, experimentaba un vivo y ardiente placer en su tarea, y trabajaba noche y día para trasladar al lienzo la imagen de la que tanto amaba, la cual de día en día tornábase más débil y desanimada.

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Y, en verdad, los que contemplaban el retrato, comentaban en voz baja su semejanza maravillosa, prueba palpable del genio del PINTOR, y del profundo amor que su modelo le inspiraba.

Pero, al fin, cuando el trabajo tocaba a su término, no se permitió a nadie entrar en la torre; porque el PINTOR había llegado a enloquecer por el ardor con que tomaba su trabajo, y levantaba los ojos rara vez del lienzo, ni aun para mirar el rostro de su esposa. Y no podía ver que los colores que extendía sobre el lienzo borrábanse de las mejillas de la que tenía sentada a su lado.

Y cuando muchas semanas hubieron transcurrido, y no restaba por hacer más que una cosa muy pequeña, sólo dar un toque sobre la boca y otro sobre los ojos, el alma de la dama palpitó aún, como la llama de una lámpara que está próxima a extinguirse.

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Calavera. Van Gogh

Y entonces el PINTOR, dio los toques, y durante un instante quedó en éxtasis ante el trabajo que había ejecutado. Pero un minuto después, estremeciéndose, palideció intensamente herido por el TERROR, y gritó con voz terrible: “¡En verdad, esta es la vida misma!” Se volvió bruscamente para mirar a su bien amada: ¡Estaba muerta!”

Edgard Allan Poe

Edgard Allan Poe. El Retrato Oval. Era una joven de peregrina belleza, que en mala hora amó al pintor y se desposó con él.

EDGARD ALLAN POE. LITERATURA. EL RETRATO OVAL. ESCRITORES. TERROR. ALLAN POE. POE. MIEDO. ARTE. PINTOR.

 

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Fotografía. Alberto García-Alix. “Un artista rebelde, en un viaje interior de poética intimista”

Autorretato. García-Alix. Foto. Archivos fondos propios By TbArt. De la exposición, Un horizonte falso que se celebró en la Tabacalera de Madrid en febrero de 2016.

Alberto García-Alix. León 1956.

Este gran fotógrafo, nacido en León, vivió muy de cerca “La Movida Madrileña” los tiempos, de la libertad recién estrenada en España; unos tiempos nuevos, en los que todo cambió tan rápidamente, como se llega al sueño, después del dulce cansancio que lo precede. Fueron, aquellos maravillosos años, años de vino y rosas”en el hasta entonces aquel aburrido, y proceloso panorama-artístico-español, salvo honrosas excepciones.

Alberto García- Alix, está cansado de que le etiqueten continuamente como el “Fotógrafo de la Movida”, participó, mas él no fue nunca consciente de estar documentandola, simplemente…, fue parte de ella; sencillamente; pero eso si, como él solo sabe, fotografió su fresco y chispeante entorno. Él y sus amigos, eran, “La Movida”; se encontraban en los mismos bares y los mismos conciertos, les gustaban las mismas cosas.

Alberto García-Alix comenzó su carrera profesional, aproximadamente a principios de los años 80. En 1981, tiene lugar su primera exposición, en la Galería Buades. Desde entonces, con sus cámaras fotográficas, Leica y Hasselblad, no ha dejado de fotografiar la noche, las motos, la música, los tatuajes, y por supuesto… Retratos.

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Foto. Retrato. García-Alix. Vía internet.

¡ROER ESE HUESO!

Al ser preguntado, por un periodista, “Cual sería la imagen que elegiría para que le definiera dentro de muchos años”, el artista, contestó, “La más desenfocada”… ¡Toda una declaración de intereses!

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Espacio traicionado. 2010. García Alix. Foto. Archivos fondos propios. By TbArt

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Foto. García-Alix. Vía internet.

Premio Nacional de Fotografía 1999. Premio Fotografía Comunidad de Madrid 2004. Premio PHofo España 2012.

García-Alix desnudo, troceado y tatuado. Desvalido. El pudor, a él, un tímido incorregible, siempre le hace dudar. “¿Sería, capaz de verse así, tan sobreexpuesto. Tan desnudo?… Tan frágil.

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Autorretrato. GARCÍA-ALIX. Escondido en mi miedo. 2009. Foto. Vía internet.

Las fotografías en blanco y negro nos hablan, de sus  profundas “Emociones Personales”, y nos muestran, a un artista, rebelde, íntegro; en un viaje interior de poética intimista. El estar allí. La iluminación y la composición, son las piezas clave de sus siempre interesantes obras.

