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¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Plensa, se queda

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Jaume Plensa. Tomás Bartolomé. Óleo cartón. 2016

¡AY, CARMELA!

El escultor barcelonés Jaume Plensa; Barcelona 1955, tiene su estudio muy cerca de la Ciudad Condal. Escultor, Grabador, Dibujante, Arquitecto, Ilustrador etc. Es uno de los artistas españoles más cotizados en el Mercado de Arte Internacional.

Los vecinos del barrio, no querían que la cabeza de niña (CARMELA) de Plensa (4 metros de altura, de pesado hierro fundido), que se encontraba situada frente al Palau de la Música de Ciutat Vella, dejara la vecindad del centro histórico… Como estaba previsto, aquella gran y bella cabeza, era para casi todos, como algo, que sentían, que había llegado hasta allí, para quedarse; pero el plazo de su retirada, inexorablemente vencía ,como un árbol viejo, que arrastra sus secas ramas, al final de su impávida vida… ¡Y, sí, las obras de PLENSA están pensadas para la eternidad!

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CARMELA. Esta magnifica foto pertenece a su autor Carles Rivas, imagen via internet

La rotunda escultura CARMELA impresionante y bella, es pesada y etérea, hecha para quedarse, atrás quedaron, las fotografias previas, y el trabajo de estudio.
El tiempo era tasado, debería haber sido retirada ya, hace mucho tiempo, (el extinto día 18 del mes de septiembre de 2016)… ¡PERO CAMELA SE QUEDA!

Lo pidieron los vecinos y Plensa se siente feliz, la cederá gratis al ayuntamiento 8 años más, con opción a prorroga; (como es natural, aunque, esta no debería ser la única opción). El consistorio, correrá con los gastos de fabricación y mantenimiento, y también, habrá que hacerle una peana más duradera a la bella cabeza. Mas el ayuntamiento no la adquirirá como era su interés; además, la cabeza de niña había sido en principio comprometida con otro comprador, que elegantemente, al fin se abstendrá. La magnífica escultura está valorada en 500.000/700.000 euros. Pero bueno, Plensa está contento. Se encuentra en Barcelona ciudad a la que ama, de ella dice, «Como no vas a querer el lugar donde naciste».

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LA FUENTE CROWN. Chicago. Foto internet.

Plensa ha estado exponiendo recientemente sus obras en USA; Nashville, Tampa, y Toledo, fueron las ciudades elegidas, en todas ellas, las piezas mostradas, fueron finalmente adquiridas, y se quedaron allí; actualmente PLENSA tiene a punto de inauguración, una obra en Toronto, y está trabajando, en un proyecto para Montreal, ahora, vive más en los aviones y hoteles, que en su estudio taller de Barcelona.

LA FUENTE CROWN 2004.  En el “PARQUE MILLENNIUM” de la ciudad de CHICAGO. Es un verdadero icono para la gran urbe, y una magnífica inversión para la ciudad y la ciudadanía.

UNA GRAN ESCULTURA DE 52 METROS DE ALTURA JUNTO AL MAR

En Barcelona su ciudad natal acaricia un gran sueño, una escultura junto al mar. Las cosas van despacio, pero PLENSA, sabe esperar. La escultura que presentó en Venecia podría ser un avance sobre la presentada para la Ciudad Condal.

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MIST. Basílica San Giorgio Maggiore. La cabeza de PLENSA en Venecia. Esta foto pertenece a su autor, y fue obtenida via internet.

El proyecto, como no puede ser de otra manera es importante y complejo, pero hay voluntad de acuerdo por las dos partes, PLENSA, artista muy cotizado mundialmente, ofrece la escultura a sus vecinos de BARCELONA gratuitamente, (solo se tendrían que abonar los costes y el mantenimiento), que aún así son elevados, y no son ahora momentos, de inversiones ávidas, pero difíciles de abordar económicamente, mas no debemos de olvidar nunca el arte, lo que este nos ofrece; y, si es de calidad, este, debe ser justamente valorado. El Ayuntaminto de Barcelona tiene ante sí, sin duda, una gran oportunidad, no exenta de rentabilidad.

