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“El Retrato de Dorian Gray”. Oscar Wilde. Nos Detendremos en la Belleza

El artista en su estudio. (1865/6). James Abbott McNeil Whistler

El pintor Basil Hallward, pintor, pinta un retrato, el modelo es de una explícita juventud y una belleza sublime. Se trata del joven Dorian Gray. Basil tiene un amigo (Henry Wotton), al que le cuenta perturbado, algo extraordinario, le está realizando un retrato a un bello joven, e impresionado, piensa, que el cuadro como se encuentra en ese momento es ya incuestionablemente, una obra maestra, y faltan aun, sesiones de posado, cuando, él ya presiente, que no podrá volver a realizar nunca nada ni siquiera parecido.

Literatura. El Retrato de Dorian Gray. Oscar Wilde. Wilde. Novela

Personajes principales de la novela:

Basil Hallward, pintor y amigo de Dorian
Lord Henry Wotton, amigo crapula de Dorian y Hallward
Dorian Gray, protagonista de la novela.

Lord Henry aparece en casa de Basil Hallward, estando (intrigado por Dorian), Dorian está posando, aun en ella, y comienza así tan faustica historia…

The Picture of Dorian Gray. El Retrato de Dorian Gray. (1890). Fragmento.

LORD HENRY>> Tiene usted un rostro singularmente hermoso, señor Gray. No frunza el ceño. Lo tiene. Y la Belleza es una forma de Genio; en realidad, más elevada que el Genio, pues no necesita explicación. Es uno de los grandes hechos del mundo, como la luz del sol o la primavera, o como el reflejo en oscuras aguas de esa concha de plata que llamamos luna. No puede cuestionarse. Tiene derecho divino de soberanía. Convierte en príncipes a quienes la poseen. ¿Sonríe usted? ¡Ah! No sonreirá cuando la haya perdido.

La gente dice a veces que la Belleza es solo superficial. Tal vez así sea. Pero, al menos, no es tan superficial como el Pensamiento. Para mí, la Belleza es la maravilla de las maravillas. Solo la gente muy superficial no juzga por las apariencias. El verdadero misterio del mundo es lo visible, no lo invisible.
Si, señor Gray, los dioses han sido benévolos con usted. Pero lo que los dioses nos dan rápidamente nos lo arrebatan. No tendrá más que unos pocos años en los que vivir de verdad. Cuando su juventud se vaya, su Belleza desaparecerá con ella y, entonces, de repente, descubrirá que no le quedan triunfos o tendrá que contentarse con esos pingües triunfos que el recuerdo de su pasado hará más amargos que las derrotas. Cada mes que declina lo acerca a usted más a algo terrible. El tiempo tiene celos de usted, y lucha encarnizadamente contra sus lirios y sus rosas. Su piel se volverá amarillenta, se hundirán sus mejillas y el brillo de sus ojos se apagará. Sufrirá horriblemente.
Sea consciente de su juventud mientras la posee. No malgaste el oro de sus días escuchando al tedioso, intentando remediar el fracaso sin esperanza ni entregando su vida al ignorante, al ordinario ni al vulgar, que son las metas, los falsos ideales de nuestro tiempo. ¡Viva! ¡Viva la vida maravillosa que hay en usted! Que nada se pierda. Vaya siempre en busca de nuevas sensaciones. No le tenga miedo a nada.

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Es la única novela que escribió el genial autor irlandés. Fue censurada primeramente por el director de la revista en que se publicó, y autocensurada posteriormente por el escritor, (contenía una clara atmósfera homoerotica que la sociedad victoriana no podía tolerar), un año después, será su primera edición en libro de la magnífica obra.

Wilde, declaró sobre los personajes de la obra… «Basil Hallward es lo que creo ser; lord Henry Wotton, lo que el mundo cree que soy; Dorian Gray, lo que quizá me hubiera gustado ser en otro tiempo».

