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Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Despiadada ambición disfrazada de elegancia.

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Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood

Berlin 1901. París 1992 a los 90 años.

Actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense en 1937, dos años antes del comienzo de la segunda guerra mundial.

Participa en 1930, en la primera película sonora europea, El ángel azul.

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Cartel de la película El ángel azul. 1930

En esta película dirigida por Sternberg (del que fue amante y con el que rodó en diferentes ocasiones), interpreta a una cabaretera en un antro de mala fama; en ella la guapa y morbosa actriz, seduce a un profesor cincuenton, y lo arrastra a la total destrucción.

Marlene Dietrich, llegó a Hollywood en 1930, y se hizo la reina de los Estudios Paramount.

Las anecdotas que le contaban a «La Marlene» sobre el ambiente de la época del cine mudo (que ella también vivió) la hacían soñar; soñar con aquel ambiente lujoso y brillante.

Soñaba siempre con aquellos enormes automóviles semejantes a enormes cucarachas de cuatro patas,  en los que viajaban seductores, atractivos hombres y hermosas mujeres. Donde flotaba el dinero y la clase; aquellas grandes bestias de elegante chapa negra, que relucía como el charol a la luz radiante y lechosa, de la romántica luna en una agradable,  y clara noche de verano; aquellas maravillosas maquinas, que no olían a estiercol, sino a dulce éter, a picante sensualidad, y cálido cuero… (borrachera acida); tierna y eterna seducción.

Ella quería eso, y lo tendría… Poco antes de morir en su lujosa vivienda en París, le dijo a un amigo que la acompañaba en tan duro e inevitable trance:

– «¿Lo quisimos todo, y lo conseguimos ¿no es verdad?»

Hollywood bullía en delirantes fiestas que terminaban a las tantas de la madrugada y,  a las que acudían los actores y actrices, que agotados al día siguiente, llegaban tarde al rodaje, o lo que es peor, no podían llegar, a causa de los excesos de la noche, el alcohol, el tabaco, y otras sustancias dopantes más sofisticadas y brillantes, como lo es, la excelente cocaina «Ala de mosca» (así llamada por su pureza, y por los cristalinos irisados que la forman), que circulaba pulcra, en ordenadas rayas paralelas, sobre nuevas bandejas de pulido, clásico, y frio acero brillante.

LOS TIEMPOS DEL CINE MUDO DE LA MÁGIA Y EL GLAMOUR

En los añejos tiempos del cine mudo acudían las orquestas a tocar en directo a los estudios de grabación; mientras se representaba la escena, los actores movían los labios como si hablaran.

En esta época el sexo era tabú. «Tenemos que hacerlo con los ojos» llegó a declarar Mae West…

¡Ellas hacían soñar y se llenaban los cines!  Era una época dorada, y de fondo un decorado en blanco y negro.

Marlene Dietrich poseía Glamour, (Encanto sensual que fascina).

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Con su aire de femme fatal, fría, inaccesible, maestra irónica e iconica de la elegancia; puso de moda el pantalón a lo femenino. Tenía unas piernas de vértigo. Las revistas de moda se la rifaban. En cuanto a la dudas sobre su condición sexual, fue alentada al incluir en su vestuario el uso de pantalones; prenda de vestir que  hasta entonces solo utilizaban exclusivamente los hombres; este hecho, fue convenientemente explotado por sus managers para traducirlo en moneda de curso legal; en billetes verdes con la efigie del presidente americano.

Glamour, también ha sido definido como «un hechizo mágico y oculto»  y es ese lado oscuro y misterioso lo que tanto explotaron sus agentes de marketing.

MARLENE

¡De la enigmática fascinación de tu fría mirada, que hiere!

Como la tiranía de un gran bloque de hielo…

Allí en el fondo…

En el oscuro silencio del congelador,

Quema, se pega a la piel tozudamente,

Daña los dedos desnudos. Inaccesible,

Como una imponente y lisa pared;

Dura, Infinita…

¡Cegadora y bella cal blanca!