¡Ay Carmela! CARMELA. La monumental escultura de Jaume Plensa, se queda.

Jaume Plensa. Plensa. Escultores. Escultura. Arte Contemporáneo. Carmela. Barcelona. Mercado del Arte. Pintura. Tomás Bartolomé

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Arte. Paisaje en la Memoria. T. Bartolomé. Flores bellas secas

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Paisaje en la Memoria. 2011. Tomás Bartolomé

Landscape in Memory

Óleo/Acrílico/Lienzo. Medidas. 30×40 cm.

Memorias. Velan pasado. Desplazan de lado. Abren una ventana

Las hojas secas el pasado velan

El presente se desplaza de lado,

El pasado queda cubierto;

¡Se vela!

Gustav Jung abre una ventana,

Cofre en la memoria. Campo de flores nuevas.

Abismos. Eternidad; Archivos;

Arcanos de otro tiempo.

(Otros; antes… después)…

Ambarina nicotina eterna.

Campo; tierra; labor; Flores…

Flores bellas secas.

Cortina del tiempo;

Hoja, escalera,

Vino al viento.

¡Eterna rosa herida!

Tomás Bartolomé

Paisaje en la Memoria. Landscape in Memory. Campo de flores nuevas. Surgen llenas de abismos, hartas de eternidad.

Arte. Paisaje en la Memoria. T. Bartolomé. Flores bellas secas

Arte. Tomás Bartolomé. Pintura. Paisaje en la Memoria. Landscape in Memory. Óleo/Acrílico. Poesía

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Picasso y su influencia en el Arte Contemporáneo. Motor Inspirador.

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Pablo Picasso. Yan Pei-Ming

PICASSO MOTOR INSPIRADOR

Entre otras obras inspiradas en Pablo Picasso, Yan Pei-Ming, el artista chino que vivió unos años la revolución de Mao, y que ahora reside en Francia, nos presenta un retrato de Picasso, un cuadro de gran formato en blanco y negro en el que destaca sobre todo la mirada y el trazo grueso de unas pinceladas muy empastadas, certeras, cargadas de sentido y emoción.

TAMBIÉN ME INSPIRA PICASSO

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Las señoritas de Avignon. Paisaje Mimetico. Tomás Bartolomé

Mujeres, árboles, animales. Flora y fauna. Naranjas, azules, amarillos. Sobre un fondo que es un lienzo sin manchar.

PICASSO Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO

Se deja notar, la gran influencia que ejerce el genial pintor malagueño, en la obra de multitud de artistas contemporáneos, al maestro se le ama o se le odia, pero para muchos artistas, es sobre todo fuente de conocimiento, motor e inspiración continúa; su magnetismo y su genialidad siempre se acaban imponiendo.

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Fauno, Caballo y Pájaro. 1936. Picasso

Pablo Picasso, nos dejò un gran legado artístico. Artista obsesionado. Trabajador obsesivo, incansable y energético. Pinturas, esculturas, cerámica, dibujos, grabados; su obra se encuentra repartida entre los mejores museos del mundo, (el museo Picasso en París, es delicioso, el de Barcelona, con una sala impresionante…, como la de las meninas), el de Málaga, su ciudad natal, contiene verdaderas joyas. También está presente en multitud de colecciones particulares e instituciones. Incluso usted si lo deseara podría tener su propio Picasso en casa, por unos 3000 € (una jarra de cerámica o un pequeño dibujo).

Picasso y su influencia en el Arte Contemporáneo. Motor Inspirador.

Arte. Pablo Picasso. Picasso. Pintores. Inspiración. Arte Contemporáneo. Yan Pei-Ming. Tomás Bartolomé.

