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Acuarela. Pintor, modelo y naturaleza. Esperanza. La caja de Pandora

Pintor, modelo y naturaleza. Tomás Bartolomé.

Pintor, modelo y naturaleza. Tomás Bartolomé.

Acuarela. Pintor, modelo y naturaleza. 2016. 

Watercolor. Painter, Model and nature . 2016.

La Esperanza del pintor que pinta a su modelo, es que su obra sobreviva eternamente, un ansia de supervivencia que significaría, que su arte es valorado, y que además, cumple su fin, como medio y elemento fundamental, de la belleza, la expresión, y la comunicación.

La Esperanza aparece en La Caja de Pandora

Caja, Contenedor Griego, Tinaja Ovalada. Mas, citada como caja, se le atribuye a Pandora, la primera mujer, creada por Efesto feo y cojo, (Dios del fuego, y la forja, de los escultores, y los metales), una especie de Vulcano, que pintaría Velázquez.

LA CAJA DE PANDORA

El atrevido Prometeo hurtó el fuego de Zeus, para después ofrecérselo a los hombres. Zeus quiso vengarse, y se le ocurrió la siguiente treta; entonces, creó a pythos, un terrible jarrón que albergaba en su interior todos los males y se lo entregó, junto a Pandora, (que portaba la vasija como regalo de bodas), al hermano de Prometeo (Epitemeo. Que se casa con ella). Los dioses habían dotado a Pandora de una curiosidad exacerbada

Había una condición y una celada, (la vasija o caja), no seria abierta bajo ningúna circunstancia. La curiosidad de Pandora hizo, que sin poder resistirse abriera la tinaja, ¡para que lo hiciera! de ella entonces, como feos y extravagantes seres, hicieron aparacicion, todos los males del mundo; al verse sorprendida, la pobre a duras penas logro cerrarla… y en el fondo, solo quedó, Elpis, el espíritu de la esperanza.

DICE LA ESPERANZA UN DÍA

Dice la esperanza: Un día
la verás, si bien esperas.
Dice la desesperanza:
Sólo tu amargura es ella.
Late, corazón… No todo
se lo ha tragado la tierra.

Antonio Machado

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El pintor y la modelo. 1963. Picasso.

Pronto se hizo referencia a este hecho, en sentido coloquial, y desde entonces, abrir, una Caja de Pandora, pasó a significar, que tal vez, una acción que en principio pudiera parecer inofensiva, o pequeña, pudiera acabar siendo, sin embargo, el detonante de algo odioso, y así, desatarse a partir de una fútil accion doméstica, sin la menor importancia, catastróficas o terribles consecuencias.

Al final al rescate. a veces como ocurre con el artista y su obra, solo queda la Esperanza, allá, en el fondo de la vasija, la eterna, y benéfica permanencia.

Acuarela. Pintor, modelo y naturaleza. Esperanza. La caja de Pandora. Tomás Bartolomé.

Acuarela. Pintura. Tomás Bartolomé. Pintor, modelo y naturaleza. Pintores. Esperanza. La esperanza. La caja de Pandora. Pandora.

 

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Pintura. José de Ribera, El Spagnoletto. Un pintor español en Nápoles

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El pie varo (El lisiado o el Zambo). 1642

José de Ribera, El Spagnoletto, así llamado por ser un español en Nápoles además de por su menguada talla. José de Ribera, nació en Jativa, Valencia, en 1591, donde su padre era zapatero pero vivió casi toda su vida en Nápoles, donde finalmente falleció en 1652, y donde se encuentra enterrado.

Era apenas un adolescente cuando puso rumbo a Italia, tan clara tenía ya entonces su vocación; primeramente visitó las ciudades de Cremona, Milán, Parma, y Roma, donde se detuvo a estudiar a los clásicos en profundidad.

En Nápoles. entonces un virreinato español, Ribera pensó que tendría más posibilidades como pintor, allí tuvo éxito, sus grabados circularon mucho por Europa, Rembrant poseía alguno; se dice que cuando Ribera fue preguntado por un amigo, porque no regresaba a España, contestó…

«En cuanto en lo de volver a España no se, me han dicho que allí se pierde el respeto a los artistas cuando están presentes, pues dolorosamente, España es madre amantísima para los forasteros y madrastra cruel para sus hijos».