Literatura. El Retrato de Dorian Gray. Oscar Wilde. Nos detendremos en la Belleza

Literatura. El Retrato de Dorian Gray. Oscar Wilde. Wilde. Belleza. Escritores. Escritor. Novela. Juventud

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Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé

PAISAJE CON ARPÍO. TOMÁS BARTOLOMÉ

Técnica Mixta Sobre Cartulina

Arpía, Arpío:

En la mitología griega, “Que vuela y saquea”. Hermosas mujeres aladas. Criaturas de adorables cabellos, y apariencia monstruosa. Castigadoras, sus actos delictivos, fueron siempre, violentos y maléficos.

Fabio y Licori, ramera

De la astuta Licori á los umbrales

Te vió saliendo el sol, ¡oh Fabio amigo!

Creció en su luz el dia, y fue testigo

De tu lamento y quejas desiguales.

Oyó tambien el Héspero tus males,

La blanca luna se dolió contigo;

Mas el ingrato dueño, tu enemigo,

Ni aun de corta piedad mostro señales.

¿Cuál otro galardón en tal porfia,

Inútil yedra de su puerta, esperas?

¿Hasta cuándo tu propio engaño adoras?

Huye la fiera Circe y cruel arpía,

Que alegra en ver que por su causa mueras,

Riendo está lo mismo que tú lloras.

Juan de Arguijo

Arte. Paisaje con Arpío. T. Bartolomé

Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé

Arte. Paisaje con Arpío. Tomás Bartolomé. Arpía. Arte abstracto. Tomás Bartolomé

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Expresionismo Abstracto. Un arte nuevo asoma en Nueva York

Expresionismo Abstracto:

Escuela de Nueva York. American Type Painting. Abstrac Expressionism, Action Painting, Gestual Painting

Son algunas de las etiquetas que se relacionan con este movimiento artístico, fechado en la ciudad de Nueva York, a comienzos, de los años 40, del extinto siglo XX.

Convergence. (1952). Jackson Pollock

Estados Unidos, adquiere un lugar prominente, en el panorama artístico internacional; una vez acabada la Segunda Guerra Mundial; las obras de arte; la manera de concebirlas así como, la libertad creativa, había sido duramente cercenada en Europa, y muchos creadores se encontraron exiliados en el nuevo continente, y especialmente en la ciudad de Nueva York, (aunque no exclusivamente), la joven metrópoli, se convierte así, en la capital de la modernidad, en ella, un pequeño grupo de artistas con inquietudes similares, se interesan al mismo tiempo, por el mito americano, si bien, conservando una importada influencia intelectual europea.

Algo nuevo está naciendo, el tiempo, ha transformado (como no puede ser de otra manera), también el arte, como un parte de la vida, imprescindible, e imparable. El artista reclama un lugar en la sociedad. La vitalidad se impone naturalmente, también, la introspección, la soledad y la lucha, a la vez, que se abandonan radicalmente las sendas de lo trillado, y del aburguesado, y cómodo camino abaldosado.

La libertad, la afirmación del individuo, el libre, e ignoto inconsciente, son, semillas de expresión, a la vez que una neta, declaración de intereses.

Canto XIV. (1964). Barnett Newman

Los pintores americanos, Pollok, Motherwell, Newman, y migrantes como De Kooning, Gorky, o Rothko, de raíces europeas, entre otros, se enfrentan valientes ante un nuevo camino. Trazo, mancha, materia, goteos, textura, automatismos, (heredados del surrealismo europeo), pureza, y expresión inconsciente, abandono, azar, sinceridad, crudeza. Todo esto, es el Expresionismo Abstracto.

Memoria in Aeternum. (1962). Hans Hofmann

Una mención especial merece, Hans Hofman. Pintor nacido en Alemania en 1880, y fallecido en Nueva York en 1966. Residió en Múnich, París, y finamente, nuevamente en Nueva York. En todas esta ciudades se dedicó a la enseñanza del arte, Jackson Pollok y Mark Rothko, se encuentran entre sus alumnos. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del Impresionismo Abstracto.

La expresión libre del artista, que se implica, remanga y recurre a la acción desde su individualidad existencialista. Se derriban así, las barreras de lo racional o planificado, y como pioneros prospectores avanzan instintivamente. Estar dentro, ser parte, de lo que finalmente será su obra terminada, es algo místico. Obteniendo, así, finalmente una marca, una huella, que tiene que ver con el momento, y que quedará para siempre atrapada, con el alma etérea, y la pesada masa del artista.