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Arte. Basquiat, contestó a Warhol, “No te preocupes, soy inmortal”

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Jean Michel Basquiat nació en Brooklyn (Nueva York ) en 1960

Su familia pertenecia a la clase media, su padre haitiano, era un contable bien situado, su madre, una portorriqueña, diseñadora gráfica, gozaba de gran prestigio profesional…., Cuando de repente, sus progenitores se divorciaron, y Jean Michel sufrió mucho con este fatal hecho, que aún no podía comprender.

SU MADRE

A los 16 años, Basquiat ingresa en la escuela para superdotados, City-As-School, ¡Pero vaya! Enseguida, fue expulsado por su ruda rebeldia. Mientras tanto Matilde, su madre, le proporcionaría, una buena base artística, pues juntos realizan visitas a exposiciones, y desde los 6 años Basquiat es miembro junior del Museo de Brooklyn. Desde aquí como suelo hacer a menudo, me permito aconsejar a las madres, que se miren en el bello espejo de Matilde, y apoyen alegremente, y dirijan adecuadamente, a sus hijos sobre su decisión de ser artistas ¡madres y padres del mudo entero, del Arte también, se puede vivir! Recuerden que siempre a existido «Un arte para vivir, como existe también, un arte para transgredir».

EL DIVORCIO DE SUS PADRES DESESTABILIZA A BASQUIAT…,  Y SE CONVIERTE EN VAGABUNDO

Basquiat decide abandonar su casa, y estudios de bachillerato, que deja sin terminar. Desde entonces vivirá en la calle, y dormirá, en naves abandonadas, además, «se metía de todo», y empieza a ser una pesadilla, para los sufridos vigilantes del metro neoyorquino, pues los vagones aparecen «guarreados» de pintura, ¡un día si, y otro también! Los muros del Bronx también despiertan; útiles, no se libran de la incipiente pasión creativa de Basquiat.

1980. El artista tiene 20 años, (primera exposición en el Times Square Show), un viejo almacén abandonado que ocupa ahora, la Galería de Moda y Arte Alternativo, en el barrio del Bronx. A partir de este crucial momento, con la relevante ayuda de Basquiat, el Graffiti fue objeto de un progresivo reconocimiento en el mundo del arte. Mientras tanto un año después, tiene lugar su segunda exposición, el evento se sitúa esta vez, en el Instituto de Arte y Recursos Humanos de Nueva York. Su título, «New York/New Wave».

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Basquiat conoce a Warhol y se establece entre ellos, primero una buena amistad, y después una colaboración profesional, en la que trabajan juntos en diferentes pinturas, y se transfieren conocimientos mutuamente. Un ejemplo de su trabajo conjunto es la obra Horizontal Painting,

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Horizontal Painting, (Pintura Horizontal). Basquiat, Warhol, Clemente. 1984. Museo de Arte Contemporáneo de Málaga. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Jean Michel Basquiat y Andy Warhol pintaron juntos y fueron amigos, pero no solo, además  Andy Warhol llegaría a ser su mentor.

Empieza a ser apreciada y conocida la obra de Basquiat en la vanguardia artística neoyorquina. Comienza también su éxito a nivel internacional. Pongamos ahora, algunas etiquetas, (Arcaicismo, Primitivismo, y Salvajismo). El vigor expresivo que comunica, es el santo y seña de sus obras. El artista pintaba, mas también voraz, consumía todo tipo de drogas, hasta el punto de  mostrarse desbocadamente insaciable, tanto, que el mismo Warhol se asusta, pues Basquiat a menudo, se muestra paranoico, y para empeorar las cosas, alguna vez, se lo ha encontrado en un estado de peligroso coma…

Cuando Warhol se lo recrimina, Jean Michel le contesta…

«No te preocupes Andy soy inmortal»

BASQUIAT ASUSTADO TRATA DE PONER FRENO…

EL CABALLO GALOPA VELOZ, Y DESBOCADO

En 1988 Jean Michel, fuertemente impresionado y asustado por la muerte de Warhol, acaecida apenas un año antes (febrero 87), en el New York Hospital, cuando se recuperaba de una operación de vesícula, trata de poner remedio finalmente, a sus peligrosas adiciones, y decidido se retira a su casa de Hawai, donde pasa un par de meses desintoxicándose, después, regresa a Nueva York supuestamente curado…

No habían pasado 60 días de su regreso a la metrópoli, cuando Jean Michel Basquiat, repentinamente, fallece por sobredosis de heroina, en su casa de Nueva York, el 12 de agosto de 1988, solo tenía 27 años, la edad, en la que al parecer, mueren los genios.

