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Fotografía. Mindor. «Era verde el silencio, mojada era la luz»

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Fotografía. By Mindor.

El paisaje que en esta ocasión presenta Mindor, nuevamente, nos hace soñar, y transporta al dulce y oculto nirvana, que se encuentra, aquí, muy cerca, pero que a menudo se nos escapa como el ascendente humo cegador, huye rendijero, y al instante, surge colado, un impresionante fuego rojo, y naranja… Despues, desaparece inexorable.

Lento y diluido ascendente disimulo

Gracias Mindor por ofrecernos estos soñados verdes, verde pino, verde enebro, verde alga, verde musgo, verde albahaca, verde lima, verde pera …

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Era verde el silencio, mojada era la luz,

temblaba el mes de Junio como una mariposa

y en el austral dominio, desde el mar y las piedras,

Matilde, atravesaste el mediodía.

Ibas cargada de flores ferruginosas,

algas que el viento sur atormenta y olvida,

aún blancas, agrietadas por la sal devorante,

tus manos levantaban las espigas de arena.

Amo tus dones puros, tu piel de piedra intacta,

tus uñas ofrecidas en el sol de tus dedos,

tu boca derramada por toda la alegría,

pero, para mi casa vecina del abismo,

dame el atormentado sistema del silencio,

el pabellón del mar olvidado en la arena.

Pablo Neruda. Parral, Chile, 1904. Santiago, Chile, 1973.

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Fotografía. Mindor. «Era verde el silencio, mojada era la luz, temblaba el mes de Junio como una mariposa».

Fotografia. Mindor. Fotógrafos. Pablo Neruda. Verde. Color. Paisaje

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Arte. Saura. «El Surrealismo era para mi una actitud»

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Dora Maar. (1984). Antonio Saura.

Antonio Saura. Pintor y escritor. Huesca, 22 septiembre de 1930. Cuenca, 22 julio de 1998.

Su padre era abogado del estado y su madre pianista. Es un pintor autodidacta, que expone por primera vez en París en 1957.

En 1984, catorce años antes de su fallecimiento, Antonio Saura presentaba en Madrid, quince retratos imaginarios, todavía, residía en París, ciudad a la que se había trasladado definitivamente en 1967. Al pintor siempre le había fascinado la bella ciudad del Sena, no en vano la primera vez que viajó a ella, fue en el ya lejano 1954, allí residió dos años… luego volvió en 1959, después, se instaló definitivamente.

GRUPO EL PASO. 1957/59. Lo forma Antonio Saura que también le pone el nombre. El Grupo lo integran… Antonio Saura, Manolo Millares, Pablo Serrano, Rafael Canogar, Chirino, Viola, y otros artistas. Ponen así, a la pintura española en el escenario artístico del mundo, en unos años difíciles; años de pobreza, e ideológicas limitaciones institucionales.

TENTADO POR LA LITERATURA SE DECIDE POR LA PINTURA

Saura Influenciado desde que recuerda por la literatura, tentado por ella, (Cortázar, Carpentier), lo primero que hace de niño con ilusión, es coleccionar las estampas de los  cuadros que más le gustan, (los recorta de las revistas), una manía que conservó siempre, pues desde bien pequeño, a ratos y con las tijeras, fue, un gran recopilador-acumuladorcomo también lo fuera Dalí.

Antonio Saura tuvo su época surrealista pero duró poco; una anécdota muy graciosa (Surrealismo en estado puro), es, que el artista repartió por la Gran Via madrileña (año 50/51), una tarjeta con su nombre, en la que llevaba impreso un texto muy acorde…

«Antonio Saura. Surrealista»

Antonio Saura conoció en París a André Bretón, que en ese momento, era considerado en el mundillo artístico como el «Papa del Surrealismo», y asistió más de un año a sus reuniones diarias, pero pronto se cansa. En aquel momento había otras corrientes de vanguardia, que ya estaban pidiendo a gritos paso urgentemente, (Expresionismo Abstracto, e Informalismo), Antonio Saura abandonó al fin el Surrealismo.

APARECEN SUS PRIMERAS FIGURAS EN BLANCO Y NEGRO

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Geraldine dans son fauteil. 1967.

1956 Antonio Saura realizó su primera exposición, en Madrid, en la Biblioteca Nacional, para ella selecciona su trabajo parisino, más dos pinturas madrileñas. Se trata en ese momento de una decantada ruptura con el Surrealismo, y de afirmación propia. El Artista ahora presenta estructuras figurativas, a caballo entre el Surrealismo, y la Abstracción.

En la exposición también se incluyeron, dos cuadros que había realizado en Madrid (pinturas en blanco y negro); las primeras de sus figuras deformadas. Automatismo, rapidez, energía,pasión, inspirada en sucesos políticos, (una manifestación en la que muere un estudiante en Madrid , y en la que el pintor, siempre dispuesto a la lucha política, se encontraba presente).

Antonio Saura. El Surrealismo era para mi una actitud

Antonio Saura. Arte. Pintor. Pintura. Pintores. Surrealismo. Grupo el Paso. Abstracción. Madrid. París. Pintura española

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Arte. Lucha en el espacio con Zóbel. («Fight in space with Zóbel»). Bartolomé

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«Lucha en el espacio con Zóbel». Tomás Bartolomé

«Fight in space with Zóbel»

Técnica mixta sobre lienzo. Medidas. 50×40 cm.