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Cicatrices en un Ángel. 2012. García-Alix. Foto. Archivos fondos propios. By TbArt.

Alberto Garcia-Alix, el fotógrafo de la voz rota, está considerado, como uno de los mayores exponentes de la Fotografía Contemporánea Española.

Fotografía. Alberto García-Alix. “Un artista rebelde, en un viaje interior de poética intimista”.

Fotografía. Alberto García-Alix. García-Alix. Fotógrafos. La Movida. Madrid.

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Pintura. “Los jugadores de cartas”. Cézanne. Récord 2011. 250 Millones de dólares. Adjudicada, a la familia real de Catar

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LOS JUGADORES DE CARTAS. Cézanne. 1890/95. Existen 5 versiones.

PAUL CÉZANNE. Aix En Provence.1839/1906 (de pulmonía).

Su padre poseia un banco , así pues el gran Cézanne pertenecía a una familia acomodada.

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Retrato de Cézanne. 1880. Pastel/Papel. Renoir.

El artista se trasladó a París a pintar pero no tuvo éxito. Las críticas a sus pinturas fueron muy duras, sufre entonces una grave depresión y se cuestiona su carrera, así pues, inseguro y hundido, decide volver al banco familiar, a trabajar como contable… No pudo aguantar mucho.

Regreso a la Pintura

En sus comienzos, Cézanne utilizaba sobre todo el negro, y los colores oscuros, con mucho empaste.

Periodo impresionista

Alternando Provenza y París, pinta sobre todo paisajes. Los colores entonces, pasan a ser más brillantes, y los empastes más suaves, utilizando a menudo para finalizar, pequeños toques de colores puros.

Periodo de madurez  Cézanne, regresa a Provenza.

Introspección.  Es para el artista en ese momento, un periodo de aislamiento, concentración, búsqueda, y experimentación.

Periodo final

“Los jugadores de naipes”. En este periodo, Cézanne pinta Bodegones, Retratos, Paisajes, Bañistas…, empieza a vislumbrarse el camino del CubismoPicasso, en una ocasión, declaró refiriéndose a los Cubistas… Cézanne es el padre de todos ellos”.

Cézanne. Postimpresionista

Cézanne está considerado como el padre de la pintura moderna. La mayor parte de su vida la pasó ignorado, aislado, y solitario, pero al final le llegó el éxito y se convirtió en un “Artista de Culto“. A su casa de AIX, acudían en peregrinación, de todos los lugares del mundo, para verle pintar, conocerlo, charlar con él…, preguntarle… Entonces sus obras subieron de precio, como también sube la cometa, avivada y rebelde, en los días de viento. Su valor, subió, subió, y sigue subiendo, como sube, la espuma vaporosa del agua brava de mar, atropellada, empujada violentamente, contra la dura roca de granito, una mañana de fuerte viento y oleaje… ¡El temporal aún no ha amainando, ni amainará! Actualmente, en el apasionante mercado internacional de arte. Los jugadores de cartas, de Cézanne. Alcanzó, la impresionante cifra, de 250 Millones de dólares, (2011).

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Una de las 5 versiones que existe del cuadro.

MERCADO DEL ARTE

Sus obras arrasan todos los récords. Los jugadores de cartas, fue adquirida por la Familia Real de Catar por  250 millones de dólares, el mayor precio de la historia, en ese momento, pagado por una obra de arte. La venta se llevó a cabo en el año 2011. Hasta entonces, la pintura había sido propiedad de un millonario griego que acuciado por la crisis económica, por fin, decidió vender. El acaudalado heleno murió antes de cerrar tan complejas negociaciones. Su familiares entonces se encargaron de concluirlas con éxito.

La administración catarí. sigue así en su imparable lucha por conseguir hacerse con una buena imagen museistica mundial, y convertirse por fin, y por derecho propio, en una referencia internacional en el Mundo del Arte, junto con las ciudades de Paris y Nueva York.

Pintura. “Los jugadores de cartas”. Cézanne. Récord 2011. 250 Millones de dólares. Adjudicada, a la familia real de Catar

Pintura, Paul Cézanne. Mercado del Arte. Los jugadores de cartas. Cézanne. Tomás Bartolomé.

 

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Acuarela. Cardoso. Ve y coge una estrella fugaz

ACUARELA. CARDOSO. Fragmento. (2018).