Arte. Jean Michel Basquiat, le contestó a Warhol; no te preocupes Andy, soy inmortal

Jean Michel Basquiat. Pintura. Basquiat. Andy Warhol. Warhol. Arte. Nueva York

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Arte. Toulouse Lautrec. El niño Toulouse lloró, desde pequeño

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El niño Toulouse lloró

Desde pequeño

Henri de Toulouse-Lautrec. 24 de noviembre de 1864. Albi (Francia). 9 de septiembre de 1901. Saint-André-du-Bois (Francia), 36 años.

– «A causa de la endogamia, el niño no nació bien, nosotros sus padres éramos primos en primer grado, pertenecíamos a la aristocracia; el pequeño Toulouse, nació el 1864 en el castillo de Albi (cerca de Burdeos). Mi marido el Conde Alphonse, nunca quiso a nuestro hijo, sabía que la alta sociedad nunca lo aceptaría, y él, era un noble».

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Monsieur Boileau. 1893.

La consanguínidad tiene estos riesgos, y todo, la mayoría de las veces, por el único afán de juntar grandes capitales, tierras y mansiones. Cuando el niño Henri tenía cuatro años, el Conde Alphonse y Adele se separaron. Nuestro artista nació débil y enfermizo. A los 10 años, su enfermedad se muestra con especial crudeza, entonces su madre lo intenta todo, y lo lleva a los mejores médicos, pero no sólo, no mejora, sino que la enfermedad se agrava, rompiéndose, Toulouse, los fémures de ambas piernas.

–  «Y pensar que yo no pintaría si tuviera dos piernas»

Toulouse y Adele se trasladan a París, y con 17 años de edad, recibe clases de dibujo y pintura de diferentes artistas, pero a Toulouse Lautrec, lo que de verdad le interesa es la figura humana, los paisajes, tan de moda, a él no le inspiran.

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Con solo veinte años, se instala en el tercer piso de una vivienda en la colina de Montmartre, su vecindad está compuesta de  pintores, buscavidas, camareros, artistas y trabajadores de los diferentes cabarets que pueblan la zona. De uno de ellos, se hace asiduo (El Moulin Rouge), y Lautrec, bohemio, noble, y por encima de todo pintor se convierte, en algo más que un buen cliente.

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Algunas noches dibuja desde su mesa; junto a su inseparable, verde azulada absenta, y retrata a las bailarinas fuera y dentro de las bambalinas; al ser un cliente apreciado, puede permitirse dibujar incluso dentro de los camerinos. Siempre trató Lautrec a estas mujeres con respeto, llegó a considerarlas como amigas, las ayudó y ellas le ayudaron también a él; y finalmente, estas, se convirtieron así, en sus principales modelos, y en su familia.

Toulouse lautrec, tiene 26 años cuando viaja a Londres donde conoce personalmente a Oscar Wilde del qué realiza un retrato.

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Retrato de Oscar Wilde. 1895.

Alcanza el éxito en vida; carteles publicitarios, e ilustraciones para revistas le hicieron muy popular; sin embargo, sus óleos no fueron tan conocidos.

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El bebedor 

Toulouse Lautrec con solo 33 años, tiene importantes problemas de salud, derivados de su alcoholismo, asi, se agravan sus ataques nerviosos, llegando a sufrir trastornos como el Delirium Tremens. Solo 2 años después es internado en un sanatorio mental, donde sigue pintando (pinturas sobre el circo).

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A los 37 años Toulouse Lautrec fallece en Saint André De Bois.

Toulouse Lautrec. «El niño Toulouse lloró, desde pequeño».