Esta pintura representa al espacio y su lucha creadora y está inspirada por Zóbel.

Fernando Zóbel de Ayala y Montojo. Nacido en Manila en 1924 y fallecido en Roma en 1984. Está enterrado en Cuenca, en el Cementerio de San Isidro. Sus padres eran ricos, pertenecían a una de las familias más influyentes y adineradas de Filipinas. Mas deseaban que Fernando trabajará en los negocios qué poseían (como hasta hoy es habitual), pero también, como ya es sabido, no pueden ponerse puertas al campo, ni meter el mar, en una pecera.

Aunque Fernando Zóbel estudia filosofía, y llega a trabajar en las empresas familiares, en el año 1942 comienza finalmente a pintar. En origen, al igual que Frida Kalho, Fernando tiene que permanecer algún tiempo inmóvil, a causa de una grave lesión de columma, y ocupa su tiempo manejando la pintura y los pinceles.

1951 sucede su primera exposición (Boston, USA), un año despues expone en su ciudad natal, Manila, Filipinas. Su familia finalmente, aceptándolo, empieza seriamente, a considerarlo entonces, como pintor.

Fernando Zobél «Expresionismo Abstracto, informalismo,».

Sus obras se encuentran en los mejores museos del mundo. Es nombrado, Doctor Honoris Causa por la universidad de Manila.

1955. Viaja a España aunque su residencia sigue estando en Filipinas.

 

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Foto. Ornitóptero. 1962. Fernando Zóbel.

CUENCA

En unos de sus viajes a España en 1963, visita la ciudad de Cuenca, de la mano de su amigo el pintor y escultor conquense, Gustavo Torner.

Museo de Arte Abstracto Español de la Ciudad de Cuenca, Un Museo que no Debes Perderte 

FERNANDO ZÓBEL, Gerardo Rueda y Gustavo Torner forman lo que se denominará,  «Escuela Conquense». Los tres Artistas fundan el Museo de Arte Abstracto Español de la Ciudad de Cuenca, donde actualmente, además de poder contemplar sus mejores obras, en un entorno muy adecuado, que elevado, se asoma al río, y a las escarpadas montañas, podemos encontrar también, una buena colección de pinturas de otros notables artistas como: Millares, Chirino, Antonio Lorenzo, Sempere, Saura, Modest Cuixart, Gerado Rueda, Francisco Farreras, Manuel Rivera, Luis Feito, José María de Labra, etc.

Fernando Zóbel. Es actualmente considerado, uno de los pintores más importantes del siglo XX

Su pinturas son en apariencia, sencillas y espontáneas, sin embargo, están dotadas de una planificación detallada y un estudio previo muy minucioso.

Fernando Zóbel Elaborado Expresionismo Abstracto 

Arte. Tomás Bartolomé. «Lucha en el espacio con Zóbel. («Fight in space with Zóbel»). Fernando Zóbel, uno de los pintores mas importantes del siglo XX.

«Lucha en el espacio con Zóbel». Más información. Interesados en adquirir esta pintura. contacto@tomasbartolome.com

Arte. Tomás Bartolomé. Pintores. Lucha en el espacio con Zóbel. Zóbel. Cuenca. Museo de Arte Abstracto Español de la Ciudad de Cuenca. Manila

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Arte. José Gutiérrez-Solana. Pionero del expresionismo español

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Autorretrato. 1920

José Gutiérrez-Solana. Madrid 28/2/1886. Madrid 24/6/1945

Su padre, era un mexicano, que habiendo recibido una jugosa herencia, vino a España, a casarse con una española de Cantabria. Así pues será desde entonces, una familia acomodada, el seno, en el que viene al mundo, nuestro ávido protagonista.

 

Con muy pocos años de edad, el futuro artista, sufre algunos sucesos dramáticos que le marcarían; primeramente, su familia, acumulará importantes revéses económicos, a consecuencia de la triste perdida de las colonias españolas en América, (la familia poseía en aquellos predios, importantes inversiones financieras). Muy afectado por la inevitable debacle, en 1898 acontece también en su vida una irreparable pérdida, fallece su padre, como antes habia sucedido con un primo suyo muy querido, y una hermana; su madre padecería desde entonces, importantes crisis nerviosas, y su hermano Luis al que se encontraba muy unido, también. Todos estos nefastos acontecimientos marcarían ya para siempre, el color de sus obras, y su dramático carácter.

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El el espejo de la muerte. 1929

Las primeras clases de dibujo, las recibe Solana de su tío, José Diez Palma, que a la sazón, ejercía  la docencia como catedrático de dibujo, en la Universidad de Salamanca, posteriormente (1900/4), Gutiérrez-Solana estudiaría en La Academia del Bellas Artes de San Fernando de la capital de España.