Pronto recibió Ribera muchos encargos sobre todo de la iglesia, de coleccionistas particulares, y de los funcionarios españoles del imperio, destacados en Nápoles. Pintor versátil trató en sus pinturas además de temas religiosos, temas mitológicos, aunque de estos últimos tuvo menos encargos.

También pintó algunos Paisajes aunque escasos.

DOS RAREZAS…

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Paisaje con fortín y, Paisaje con pastor. Ambos de 1639

Dos de estas rarezas, son Paisaje con fortín y Paisaje con pastor, dos cuadros de gran tamaño que se encuentran expuestos, en el Palacio de Monterrey de Salamanca, y que así mismo, son propiedad de los Duques de Alba.

En esta bella ciudad llena de arte a las orillas del Tormes se encuentra también otra pintura de José Ribera y en este caso, ubicada, en la Iglesia de la Purísima, a escasos metros de la Plaza Mayor, y del antes mencionado palacio; en ella, en su magnífico retablo, podemos admirar la Virgen de la Inmaculada Concepción.

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La Inmaculada Concepción. 1635

LA INMACULADA CONCEPCIÓN DE RIBERA

Un cuadro es de gran tamaño, con un color poco común en la pintura de Ribera.

Son unos colores más claros y vivos, que surgen en la pintura del Españoleto aproximadamente en 1630, época en que curiosamente Ribera tal vez, conoce, (coincide con una de las visitas del pintor sevillano a Nápoles) a Velázquez, en Nápoles. Velázquez tenía entonces 8 años menos que Riberay estaba visitando Italia, en unos de sus viajes de formación, y contactos, a cargo de la corona. La estilizada Virgen de cabeza pequeña, lleva sobre sus hombros, una capa de color azul brillante. Normalmente los colores que identificaron primeramente al pintor valenciano, son menos luminosos que los que utilizó en esta inmaculada, digamos, que son más del tipo Caravaggio; es el tenebrismo, que utiliza el claroscuro, una técnica que José de Ribera usa en muchas de sus pinturas de santos y martirios.

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San Pablo Ermitaño. 1640

Ribera, junto con otros pintores importantes forma parte de la Escuela Napolitana, y no solo forma parte de ella, sino que lidera la misma.

Su obra en tiempo posteriores, fue tachada en general, de truculenta y morbosa; tanto fue así, que incluso Lord Byron llegó a comentar al respecto…

«Parece que para pintar, Rivera empapara sus brochas en la roja sangre de los santos»

Esto sucedió, porque hubo una época, en que eran pocos los que conocíeron su extensa obra en profundidad, pues la mayoría, solo conocían sus cuadros de martirios.

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El Martirio de San Bartolomé. 1644

José de Ribera. El Spagnoletto. Un pintor Español en Nápoles.

Pintura. José de Ribera. Pintores. El Spagnoletto. El Españoleto. Ribera. Nápoles. Pintura.

 

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Toulouse Lautrec. El niño Toulouse lloró, desde pequeño

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El niño Toulouse lloró

Desde pequeño

Henri de Toulouse-Lautrec. 24 de noviembre de 1864. Albi (Francia). 9 de septiembre de 1901. Saint-André-du-Bois (Francia), 36 años.

– «A causa de la endogamia, el niño no nació bien, nosotros sus padres éramos primos en primer grado, pertenecíamos a la aristocracia; el pequeño Toulouse, nació el 1864 en el castillo de Albi (cerca de Burdeos). Mi marido el Conde Alphonse, nunca quiso a nuestro hijo, sabía que la alta sociedad nunca lo aceptaría, y él, era un noble».

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Monsieur Boileau. 1893.

La consanguínidad tiene estos riesgos, y todo, la mayoría de las veces se produce por el único afán de juntar grandes capitales, tierras y casas. Cuando el niño Henri tenía cuatro años, el Conde Alphonse y Adele se separaron. Nuestro artista nació débil y enfermizo. A los 10 años, su enfermedad se muestra con especial crudeza, su madre lo intenta todo, lo lleva a los mejores médicos, pero no sólo el niño no mejora, sino que la enfermedad se agrava rompiendose Toulouse los fémures de ambas piernas.

–  «Y pensar que yo no pintaría si tuviera dos piernas»

Toulouse y Adele se trasladan a París, y con 17 años de edad, recibe clases de dibujo y pintura de diferentes artistas, pero a Toulouse Lautrec, lo que de verdad le interesa es la figura humana, los paisajes, tan de moda, a él no le inspiran.