Toulouse Lautrec. Arte. Pintores. Lautrec. Toulouse. Endogamia. Consanguinidad.

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Arte. Jheronimus Boch. El Bosco. Centenario Museo del Prado. Autentificación

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El Bosco. Retrato. Jacques le Boucq? 1550?

Jheronimus Boch, «El Bosco». se cree que nació (1450), en Bolduque, Ducado de Bramante. Neerlandés, (Holandés. Falleció en Bolduque, el año de 1516.
Las fechas y todo lo que le rodea es escaso y confuso, sus obras estan llenas de incertidumbres, firmó escasas pinturas, y no tenía constumbre de fecharlas.
Su padre fue pintor como él, y alguno de sus hermanos, al igual que su abuelo. Así pues, pertenecían socialmente al gremio de los pintores, y se formó en el taller familiar, en las técnicas de la pintura al fresco, como antes sucediera en el Trecento, con Giotto, y Piero della Francesca, su contemporáneo, fallecido en 1492.

Al igual que lo que sucedería o el padre de Goya, el padre de El Bosco, era dorador; y  también realizaba, esculturas de carácter religioso en madera, y retablos, además de otros objetos religiosos. Finalmente cuando murió en 1478,  Jheronimus con algúnos de sus hermanos, heredó el taller.

BODA Y DOTE

1481. Se casó con Aleid van de Meervenne, hija del rico, Goyarts van de Meervenne, un comerciante muy importante que a raíz de la boda, le aportó riqueza en forma de terrenos; además socialmente El Bosco ascendío, hasta situarse como el perfecto burgués. Entonces, el artista estuvo en situación de elegir con mayor libertad, los temas de sus caóticas, a veces atormentadas, grotescas, y siempre fantásticas pinturas. ¡Llenas de símbolos! Abiertas a la interpretación.

Desde 1486, fué un miembro más, de la Ilustre Cofradía de Nuestra Señora, dedicada al culto de la Virgen, poseía, un gran prestigio e influencia social, su esposa la rica heredera, al igual que su acaudalada familia, eran cofrades, desde mucho tiempo antes. Ocupada, la cofradía, sobre todo en obras de caridad; doran, pintan, y policroman figuras de madera para los pasos de las procesiones, que se exhiben periódicamente. También la familia de El Bosco, su padre y hermanos, realizarán, por encargo de la cofradía, un retablo de madera.

EL BOSCO DESAPARECE

1500/4. De estos años no existe documentación, ni siquiera en la cofradía; sí figura, sin embargo una anotación, (la fecha de su muerte). El que fueran halladas varias de sus pinturas en Venecia, hace deducir, que se le sitúe en Italia, y particularmente en Venecia, la bella ciudad de los canales. A su regreso El Bosco se centró, en el trabajo, para la catedral de su ciudad natal.

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Tabla central del tríptico, Las Tentaciones de San Antonio. Museo Arte Antiga de Lisboa.

HÁGASE LA MAGIA

Sus temas preferidos son la condenación, el infierno, la salvación, y todo acompañado de seres grotescos, multitudinarias algarabias, abarrotamiento genial, y a veces, cómic divertido de hace 500 años; y sí, El Bosco, tiene mucho de medieval… y de moderno. Para André Breton, (el papa del surrealismo), El Bosco era un visionario. El mismo movimiento surrealista lo adoraba.

Imaginación a raudales, colorido y técnica depurada; brujería, alquimia ¡El fin del mundo ya está aquí! La apocalipsis será pronto servida en grandes y abrasadoras raciones. Seres, tanto normales como monstruosos conviven juntos. La complejidad de símbolos utilizados, dificulta a menudo la comprensión de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, se puebla de figuras fantasmagóricas, que parecen surgidas de una pesadilla infernal, son seres grotescos, deformados, por un cruel frenesí de inevitables gesticulaciones.

El Bosco es un minucioso observador de la realidad, con gran talento como dibujante, y un absoluto irrealismo pleno de un superlativo espíritu, sarcástico-ridículizador.