Cardoso nos presenta en esta ocasión, una de sus últimas acuarelas. La visita a los museos, los cuadros de una exposición. Espiritualidad fundida, dulces trasferencias y un color suavemente adictivo. Mas el artista siempre se hace preguntas.

VE Y COGE UNA ESTRELLA FUGAZ

Ve y coge una estrella fugaz,
Obtén con el niño una raíz de mandrágora,
Dime donde todos estuvieron los tiempos pasados,
O a quien le partió el pie al diablo,
Enséñame a escuchar el canto de las sirenas,
O a evitar la picadura de la envidia,
Y a encontrar
Que viento
Sirve para hacer avanzar una mente honesta,
Si tu has estado en el nacimiento de desastres extraños,
De cosas imposibles de ver,
Cabalga diez mil días y noches,
Hasta que tu cabello envejezca a un blanco nieve,
Tú, cuando hayas estado, me dirás,
Todas las maravillas extrañas que te ocurrieron,
Y jurar,
No donde
Vive una bella y verdadera mujer.
Si tu has encontrado a alguien déjame saber,
Como fue la dulce peregrinación,
Aún no lo hagas, no iría,
Aunque en la siguiente puerta podemos reunirnos,
Aunque ella fuera real, cuando te reúnas con ella,
Y por último, hasta que escribas tu carta,
Aún ella
Sería
Falsa, antes de venir, dos o tres.

John Donne

Acuarela. Cardoso. Ve y coge una estrella fugaz.

Acuarela. Acuarela Cardoso. Cardoso. Artista. Pintor. Pintura. Pintores.

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Roderick Hudson. Henry James. Es el arte lo que da vida, da interés, da importancia

Piazza della Signoria. Florencia. Giuseppe Zocchi.

HENRY JAMES Nueva York, 15 de abril de 1843. Londres, 28 de febrero de 1916, (derrame cerebral). Escritor y critico literario.

<<Es el arte lo que da vida, da interés, da importancia, y no conozco ningún sustituto de la fuerza y belleza de su proceso>>. HENRY JAMES

“RODERICK HUDSON”. NOVELA. Está ambientada en Italia (Florencia, Roma, Venecia…)

Un escultor apasionado por su arte, un mecenas, una madre, una prometida, y un gran amor se conjugan con paisajes y ciudades, con dilemas morales, amistad, y sufrimiento.

A continuación un delicioso fragmento de lo que fué la segunda novela que escribió Henry James. Fue publicada primeramente por entregas en la revista Atlantic Monthly en 1875, y un año después en forma de libro. Es para Henry James su primera novela, (pues consideraba la primera, “Watch and Ward”, como un simple ejercicio de juventud).

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“RODERICK HUDSON”. Fragmento. Dos pintores, Roderick y Singleton, dos formas de ver el arte, de entender la vida, solos bajo el magnetismo de la naturaleza, desnudan sus diferentes seres.

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Las noches eran frías y nuestros amigos, junto a tres o cuatro residentes ocasionales, se sentaron en el interior frente a un fuego de grandes troncos. Incluso con Roderick sentado malhumoradamente en el circulo exterior de sombras, formaban un pequeño y amable grupo, y centraron su atención en los dibujos de Singleton, mientras éste los colocaba en la esquina de la chimenea, sonrojado y comentándolos, con los pies sobre los travesaños de la silla. Había estado desplazándose a pie durante seis semanas, y se alegraba de descansar por un tiempo en Englelthal. Se trataba de un reposo frugal, sin embargo, porque cada mañana salía con sus útiles de dibujo a la espalda, en busca de temas para nuevos bocetos. Después de la primera noche, la hilaridad de Roderick había remitido, y observaba la tranquila actividad del pequeño pintor con una seriedad casi pasmosa. Singleton, que no estaba al tanto de las desgracias personales de Roderick, todavía lo trataba con tímida franqueza como la estrella emergentes del arte americano. Al principio, Roderick había comentado a Rowland que Singleton le recordaba a un curioso insecto con un notable instinto mecánico en sus antenas; pero con el discurrir de los días se hizo evidente que la infatigable actividad del modesto paisajista adquirió un significado opresivo para él. Le indicaba una ética, y Roderick solía sentarse y engañar a la ética al verla representada en la espalda encorvada de Singleton, en las calientes laderas que asomaban por debajo de su paraguas blanco. Un día, Roderick ascendió por una larga pendiente y lo dejó atrás mientras aquėl estaba sentado trabajando; Singleton relató después el episodio a Rowland, quien, después de haberle dado en Roma una pista sobre los desatinos de Roderick, se había reservado de manera estricta su propia opinión.
-¿Eres siempre así? -dijo Roderick, con un acento casi sepulcral.
-¿Así? -repitió Singleton, parpadeando confuso y con la conciencia asustada.
-Me recuerdas a un reloj que nunca se queda sin cuerda, si se escucha con atención siempre se oye tu tic-tac, tic-tac.
-Ah, entiendo -dijo Singleton, sonriendo ingenuamente-. Soy muy constante.
-Eres muy constante, si. ¿Y encuentras placentero ser constante?
Singleton se volvió y sonríó de manera más abierta, mientras extraía el agua de su pincel de pelo de camello. Entonces, con una reavivada conciencia de su deuda hacia una providencia que le había dotado de unas cualidades innatas, exclamó:
-¡Oh delicioso!
Roderick permaneció de pie mirándolo durante un instante.
-¡Maldición! -dijo finalmente de manera solemne, y le volvió la espalda.