Tomás Bartolomé

EL CABARET. LA SALVA DE SI MISMA

Después de sus  grandes éxitos en Hollywood, (llegó a hacerle sombra a la Garbo). ¿No sería un montaje, también, su rivalidad?; comenzó una gira como Actriz de Cabaret hasta su retirada. Siempre el Cabaret, y también siempre, su canción, aquella bella y triste canción…

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¡Que no paré el espectáculo, cantaré…, Lili Marleen

Marlene Dietrich, vivió los últimos años de su vida casi sin salir de casa; aunque son legendarias las astronómicas facturas de teléfono que pagaba, (unos 3000$ mensuales en los años noventa) Le gustaba la política y hablaba a menudo con algún Presidente de Gobierno (Reagan, Gorvachov).

María Riva, su única hija, le dedicó en una entrevista, estas reveladoras palabras:

– «Mi madre fue, una persona fría, solitaria y manipuladora, que nunca conoció el amor y, a la que nunca extrañé  porque nunca la tuve»

Este grave rasgo de la personalidad de Marlene Dietrich, apuntado por su hija; nos lleva a pensar en una pobre y distante mujer; una gran artista; que padeció en su vida serios problemas emocionales. Para nosotros que por fortuna no la tratamos, Marlene Dietrich, quedará para siempre como un mito; como un gran icono de la cinematográfia universal. Una estrella elegantemente glamurosa en unos  tiempos dorados para el cine y, por ende para los actores y actrices del siempre seductor  «séptimo arte en blanco y negro».

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Despiadada ambición disfrazada de elegancia.

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Cine. Actrices. Hollywood. Berlín. París

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Piero della Francesca. Maestro del Cuattrocento

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Piero della Francesca. Autorretrato.

Piero della Francesca. San Sepolcro. Italia. 1415? San Sepolcro,1492. Es difícil dar fechas exactas pues se carece de la documentación precisa, así pues, la fecha de nacimiento es únicamente orientativa. Lo que si podemos asegurar, es que nació en San Sepolcro. Su padre era un rico comerciante de tejidos, su madre procedía de un familia noble, adornada, de algunos personajes ilustres.

Se supone que PIERO DELLA FRANCESCA, comenzaría trabajando en el negocio familiar. Está demostrado que tenía conocimientos muy importantes, sobre matemáticas, calculo, y geometría. También sabemos que utilizaba,  del Ábaco,  para realizar complejos cálculos matemáticos.

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Proyección de una cabeza humana. Della Francesca.

Tampoco sabemos con certeza, quien fueron sus maestros en la pintura al fresco, (pintura que se aplica sobre yeso, en diferentes capas, y que exige una esmerada técnica), de la que fue uno de sus más importantes artistas de la historia. Hay teorías que afirman que su formación se realizó en San Sepolcro otros sin embargo sostienen que tuvo lugar en Florencia.

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Nacimiento. Della Francesca.

PIERO DELLA FRANCESCA. Comenzó a trabajar sobre todo por la zona centro y norte de Italia.

FUSIONÓ EL ARTE CON LA CIENCIA LA MATEMÁTICA Y LA GEOMETRÍA

El claroscuro, la perspectiva, y el estudio de la geometría de la obra, así como la utilización de soportes nuevos, como el lienzo y el óleo, lo convirtieron en un artista muy solicitado.

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Retrato. Diptico Federico de Montefeltro y su esposa Battista Sforza.

Trabajó sobre todo la temática religiosa, el retrato, y la representación de la naturaleza.

Piero della Francesca, fallecio en su localidad natal de Sansepulcro, el mismo día 12 de octubre, y el mismo año, 1492, que Cristobal Colón arribaba a las costas de un nuevo mundo, en la isla caribeña, de Santo Domingo.

PIERO DELLA FRANCESCA. MAESTRO DEL CUATTROCENTO

Cuattrocento. Piero della Francesca. Pintura. Pintores. Della Francesca.

 

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Pintura. José de Ribera, El Spagnoletto. Un pintor español en Nápoles

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El pie varo (El lisiado o el Zambo). 1642

José de Ribera, El Spagnoletto, así llamado por ser un español en Nápoles además de por su menguada talla. José de Ribera, nació en Jativa, Valencia, en 1591, donde su padre era zapatero pero vivió casi toda su vida en Nápoles donde finalmente falleció en 1652 y donde se encuentra enterrado.