En España, el rey Felipe II, compró algunas obras de este genial pintor, esto explica que actualmente se encuentren varias pinturas de este gran maestro en España.

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Mesa de los pecados capitales. El Bosco. 1485. Museo del Prado. Una de las obras adquiridas por el Rey Felipe II.

LAS OBRAS DEL BOSCO. DIFÍCILES DE AUTENTIFICAR

2016, se celebró el 500 aniversario de su muerte. Con este motivo, El Museo del Prado inauguró, una magna exposición «EL BOSCO. EXPOSICIÓN DEL V CENTENARIO», mientras tanto, un concienzudo y solvente estudio (un comité científico holandes, con asesores de importantes museos de todo el mundo en autentificacion, Museo del Prado, incluido, concluyó…

Autentificacion. Bosch Research and Conservation Project. Obras de El Museo del Prado

La Mesa de los Pecados Capitales, La Extracción de la Piedra de la Locura, y Las Tentaciones de San Pedro Abad. No son de El Bosco.

El Museo del Prado, tiene 6 obras de «El Bosco», más que ningún museo en el mundo. 3 de ellas, no admiten ninguna duda sobre su autenticidad, son la siguientes : Adoración de los Magos – El Carro de Heno – El Jardín de la Delicias – Si son de El Bosco.

Otros Museos…

Museo Lázaro Galdeano. Madrid. San Juan Bautista en Meditación. 1489? Si es de El Bosco.

San Juan Bautista en Meditación. El Bosco1489.

San Juan Bautista en Meditación.

Museo de El Escorial. Coronación de Espinas. No es de El Bosco.

El informe continua fuera de España…

Museo de Bellas Artes de Gante El Cristo con la Cruz a Cuestas. No es de El Bosco.

Museo de Arte de Kansas City La Tentación de San Antonio. Si es de El Bosco.

Museo Groeninge de Brujas. El Juicio Final. Si es de El Bosco.

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La Tentacion de San Antonio. Uno de los cuadros dados por buenos por el comité y que hasta el momento del informe, se encontraba arrinconado en un sótano del Museo de Arte Nelson-Atkinss, de Kansas City.

EL BOSCO. LA EXPOSICIÓN DEL CENTENARIO

Se celebró en Madrid en el Museo del Prado, en las fechas…

Del 31 de mayo, al 11 de septiembre de 2016.

Se expusieron, en 5 secciones temáticas, y una sexta de dibujos; 65 pinturas en total. Pinturas de El Bosco, realizadas en su taller, y también de pintores de su época.

No falto a la cita, el espléndido «Tríptico de las tentaciones de San Antonio», Museo Arte Antiga de Lisboa. En cuanto a los dibujos, de los 11 aceptados como auténticos, solo se expusieron 6.

Para esta gran exposición, la mayor realizada hasta ahora, participaron importantes museos de Europa y USA.

El Museo del Prado emitió un comunicado, en el que disiente parcialmente, de la apreciación de la autentificacion realizada por los expertos holandeses. Habiendo declarado que, «La comisión no aporta ningún dato técnico o material, y fundamenta sus juicios en apreciaciones estilísticas muy subjetivas».

Arte. Jheronimus Boch. El Bosco. Exposición del Centenario Museo del Prado. Autentificacion de sus obras.

Arte. El Bosco. Pintores. Exposiciones. Museo del Prado. Jheronimus Boch. Autentificacion El Bosco.

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Arte. Velázquez. Manet, lo calificó como, «pintor de pintores»

VELÁZQUEZ Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Sevilla 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de agosto de 1660.   imagePintor barroco. Naturalismo.

Para muchos es  el mejor pintor español de todos los tiempos, en difícil pugna con otro de los grandes, Goya. Aunque dicen que las comparaciónes son odiosas, sería en este caso muy complicada la contraposición, al tratarse de pintores de muy distintas épocas, el gran maestro aragonés nació en 1746, y Velázquez en 1599, 147 años después que el genio sevillano.