Black Red and Black. (1968). Mark Rothko

Rothko por ejemplo, pintaba grandes formatos, para  de alguna manera, sentirse durante el proceso (en sí mismo un fin creativo), “dentó de su pintura “, Rothko, acabaría interviniendo, místicamente con su obra, en la capilla de… “Rothko Chapel”, capilla abierta a todas las religiones, situada en Houston, Texas.

Pintores españoles como, Esteban Vicente, y José Guerrero, son una muestra local,  de la influencia de este movimiento, en el panorama, del arte contemporáneo internacional.

Autumn. (1993). Esteban Vicente

La sensación de vértigo atrapa al pintor, que con un golpe de fuerza, pelea con la materia, traza caminos, mientras trata de librarse concienzudamente, de todo lo que conoce, para abandonarse en un diálogo intradiagetico, en el que, juega un papel importante, el azar, y finalmente, y como parte fundamental, del resultado, el criterio de artista.

Sin titulo. (1963). José Guerrero

El resultado es algo puro, diferente, y lo más importante, trasmite autenticidad. En cuanto a la asociación de manchas, y las formas resultantes, que asociamos con imágenes concretas, De Kooning manifestó “El objetivo del expresionismo abstracto, no es la abstracción, sino la expresión».  También declaró, «De una manera espiritual, las formas abstractas deben parecerse a algo”.

Recogimiento, grandes áreas de color que inundan los lienzos, veladuras, transparencias de capas, misticismo y religiosidad, nos transmiten tal vez la ensoñacion, de un sutil paisaje, sugerido.

Expresionismo Abstracto. Un arte nuevo asoma en Nueva York

Expresionismo Abstracto. Abstracto. Abstracción. Arte abstracto. Arte. Movimiento artístico. Nueva York

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El Artista. «Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua»

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Foto. By TbArt.

Artista. Produce y crea obras de arte.

Del latín ars, artis. Capaz de crear… crear volúmenes, conformar espacios.

 

El Artista

Un día nació en su alma el deseo de modelar la estatua del «Placer que dura un instante».

Y marchó por el mundo para buscar el bronce, pues sólo podía ver sus obras en bronce.

Pero el bronce del mundo entero había desaparecido y en ninguna parte de la tierra podía encontrarse, como no fuese el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida».

Y era él mismo con sus propias manos quien había modelado esa estatua, colocándola sobre la tumba del único ser que amó en su vida.

Sobre la tumba del ser amado colocó aquella estatua que era su creación, para que fuese muestra del amor del hombre que no muere nunca y como símbolo del dolor del hombre, que se sufre toda la vida.

Y en el mundo entero no había más bronce que el de aquella estatua.

Entonces cogió la estatua que había creado, la colocó en un gran horno y la entregó al fuego.

Y con el bronce de la estatua del «Dolor que se sufre toda la vida» modeló la estatua del «Placer que dura un instante».

Oscar Wilde

«Lo único que consuela a los hombres por las estupideces cometidas, es el orgullo de realizarlas»

O.W

El Artista. Oscar Wilde. «Y en el mundo no habia más bronce que el de aquella estatua»

LITERATURA. El ARTISTA. OSCAR WILDE. ESCRITORES. WILDE. ARTISTA. ESCULTURA. PLACER. DOLOR. ARTE

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Arte. Corot. En París prende, la mecha del Impresionismo

Paisaje Italiano. Corot

Jean Baptiste Camille Corot. París 16 de Julio de 1796. París 22 de febrero de 1875. 78 años.

Pasa por ser uno de los pintores que encendieron la mecha del Impresionismo, aunque él nunca se sintió unido a este movimiento pictórico que dio tanto que hablar, y que criticar en sus comienzos, mas, está claro que coloca una de las piedras angulares de una nueva era en la pintura, que más libre, empieza a liberarse de su enconsertamiento; por esto también pagó su precio, y fue considerado como un pintor falto de técnica; tiempo habría posteriormente, para dejar las cosas en su justo termino.