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Chulos y Chulas. 1906

1906. Recibe, La Mencion De Honor de la Escuela Nacional de Bellas Artes

1914/5. Expone en Londres, solo son dos obras, pero obtiene un importante éxito

1909/17. Su familia reside de manera habitual en la bella ciudad de Santander, Solana vive a caballo entre la capital cántabra y Madrid, aunque a menudo, digamos mejor, que con mucha frecuencia, viaja por diferentes localidades de Castilla, Andalucía, Aragón, La Mancha, viajando cargado con sus pinturas, allá donde haya una fiesta popular, algún evento taurino, deportivo…, el ambiente del barrio chino; mas lo que le encanta sobre todas las cosas, es su querido rastro madrileño. Y todo lo que ve, lo dibuja, y también lo escribe. A Solana le interesa todo, es inquieto y con innumerables intereses.

1917. Tercera Medalla en la Exposición Nacional. Empieza a trabajar el grabado con la técnica del aguafuerte.

Se instala en Madrid de una manera más permanente, allí visita todos los museos, pero donde acude con más frecuencia, es al maravilloso Museo del Prado, donde admira las pinturas… y sueña. Curioso como es, también le interesa, el por entonces destartalado, pero entrañable, Museo Arqueológico. Luego aún tiene tiempo para visitar a diario, las tertulias de los entrañables cafés madrileños, como el Nuevo Café Levante, y el Café Pombo, que retrata en una de sus pinturas, «Los amigos». Se trataba de unas tertulias donde se daban cita, lo mejor, lo más florido, de la intelectualidad y el arte, en la España de príncipios de Siglo.

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Tertulia en el Café Pombo. 1920

1921. Expone en el Ateneo de Santander.

1926. Exposición en USA.

1927. Primera exposición individual en Madrid en el Museo de Arte Moderno.

1928. Gutiérrez-Solana expone en París sin mucho éxito.

1930. Primer premio por la obra Osario, Museo de Bellas Artes de Madrid. Expone en USA y Europa.

1933. Primer premio concurso nacional de retratos.

Su estilo es muy personal, e inconfundible, los principales temas de sus pinturas son las  fiestas populares, costumbres, y retratos. Colores sobrios, figuras adustas, misterio, drama; todo esto bajo empastes, y trazos de gruesa figura. Lo llamaron tenebrista, con sus claroscuros y también expresionista, y macabro. Feista. Pinta lo grotesco y a veces, para algunos es molesto, porque Solana también es crítico.

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La reunión de la botica. 1934

1936. Comienza la Guerra Civil (incivil) Española. Solana reside en Valencia, y posteriormente en París. En este periodo Gutiérrez- Solana es ya un pintor de reconocido prestigio, y sus obras recorren con éxito, diferentes exposiciones internacionales.

En 1945 el año de su fallecimiento, recibe a título póstumo la Medalla de Honor de la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Arte. José Gutiérrez-Solana. Está considerado como el pionero del expresionismo español

Pintura. José Gutiérrez-Solana. Gutiérrrez-Solana. Solana. Pintores. Expresionismo español

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La Máscara de la Muerte Roja. Su mortaja estaba salpicada de sangre

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Detalle de una obra de Marty Bolonio. Foto ByTbart

Edgard Allan Poe. Boston, Massachusetts, 19 de enero de 1809.  Baltimore, Maryland. 7 de octubre de 1849.

La Máscara de La Muerte Roja. 1842

Seguidamente una pequeña muestra de la calidad literaria de este maestro del Terror/Miedo.
Un cuento del genial y atormentado Edgard Allan Poe… La  Máscara de la Muerte Roja.
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Calavera. Van Gogh
LA MÁSCARA DE LA MUERTE ROJA.

Edgard Allan Poe

Mas otra vez tañe el reloj que se alza en el aposento de terciopelo. Por un momento todo queda inmóvil; todo es silencio, salvo la voz del reloj. Los sueños están helados, rígidos en sus posturas. Pero los ecos del tañido se pierden -apenas han durado un instante- y una risa ligera, a medias sofocada, flota tras ellos en su fuga.

Otra vez crece la música, viven los sueños, contorsionándose al pasar por las ventanas, por las cuales irrumpen los rayos de los trípodes. Mas en la cámara que da al oeste ninguna máscara se aventura, pues la noche avanza y una luz más roja se filtra por los cristales de color de sangre; aterradora es la tiniebla de las colgaduras negras; y, para aquél cuyo pie se pose en la sombría alfombra, brota del reloj de ébano un ahogado resonar mucho más solemne que los que alcanzan a oír las máscaras entregadas a la lejana alegría de las otras estancias. 

Congregábase densa multitud en estas últimas, donde afiebradamente latía el corazón de la vida. Continuaba la fiesta en su torbellino hasta el momento en que comenzaron a oírse los tañidos del reloj anunciando la medianoche. Calló entonces la música, como ya he dicho, y las evoluciones de los que bailaban se interrumpieron; y como antes, se produjo en todo una cesacion angustiosa. Mas esta vez el reloj debía tañer doce campanadas, y quizá por eso ocurrió que los pensamientos invadieron en mayor número las meditaciones de aquellos que reflexionaban entre la multitud entregada a la fiesta.