Literatura. Roderick Hudson. Henry James. Es el arte lo que da vida, da interés, da importancia.

Literatura. Roderick Hudson. Henry James. Novela. Arte. Escultor. Escritores. Escritor. Novelista.

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Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Toulouse-Lautrec me atrapó enseguida

 

Mujer en el jardín de Monsieur Forest, c. 1889. Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre.
Más de 350 obras de diferentes artistas, como Bonnard, Forain, Vuillard, Signac, o Van Gogh.
Exposiciones. Caixa Forum Madrid. Del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019. Muy recomendable.


Toulouse-Lautrec. Conde, hijo de un conde, de padres pronto separados, aunque nació noble, prefirió Montmartre y sus cabarets, donde las bailarinas fueron retratadas, y más aún, se convirtieron, en una especie de familia enlazada a la bohemia, que tenía y tiene, tanto que ofrecer, y por la que tanto hubo, y hay que pagar, aunque al final merezca la pena.

Toulouse-Lautrec, sufrió, con su menguada talla, por mor de la consanguinidad. El que nació y murió en un castillo, acabó contraviniendo a su altivo padre, que lo despreciaba, por sus defectos físicos, pues decidió ser artista, y eso, lo fue de sobra. El noble progenitor debió de tragarse, atragantado, su orgullo mal entendido. El Niño Toulouse, se quedó con su madre.

El caballero del cabaré y cuatro artistas del Chat Noir, c. 1884. Antonio de la Gándara. Foto by Tbart archivos fondos propios.

En París Montmartre, bullía entonces frenético, mas aunque la vida no era fácil, también la belleza exibia su variado muestrario, y los vecinos del barrio, artistas, camareros, bailarinas, poblaban la elevada cota parisina, desde donde, se expandían difundiéndose imparables, nuevas forma de entender el arte.

Caricatura de Toulouse-Lautrec enfrente del Moulin Rouge. (1890). Ferdinand Bac. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Al anochecer a diario, nuestro protagonista se dirigía al Moulin Rouge, donde tenía categoría de lo que llamaríamos hoy, cliente vip, y se entretenía a menudo, conversando con los empleados y las bailarinas del cabaret, así de esa manera tuvo el privilegio de retratar a estas ultimas en sus rutinas de camerino, sin que ellas, se sintieran avergonzadas, o molestamente invadidas. Para muchas de ellas fue de gran ayuda, casi, el familiar (a menudo, les faltaba), que las comprendía, aconsejaba, y también si lo necesitaban ayudaba económicamente. Toulouse-Lautrc, siempre fiel a sus rutinas, se sentaba en su velador reservado, con su absenta azulada y sus tizas de colores, y abstraído, rompía la figuración, para crear algo nuevo, diferente, más sincero, y curiosamente, cuanto más alejado de la realidad más veraz.

En el Moulin Rouge, la Goulue y su hermana. (1892). Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Debo de confesarles que mi opinión de Toulosd-Lautrec, se ha modificado mucho, desde que pude ver sus primeros carteles, y confieso, que me pareció un magnífico ilustrador publicitario, pero no le di más importancia, poco tiempo después, cuando por fin, fui conociendo más su obra en profundidad, me di cuenta enseguida, de que me encontraba ante uno de los pintores más importantes de la historia reciente en el mundo del arte, afortunadamente pude ver en París pinturas de gran formato, y otras más pequeñas, que me descubrieron, la gran talla de un artista, cuya menguada talla y sufrimiento, pudieron en principio, ser meras coartadas que le empujaran sin remisión al incierto camino del arte; mas hicieron de ėl, un artista único que le dio un vuelta al figurativismo, y que finalmente…,  me atrapó enseguida.