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Ráfaga de viento, (Gust of Wind).

Oscar Wilde, en la obra «Un marido ideal», nos deja esta perla, uno de los personajes (la señora Cheveley), al referirse a las obras de Corot describe lo que finamente observa como…

«Crepúsculos plateados, albas rosáceas»

Hijo de una familia acomodada de parisinos burgueses. Aunque se pasa el día dibujando, y recibe clases de pintura, por dos maestros paisajistas, sus padres como ya, es un vulgar artazgo, no ven claro que su hijo se dedique a la pintura, así pues Corot, debe comenzar trabajando en tareas comerciales, hasta que finalmente ya con 26 años, y viendo su inteligente padre que no es bueno, «poner puertas al campo», se pone manos a la obra, y él y el resto de su familia, deciden finalmente apoyarlo.

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Bacante con pantera; Corot no solo pintó paisajes

Corot, viaja a Italia (1807/12), donde queda fascinado por la luz, y encuentra y pinta paisajes con que saciar su pasión. La composición de sus obras es clásica y de un realismo al detalle, pero al autor, le interesan sobre todo las emociones que provocan los ambientes lumínicos, que le ofrece la naturaleza. Visita Inglaterra y Suiza. Pinta, al aire libre. Ya de vuelta a Francia, reside en París, en la capital del Sena, río que puede ver desde su casa, mas se detendrá poco en la capital francesa, pues el pintor viaja continuamente, por todo el pais, buscando paisajes que llevar a sus telas. No en vano a Corot no se le olvidan los apasionantes años pasados en Italia, donde decide regresar de nuevo, lo que hace en dos ocasiones, los años, 1834 y 1843.

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Fontainebleau. Robles en Bas-Breau. 1832/33

1855. COROT CONSIGUE ÉXITO Y RECONOCIMIENTO

1855. Es el año de la Exposición Universal de París. En ella Corot se apunta dos importantes tantos, obtiene la Medalla de Primera Clase, y Napoleón III adquiere una de sus pinturas; su cotización sube disparada como la espuma. Corot, con sus febriles atardeceres mórbidos, y su frescos amaneceres tamizados, consigue recrear una atmosfera dulcemente poética, bebiendo directamente del paisaje.

Corot. Vive en París y mientras pinta paisajes enciende la mecha del Impresionismo. Tomás Bartolomé

Arte. Corot. París. Impresionismo. Pintura. Pintores. Paisaje. 

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Arte. Edgar Degas. Ciudad de la luz, bailarinas y desnudos

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Hilaire-Germain-Edgar Degas. París, 19 de julio de 1834. París, 27 de septiembre de 1917, (a los 83 años de edad).

Pintor, Escultor, y Dibujante, conocido sobre todo por su extensa obra, sobre el mundo del Ballet Clásico, y considerado como uno de los fundadores del Impresionismo.

Edgar Degas pertenecía a una familia acomodada, por parte de padre (banqueros), por parte de madre, (industriales algodoneros). Huérfano desde muy temprano, su madre murió, cuando el niño Edgar, contaba solo 13 años de edad.

Degas estudió derecho por deseo del padre, pero ya había destacado con el dibujo, y enseguida abandonó las clases, estableciendose como pintor. Su padre Auguste de Gas, que a la postre tendría, gran influencia en su vida, viendo su gran talento, y siendo él mismo, un ferviente enamorado del arte decidió ayudarlo; comieza entonces, su formación pictórica, en la Escuela de Bellas Artes, realizando, estudios de dibujo, pintura y modelado; poco tiempo después, viajara a Italia donde copia, durante tres años, a los grandes maestros de renacimiento.

Al término de la Guerra Franco-Prusiana (1870/71), en la que no participa, al detectarle tempranamente problemas de visión, viaja a Nueva Orleans (1873), donde, se establece en casa de una hermana (La madre del pintor había nacido allí), vive en la ciudad cinco meses, y activo, realiza al menos una veintena de obras.