Y quizá también por eso ocurrió que, antes de que los últimos ecos del carrillón se hubieran hundido en el silencio, muchos de los concurrentes tuvieron tiempo para advertir la presencia de una figura enmascarada que hasta entonces no había llamado la atención de nadie. Y, habiendo corrido en un susurro la noticia de aquella nueva presencia, alzóse al final un rumor que expresaba desaprobación, sorpresa y, finalmente, espanto, horror y repugnancia. En una asamblea de fantasmas como la que acabo de describir es de imaginar que una aparición ordinaria no hubiera provocado semejante conmoción.

El desenfreno de aquella mascarada no tenía límites, pero la figura en cuestión lo ultrapasaba e iba incluso más allá de lo que el liberal criterio del príncipe toleraba. En el corazón de los más temerarios hay cuerdas que no pueden tocarse sin emoción. Aún el más relajado de los seres, para quien la vida y la muerte son igualmente un juego, sabe que hay cosas con las cuales no se puede jugar. Los concurrentes parecían sentir en lo más hondo que el traje y la apariencia del desconocido no revelaban ni ingenio ni decoro.

Su figura, alta y flaca, estaba envuelta de la cabeza a los pies en una mortaja. La máscara que ocultaba el rostro se parecía de tal manera al semblante de un cadáver ya rígido, que el escrutinio más detallado se habría visto en dificultades para descubrir el engaño. Cierto, aquella frenética concurrencia podía tolerar, si no aprobar, semejante disfraz. Pero el enmascarado se había atrevido a asumir las apariencias de la Muerte Roja. Su mortaja estaba salpicada de sangre, y su amplia frente, así como el rostro, aparecían manchados por el horror escarlata.

La Máscara de la Muerte Roja. Pero el enmascarado se había atrevido a asumir las apariencias de la Muerte Roja. Su mortaja estaba salpicada de sangre, y su amplia frente, así como el rostro, aparecían manchados por el horror escarlata. Edgard Allan Poe

Edgard Allan Poe. Alan Poe. Poe. Literatura. Escritores. Terror. La Máscara de la Muerte Roja. Miedo.

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Arte. William Turner. Brutal y delicado

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WILLIAM TURNER. Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775. Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851 a los 76 años de edad.

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En su vida de pintor famoso, alcanzó el éxito muy pronto, aunque también muchas críticas; entre otras, aparte de por su pintura transgresora, por su procedencia social, de clase trabajadora y humilde; por su falta de modales, su brutalidad, y su mala pronunciación de barrio.

Creció en los arrabales de Londres, entre las calles, las tabernas y burdeles de Covent Garden. Rodeado de actividad, trajín, se mercaban, flores, frutas y verduras. Un vivo y colorido paisaje con un deje rural vocinglero feriado.

Su padre que era peluquero, además de ayudar a su hijo, también confeccionaba pelucas. Su madre una sencilla ama de casa, con notables desequilibrios nerviosos, agravados a raíz de la muerte de una hermana pequeña del pintor, acaecida, en 1876, finalmente, fallecería en 1804 recluida en un hospital psiquiatrico, nunca fue a visitarla, solo tenía 9 años. El niño Turner se encuentra así con una pérdida capital a muy corta edad. A raíz de este triste suceso William Turner, se traslada a vivir a casa de un tío materno residente en Brentford, al este de Londres, en las orillas del estuario del Tamesis. Un año después comienza sus estudios de arte en La Royal Academy of Art; donde ya en el primer curso, destaca como un alumno de enorme talento y como un trabajador incansable.

ACADÉMICO A LOS  23 AÑOS

Muy pronto comienza a ejercer como pintor y da clases de pintura. Se convierte en académico a los 23 años, lo que le permite pintar con libertad gracias a un salario fijo. William Turner ahora es endiabladamente libre, y comienza a recorrer con su pintura la aventura de caminos inciertos, antes nunca hollados en la historia del Arte.

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Lluvia vapor y velocidad. 1844

RASGA Y DESCUBRE ROMPE Y ALUMBRA

Descubre; rasga el delicado velo del Impresionismo con 25 años de antelación.

Realiza viajes por Europa, estudia en El Louvre, París.

En 1829 muere su padre, al que se encontraba muy unido, y que a menudo lo ayudaba en las tareas del taller, las ventas, y en sus quehaceres profesionales y domésticos. Cuando fallece esta vital figura de su vida, William Turner tenía 54 años y resulta un durísimo golpe, el gran artista ahora cae sumido en una fuerte y oscura depresion. Socialmente, se convirtió así en un bicho raro, siempre lo había sido, pero a raiz del fallecimiento paterno se encuentra terriblemente solo. Se vuelve más excéntrico si cabe, y se aisla quedándose prácticamente sin amigos. Sin embargo, su faceta amorosa es variada, misteriosa, y desesperante, no le faltan las amantes, mas desprecia vehementemente el matrimonio y por ende a los casados…

-«Siempre ocupados en satisfacer a la mujer  y mantener a los hijos«.

Era el pintor inglés frecuentemente visitador de camas del servicio doméstico; jovencitas y viudas eran algunas de sus especialidades amatorias. En el trato William Turner era hosco, irritante, y despreciaba profundamente a la sociedad.