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Con solo veinte años se instala en el tercer piso de una vivienda en la colina de Montmartre, su vecindad está compuesta de  pintores, buscavidas, artistas y trabajadores de los diferentes cabarets que pueblan la zona. De uno de ellos se hace asiduo (El Moulin Rouge), y Lautrec bohemio, noble, y por encima de todo pintor se convierte, en algo más que un buen cliente.

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Algunas noches dibuja desde su mesa; junto a su inseparable, verde azulada absenta, y retrata a las bailarinas fuera y dentro de las bambalinas; al ser un cliente apreciado, puede permitirse dibujar incluso dentro de los camerinos. Siempre trató Lautrec a estas mujeres con respeto, llegó a considerarlas como amigas, las ayudó y ellas le ayudaron también a él; estas se convirtieron así en sus principales modelos, y en casi su familia.

Toulouse lautrec, tiene 26 años cuando viaja a Londres donde conoce personalmente a Oscar Wilde del qué realiza un retrato.

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Retrato de Oscar Wilde. 1895.

Alcanza el éxito en vida; carteles publicitarios, e ilustraciones para revistas le hicieron muy popular; sin embargo, sus óleos no fueron tan conocidos.

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El bebedor 

Toulouse Lautrec con solo 33 años, tiene importantes problemas de salud, derivados de su alcoholismo, asi, se agravan sus ataques nerviosos, llegando a sufrir trastornos como el Delirium Tremens. Solo 2 años después es internado en un sanatorio mental, donde sigue pintando (pinturas sobre el circo).

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A los 37 años Toulouse Lautrec fallece en Saint André De Bois.

Toulouse Lautrec. «El niño Toulouse lloró, desde pequeño».

Toulouse Lautrec. Pintura. Pintores. Lautrec. Toulouse. Endogamia. Consanguinidad.

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Honoré de Balzac. El reverso de la historia contemporánea

 

Honoré de Balzac. Tours 20 de mayo de 1799, Paris, 18 de agosto de 1850. Escritor. Novelista

Un campesino, -se trata de su padre-, de Tarn, (Francia); se desplaza a París en busca de un mejor futuro para su familia, Acabando finalmente en el funcionariado, luego como intendente del ejército, donde hizo fortuna, relacionándose, entonces, con gente poderosa, y casó, con una joven rica de 18 años, hija de un banquero, él tenía más de 50, y  trabajó en el banco, mas pronto acepto el cargo de comisario de subsistencias del ejército, en Tours, ciudad, donde nace nuestro protagonista. Posteriormente oficiaría, como administrador del Hospicio de Tours.

Tuvo Balzac, un hermano menor, (falleció al mes de su nacimiento)y dos hermanas.

Rigidez y frialdad. Balzac Ignorado, y medio abandonado por sus padres, el sufrimiento se instaló en su vida, como esas impregnantes y babosas sensaciones, humorales, que se pegan al alma. Se convirtió así, en algo extraño.

En un oscuro internado, y apenas con dinero (que los demás compañeros, si manejaban), lloró por comparición, el que así, se convertiría, en un sabio dañado, y que  como tampoco estudiaba, fue duramente reprendido, y castigado.

En la treintena, al fin, ya bachiller en leyes, y trabajando en una notaria, conoce a fondo la economía, y los manejos y apariencias, de la clase alta, en la alambicada sociedad parisina. Cansado de resistirse a su vocación, felizmente, lo abandona todo por la literatura.

Balzac, enseguida alcanzó la fama con, “Los Chuanes” (Novela histórica). Ganó, gastó, y perdió, mucho dinero. Invierte en el incierto mundo editorial, y vive endeudado. Voraz animal nocturno de costumbres digamos que disipadas.

El negro café, y otras sustancias

no menos valoradas,

cataron sus ávidos sentidos,

en las frías y oscuras rues parisinas.

No visitaba el escritor,

la mañana con morfeo como aliado.

Gastador fue, y estajanovista literato, también.

Viento frio, religión, supremo conocimiento,

fe, conspiración, misterio, conjura, secreto,

dinero por poder, mujer, abismo, sociedad,

Paris, todo, y mucho más.

El reverso de la historia contemporánea. (1846), fue la postrera y definitiva, obra cumbre de un escritor, sabio y excelso.