Era apenas un adolescente cuando puso rumbo a Italia, tan clara tenía ya entonces su vocación; primeramente visitó las ciudades de Cremona, Milán, Parma, y Roma, donde se detuvo a estudiar a los clásicos en profundidad.

En Nápoles. entonces un virreinato español, Ribera pensó que tendría más posibilidades como pintor, allí tuvo éxito, sus grabados circularon mucho por Europa, Rembrant poseía alguno; se dice que cuando Ribera fue preguntado por un amigo porque no regresaba a España, contestó…

«En cuanto en lo de volver a España no se, me han dicho que allí se pierde el respeto a los artistas cuando están presentes, pues dolorosamente, España es madre amantísima para los forasteros y madrastra cruel para sus hijos».

Pronto recibió Ribera muchos encargos sobre todo de la iglesia, de coleccionistas particulares, y de los funcionarios españoles del imperio destacados en Nápoles. Pintor versátil trató en sus pinturas además de temas religiosos, temas mitológicos, aunque de estos últimos tuvo menos encargos.

También pintó José Ribera algunos Paisajes aunque escasos.

DOS RAREZAS…

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Paisaje con fortín y, Paisaje con pastor. Ambos de 1639

Dos de estas rarezas, son Paisaje con fortín y Paisaje con pastor, dos cuadros de gran tamaño que se encuentran colgados, de sendas paredes de el Palacio de Monterrey de Salamanca, que es propiedad de los Duques de Alba. En esta bella ciudad llena de arte a las orillas del Tormes se encuentra también otra pintura de José Ribera en este caso, ubicada, en la Iglesia de la Purísima a escasos metros de la Plaza Mayor y del antes mencionado Palacio de los Duques de Alba, en ella, en su magnífico retablo, podemos admirar la Virgen de la Inmaculada Concepción.

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La Inmaculada Concepción. 1635

LA INMACULADA CONCEPCIÓN DE RIBERA

Un cuadro de de gran tamaño, con un color poco común en la pintura de Ribera. Son colores más claros y vivos, que surgen en la pintura del Españoleto aproximadamente en 1630 época en que curiosamente Ribera tal vez conoce (coincide con una de las visitas del pintor sevillano a Nápoles) a Velázquez en Nápoles. Velázquez tenía 8 años menos que Riberay estaba visitando Italia en unos de sus viajes de formación y conocimiento a cargo de la corona.. La estilizada Virgen de cabeza pequeña, lleva sobre sus hombros una capa de color azul brillante. Normalmente los colores que identificaron primeramente al pintor valenciano son menos luminosos que los que utilizó en la inmaculada, digamos, que son del tipo Caravaggio; es el tenebrismo, que utiliza el claroscuro una técnica que José de Ribera usa en muchas de sus pinturas de santos y martirios.

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San Pablo Ermitaño. 1640

Ribera, junto con otros pintores importantes forma parte de la Escuela Napolitana y no solo forma parte de ella sino que lidera la misma. Su obra en tiempo posteriores, fue tachada de truculenta y morbosa; incluso Lord Byron llegó a comentar al respecto…

«Parece que para pintar Rivera empapara sus brochas en la roja sangre de los santos»

Esto sucedió porque hubo una época en que eran pocos los que conocíeron su extensa obra en profundidad, (la mayoría solo conocían sus cuadros de martirios).

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El Martirio de San Bartolomé. 1644

José de Ribera. El Spagnoletto. Un pintor Español en Nápoles.

Pintura. José de Ribera. Pintores. El Spagnoletto. El Españoleto. Ribera. Nápoles. Pintura.

 

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Giotto. Revolucionó el Arte en el Trecento. Tomás Bartolomé

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GIOTTO

Giotto di Bondone. Florencia, 1267. Florencia, 1337.

PINTOR, ESCULTOR, ARQUITECTO

Recibe clases de CIMABUE, gran pintor iniciador de la escuela florentina del trecento. Y lo supera.

Esto escribía al respecto Dante

¡Oh, vanagloria de la grandeza humana!

¡Cuán poco dura tu verdor sobre la cumbre,

Si no se sigue una época de decadencia!