Goya, en alguna ocasión declaró no tener otros maestros que Velázquez, Rembrandt (1608), y la Naturaleza, La opinión de Velázquez sobre Goya, si fuera posible, no podría ser distinta de la del pintor aragonés.

Juan Rodríguez de Silva, padre de Velázquez, (tal vez  hidalgo), fue un notario eclesiástico. nacido en Sevilla, de origen portugués, (los abuelos paternos, se establecieron en la ciudad del Guadalquivir procedentes de Oporto), y Jerónima Velázquez, su madre, sevillana de nacimiento. Diego, era el mayor de ocho hermanos; su hermano Juan, fue también fue pintor.

1609. Con diez años, recibe formación artística en el taller del gran Francisco Herrera el Viejo.

1611, este año su padre firmó la «carta de aprendizaje» de su hijo, Diego de Velázquez, que tenía 12 años, con Francisco Pacheco, obligándose con él, a un periodo de enseñanza de seis años.

Francisco Pacheco, además, de pintor, maestro, y escritor de «El arte de la pintura», que no llegó nunca a ver publicado. No fue mal dibujante, ni mal pintor, con él Velåzquez, aprendió a dibújar del natural, modelos en diferentes posturas, así como caras, y gestos; narices, ojos, bocas, orejas… la misma pedagógica repetición, llevada a cabo siglos después, por el genial Picasso, y otros muchos. Como la envidia es muy mala, Vicente Carducho y Eugenio Cajés, (sus competidores a Pintor del Rey) lo acusaron de ser sólo capaz de pintar cabezas. También recibió críticas de otros pintores de la corte.

Velázquez. Con éxito e influencia, pinta bodegones, (genero pictórico de procedencia flamenca), tan del gusto de aquel tiempo, Se conservan 9 bodegones de su primera época, y once obras de temática distinta. Iluminación tenebrista influenciada por Caravaggio y Zurbarán. Relieve. Un color espeso recubría totalmente el lienzo, luego, en primer plano, colocaba, figuras fuertemente iluminadas, sobre fondo oscuro, aplicaba pinceladas densamente empastadas y modelaba las formas con precisión.

Colores dominantes tostados, carnaciones cobrizas, su paleta de colores era muy reducida. Utilizó toda la vida  los mismos pigmentos, variando con el tiempo la forma de mezclarlos y aplicarlos.

Sevilla, la antigua Hispalis, era entonces  una de las ciudades  más ricas y poblada de España y, la más internacional; su puerto que monopolizaba el comercio con América, le insuflaba modernidad y en ella se percibía enseguida, una rica mezcla de razas y culturas, por sus calles paseaban muchos pintores pues allí no les faltaba trabajo. También poseía una importante sede eclesiástica.

VELÁZQUEZ en 1617, aprobó ante Juan de Uceda, y Francisco Pacheco (su maestro), el examen que le permitía incorporarse al gremio de pintores de Sevilla. Recibió licencia desde entonces, para ejercer como «Maestro de Imaginería y al Óleo», pudiendo practicar su arte en todo el reino, tener tienda pública y contratar aprendices. Tenía 18 años.

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Vieja friendo huevos. 1618. Velázquez

BODA Y LA MAESTRÍA

1618, 23 de abril, el artista se casa en Sevilla, con Juana, la hija de Pacheco (su maestro), que tenía entonces 15 años. En la bella ciudad de la giralda, también nacieron sus dos hijas: Francisca, e Ignacia. Su Maestria de genio ya se manifestó en sus primeras obras realizadas con sólo 18 o 19 años, El Aguador de Sevilla (1620) fue uno de los cuadros que llevó a Madrid. Se lo regaló a Juan Fonseca, por su ayuda en la corte. Mucho tiempo después, este, será a su vez regalado al general Wensley por el Rey Fernando VII. Actualmente se encuentra en Londres.