El reverso de la historia contemporánea. (1846). Fragmento

La soledad tiene encantos comparables a los de la vida salvaje, que ningún europeo abandonó después de haberlos experimentado. Esto puede resultar extraño en una época en la que cada uno vive de tal manera para los demás que todos viven inquietos por lo que el otro dice, una época en la que la vida privada pronto dejará de existir, en la que los ojos del diario, Argos moderno, avanzan en atrevimiento, en avidez; sin embargo esta proposición se apoya en la autoridad de los seis primeros siglos del cristianismo, durante los cuales ningún solitario volvió a la vida social. Hay pocas llagas morales que la soledad no cure. Así, en principio fue embargado por una calma profunda y por el silencio absoluto de su nueva morada, exactamente como el viajero fatigado que descansa tomando un baño.

Y al día siguiente de su entrada como pensionista en la casa de la señora Chanterie, se vio obligado a reflexionar sobre su situación, ya que se encontraba separado de todo, incluso de Paris, aunque estuviese aún a la sombra de la catedral. Sin el arma de todas las vanidades sociales, sólo iba a tener como testigos de sus actos a su conciencia y a los comensales de la señora de la Chanterie. Era dejar el gran camino del mundo y entrar en una senda desconocida; pero, ¿adonde lo llevaría esta senda?, ¿a que ocupación iba a consagrarse?

Honoré de Balzac

Honoré de Balzac. El reverso de la historia contemporánea

Literatura. Honoré de Balzac. Balzac. Escritores. Novelistas. Novela. El reverso de la historia contemporánea. París

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Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Tecnológico y humano

 Rafael Lozano-Hemmer

Un artista contemporaneo de talla internacional, cuyas obras de arte interacciónan con el espectador, en un emocionante viaje de ida y vuelta. Una magnífica ocasión, para acercar a los niños al mundo del arte de una manera lúdica, y didáctica ¡Abrirán los ojos como platos! El juego y la sorpresa estan servidos, adéntrense en la abstracción biometrica, el show va a comenzar.

Lozano-Hemmer es un artista mexicano nacido el 17 de Noviembre de 1967. Reconocido y premiado; su obra puede encontrarse en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, o en la Galería Tate del Reino Unido.

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Los proyectores de Hemmer emitiendo estelas lumínicas sobre la ciudad. Foto. Vía internet

Rafael Lozano-Hemmer, además de en ferias de arte y museos, ha montado sus instalaciones en las calles y plazas de algunas ciudades con proyectores de luz gigantes, «Los más grandes que existen», y las ha arropado con un magnífico soporte sonoro a base de muchos Whatios, en un espectáculo de luz y sonido impresionante. Son muchos los lugares del mundo que las contemplaron, y que ya nunca olvidarán la puesta en escena del global artista azteca, radicado en Canadá. Podríamos decir que las obras de Rafael Lozano-Hemmer, no están totalmente acabadas hasta que las completa el público con su interactiva participación.

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En el museo, al  mirar una pantalla de video Hemmer, tus ojos echarán humo. Foto by TbArt, archivos fondos propios

Las instalaciones de Hemmer, pueden medir nuestro pulso , respiración, movimiento, voz, rasgos faciales. Con ellas nuestros ojos echarán humo, y nuestra voz se repetirá, y mezclará con otras voces de visitantes anteriores. Nuestra respiración quedará guardada para siempre en bolsitas de papel, que repetirán nuestro ritmo de, inhalación/exhalación, constantemente.

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Imagen de una instalación de Hemmer. Foto by TbArt, archivos fondos propios

A partir de esta forma de comunicación artística,  nos vemos envueltos en su particular universo de Arte-Poético-Tecnológico». Son las instalaciones una  puesta en escena arquitectónica, y el artista se vale de la tecnología y el performance para crear…«Sensaciones en las que lo humano y lo electrónico conversan».

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Instalacion interactiva de Hemmer. ARCO 2016. Madrid. Foto. Archivos propios by TbArt

Aunque nació en México, Rafael reside entre España y CanadáRafael Lozano-Hemmer, consigue conjugar de una manera amena el arte, con el entretenimiento y la sorpresa. La obras de Hemmer resultan divertidas, interesantes, y de calidad.

Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Lo tecnológico y lo humano, conversan en un bucle de ida y vuelta.

Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Hemmer.

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El sepulcro del Cardenal Tavera. Alonso Berruguete

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El Sepulcro del Cardenal Tavera. 1551/61. Alonso Berruguete.

Se encuentra ubicado en la Iglesia del Hospital Tavera, en la ciudad de Toledo, de estilo renacentista, está tallado en mármol blanco de Carrara, Italia, y es de una gran calidad y pureza, libre de cualquier mácula o imperfección. En el sarcófago está enterrado el Cardenal Tavera, antiguo fundador del Hospital, en que descansa.