Se creyó Cimabue reinar en el campo de la pintura

Y ahora es Giotto el que tiene la fama,

De modo que la fama de aquél se ha oscurecido.

CIMABUE, MAESTRO Y DESCUBRIDOR

Dante, describe en estos versos como GIOTTO, goza del favor del público, y como por el contrario,  CIMABUE, queda eclipsado por el éxito de su aventajado alumno.

Según nos cuenta en este pasaje, Giorgio Vasari…

Se encontraba Cimabue realizando uno de sus viajes, cuando ya cerca de la ciudad de Florencia pudo observar a un joven pastor que  mientras guardaba de sus ovejas pintaba sobre una piedra a una de ellas; aquel pastor que vio Cimabue cuya imagen guardaba su retina, se acabó convirtiendo en un gran pintor, para orgullo de él, su maestro, pues el muchacho, aquel pastor de 11 años e hijo de campesinos acabó finalmente superandolo.

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La enterada en Jerusalén. 1304/6. Giotto

GIOTTO, a la edad de 30 años era ya un artista muy famoso,  pues su obra era diferente a lo que entonces se conocía. Giotto daba a sus pinturas un tratamiento escultórico, las figuras poseían  un efecto tridimensional por lo que el pintor aportaba un claro avance; enseguida fue requerido para numerosos encargos, sobre todo retratos, y pintura religiosa. El papa Bonifacio VII estaba tan maravillado con su arte, que lo  mandó llamar para conocerlo en persona y tal vez realizarle algún encargo para la grandiosa e imperial Roma.

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La Muerte de San Francisco. 1325. Giotto

Tambien recibe Giotto reconocimientos públicos. Es nombrado Maestro Gobernador, de la Obra de Santa Reparata, encargándose de las mismas en la antigua Catedral de Florencia, de la que él diseña el campanario, luego este fue modificado, y finalmente falleció sin verlo terminado.

La mayoría de sus obras no están plenamente autentificadas por lo cual algunas de ellas,  le han sido simplemente atribuidas; hay que tener en cuenta que el artista contaba en su propio taller, con la colaboración de numerosos auxiliares, a los que supervisaba, así pues, no todas las pinturas nacían exclusivamente de sus manos.

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Joaquín expulsado del templo. Capilla de la Arena. 1305/6. Giotto

CAPILLA DE LA ARENA

Giotto realizó los frescos de la Capilla de Scrovegni en Padua, también conocida por La Capilla de la Arena. Era un templo dedicado a Santa María de la Caridad, su decoración mural es imponente y muy importante; las pinturas cubren enteramente la capilla de una sola nave; 36 frescos de Giotto, representando escenas de la vida de Cristo, y vivencias de la Virgen y sus padres, más, otros 14 con alegorías, vicios, y virtudes.

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La Desesperacion. Capilla de la Arena. 1305/6. Giotto

Antes de la decoración de la Capilla de la Arena, Giotto había ornamentado la Iglesia Superior de San Francisco de Asís con escenas de la vida de este Santo.

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La leyenda de San Francisco. «La verificación del estigma». 1297/9. Giotto

A GIOTTO, en vida le fue reconocido su gran mérito, y socialmente fue admitido en determinados círculos sociales, donde un artista antes, no habría podido soñar. Hizo una importante fortuna, y cuando finalmente falleció en la bella ciudad de Florencia, fue enterrado con honores en la catedral de Santa Reparata.

GIOTTO. REVOLUCIONÓ EL ARTE EN EL TRECENTO

Giotto. Pintura. Pintores. Trecento. Escultura. Arquitectura. Cimabue. Dante.

 

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Pintura. Alquimia con Gustav Jung. Gustav Jung Alchemy. Óleo sobre lienzo. Tomás Bartolomé

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Alquimia con Gustav Jung. Óleo sobre lienzo. Tomás Bartolomé.

Title. Gustav Jung Alchemy. Oil on canvas.

Medidas, Measures. 40×30 cms.

«Existencia de un sustrato común»

Alquimia picuda, diversidad, casa común, donde el elástico tiempo, no se traduce en nuestras claves. Humanismo donde el antes y el después son el mismo lapso temporal, una única fusión creativa, nueva, y antigua; vieja fragua silenciosa de Jung, oscura, y maravillosa. Común anarquía. Bocado, divino placer, donde el orden, es Zen, y todo… ¡Carencia de necedad!