Todas las reproducciones de obras de arte, aquí expuestas, participaron en dicha exposición.

Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Toulouse-Lautrec me atrapó enseguida

Toulouse-Lautrec. Pintor. Pintura. Exposiciones. Montmartre. Arte. Moulin Rouge.  Paris

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Elena Ivanovna Diakonova. “GALA”, la gran musa

GALARINA. (1945). DALÍ. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Elena Ivanovna Diakonova GALA, (Tártara). Kazán, el 26 de agosto de 1894. Portlligat, Cadaqués, 10 de junio de 1982.

Su padre era un funcionario agrícola de alto nivel, que falleció cuando Gala tenia solo 10 años, dejando en el mundo, 4 hermanos huérfanos. Su viuda (maltratada), era una mujer inquieta, escritora ocasional, publicó un libro de cuentos. Se casó después del deceso, con un abogado moscovita, con el que al parecer, ya existian, pretéritas relaciones. Gala que en su infancia, pudo ser víctima de abusos sexuales, de su hermano mayor, (aunque es un episodio confuso), estudia bachillerato en Moscú, ciudad en la que viven; es cristiana ortodoxa. En 1913, con 18 años enferma de tuberculosis, su cura se efectuaria, en Davos, Suiza, donde conce a Eugéne Grindel, (Paul Elouard), ella es un año mayor y viaja sola, él, en cambio, lo hace con su madre. Enseguida el escritor cae presa del enorme magnetismo de Gala, de su personalidad, y su mirada, mas sorprendentemente, no solo es bella, también es culta. Escritora, ama la música de Wagner, la literatura francesa, la rusa, y el ajedrez. Mientras la madre rusa desconfía…, el melancólico balneario, será el marco perfecto para el inicio de una gran pasión. En 1914, finalmente reciben el alta médica, y tristemente, tienen que separarse, Elouard es movilizado, comienza, la gran guerra. Tras dos años de conflicto bélico sirviendo en puestos auxiliares, es hospitalizado, con él, pronto se reúnira Gala que desde ahora residirá, en Paris, en el domicilio de su suegra.

Paul Elouard. Foto vía internet.

Enamorados se casan. Su boda se celebra en 1917, en Paris. Después Gala seguirá al poeta, en sus obligados guerreros destinos, hasta que Gala, en estado, da a luz, una niña nacida en Normandía, y de nombre Cecile, en 1918, después, incomprensiblemente, la dejaría al cuidado de una tía y de sus abuelos. Mientras ellos, se instalan cerca de París, Cecile (abandonada), pronto se encontró muy sola. Sus padres no están nunca con ella, y años después tras la separación del matrimonio, (Gala, acabaría obteniendo su custodia), su madre, la mantuvo fríamente alejada, en internados, y a cargo de su abuela.
Estando aun casados, la pareja visita al pintor, alemán, nacionalizado francés, Max Ernst y a su mujer, en Colonia. Gala, fuertemente atraída por el pintor, mantiene con él, una tórrida relación amorosa, que el, abierto poeta parisino, consiente (en su modernidad). Hasta que de repente un día del año 1924, Elouard, agobiado, desaparece, y se dedica apasionadamente, a escribir y recorrer mundo. Posteriormente Gala y Elouard,  se reunirían de nuevo. Gala, regresa por primera vez a Rusia en 1927, será la primera y la ultima vez que lo haga.

Gala y Dalí. Foro vía internet

1929, Dali entra en escena, conoce a Elouard, en Paris. Este mismo año, Elouard y Gala, junto con otros artistas, pasan unos días invitados por el excéntrico y genial pintor catalán, en Cadaqués, Dalí entonces conoce a Gala, lo cuenta así,  “Quedé fascinado desde el día que vi, desnuda en la playa, la espalda de Gala”. Pasado un mes Paul Elouard, regresa a Paris mientras que Gala se queda con Dalí; aunque Gala y Elouard, seguirán juntos, amándose ocasionalmente, durante años.

El severo padre de Dali no soporta a Gala, una mujer casada, madre de una niña, y 10 años mayor que su hijo. Dali, que no se habla con él por motivos familiares; sin dinero, vende algunos cuadros y compra una casa en Cadaqués, aunque de momento viven en paris. En 1931 Gala enferma de pleuresía, tras una grave complicación es operada en Paris, y se le extirpan los ovarios y el útero (fibroma).