El monumento fue encargado por él patronato, en 1554 a Alonso Berruguete, insigne artista de la Tierra de Campos palentina, que murió en Toledo, y fue enterrado, al pie del altar mayor en la Iglesia de Santa María de la Asunción, en Ventosa de la Cuesta (Valladolid).

El sepulcro se terminó en el año de 1561. El precio pactado por la obra, fue de 3000 Ducados. Fue el precio, que puso el mismo Berrruguete pues, era un artista muy solicitado, y su costumbre fue la de siempre, fijar el precio, valorar su obra justamente…, sus clientes, en su mayor parte eclesiásticos muy dados a regatear, y pedir, tenían finalmente que claudicar, en sus duras negociaciones, con el austero y cabál castellano.

En Valladolid, Alonso Berruguete monta su taller, y no para de recibir encargos. También, por trabajo, reside en Toledo laborando en el sepulcro; su padre, Pedro Berruguete, (pintor), también hubo realizado sus pinturas, en la Catedral de la capital toledana, que tanto y tan bellamente, pintara El Greco.

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FALLECEN BERRUGUETE Y TAVERA

Alonso Berruguete en 1561, con 71 años, fallecía en Toledo a donde se había dirigido, para por fin, entregar el Sepulcro del Cardenal Tavera, instalado en la iglesia del Hospital Tavera, también nombrada como de San Juan Bautista. En recuerdo a este santo, también era conocida, como Hospital de afuera, pues se encontraba a las afueras de Toledo, pues, en el interior de la noble ciudad, se ubicaba, el también Hospital de Santa Cruz. Así pues, Alonso se habia desplazado de Valladolid, a Toledo, y allí trabajaba diariamente, en el sepulcro.

Cuando salió del hogar le prometio a Juana, su mujer, que pronto regresaría con ellos, a su casa de Ventosa,  y que lo haría «antes de la vendimia»; pero el escultor no pudo cumplir su promesa; pues jamás volvería al lado de su familia, el triste óbito se produjo en una de las habitaciones del Hospital, cuando encontrándose trabajando, en el monumento funerario del Cardenal se sintió indispuesto… Fue su ultima obra.

El sepulcro se encuentra situado bajo el crucero de la cúpula de la Iglesia, es una obra exenta, visible por los cuatro lados.

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Juan Pardo de Tavera, El Cardenal Tavera, el destinatario, falleció en 1545 en Valladolid ( donde residía). Pero como cuando se produjo su deceso, el sepulcro no estaba terminado, sus restos finalmente descansaron, en la catedral de la capital del Pisuerga, hasta su destino definitivo en la iglesia del Hospital… 16 años después del óbito. Él ya no tenía prisa.

Actualmente el Hospital Tavera es propiedad de La Casa de Medinacelli, y entre otras dependencias, se encuentra, un más que interesante museo, con pinturas de El Greco, Rivera, Tintoretto, Luca Giordano, Tizziano, Zurbaran etc, además de una escultura (una rareza), de El Greco, el Cristo resucitado.

El sepulcro del Cardenal Tavera. Alonso Berruguete

El Sepulcro del Cardenal Tavera. Alonso Berruguete. Berruguete. Escultura. Escultores.

 

 

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Cardoso. Acuarela. «La creación es un templo de pilares vivientes»

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Acuarela. Paisaje. Cardoso

Cardoso. «El artista que juega con el agua», nos presenta hoy este magnifico paisaje que nos  transporta  por idílicos caminos, entre varetas y retama, (como Camarón), sus venas azuladas, los colores del sur; los bisoños descubrimientos deslumbrantes y matemáticamente soñados por Paul Klee, en el claro infinito horizonte del tranquilo y cálido Mar Mediterráneo… La veraz luz , que te arrebata, te transporta…, te seda.

«El mar está cerca; la ciudad se aletarga a la hora de la siesta». TbArt

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Correspondencias

La Creación es un templo de pilares vivientes
Que a veces salir dejan sus palabras confusas;
El hombre lo atraviesa entre bosques de símbolos
Que lo contemplan con miradas familiares. 

Como los largos ecos que de lejos se mezclan
Con una tenebrosa y profunda unidad,
Vasta como la luz, como la noche vasta,
Se responden sonidos, colores y perfumes. 