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«El laberinto azul», (2001).

Llegas a cualquier sitio
a través de un poema:
el mundo viaja solo, y tú también
en su infinita red de vanidades
te dejas arrastrar
por símbolos, deseos,
buscando su sabor
con recuerdos gastados.
No te  Tampoco insistas.
Para qué preocuparse.
Quien más quiere avanzar más retrocede
en este laberinto donde olvidas
el único color de los matices,
su frágil soledad difuminada,
y arrojas sus palabras al vacío
y al caos.
Nunca el caos, camino equivocado.

Juan Carlos Abril. Los Villares, Jaén 1974.

Accésit (Mejor poema inedito en lengua castellana) Premio Adonáis de poesía, año 2000.

Pintura. Alquimia con Gustav Jung. Gustav Jung Alchemy. Óleo sobre lienzo. Tomás Bartolomé.

PinturaAlquimia con Gustav Jung. Tomás Bartolomé. Pintores. Óleo.

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Émile Zola. “La Obra”. Dramático almuerzo sobre la hierba

 

Émile Zola. (1868). Manet

Émile Zola. (París, 1840-1902). Hijo de un fugaz ingeniero veneciano, y de una francesa. Pronto, se quedaría huérfano, y así, se trasladará con la familia, a Aix-en-Provence, Fatigados desde entonces económicamente, pudo esto, influir negativamente, en el poco aprovechamiento de sus primeros estudios. Mal estudiante abandonó tempranamente las aulas. Con 19 años Zola, regresa a París, donde realiza sus pobres estudios de bachiller luego suspendidos; así, su mala situación económica y poco aprovechamiento de sus estudios reglados, favorecería, pronto, un primer empleo como dependiente de librería; tenia, 22 años de edad. Y Ėmile ya se pone ha escribir, y publica artículos en diferentes diarios. Desde entonces escribe novelas. En 1870, con 30 años de edad, se casa. En 1878, adquiere una casa en Medán, que con el tiempo se convertirá en un lugar de reunión, para él, y sus amigos, entre los cuales se encuentran, escritores, pintores, escultores… La frecuentan entre otros, Manet, Maupassant, Flaubert, o Cézanne. Desde 1897, Se implica en el caso Dreyfus, apoyando la causa de los judios franceses, con el famoso “Yo acuso”, artículo periodístico de gran repercusión mediática.

Escritor prolífico, es creador de más de 40 novelas, (ensayos, y obras de teatro). Entre la cuales citaré algunas como, Germinal, El Sueño, La Bestia Humana, El dinero. Pero, ahora nos detendremos en “La Obra” publicada en 1886.

Como hemos visto anteriormente, es amigo de pintores, que hoy, son estudiados, y ocupan un destacado lugar en la historia del arte universal, de ese habitual trato, tomará apuntes, para lo que posteriormente, será considerada como una novela autobiográfica. También se le atribuye a La Obra, su enemistad con Cézanne (precursor del impresionismo), al sentirse reconocido este, en Claude Lantier, un pintor atormentado, finalmente destruido y consumido, en pos de una quimera.

Le Déjeuner sur L’Herbe. Almuerzo sobre la hierba. Manet. Musée. d’Orsay. Parīs.

En “La Obra”, también cobra importancia Le Déjeuner sur L’Herbe. Almuerzo sobre la Hierba, la aclamada obra maestra, del genial Manet.

Así, con soltura, (como veremos). Zola, describe, algo, que ocurre con frecuencia, cuando se trata de seleccionar, cuadros para cualquier concurso de pintura; donde un seleccionado jurado, valora las obras, a concurso, tal vez ahora inválidas, como abandonadas, y generalmente, tratadas como simples objetos desalmados; juzgadas, desposeídas, de calma, y detención; expuestas sobre un caballete, o simplemente apoyadas en la pared. Intrigas, son mudas testigos de manejos, celos, intereses, recomendaciones; deudas y amistades. iHagan juego señores! Las obras ahora están en sus desnudas manos.