Gala de espaldas mirando un espejo invisible. (1960). Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Gala ahora marchante, imprescindible secretaría, y también musa, modelo, y esposa, promociona a Dalí y, bien relacionada, le consigue importantes ventas. En 1932, Gracias a su empeño, se forma “Zodíaco”(aristócratas, artistas, amantes del arte), unen sus pasiones aportando 30.000 francos, a cambio de una pintura, y dos dibujos. Este año Gala obtiene el divorcio de Elouard, y finalmente en una ceremonia civil, se casa en Paris, con Salvador Dalí. Viven en Port Lligart aunque viajan constantemente por motivos profesionales.
En 1936 estalla la guerra civil española, la pareja entonces viaja a Nueva York, después residieron en Sicilia y Austria. Dalí Realiza exposiciones en Paris y Nueva York. En 1939,  huyendo de las tropas alemanas en Paris, se instalan en Arcachon, luego, tras pasar brevemente por España, huyen a Nueva York, vía Lisboa. Residirán 8 años en NY. Mientras tanto, la madre de Gala fallece, y Cecile es madre de una niña llamada Claire (Gala se convierte en abuela). En NY Dali, pinta, expone y viaja, frecuentemente invitado.

Leda atómica. (1949). Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

1948 regresan a Figueres, Cadaqués, Palamós, y Barcelona, eternos viajeros, luengo viajarán a Italia y Holanda, después vendrán, Madrid, Barcelona, y de nuevo cruzaran el océano camino a NY. Regresando finalmente a España, también viajan por Italia.
Gala y Dalí se casan por la iglesia, cerca de Girona en 1958.

1969 Dalí  obsequió a Gala con el castillo de Púbol, cerca de Cadaqués. Ella, lo utilizó, como refugio en diferentes ocasiones, y para diferentes asuntos (como reunirse con sus amantes), hasta su fallecimiento. En la inauguración se pasean en calesa tirada por 2 caballos, Gala radiante se sentó y agarró las riendas, detrás Dalí, iba de pie, le acompañaban sentados, el administrador, y el mayordomo. Gala decoró el castillo a su manera. Dalí, le regalo un caballo blanco disecado.

En 1980 Gala con 86 años, Visita a Pixot, viejo amigo y colaborador de Dalí, en Cadaqués, y le pide que cuide a Dalí que estaba enfermo, le ruega, que si ella falleciera antes, no lo abandone. Tristemente Gala, fallecería 2 años después

En marzo de 1982, Gala encontrándose en Portlligat se rompe el fémur, se le coloca una prótesis, mas se apaga consumida como una vela, cerca ya de los 88 años su cuerpo no aguanta más, fallece en Cadaqués, donde el frío cuerpo, ya cadáver, es trasladado tapado con una manta en el famoso Cadillac de Dalí, (una escena surrealista), al castillo de Púbol (Dalí quería que su muerte figurara allí), donde descansará en su reservada cripta. Cuando Cécile viajó a Púbol a visitar la tumba, no fue autorizada. Gala ignoró siempre en vida a su hija, tampoco, le dejó nada en herencia, (testó a favor, sólo de Dalí) aduciendo, lo dado en vida, y lo ya heredado de Elouard (algo que no era cierto), ahora muerta no iba a ser diferente, Cécile reclamó, y finalmente se llegó a un acuerdo, por el cual, recibió pinturas, dibujos, cartas, acciones, y dinero en efectivo, recientemente Cecile falleció en Paris, en 2016, a los 98 años de edad.

En el castillo de Puból,  habían esperado pacientemente, dos criptas juntas, una ya acogía a su inquilina, la otra, tendría que esperar, mientras tanto Dali se trasladó al castillo donde vivió sus últimos años, junto a su adorada musa, sin separarse ni un minuto de ella, 7 años, deseando…, anhelando pronto, ocupar su cripta vacía al lado de su siempre bien amada musa. Sin embargo tristemente esto nunca sucedió.

Elena Ivanovna Diakonova. “GALA”, la gran musa.

Gala. Gala, Dalí. Musa. Paul Elouard. Elouard. Salvador Dalí 

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Pintura. Gustave Courbet. Fundador del Realismo

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El hombre desesperado. 1843/45. Autorretrato.