Hay perfumes tan frescos como carnes de niños,
Dulces tal como oboes, verdes cual las praderas
Y hay otros, corrompidos, ricos y triunfantes,
Que tienen la expansión de cosas infinitas,
Como el almizcle, el ámbar, el benjuí y el incienso,
Que cantan los transportes de sentidos y espíritu.

Charles Pierre Baudelaire. París 1821-1867.

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Cardoso. Acuarela. «La creación es un templo de pilares vivientes que a veces salir dejan sus palabras confusas». Baudelaire.

Pintura. Cardoso. Pintores. Acuarela. Poesía. Baudelaire. Correspondencias. Camarón. Paul Kiee. 

 

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Expresionismo Abstracto. Un arte nuevo asoma en Nueva York

Expresionismo Abstracto:

Escuela de Nueva York. American Type Painting. Abstrac Expressionism, Action Painting, Gestual Painting

Son algunas de las etiquetas que se relacionan con este movimiento artístico, fechado en la ciudad de Nueva York, a comienzos, de los años 40 del extinto siglo XX.

Convergence. (1952). Jackson Pollock

Estados Unidos, adquiere un lugar prominente, en el panorama artístico internacional; una vez acabada la Segunda Guerra Mundial; las obras de arte; la manera de concebirlas así como, la libertad creativa, había sido duramente cercenada en Europa, y muchos creadores se encontraron exiliados en el nuevo continente, y especialmente en la ciudad de Nueva York, (aunque no exclusivamente), la joven metrópoli, se convierte así, en la capital de la modernidad, en ella, un pequeño grupo de artistas con inquietudes similares, se interesan al mismo tiempo, por el mito americano, si bien, conservando una importada influencia intelectual europea.

Algo nuevo está naciendo, el tiempo, ha transformado (como no puede ser de otra manera), también el arte, como un parte de la vida imprescindible, e imparable. El artista reclama un lugar en la sociedad. La vitalidad se impone naturalmente, también, la introspección, la soledad y la lucha, a la vez, que se abandonan radicalmente las senda de lo trillado, y del aburguesado  y cómodo camino abaldosado.

La libertad, la afirmación del individuo, y el libre e ignoto inconsciente, son, semilla de expresión, a la vez que una neta, declaración de intereses.

Canto XIV. (1964). Barnett Newman

Los pintores americanos, Pollok, Motherwell, Newman, y migrantes como De Kooning, Gorky, o Rothko, de raíces europeas, entre otros, se enfrentan valientes ante un nuevo camino. Trazo, mancha, materia, goteos, textura, automatismos, (heredados del surrealismo europeo), pureza, y expresión inconsciente, abandono, azar, sinceridad, crudeza. Todo esto, es el Expresionismo Abstracto.

Memoria in Aeternum. (1962). Hans Hofmann

Una mención especial merece, Hans Hofman. Pintor nacido en Alemania en 1880, y fallecido en Nueva York en 1966. Residió en Múnich, París, y finamente nuevamente en Nueva York. En todas esta ciudades se dedicó a la enseñanza del arte, Jackson Pollok y Mark Rothko, se encuentran entre sus alumnos. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del Impresionismo Abstracto.

La expresión libre del artista, que se implica, remanga y recurre a la acción desde su individualidad existencialista. Se derriban así, las barreras de lo racional o planificado, y como pioneros prospectores avanzan instintivamente. estar dentro, ser parte, de lo que finalmente será su obra terminada, es algo místico. Obtienen así finalmente una marca, una huella, que tiene que ver con el momento, y que quedará atrapada junto con el alma etérea, y la pesada masa del artista.

Black Red and Black. (1968). Mark Rothko

Rothko por ejemplo, pintaba grandes formatos para  de alguna manera sentirse durante el proceso (en sí mismo un fin creativo), “estar dentó de su pintura “, Rothko, acabaría interviniendo místicamente con su obra, en la capilla de… “Rothko Chapel”, (capilla abierta a todas las religiones), situada en Houston, Texas.

Pintores españoles como Esteban Vicente, y José Guerrero, son una muestra de la influencia de este movimiento en el panorama del arte contemporáneo internacional.

Autumn. (1993). Esteban Vicente

La sensación de vértigo atrapa al pintor, que como un golpe de fuerza, pelea con la materia, traza caminos, mientras trata de librarse concienzudamente de todo lo que conoce para abandonarse en un diálogo intradiagetico, en el que juega un papel importante, el azar, y finalmente, y como parte fundamental, del resultado final, el criterio de artista.