LA OBRA. NOVELA. 1886

Dio un terrible campanillazo.

-Vamos señores, ya casi está… un poco de buena voluntad, por favor.

Por desgracia, apenas pusieron los primeros cuadros en el tablado, hubo otro contratiempo. Una tela entre todas atrajo su atención, de tan mala como le parecía, de un cromatismo tan áspero que hacía rechinar los dientes; y, al bajar la vista, se inclinó para ver la firma murmurando:

-¿Quien ha sido el cerdo que…?

Pero se levantó al punto, impresionado al haber leído el nombre de uno de sus amigos, un artista que era el bastión de los sanos principios. Confiando en que no le hubiera oído, exclamó:

-iMagnífico!… El número uno, ¿no, señores?

Y le concedieron el número uno, la admisión que daba derecho a los honores del cimacio. Sólo que se reían, se daban con el codo. Él se sintió muy herido por ello y adoptó una actitud hosca.

Pero todos hacían lo propio, muchos se desahogaban al primer vistazo, para luego, una vez descifrada la firma, corregir lo dicho; lo cual los acababa volviendo prudentes, les hacía arquear los hombros y cerciorarse del nombre con mirada furtiva, antes de pronunciarse. Por otra parte, cuando pasaba la obra de un colega, alguna tela sospechosa de ser de un miembro del jurado, se tenia la precaución de hacerse una señal de advertencia a espaldas del pintor:<<iCuidado con meter la pata, que es suyo.!>>.

Émile Zola. “La Obra”. Los sufrimientos de un desayuno sobre la hierba

Literatura. Escritores. Émile Zola. Zola. La obra. Arte. Cézanne. Desayuno sobre la hierba. Manet

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Pintura. Luis Gordillo. Ejemplo y Psicoanálisis

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Luis Gordillo. Ilustracion. By TbArt

Luis Gordillo. Sevilla 1934.

Su familia (él), pertenecía a la burguesia sevillana acomodada, donde su  progenitor ejercía de medico. Gordillo estudio derecho sin mucha convicción, y posteriormente Bellas Artes. A finales de los años 50 viaja a París y enseguida se siente atraído por el Informalismo. Luis Gordillo a lo largo de su larga y anárquica carrera, transita por diferentes estilos pictóricos, primeramente fue el informalismo, en este estilo, se sintió muy cómodo. Luis Gordillo define al informalismo como…

«Una abstracción libre que emplea diferentes materias y pintura gruesa», como es el caso de Tapies, artista, que el pintor sevillano cita como uno de sus pintores emblemáticos.

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La Familia. 1972.

Después vendrá el Pop Art con sus repetitivas series y Gordillo lo atrapa enseguida;  las series son evolución, transmisión, algo que reacciona, que esta vivo. Luego daría nuevamente paso a la abstracción , en la que está considerado, uno de los máximos exponentes en España; cuando paradojas de la vida, Luis Gordillo, últimamente ha declarado, que él, más que un pintor abstracto, se ha considerado un pintor figurativo la mayor parte del tiempo. Últimamente se dedica sobre todo,  a las artes plásticas; el uso de la fotografía, los soportes digitales, la serigrafía sobre lienzo, el collage, y la pintura.

El Psicoanálisis le ha ayudado siempre en su carrera, y le sigue ayudando hoy, el artista siempre que puede, se encarga de recordárnoslo.

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No te olvides. (2012). Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

EL COLOR

Tiene pinturas de un solo color, y en otras trabaja con colores de tonos vivos aunque sofisticados. Le da importancia al color, el verde es muy empleado por él, en algunas épocas. Gordillo empezó pintando al óleo, luego a partir de los 70 se decantó definitivamente por la pintura acrílica.

Luis Gordillo. 1981. Premio Nacional de Artes Plásticas. 1996. Medalla de Oro de las Bellas Artes de Madrid. 2007. Premio Velázquez de Artes Plásticas. Son solo, algunas de sus distinciones.

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Cuatroojos que se ahoga. 2015. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En la actualidad Luis Gordillo sigue trabajando, (como el buen vino se hace excelente con los años, su innegable talento se ha conservado y mejorado, con el paso del tiempo), realizando pinturas a un gran nivel. Es el sevillano, un artista respetado mundialmente, con obra expuesta en los  museos más importantes, y con un reconocimiento público y privado, muy merecido.