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Oficina de contratación de algodón. (A cotton office). 1873

Con este bagaje artístico regresa a París donde, su padre pensando en futuras económias, le recomienda que se dedique al retrato pues, piensa con lógica comercial, (Arte para vivir), que así recibirá más encargos. Vive una vida dedicada al Arte y obtiene un gran éxito, con sus dulces pinturas sobre la danza; las clases, y el ambiente que se respira en los ensayos, y sobre todo, en los más íntimos camerinos, (el pintor es admitido en ellos casi como uno más de la compañía), en este aspecto el pintor parisino, guarda cierta similitud con su colega Toulouse Lautrec, aunque este, 30 años más joven…

Las bailarinas de ballet son pintadas y dibujadas una y mil veces en su ambiente de trabajo y ensayo.

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A la muerte de su padre ocurrida en 1874, y no siendo ya tan boyante su situación economica, Edgar Degas, se ve obligado a vender su atesorada colección de  pinturas, (por primera vez en su vida), pues el ávido estado francés, demanda al pintor parisino, por las grandes deudas que deja su extinto banquero progenitor. Degas tristemente embargado, se ve obligado a vender la casa, y la colección de arte recibida en herencia.

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En la foto, Lorenzo Pagans y Auguste de Gas. (1871-72). En primer término de la pintura vemos al guitarrista  español (Lorenzo Pagans), y al fondo al padre del pintor, Auguste de Gas; fue una pintura muy querida por Edgar Degas conservandola, con celosa nostalgia filial, hasta el día de su fallecimiento.

Bailarinas de Ballet Tal vez fuera su marchante, el que le aconsejó pintar esta temática; el caso es que, contradiciendo el prudente consejo de su progenitor, sobre el retrato, el  triunfo de Edgar Degas fue rotundo y por ende, obtuvo grandes ingresos económicos. Mas, como vimos anteriormente, Edgar Degas arrastró toda su vida problemas de visión, por lo que al final de su existencia fue decantandose, por la técnica del pastel y la escultura. También, poco a poco, el artista galo, se fue haciendo más reservado, arisco, no quiso exponer su obra, y se apartó de la sociedad; pensaba con extrema radicalidad que… «Un artista no debe tener vida personal».

Degas coleccionista. A lo largo de su vida, se hizo con una importante coleccion de arte aquiriendo obra, o cambiándola por la suya, así fue como consiguió una magnifica selección de cuadros, de Van Gogh, Gauguin, Delacroix, Ingres, Cézanne, El Greco, Manet… ¡Una verdadera fortuna en obras de arte!

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Además, de por el mundo de las Bailarinas, el pintor también se interesó, y prestó atención, especialmente al mundo del Caballo, y las Carreras Hipicas (Turf), así como por el desnudo femenino, la mujer en su momento íntimo de la toilette (baño). Edgar Degas pintaba, sobre todo en interiores y obviamente con luz artificial.

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Degas nunca se casó (algunos quieren ver en ello, la alargada sombra de la misoginia) y falleció, casi ciego en París, el 29 de Septiembre de 1917, a los 82 años de edad.

Arte. Edgar Degas. «Ciudad de la luz que guardaba bailarinas y desnudos».

Edgar Degas. Pintura. Pintores. Degas. Impresionismo. París. Arte 

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Arte. Landscape #1. Tomás Bartolomé. Mixta sobre cartulina

Landscape #1. (2021). Tomás Bartolomé. Técnica mixta sobre cartulina

Hola apasionad@ del Arte. Hay va, una de mis últimas pinturas. De nuevo se trata de un paisaje, cargado de expresionista y roja emoción abstracta.

En esta ocasión la acompaña, el privilegio de unos magníficos versos, de mi siempre admirado, Alfonso Reyes…

Para un mordisco

Propio camaleón de otros cielos mejores,

a cada nueva aurora mudaba de colores.

Así es que prefiriera a su rubor primero

el tizne que el oficio deja en el carbonero.

Quiero decir (me explico): la mudanza fue tal,

que iba del rojo al negro lo mismo que stendhal.

Luego, un temblor de púrpura casi cardenalicio

(que viene a ser también el tizne de otro oficio)

se quebró en malva y oro con bandas boreales,

que ni el disco de newton exhibe otras iguales.