Sin titulo. (1963). José Guerrero

El resultado es algo puro, diferente, y lo más importante, trasmite autenticidad. En cuanto a la asociación de manchas y las formas resultantes que asociamos con imágenes concretas, De Kooning manifestó “El objetivo del expresionismo abstracto, no es la abstracción, sino la expresión».  También declaró, «De una manera espiritual, las formas abstractas deben parecerse a algo”.

Recogimiento, grandes áreas de color que inundan los lienzos, veladuras, transparencias de capas, misticismo y religiosidad, nos transmiten tal vez la ensoñacion, de un sutil paisaje, espiritualmente sugerido.

Expresionismo Abstracto. Un arte nuevo se asoma a Nuev York

Expresionismo Abstracto. Abstracto. Abstracción. Arte abstracto. Arte. Movimiento artístico. Nueva York.

 

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Fotografía. Alberto García-Alix. Un artista rebelde, en un viaje de poética intimista

Autorretato. García-Alix. Archivos fondos propios By TbArt

De la exposición, «Un horizonte falso«. Tabacalera de Madrid febrero 2016

Alberto García-Alix. León 1956.

Este gran fotógrafo, nacido en León, vivió muy de cerca «La Movida Madrileña» tiempos, de libertad recién estrenada en España; tiempos nuevos, en los que todo cambió tan rápidamente, como se llega al sueño, después del dulce cansancio que lo precede. Fueron, maravillosos, «años de vino y rosas»en el hasta entonces aburrido, y proceloso panorama-artístico-español, salvo honrosas excepciones.

Alberto García- Alix, está cansado de que le etiqueten continuamente como el «Fotógrafo de la Movida», participó, si, mas él no fue nunca consciente de estar documentandola, simplemente…, fue parte de ella; sencillamente; pero,  como él solo sabe, fotografió su fresco y chispeante entorno. Él y sus amigos, eran, «La Movida»; se encontraban siempre, en los mismos bares y los mismos conciertos, les gustaban las mismas cosas.

Alberto García-Alix comenzó su carrera profesional, aproximadamente a principios de los años 80. En 1981, tiene lugar su primera exposición, en la Galería Buades. Desde entonces, con sus cámaras fotográficas, Leica y Hasselblad, no ha dejado de fotografiar la noche, las motos, la música, los tatuajes, y por supuesto… Retratos.

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Foto. Retrato. García-Alix. Vía internet

¡ROER ESE HUESO!

Al ser preguntado, por un periodista, «Cual sería la imagen que elegiría para que le definiera dentro de muchos años», el artista, contestó, «La más desenfocada»… ¡Toda una declaración de intereses!

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Espacio traicionado. 2010. García Alix. Foto, archivos fondos propios. By TbArt

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Foto. García-Alix. Vía internet

Premio Nacional de Fotografía 1999. Premio Fotografía Comunidad de Madrid 2004. Premio PHofo España 2012.

García-Alix desnudo, troceado y tatuado. Desvalido. El pudor, a él, un tímido incorregible, siempre le hace dudar. «¿Sería, capaz de verse así, tan sobreexpuesto. Tan desnudo?… Tan frágil.

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Autorretrato. GARCÍA-ALIX. Escondido en mi miedo. 2009. Foto. Vía internet

Las fotografías en blanco y negro nos hablan, de sus  profundas «Emociones Personales», y nos muestran, a un artista, rebelde, íntegro; en un viaje interior de poética intimista. El estar allí. La iluminación y la composición, son las piezas clave de sus siempre interesantes obras.

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Cicatrices en un Ángel. 2012. García-Alix. Foto. Archivos fondos propios. By TbArt

Alberto Garcia-Alix, el fotógrafo de la voz rota, está considerado, como uno de los mayores exponentes de la Fotografía Contemporánea Española.

Fotografía. Alberto García-Alix. «Un artista rebelde, en un viaje interior de poética intimista».

Fotografía. Alberto García-Alix. García-Alix. Fotógrafos. La Movida. Madrid.

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Edgar Degas. «Ciudad de la luz que guardaba bailarinas y desnudos»

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Hilaire-Germain-Edgar Degas. París, 19 de julio de 1834. París, 27 de septiembre de 1917, (a los 83 años de edad).

Pintor, Escultor, y Dibujante, conocido sobre todo por su extensa obra, sobre el mundo del Ballet Clásico, y considerado como uno de los fundadores del Impresionismo.