Jean Désiré Gustave Courbet. 10 jun 1819 Ornans, Francia. 31 dic 1877, La Tour-de-Pilz. Suiza.

Nuestro ambicioso y tenaz artista comenzó estudiando en Besancon, con veinte años se traslada a París, donde le envía su familia para cursar estudios de derecho y el artista lleno de ímpetu acabaria al fin contrariándolos. El joven Courbet , enseguida se hizo con el bullicioso ambiente parisino, aunque él, visitaba a menudo el museo del Louvre, donde analizaba a los maestros, pues no en vano, se había propuesto ser uno de ellos. Los siguientes años estudia y pinta incansablemente, también realiza largos viajes, a Bélgica y Holanda, donde se interesa por Rembrandt, y el gran pintor belga Frans Hals, que era en esos momentos uno de los grandes maestros del retrato.

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El estudio del pintor. 1854/55.

1848. nuestro protagonista de nuevo está en París, tiene ya 30 años, y es un artista reconocido y valorado, pero su inquietud le hace arriesgarse en aventuras peligrosas. Cuenta sin embargo, con amistades relevantes, como Baudelare, Verlaine, Corot o Daumier.

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El hombre de la pipa. 1848/9. Autorretrato.

UN REALISTA SINCERO

1849. Courbet se entrega por completo al Realismo (movimiento cultural. 1840/80), del que él mismo, es considerado fundador y máximo representante; hasta el año, 1849, nuestro protagonista además de al realismo, se había dedicado al retrato y al paisaje.

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Señoritas a la orilla del Sena. 1856.

1855.  Gustave Courbet, expone sus obras en la Exposición Universal de París, mas algunas de ellas no fueron admitidas por el comité seleccionador, por lo que tras dicho suceso que le contrarió profundamente, nuesto artista decidió montar una exposición paralela, en las proximidades de los grandes jardines de los Campos de Marte parisinos, que tituló Pabellón del Realismo.

“SI DEJO DE ESCANDALIZAR DEJO DE EXISTIR”

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El el origen del mundo. 1866.

Courbet para muchos de carácter altivo y orgulloso, cuando fue llamado a recibir la Legión de Honor (alta condecoración francesa) decidió renunciar a ella, y por lo tanto rechazarla. Se consideraba a si mismo como un hombre libre y como tal, huía del favor del poder o la religión, con lo cual inevitablemente, se granjeó importantes enemigos. Gustav Courbet además de un excelente pintor era un aplicado activista que se definía a a si mismo como socialista y republicano.

1867. Courbet expone sus obras nuevamente en la Exposición Universal de París.

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La ola. 1869.

1871. La revolución florecía en París con la primavera de los pueblos y Courbet se convirtió en un aplicado activista, que llegó a participar brevemente en el gobierno revolucionario de 1871; en el mismo, fue nombrado Presidente de la Comisión de Bellas Artes y Administrador  de  los Museos de París. Cuando el gobierno cambió, fue responsabilizado del derribo de la columna Vendome erigida en honor a Napoleón (derribada por ser considerada un símbolo del militarismo), y juzgado y condenado a 6 meses de carcel, y a abonar una multa de 3000.000 francos, (una multa tan grande que hubo de financiarla a 30 años), por lo que al artista con la vida arruinada no le quedó más remedio que huir de la justicia y refugiarse en Suiza.

Courbet que fué toda su vida un gran bebedor, murió finalmente de cirrosis en su exilio de Suiza a la edad de 58 años.

Pintura. Gustave Courbet. Fundador del Realismo.

Pintura. Gustave Courbet. Courbet. Pintores. Realismo. Retrato. Paisaje. Artista. París.

 

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Francisco de Zurbarán. “Yo no soy Caravaggio”. Tomás Bartolomé.

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SAN FRANCISCO. (1635). MUSEO DE ARTE DE MILWAUKEE.

FRANCISCO DE ZURBARÁN. Fuente de cantos, Badajoz, 7 de noviembre de1598. Madrid 27 de agosto de 1664.

¿Saben esos artistas de TV que después de participar en una serie de éxito, corren el riesgo de ser encasillados, como el personaje al que interpretaron en la ficción?, algo así, le paso a nuestro protagonista… En sus comienzos, sus pinturas, estaban influenciadas por CARAVAGGIO y, no pudo nunca quitarse la etiqueta de ser, “El Caravaggio Español”. ZURBARÁN, pertenecía a una familia adinerada, no en vano su padre era un comerciante muy bien situado.