ARDIENTEMENTE ENAMORADO DE LA FUERZA QUE EMANA DE LA NATURALEZA

Pinta incansablemente: realiza sus maravillosos paisajes impresionistas. Le obsesionan la luz, la calima, el reflejo, la bruma, y los efectos atmosféricos temporales. Va detrás de lo que sueña.

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William Turner. «El pintor de la luz»

Trabajador compulsivo, innovador en la técnica (que domina a gran altura), William Turner ocupa, en el Olimpo de los grandes genios, un lugar muy destacado.

NO ES TAN FIERO EL LEÓN COMO LO PINTAN

Finalmente; nunca sabremos si por una pasión verdadera; conoce a Sophia Booth, una dulce viuda que le acompañará los últimos días de su vida.

Proverbial tacaño, sin embargo dejó toda su fortuna, que no era menor, a lo que él llamaba… «Los artistas desmoronados» Aunque en vida le ofrecieron mucho dinero por ellas, cedió generosamente sus pinturas al estado inglés con el romántico deseo, de que permanecieran siempre juntas, así, afortunadamente, la  mayor parte de sus obras se encuentran reunidas, y expuestas, en la Tate Gallery de Londres.

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Roma desde el Monte Aventine. Vendido por 47, 400, 000 $

Hoy la cotización de las pinturas de William Turner, en el Mercado del Arte, ronda los 50 millones de dólares.

Pintura. William Turner. Brutal y delicado. 

William Turner. Turner. Arte. Pintura. Pintores. Mercado del Arte

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Arte. Basquiat, le contestó a Warhol; no te preocupes Andy soy inmortal

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Jean Michel Basquiat nació en Brooklyn (Nueva York ) en 1960

Su familia pertenecia a la clase media, su padre haitiano, era un contable bien situado, su madre, una puertorriqueña, diseñadora gráfica gozaba de gran prestigio profesional…., Cuando de repente, sus progenitores se divorciaron, y Jean Michel sufrió mucho con este fatal hecho, que aún no podía comprender.

SU MADRE

A los 16 años, Basquiat ingresa en la escuela para superdotados, City-As-School, ¡Pero vaya! Enseguida, fue expulsado por su ruda rebeldia. Mientras tanto Matilde, su madre, le proporcionaría, una buena base artística, pues juntos realizan visitas a exposiciones, y desde los 6 años Basquiat es miembro junior del Museo de Brooklyn. Desde aquí como suelo hacer a menudo, me permito aconsejar a las madres, que se miren en el bello espejo de Matilde, y apoyen alegremente, y dirijan adecuadamente, a sus hijos sobre su decisión de ser artistas ¡madres y padres del mudo entero, del Arte también, se puede vivir! Recuerden que siempre a existido «Un arte para vivir, como existe también, un arte para transgredir».

EL DIVORCIO DE SUS PADRES DESESTABILIZA A BASQUIAT…,  Y SE CONVIERTE EN VAGABUNDO

Basquiat decide abandonar su casa, y estudios de bachillerato, que deja sin terminar. Desde entonces vivirá en la calle, y dormirá, en naves abandonadas, además, «se metía de todo», y empieza a ser una pesadilla, para los sufridos vigilantes del metro neoyorquino, pues los vagones aparecen «guarreados» de pintura, ¡un día si, y otro también! Los muros del Bronx también despiertan; útiles, no se libran de la incipiente pasión creativa de Basquiat.

1980. El artista tiene 20 años, (primera exposición en el Times Square Show), un viejo almacén abandonado que ocupa ahora, la Galería de Moda y Arte Alternativo, en el barrio del Bronx. A partir de este crucial momento, con la relevante ayuda de Basquiat, el Graffiti fue objeto de un progresivo reconocimiento en el mundo del arte. Mientras tanto un año después, tiene lugar su segunda exposición, el evento se sitúa esta vez, en el Instituto de Arte y Recursos Humanos de Nueva York. Su título, «New York/New Wave».

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Basquiat conoce a Warhol y se establece entre ellos, primero una buena amistad, y después una colaboración profesional, en la que trabajan juntos en diferentes pinturas, y se transfieren conocimientos mutuamente. Un ejemplo de su trabajo conjunto es la obra Horizontal Painting,

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Horizontal Painting, (Pintura Horizontal). Basquiat, Warhol, Clemente. 1984. Museo de Arte Contemporáneo de Málaga. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Jean Michel Basquiat y Andy Warhol pintaron juntos y fueron amigos, pero no solo, además  Andy Warhol llegaría a ser su mentor.