Edgar Degas pertenecía a una familia acomodada, por parte de padre (banqueros), por parte de madre, (industriales algodoneros). Huérfano desde muy temprano, su madre murió, cuando el niño Edgar, contaba solo 13 años de edad.

Degas estudió derecho por deseo del padre, pero ya había destacado con el dibujo, y enseguida abandonó las clases, estableciendose como pintor. Su padre Auguste de Gas, que a la postre tendría, gran influencia en su vida, viendo su gran talento, y siendo él mismo, un ferviente enamorado del arte decidió ayudarlo; comieza entonces, su formación pictórica, en la Escuela de Bellas Artes, realizando, estudios de dibujo, pintura y modelado; poco tiempo después, viajara a Italia donde copia, durante tres años, a los grandes maestros de renacimiento.

Al término de la Guerra Franco-Prusiana (1870/71), en la que no participa, al detectarle tempranamente problemas de visión, viaja a Nueva Orleans (1873), donde, se establece en casa de una hermana (La madre del pintor había nacido allí), vive en la ciudad cinco meses, y activo, realiza al menos una veintena de obras.

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Oficina de contratación de algodón. (A cotton office). 1873

Con este bagaje artístico regresa a París donde, su padre pensando en futuras económias, le recomienda que se dedique al retrato pues, piensa con lógica comercial, (Arte para vivir), que así recibirá más encargos. Vive una vida dedicada al Arte y obtiene un gran éxito, con sus dulces pinturas sobre la danza; las clases, y el ambiente que se respira en los ensayos, y sobre todo, en los más íntimos camerinos, (el pintor es admitido en ellos casi como uno más de la compañía), en este aspecto el pintor parisino, guarda cierta similitud con su colega Toulouse Lautrec, aunque este, 30 años más joven…

Las bailarinas de ballet son pintadas y dibujadas una y mil veces en su ambiente de trabajo y ensayo.

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A la muerte de su padre ocurrida en 1874, y no siendo ya tan boyante su situación economica, Edgar Degas, se ve obligado a vender su atesorada colección de  pinturas, (por primera vez en su vida), pues el ávido estado francés, demanda al pintor parisino, por las grandes deudas que deja su extinto banquero progenitor. Degas tristemente embargado, se ve obligado a vender la casa, y la colección de arte recibida en herencia.

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En la foto, Lorenzo Pagans y Auguste de Gas. (1871-72). En primer término de la pintura vemos al guitarrista  español (Lorenzo Pagans), y al fondo al padre del pintor, Auguste de Gas; fue una pintura muy querida por Edgar Degas conservandola, con celosa nostalgia filial, hasta el día de su fallecimiento.

Bailarinas de Ballet Tal vez fuera su marchante, el que le aconsejó pintar esta temática; el caso es que, contradiciendo el prudente consejo de su progenitor, sobre el retrato, el  triunfo de Edgar Degas fue rotundo y por ende, obtuvo grandes ingresos económicos. Mas, como vimos anteriormente, Edgar Degas arrastró toda su vida problemas de visión, por lo que al final de su existencia fue decantandose, por la técnica del pastel y la escultura. También, poco a poco, el artista galo, se fue haciendo más reservado, arisco, no quiso exponer su obra, y se apartó de la sociedad; pensaba con extrema radicalidad que… «Un artista no debe tener vida personal».

Degas coleccionista. A lo largo de su vida, se hizo con una importante coleccion de arte aquiriendo obra, o cambiándola por la suya, así fue como consiguió una magnifica selección de cuadros, de Van Gogh, Gauguin, Delacroix, Ingres, Cézanne, El Greco, Manet… ¡Una verdadera fortuna en obras de arte!

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Además, de por el mundo de las Bailarinas, el pintor también se interesó, y prestó atención, especialmente al mundo del Caballo, y las Carreras Hipicas (Turf), así como por el desnudo femenino, la mujer en su momento íntimo de la toilette (baño). Edgar Degas pintaba, sobre todo en interiores y obviamente con luz artificial.

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Degas nunca se casó (algunos quieren ver en ello, la alargada sombra de la misoginia) y falleció, casi ciego en París, el 29 de Septiembre de 1917, a los 82 años de edad.

Edgar Degas. «Luz artificial, ciudad de la luz que guardaba bailarinas y desnudos».

Edgar Degas. Pintura. Pintores. Degas. Impresionismo. París. Artista.