Es muy de juan ramón esto de malvas y oros,

o del traje de luces de un matador de toros.

Y no sé si atreverme, en cosa tan sencilla,

a decir que hubo una primavera amarilla ,

con unas vetas verdes, con unos jaspes grises

en olas circunflejas como en el mar de ulises.

¡Ulises yo, que apenas de caribdis a escila

de un vértice a un escollo saciaba la pupila!

porque como es efímero todo lo que es anhelo,

el color se evapora y otra vez sube al cielo,

y ya sabemos que poco a poco se va

aun la marca de fuego de la infidelidá.

Y se acabó la historia tal era la mordida

que lucía en el anca mi querida.

Alfonso Reyes

Arte. Landscape #1. (2021). Tomás Bartolomé. Mixta sobre cartulina

Arte. Landscape #1. Tomás Bartolomé. Abstracción

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Museos. Instituto The Clark de Massachusetts. Tadao Ando

Vista del museo desde el lago. Vía internet.

¡UNA PAREJA RICA, ENAMORADA, Y AMANTE DEL ARTE! FRANCINE, ROBERT, Y EL INSTITUTO THE CLARK DE MASSACHUSETTS

Todo empezó cuando la actriz francesa Francine Clary, a principios del pasado siglo, conoció al industrial americano, Robert Sterling Clark, cuando este realizaba un viaje de carácter profesional. Él poseía una inmensa fortuna, no en vano era el heredero de la empresa Singer Corporation, (La famosa máquina de coser Singer doméstica de nuestras madres), Francine era madre soltera.  Después de casi 2 años de noviazgo, deciden casarse (1919), los dos enamorados eran unos apasionados, del mundo del Arte y la Cultura.

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Palco en el teatro. 1880. Renoir. Uno de los cuadros de la colección de Robert y Francine.

COLECCIONISTAS

Los Clark a lo largo de su prolífica vida lograron acumular una enorme cantidad de Obras de Arte. Era tanto el volumen que el rico magnate y la guapa actriz decidieron aunar en un museo todas su obras, y así lo hicieron en 1955, (un año antes del fallecimiento de Robert Sterling), en la ciudad de Williamstown, situada, entre Nueva York y Boston. El museo, por fin, acoge y mantiene dulcemente unida, su valiosa colección para el mundo del arte.

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Roberto Sterling & Francine Clary.

En 2014 el museo ha sido ampliado (10 años de trabajo, y 145 millones de dólares), con un nuevo edificio, obra del arquitecto japonés Tadao Ando

«En Arquitectura, quiero que el mensaje se enfoque en la Naturaleza».

Un delicioso lago artificial, es el nexo de integración y nudo de los tres edificios. En el frío invierno de Massachusetts, cuando el lago se hiele, será una inigualable pista de patinaje para los visitantes. El idílico entorno lo componen 56 hectáreas de naturaleza para disfrute del público.

Diez años ha tardado el arquitecto nipón, en terminar la obra; diez años, de transpiración, en los que lucidamente, se ha sabido rodear de un amplio equipo de profesionales, para la construcción del flamante edificio, y la remodelación, de los dos ya existentes.

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Interior del Museo

Tadao Ando es un artista autodidacta, nunca realizó estudios académicos. Su formación la obtiene de sus lecturas y viajes.

BELLEZA POÉTICA

Su personal sello, está basado, en la naturaleza, el agua, la meditación, y  la espiritualidad.

«El espacio puede ser una fuente de inspiración». Tadao Ando

Los interiores que proyecta, están poseídos por la luz; son nirvanicos espacios, remansos de sosiego, tranquilidad, y aislamiento…, «minimalismo diáfano»… Belleza poética.

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Uno de los interiores del museo

El The Clark Institute, contiene una soberbia colección de obras de arte del siglo XIX, tanto americanas, como europeas. Con firmas como las de, Corot, Millet, Manet, Monet, Degas, Renoir, Gauguin, Turner, Goya etc. Un amplio catálogo de magnificas pinturas impresionistas, y del Quatrocento Italiano.