Empieza a ser apreciada y conocida la obra de Basquiat en la vanguardia artística neoyorquina. Comienza también su éxito a nivel internacional. Pongamos ahora, algunas etiquetas, (Arcaicismo, Primitivismo, y Salvajismo). El vigor expresivo que comunica, es el santo y seña de sus obras. El artista pintaba, mas también voraz, consumía todo tipo de drogas, hasta el punto de  mostrarse desbocadamente insaciable, tanto, que el mismo Warhol se asusta, pues Basquiat a menudo, se muestra paranoico, y para empeorar las cosas, alguna vez, se lo ha encontrado en un estado de peligroso coma…

Cuando Warhol  se lo recrimina, Jean Michel le contesta…

«No te preocupes Andy soy inmortal»

BASQUIAT ASUSTADO TRATA DE PONER FRENO…

EL CABALLO GALOPA VELOZ, Y DESBOCADO

En 1988 Jean Michel, fuertemente impresionado y asustado por la muerte de Warhol, acaecida apenas un año antes (febrero 87), en el New York Hospital, cuando se recuperaba de una operación de vesícula, trata de poner remedio finalmente, a sus peligrosas adiciones, y decidido se retira a su casa de Hawai, donde pasa un par de meses desintoxicándose, después, regresa a Nueva York supuestamente curado…

No habían pasado 60 días de su regreso a la metrópoli, cuando Jean Michel Basquiat, repentinamente, fallece por sobredosis de heroina, en su casa de Nueva York, el 12 de agosto de 1988, solo tenía 27 años, la edad, en la que al parecer, mueren los genios.

Pintura. Jean Michel Basquiat, le contestó a Warhol; no te preocupes Andy soy inmortal.

Jean Michel Basquiat. Pintura. Pintores. Basquiat. Andy Warhol. Warhol. Arte. Nueva York. 

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Georges Braque. Forma el Cubismo, junto a Gris y Picasso

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Georges Braque. 13 de mayo, Argentuil-sur-Seine.1882. 31 de agosto, París.1963.

Viene al mundo en el seno de una familia de artesanos, y auque nace en Argentuil, se cría y realiza estudios de arte en El Havre, a las orillas del estuario del Río Sena, mientras estudia en la Academia de Bellas Artes, (1897/99).

Georges Braque se traslada a París en 1900; los primeros años se interesa por el Fauvismo (1905), y sus extravagantes colores con su correspondiente estudio, pero pronto ocurrirá un suceso que cambiaría radicalmente su vision del mundo del arte.

GRIS, PICASSO, BRAQUE, FUNDADORES BÁSICOS DEL CUBISMO

Pablo Picasso. Málaga 1881. Mougins. 1973.

Georges Braque. Argentuil-sur-Seine. 1882. París. 1963.

Juan Gris. Madrid 1887. Boulogne-sur-Seine. 1927.

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El Músico de la tabla, 1926. Juan Gris

Juan Gris. Corría el año 1906 cuando abandona Madrid y se dirige a París, no quiere realizar el servicio militar obligatorio y, además su sueño es la pintura, y así, reside en Montmartre más de una década, Picasso se había instalado también en el bohemio barrio capitalino, dos años antes, de esta manera se relaciona con Braque y Picasso, y juntos, alumbran un nuevo camino.

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En 1907 Braque visita en París el taller del pintor malagueño Pablo Picasso y se queda fuertemente impresionado, por la monumental pintura que en ese momento Picasso está realizando. Enseguida surge una fuerte afinidad entre ellos, la pintura  que contempla absorto, por primera vez en el estudio del maestro malagueño, y que le dejada perplejo, es nada más, ni nada menos, que «Las Señoritas de Avignon», un cuadro seminal que posteriormente, se revelaría emblemático, en la historia de la pintura universal y el Cubismo.

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Las Señoritas de Avignon, 1907. Pablo Picasso

A lo largo del tiempo los dos pintores, Braque y Picasso, seguirían conservando su amistad. Sin embargo, Braque, al contrario que Picasso, es movilizado y participa en la Primera Guerra Mundial; en aquella verdadera picadora de carne humana (y animal), donde el pintor tristemente, cae herido de gravedad, en 1915.

Para Georges Braque los «pescados negros» de la pintura que vemos seguidamente, son tragicos símbolos de la guerra y el hambre, que siempre lleva aparejada.

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Still Life With Blak Fish, 1942. Georges Braque.

En cuanto al Cubismo, Braque afirma que ve nuevos colores y formas nuevas, pudiendo ofrecer así en sus pinturas, simultáneamente, las diversas caras de las cosas que representa. Al igual que sucede con el Cubismo, Georges Braque, también fue pionero en la técnica del Collage.

Georges Braque. Fundador del Cubismo, junto con Juan Gris y Pablo Picasso

Georges Braque. Cubismo. Juan Gris. Pablo Picasso. Arte. Pintura. Pintores. París

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Joaquín Sorolla. A la sombra de la barca

A la sombra de la barca. 1903/4. Sorolla.

Joaquín Sorolla y Bastida, Valencia 27 de febrero de 1863, Cercedilla 10 de agosto de 1923

 

POESIA

Brisa Marina. 

Leí todos los libros y es, ¡ay! , la carne triste.
¡huir, huir muy lejos! Ebrias aves se alejan
entre el cielo y la espuma. Nada de lo que existe,
ni los viejos jardines que los ojos reflejan,
ni la madre que, amante, da leche a su criatura,
ni la luz que en la noche mi lámpara difunde
sobre el papel en blanco que defiende su albura
retendrá al corazón que ya en el mar se hunde.
¡Yo partiré! ¡Oh, nave, tu velamen despliega
y leva al fin las anclas hacia incógnitos cielos!
Un tedio, desolado por la esperanza ciega,
confía en el supremo adiós de los pañuelos.
Y tal vez, son tus mástiles de los que el viento lanza
sobre perdidos náufragos que no encuentran maderos,
sin mástiles, sin mástiles, ni islote en lontananza…
Corazón, oye cómo cantan los marineros!