Francisco de Zurbarán se casa muy pronto, lo hace con una mujer mayor que él; 19 años tenía el pintor y 29 años, su novia María Pérez. Se establecen entonces en una importante localidad, Llerena, en la provincia de Badajoz, tienen 3 hijos. Pocos años después fallece su mujer. En este momento, el pintor, ya es reconocido y recibe muchos encargos. Eran unos años de expansión económica y él, estaba en el sitio adecuado, en el momento oportuno, y con la formación requerida.

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San Serapio. 1628. Fraile Mercedario.

Los encargos los recibe Zurbarån, sobre todo de conventos. ¿Cuántos frailes Mercedarios (como el de San Serapio), que os muestro?, ¿cuántos hábitos blancos de estos frailes, que tenían a bien dar su vida por la de los prisioneros cautivos, y que tuvieron mucho que ver, con la liberación de Cervantes, habrá pintado el artista pacense? ¡Cuántos ratos  habrá pasado Francisco de ZURBARÁN entre claustros y sacristías! Era, tan grande su éxito, que  cuando pintó en 1627 “El Cristo en la cruz”, fue invitado por el consistorio sevillano, a residir en la ciudad andaluza, a orillas del Guadalquivir, y cuya importante via fluvial conectaba comercialmente, SEVILLA con el nuevo mundo.

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Cristo en la cruz. 1627.

En 1625 Francisco de Zurbarán se vuelve a casar, en esta ocasión con Beatriz de  Morales, viuda y con una buena posición económica, nuevamente, ella es diez años mayor que él.

1629. Francisco de ZURBARÁN vive en SEVILLA donde atiende múltiples encargos. Tiene el pintor allí un importante taller, de de donde salen infinidad de Obras de Arte, muchas de ellas para ser exportadas desde la ciudad hispalense (siendo embarcadas) a América del Sur, donde irán a decorar sus incipientes monasterios, y sus bisoñas blancas iglesias encaladas.

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San Hugo en el refectorio de los Cartujos. 1630/35.

IMAGINERÍA Y MARKETING EN EL SIGLO XVI

Imaginería y Marketing, ideas muy modernas para el siglo XVI, pero que como vemos la Iglesia, ya las aplicaba para su causa. Sabía la Iglesia que la belleza de las obras de arte ayudarían a convencer a aquellos pobres pecadores que necesitaban tanto al Señor. La iglesia en estos años ostenta un gran poder, y el arte sacro le interesa, piensa ganar fieles con las imágenes de los santos mártires; la trinidad, la virgen, o acaso algún milagro o pasaje bíblico, que cale hondo en los corazones de aquellas almas tan cándidas. Hay que llenar por lo tanto de contenido infinidad de templos nuevos. Iglesias, sacristías, conventos. 12 cuadros de Zurbarán, titulados “Las tribus de Israel”, destinados a la exportación, nunca llegaron a su destino, pues desgraciadamente el barco en que viajaban, fue abordado por piratas ingleses, y los cuadros vendidos al mejor postor. Esos cuadros actualmente se encuentran en la ciudad de Auckland, Durham, Ingaterra.  Ahora el municipio se plantea vender las pinturas tal vez, al observar atónitos que uno de los últimos cuadros de ZURBARÁN sacados a subasta, finalmente alcanzó un valor aproximado de 4 millones de euros.

En 1639 muere Beatriz de Morales, su segunda esposa. El pintor en esta época vive en MADRID, donde frecuenta la amistad de  Diego Velázquez, con el que mantiene una buena relación. En ese momento se encuentran también en la capital de España, Bartolomé Murillo y Alonso Cano; los tres en aquel momento son de una edad parecida.

Recibe ZURBARÁN algunos encargos de la realeza. Regresa a Llerena.

1644, se casa por tercera vez, esta vez su mujer, Leonor de Tordera, es mucho más joven que él (18 años) Tienen 6 hijos.

1650 se establece en MADRID.

ZURBARÁN, además de pintura religiosa, pinta bodegones, naturalezas, cuadros de batallas, escenas mitologicas, y en todos estos estilos sobresale su genio; su maestría.

Francisco de ZURBARÁN es uno de los más grandes pintores, del Siglo de Oro Español.

Francisco de Zurbarán. “Yo no soy Caravaggio”.

FRANCISCO DE ZURBARÁN. ZURBARÁN. PINTURA. PINTORES., CARAVAGGIO. MERCADO DEL ARTE. TOMÁS BARTOLOMÉ.