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La Virgen y el Niño Rodeados de Cuatro Ángeles. Piero della Francesca. Una de las joyas del Museo.

Museos. El Instituto The Clark de Massachusetts. Obra del arquitecto Japonés Tadao Ando.

 Museos. Instituto The Clark de Massachusetts. Tadao Ando. Arte. Arquitectura

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Arte. Exposición. “Fibras que hablan por sí solas”. Madrid

Hola apasionad@s por el arte. De nuevo una exposición muy interesante en Madrid. Un buen plan para disfrutar cualquier día de la semana, una estupenda cita, con lo que positivamente nos emociona, y llena.

Nota de prensa

Del 8 de septiembre al 2 de octubre, el público podrá disfrutar la exposición  ́Fibras que hablan por sí solas ́ en la Galería Nueva Las Letras de Madrid

Telas de seda, fibra de vidrio y luz led conforman el mundo creativo de Geldenhuys

Catorce obras de reciente creación en las que el artista traslada el arte milenario de la teselación al arte contemporáneo más innovador

El arte textil del artista sudafricano Pierre Louis Geldenhuys llega a Madrid

Madrid, 1 de septiembre de 2022.- Coincidiendo con Apertura Madrid Gallery Weekend, la Galería de arte LUISA PITA, de Santiago de Compostela, inaugura el 8 de septiembre la exposición  ́Fibras que hablan por sí solas ́, del artista sudafricano Pierre Louis Geldenhuys, en la Galería Nueva Las Letras (Madrid).

La exposición, comisariada por Pedro Vaquerizo y Luisa Pita, está integrada por catorce obras de reciente creación. Las telas de seda, la fibra de vidrio y la luz led son los materiales básicos que conforman el mundo creativo de Pierre Louis Geldenhuys, transmitiendo a través de estos no sólo un efecto estético, sino también una serie de lecturas e interpretaciones sobre la tradición y la tecnología.

Cada obra, piezas únicas de tela, son el resultado de un proyecto de ingeniería geométrica en el que manipula la seda a base de pliegues y en las que la proporción, el orden, la regularidad y la belleza se vuelven aún más sorprendente al incorporar la luz led, consiguiendo la tridimensionalidad de las formas y encapsulando cada obra en una caja de metacrilato.

Del arte milenario de la teselación al arte contemporáneo más innovador

Artista polifacético y curioso, se inició en el mundo del arte con los collages cosidos, una técnica híbrida que toma como base el arte tradicional y el arte textil contemporáneo para, poco a poco dirigir su atención a la investigación de la técnica milenaria de la teselación con fibras naturales, especialmente la seda salvaje.

A medida que desarrolla esta técnica, incorpora otro material, la fibra de vidrio, que juega un papel fundamental otorgando un carácter conceptual a la obra. Cientos de metros de hilo se cuelgan, se balancean y suspenden recorriendo toda la superficie.

A partir de la idea de “obra viva y en movimiento”, se desarrollan para esta exposición 7 piezas tituladas  ́Preservat ́ que resaltan las sinergias entre el proceso creativo del artista y la conservación de la naturaleza, homenajeando la amplia variedad y riqueza de ecosistemas y reclamando la necesidad de preservar los recursos naturales de los agentes invasores, trasladando a la sociedad el mensaje de conservar y cuidar nuestro planeta.

Las nuevas tecnologías y la fibra digital tienen un papel importante en la obra del artista, creando, a través de vídeo mapping, múltiples interpretaciones geométricas que el artista transmite al espectador al proyectarlas y superponerlas en algunas de sus obras más complejas, de tal forma que el movimiento y el ritmo de cada proyección pasan a formar parte de la naturaleza y esencia inmaterial de la obra.

́Fibras que hablan por sí solas ́ representa el trabajo más arduo y comprometido de Geldenhuys. Hasta el 2 de octubre, su creatividad recorrerá el espacio de Galería Nueva, trasladando el arte milenario de la teselación al arte contemporáneo más innovador.