Stéphane Mallarmé

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Ayamonte. Joaquín Sorolla (1929). Pesca del atún

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El baño del caballo. (1909). Joaquín Sorolla

El Pintor de la Luz con esos blancos hirientes de rayos cegadores, y el de la playa, y los marineros, o el de la crítica, la reivindicación, y la denuncia, de la explotación obrera. Su siempre magnífico sello pictórico impregnado de contrastes, es sobre todo un propio sello, y como tal, prospector, personal, e intransferible.

Joaquín Sorolla. A la sombra de la barca. ¡Yo partiré! ¡Oh nave, tu velamen despliega y leva al fin las anclas hacia incógnitos cielos!

JOAQUIN SOROLLA. A LA SOMBRA DE LA BARCA. SOROLLA. PINTURA. PINTORES. ARTE. ART

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Fernande Olivier. Sombreros, perfumes…, y Picasso

Fernande Olivier. París 6 de junio de 1881. París 29 de enero de 1966 con 84 años

Alta, pelirroja, soñadora, hermosa

Modelo, Pintora. Secretaria. Gerente. Astróloga. Dependienta. Escritora

Realizó estudios de magisterio. También quiso ser actriz. Hija de madre soltera, fue criada, por la hermanastra de su madre, que poseía un negocio de flores artificiales, y plumas para sombreros. Fernande Olivier en su adolescencia, vivió situaciones horribles, con solo 18 años, y pillada infraganti, la casaron embarazada, con Paul, un animal, que se apellidaba irónicamente, Percherón; maltratador dependiente de comercio, de él, soportó violaciones, y abusos, era una especie de enfermo, del que perdió, el hijo que esperaban, en el quinto mes.

En 1900 Fernande finalmente harta, abandonó definitivamente a Percherón.

Fernande Olivier. Posando como modelo fotográfica

Mientras tanto, ella, ya había tenido diferentes aventuras en busca de amantes. Modelo… En esta época de su vida (1905), posa para unos explendidos retratos de Van Dongen. También es amante del pintor, Joaquim Sunyer… Y entonces, conoció a Picasso. Ella tenía 23 años, y él 22, corría así colándose implacable el temprano siglo, rabiosamente nuevo, sucedió en 1904.

Fue entonces el nuevo siglo, testigo de la lucha, de la dura fiebre del artista, por romper de una vez por todas, el naturalismo y su consabido retrato, al uso. Juntos, comenzaron, a vivir celosamente en verano de 1905, su hogar, fue el sucio y destartalado estudio del pintor en el Bateau Lavoir…, solo 4 años después, vivirían perfectamente acomodados en el Boulevard de Clichy, casi, como 2 perfectos burgueses.

Fernande Olivier. (1905). Kees Van Dongen

Él acomodado, ya no le permitiría volver a posar para otros. Ella, enamorada, desconcertada, y duramente encerrada, se adaptó indolente, pues él, también la quería. Entonces, se impuso para Fernande, un nuevo estilo de vida. Le admiraba y fue su prisionera, Picasso, se encargaba de la intendencia doméstica, mientras que, laxa e indolente, leía, tomaba te, pintaba, y posaba exclusivamente, para el posesivo y vicioso minotauro español, de mal francés.

Picasso, enamorado a veces era empalagosamente dulce, pero también, atizado, calculador, y activo, y la quería  para ėl solo. Cortejada con dulce encono, la sitia obsesionado, con furia y machismo. Fernande, remilgada, guapa, pero con escaso bagaje educacional, y ya escarmentada, no se fía, y asustada, le propone solo amistad. Él sabe que pronto, será solo suya, y mientras arde apasionadamente, ataca con furia sus lienzos. Sabe desenvolverse muy bien cuando le interesa, y arteramente, teje su tantas veces representada, tela de araña enamorada.

Fernande Olivier y Pablo Picasso en Montmartre. 1906

En el caluroso mes de agosto del 1905 parisino, el estudio se encuentra, lleno de basura y excrementos de gatos, cuando ellos, (llenos de fantasmas impregnados), se aman apasionadamente por primera vez, con la dulce sutileza del gomoso opio, como telón de fondo. Pocos días después un abrasador domingo, enamorados, trasladan los pocos enseres que posee Fernande, en un gran baúl negro, propiedad del priapo mediterraneo. Mientras pasan estrecheces económicas. Una nueva vida comienza para Fernande. Ella duerme, Picasso trabaja toda la noche.

Luego como fue demasiado pronto habitual, anidó en ellos la desconfianza, y acostumbraban a discutir a menudo, por los lunáticos celos, del que conociéndolo todo, todo lo teme. Y los dos sabían bastante de eso. No tenía permitido salir de casa sola, cuando él salía a la calle, a menudo, la dejaba encerrada con sus libros, su te, la basura, los perros, los gatos, y la mona. Picasso, se encargaba de la compra y la limpieza, pero raramente adecentaba, solo a veces, para abrir aunque solo fuera un estrecho pasillo por el que transitar.