Pintura. Luis Gordillo. Ejemplo y Psicoanálisis.

Pintura. Luis Gordillo. Gordillo. Pintores. Informalismo. Pop Art. Psicoanálisis.

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Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Lo tecnológico y lo humano conversan en un bucle de ida y vuelta

 Rafael Lozano-Hemmer

Un artista contemporaneo de talla internacional cuyas obras de arte  interacciónan con el espectador en un emocionante viaje de ida y vuelta. Una magnífica ocasión para acercar los niños al mundo del arte de una manera lúdica y didáctica. ¡Abrirán los ojos como platos! El juego y la sorpresa estan servidos, adéntrense en la abstracción biometrica, el show va a comenzar.

Lozano-Hemmer es un artista mexicano nacido el 17 de Noviembre de 1967. Reconocido y premiado; su obra puede encontrarse en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, o en la Galería Tate del Reino Unido.

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Los proyectores de Hemmer emitiendo estelas lumínicas sobre la ciudad. Foto. Vía internet.

Rafael Lozano-Hemmer, además de en ferias de arte y museos, ha montado sus instalaciones en las calles y plazas de algunas ciudades con proyectores de luz gigantes, «Los más grandes que existen», y las ha arropado con un magnífico soporte sonoro a base de muchos Whatios, en un espectáculo de luz y sonido impresionante. Son muchos los lugares del mundo que las contemplaron y que ya nunca olvidarán la puesta en escena del global artista azteca radicado en Canadá. Podríamos decir que las obras de Rafael Lozano-Hemmer, no están totalmente acabadas hasta que las completa el público con su interactiva participación.

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En el museo, al  mirar una pantalla de video Hemmer, tus ojos echarán humo. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Las instalaciones de Hemmer, pueden medir nuestro pulso , respiración, movimiento, voz, rasgos faciales. Con ellas nuestros ojos echarán humo y nuestra voz se repetirá y mezclará con otras voces de visitantes anteriores. Nuestra respiración quedará guardada para siempre en bolsitas de papel que repetirán nuestro ritmo de inhalación, exhalación, constantemente.

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Imagen de una instalación de Hemmer. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

A partir de esta forma de comunicación artística,  nos vemos envueltos en su particular universo de Arte-Poético-Tecnológico». Son las instalaciones una  puesta en escena arquitectónica, y el artista se vale de la tecnología y el performance para crear…«Sensaciones en las que lo humano y lo electrónico conversan».

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Instalacion interactiva de Hemmer. ARCO 2016. Madrid. Foto. Archivos propios by TbArt.

Aunque nació en México, Rafael reside entre España y CanadáRafael Lozano-Hemmer, consigue conjugar de una manera amena el arte, con el entretenimiento y la sorpresa. La obras de Hemmer resultan divertidas, interesantes, y de calidad.

Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Lo tecnológico y lo humano, conversan en un bucle de ida y vuelta.

Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Hemmer.

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Goya. Enamorado, Acusado y Rico. «Él estuvo enamorado». Para ella tal vez solo fuera una provocadora y morbosa coquetería»

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Duquesa de Alba vestida de negro. 1797.

GOYA ENAMORADO

María Pilar Teresa Cayetana  de Silva Álvarez de Toledo y Silva Bazán. La Duquesa de Alba, es la mujer más retratada por el pintor, «él estuvo enamorado», para ella tal vez solo fuera una provocadora y morbosa coquetería.

MARÍA TERESA murió, tenía solo 4o años. En julio de 1802 cuando se encontraba residiendo en su magnífico Palacio de Buenavista sito en la céntrica Calle del Barquillo de la capital de España fue tristemente visitada de urgencia, por la que nunca descansa. La Duquesa que era viuda falleció sin descendencia aunque antes adoptó a una niña negra llamada María de la Luz, de la que hasta el momento, misteriosamente, se ha perdido el rastro.

¿DE QUE MURIÓ LA DUQUESA?