Sobre Pierre Louis Geldenhuys

Pierre Louis Geldenhuys (Sudáfrica, 1971) es diseñador de alta costura y artista textil formado académicamente en las disciplinas de vestuario, props, textiles, maquillaje, decorados, iluminación, sonido y producción, fruto de sus licenciaturas en Artes de Teatro y Diseño de Moda por la Tswane University of Technology, de Pretoria, y la Cape Peninsula University of Technology, de Ciudad del Cabo.

A mediados de los noventa, inicia su primera etapa profesional que empieza como responsable de vestuario en The State Theatre, de Pretoria, y finaliza como diseñador de moda y alta costura para la firma Rosenwerth, en Ciudad del Cabo. También destaca, en este período, su trabajo como diseñador de interiores y pintura de murales para la firma Art-Call y CT Loft Interiors, sus trabajos escultóricos para anuncios de televisión de la firma Honda, así como sus diseños para Young Designers Emporium (YDE) y Coast Line Clothing. Participó y fue finalista del concurso de la televisión sudafricana Fashion your Future.

En 2005, inicia una segunda etapa y crea su propia firma de ropa, Pierre Louis The Art of Dressing, en Ciudad del Cabo, tanto prêt-à-porter como alta costura.

  Al cabo de 10 años, Pierre Louis Geldenhuys se afinca en España combinando su residencia entre Valencia, Madrid y Barcelona, y da un giro en su trayectoria profesional, investigando y enfocándose en el arte textil, basado en la geometría y la técnica de teselación.

Exposición  ́Fibras que hablan por sí solas ́, de Pierre Louis Geldenhuys.

Inauguración:

8 septiembre a las 19:30h

Días 9 y 10 de septiembre:

de 11:00h a 14:00h y de 17:30h a 21:30h Día 11 de septiembre:

de 11:00h a 14:00h y de 17:30h a 20:30h

Período de exposición: 8 septiembre – 2 octubre 2022 Galería Nueva Las Letras.

c/ San Agustín 14, bajo derecha. 28014, Madrid.

Horario:

A partir del 12 de septiembre: martes a viernes, de 11:00h a 14:00h y de 17:30h a 20:30h; sábados, de 11:00h a 14:00h y tardes con cita previa.

Arte. Exposición. “Fibras que hablan por sí solas”. Madrid

Arte. Exposiciones. Fibras que hablan por sí solas. Pierre Louis Geldenhuys. Madrid 

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Literatura. Cuando Narciso murió, el río de sus delicias se transformó, en una copa de lágrimas saladas

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Foto, by TbArt

Narcisismo, trastorno metal. Desequilibrio emocional grave. Personas con un desmesurado sentido de su propia importancia, y una necesidad enfermiza de atención y admiración. Relaciones  conflictivas, carentes de empatía.

EL DISCÍPULO

Cuando Narciso murió, el río de sus delicias se transformó de una copa de agua dulce en una copa de lágrimas saladas, y las Oréades vinieron llorando por los bosques a cantar junto al río y a consolarle.

Y cuando vieron que el río habíase convertido de copa de agua dulce en copa de lágrimas saladas deshicieron los bucles verdes en sus cabelleras y gritaban al río y le decían:

-No nos extraña que le llores así. ¿Cómo no ibas a amar a Narciso con lo bello que era?

¿Pero Narciso era bello?

-¿Quién mejor que tú puede saberlo? -respondieron las Oréades- Nos despreciaba a nosotras, pero te cortejaba a ti, e inclinado sobre tus orillas, dejaba reposar sus ojos sobre ti, y contemplaba su belleza en el espejo de tus aguas.

Y el río contestó:

-Si amaba yo a Narciso, era porque, cuando inclinado en mis orillas, dejaba reposar sus ojos sobre mí, en el espejo de sus ojos veía reflejada yo mi propia belleza.

Oscar Wilde. El Discípulo. Cuando Narciso murió, el río de sus delicias se transformó de una copa de agua dulce en una copa de lágrimas saladas…

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Literatura. Cuando Narciso murió, el río de sus delicias se transformó, en una copa de lágrimas saladas

OSCAR WILDE. EL DISCÍPULO. NARCISO. LITERATURA. ESCRITORES. NARCISISMO. NARCISISTA. WILDE