Pasaban necesidades. Sin embargo, la suerte les sonrío

Unas ventas de Picasso, felizmente les proporcionaron algún dinero; la pareja viajó a España, en 1906, un par de semanas. Después de visitar Barcelona, parten pronto hacia Gósol, un pequeño, pueblo pirenaico, cerca de Andorra, donde el artista quiere pintar. Es allí donde con extraña pureza, mezcla, clasicismo y modernidad, su sensual espíritu se siente libre, y puede pintar a sus anchas. Y disfrutar pintando.

Pero una desgracia aparece súbitamente en Gósol para precipitar, dramáticamente, su marcha en este cenit veraniego. Fallece de tifus, una pequeña niña ( la hija del contrabandista Fontdevila), que recientemente posó para él, solo tenia 10 años, y la tela de su retrato aún estaba fresca. Como repentinamente fresca era ahora la depresión, la dolorosa herida, que le hizo salir raudo de aquella idílica ladera que dulcemente, se asomaba al valle, y regresar enfermo al horno parisino de su estudio.

Fernande no podía ser madre, y un día se acercó al orfanato, pues se encaprichó de una niña de 8 años y la adoptó. Pero pronto se cansaría admitiendo su nula predisposición maternal, por lo cual la chiquilla acabó finamente en casa de una vecina que era portera. En la primavera de 1907, Picasso se encuentra pintando nada menos que, Las Señoritas de Avignon, y ya en septiembre, está pensando en terminar su relación, mientras tanto, ella, siendo consciente de este fatal hecho, está desesperada pues piensa que la situación no tiene arreglo, según Pablo le ha comunicado. Entonces, perdida, nerviosa y desorientada busca donde residir y encuentra un modesto alojamiento, a la vez que retoma la relación con su tía… Mientras tanto, da clase de francés a Gertrude Stein.

Retrato de Fernande Olivier. (1905). Picasso

Picasso y Fernande se reconcilian y vuelven en noviembre de 1907

Sin embargo. Quedaba asentada la indefinible sima de sus, mientras tanto, relaciones en el entreacto. A si pues volvieron, y en 1909 viajaron de nuevo a Barcelona y también a Horta. Fernande estaba ilusionada, pero Picasso por el contrario se centró sobre todo en su pintura, con egoísta pasión y necesidad, pero siempre en una excluyente carrera eterna, de la que todos deberíamos saber de antemano, quien será el perdedor. Fernande no entendía el cubismo y esto tampoco ayudaba. Junio y julio se sucedieron, y al final no pudiendo aguantar más, cayó enferma, de una enfermedad renal, o tal vez veneréa, algo no tan infrecuente, aquellos años, aún sin penicilina.

Tienen que regresar a París, donde se recupera, y abandonan su residencia en el Bateau Lavoir, mudándose, a un piso del Boulevard de Clichy. Las cosas materialmente han avanzado mucho. Pero no hay nada que hacer con Picasso, el fauno trabaja por la noche, duerme hasta tarde, y no quiere que nadie toque su basura. Habla poco y trabaja mucho. Alguna vez van a ver a sus amigos o los reciben en casa. Hay algo de abismo en él que ella no puede entender del todo, a ella le gustaría que hablaran más de sus pasiones, por ejemplo, la de los perfumes, en la que gasta a veces mucho, como también lo hace, con sus sombreros, y pieles. Ademas, a veces le exaspera su rudeza y su mal francés, hablado y escrito. Tampoco soporta la prioridad de su trabajo. entonces cansada, decide huir con un futurista pintor italiano. Hecho. que el pintor malagueño, no le perdonaría jamás. Cuando, al tiempo, apurada regresa, nerviosa, comprueba, que el piso que ( Picasso, vivía ahora en el Boulevard Raspail), compartía con Picasso, está medio vacío, y que él, no está.

Repose. (Fernande Olivier). Picasso. 1908

Eve Gouel la nueva pareja de Picasso, apareció en escena a principios de 1912, cuando la relación Picasso/Fernande hacia ya mucho tiempo que no marchaba.

La morena, pequeña, y ordenada, Eve, y Picasso, mientras tanto son felices. Hogareña y ordenada, no se mantuvo al margen de las finanzas y del estilo pictórico de él, y escoró todo ello más hacia su convencional y funcional criterio, y la verdad es que en los 4 años que vivirían juntos, (fallecería de cancer en 1915) se entendieron, lograron una estabilidad, que ambos deseaban, y que benefició, al artista, y a los precios de sus obras. En 1913 mudaron, a un nuevo domicilio, donde la paz era mayor y el estudio del pintor poseía más espacio y mejor luz.

Casi 20 años después de acabada su relación, Fernande Olivier, basándose en sus diarios, publicaría sus vivencias con Picasso, molesto, el malagueño, pagó un millón de francos, para que mientras ambos vivieran, no se publicara nunca, nada más, sobre ellos.

Fernande Olivier. Sombreros, perfumes…, y Picasso

Fernande Olivier. Fernande. Olivier. Picasso. Arte