La causa de su muerte parece ser que fue un sincope, aunque claro; en la villa y corte corrieron muchos rumores y las lenguas de vencíndona, divagaron ampliamente sobre el suceso; se chismorreó que podría haber sido envenenada y también, que la causa más probable habría sido una enfermedad de transmisión sexual. Nada de esto ha sido probado nunca. Un sincope del que  nunca se recuperó acabó con ella en poco más de un mes y sin haber recuperado la consciencia. María Tresa, murió en una situacion económica muy difícil pues tenía grandes deudas.

Nunca se ha podido demostrar que  Goya tuviera una relación amorosa con María Teresa, pero parece asegurado que el pintor  la amaba. Esto parece confirmarlo el retrato  «Duquesa de Alba vestida de negro» en la que la aristócrata, señala con el dedo el texto que tiene a sus pies y que reza… «Solo Goya 1797«

GOYA ACUSADO

En 1803 el pintor es investigado por la Santa Inquisición a la que le interesa, su serie de grabados «Los Caprichos». Así pues, la Compañía de la Cruz Verde los consideraba anticlericales y por supuesto inmorales, también miran con lupa «La Maja Desnuda», según decían era una impudicia que nadie debería contemplar. ¡Pasó miedo!…, ¡le avisaron de que andaban tras él!

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ENSAYOS. Estampa. Numero 60. De la serie «Los Caprichos». 1799.

Nuestro genio se siente acosado por el santo tribunal, pero se le ocurre una solución ingeniosa, el astuto aragonés, se los quitará de encima cediéndo «Los Caprichos», al Rey Carlos IV, Rey del que GOYA era Pintor de Cámara por lo que además  de la gratitud Real por el regalo, el pintor recibe  una renta de 1200 reales al año y además, y lo más importante, deja fuera de juego a los censores de la Santa Inquisición que como sabuesos sedientos de sangre y protagonismo andaban tras sus sordos pasos. ¡Una jugada maestra del genial pintor!

GOYA RICO

En la época en que vivió Francisco de Goya los pintores sobre todo realizaban retratos

El retrato estaba de moda y GOYA pintó muchos y ganó mucho dinero. ¡GOYA se hizo rico! Aparte de su sueldo de funcionario, el genial aragonés, tenía clientes muy poderosos y acaudalados que le pagaban muy bien por su trabajo, así pues, el artista se hizo con una buena fortuna que supo invertir convenientemente. Fue uno de los principales accionistas del Banco Nacional de San Carlos, precedente de lo que hoy conocemos como Banco de España.

Mercado del Arte. Actualmente una serie completa de 80 grabados de «Los Caprichos» fue subastada en Nueva York por un millón de euros.

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«La Duquesa de Alba vestida de negro», detalle. Esta pintura fue realizada por Francisco de Goya, en 1797 en el Palacio del Coto de Doñana, propiedad de la DUQUESA DE ALBA, a la que siguió el pintor cuando esta enviudó. En la pintura, sobre la arena de la playa puede leerse… «Solo Goya 1797». La Duquesa, lleva puesto en un dedo de la mano que señala esta leyenda, dos anillos yuxtapuestos con las palabras, «Alba», en uno, y en el otro, «Goya». Actualmente el cuadro se encuentra expuesto en La Hispanic Society de Nueva York.

Goya Enamorado, Acusado, y Rico. Tomás Bartolomé

Francisco de Goya. Goya. Pintura. Pintores.  Goya y la Duquesa de Alba. Goya Enamorado. Goya Rico. Mercado del Arte.

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Fotografía. El Rajado Velo. “Grito soledades encubiertas, congelados momentos, ausencias latidos”. Tomás Bartolomé

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Foto. By Tbart

El Rajado Velo

IGrito! … soledades encubietas

Congelados momentos

Ausencias, latidos

Abandonado al sol 

El rajado velo asoma

En la ventana vacía

En la puerta sola

Calada la espalda

Frío, sol y sombra

La barra de hielo 

Las grandes pinzas

La arpillera mojada…

El rajado velo

Tomás Bartolomé

 

Fotografía. El Rajado Velo. Grito soledades encubiertas, congelados momentos, ausencias latidos. Tomás Bartolomé.

Fotografía. El Rajado Velo. Poesía. Tomás Bartolomé.