La Sevilla, rica, y eclesiástica, demandaba temas religiosos, cuadros de devoción y retratos. Su forma de interpretar el natural permitió a VELÁZQUEZ llegar al fondo de los personajes, mostraba así, una gran capacidad para el retrato, les tramitia fuerza interior y temperamento. En su primera visita a Madrid, la primavera de 1622, pinta el retrato de Góngora. Del que existen 3 copias.

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Retrato de Góngora. 1622

En 1621 fallece Felipe III, al que sucede Felipe IV, el cual favoreció a un noble de familia sevillana, Gaspar de Guzmán, el Conde-Duque de Olivares, el todopoderoso valido. Velázquez debió ser presentado a Olivares, por Juan de Fonseca o por Francisco de Rioja

«No se pudo retratar al rey aunque se procuró». El pintor regresó a Sevilla. A quien sí retrató por encargo de Pacheco, que preparaba un libro de retratos, fue a Góngora. También, al  fin se consiguió que el Conde-Duque llamase a Velázquez para retratarlo. Hizo así su retrato, el  30 de agosto de 1623, a gusto de Su Majestad, de los infantes, y del Conde Duque, que afirmó, «no haberse retratado al rey hasta entonces»; lo mismo opinaron, todos los señores que lo vieron. el joven monarca, era solo seis años menor que Velázquez.

En octubre de 1623 se le ordenó trasladar su lugar de residencia a Madrid, como Pintor del Rey con un sueldo de veinte ducados al mes, este, no incluía la remuneración que pudiera obtener por sus propias pinturas y, otras concesiones, como los beneficios otorgados a petición del Conde-Duque.

MADRID 1624

1624. Con 24 años Velázquez en Madrid, finalmente es nombrado Pintor del rey Felipe IV, y cuatro años después, Pintor de Cámara, labores a las que dedicó el resto de su vida. Retratos del rey, y de la familia real, más la decoración de las mansiones reales. Tambien, tiene tiempo de estudiar, la colección real de pintura.

En las enseñanzas de su primer viaje a Italia, conoció la pintura antigua y la de su tiempo, influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad y, una técnica de pinceladas rápidas y sueltas.

EXITO EN LA CORTE

Velázquez pudo visitar las colecciones reales de pintura, de enorme calidad. Carlos I y Felipe II habían reunido, cuadros de Tiziano, Veronés, o Tintoretto.

El estudio de la colección real, especialmente la de los tizianos, tuvo una decisiva influencia en su evolución estilística, que pasó del naturalismo austero de su época sevillana, a las severas gamas terrosas y, la luminosidad, los grises plata y, los azules transparentes.

1627 juró el cargo de Ujier de Cámara, y desde 1628, Pintor de Cámara; el poder pintar cuadros para decorar los palacios reales, le dio, una mayor libertad en la elección de temas, libertad, de la que no gozaban los pintores comunes, atados a los encargos y la demanda del mercado, además,  podía aceptar también encargos particulares, en Madrid, sólo lo hizo, de miembros influyentes de la corte.

Su técnica en este periodo, valora más la luz en función del color y la composición. los retratos son luminosos y de mayor refinamiento.

Su tendencia a repintar rectificando lo hecho, a menudo, dificulta la datación precisa de sus obras, «arrepentimientos», achacables a la ausencia de estudios previos, y a un modo lento de trabajar, «flemático», según lo definió el propio rey.

«Pasado el tiempo lo antiguo, que quedó debajo, y sobre lo que se pintó, surge de nuevo».

 

RUBENS EN MADRID

En 1628 Rubens llegó a Madrid para realizar gestiones diplomáticas, y permaneció en la ciudad casi un año. Pintó del orden de diez retratos de la familia real.

En su estancia madrileña, Rubens, copió obras de la colección de pintura del rey, especialmente de Tiziano, pues, representaba para él inspiración y estímulo. Felipe IV llegó a poseer la más importante colección de obras del pintor veneciano.

Rubens y Velázquez ya habían colaborado antes, el flamenco utilizó un retrato de Olivares pintado por Velázquez, para el dibujo de un grabado impreso en Amberes en 1626,  el marco alegórico fue diseñado por Rubens, la cabeza por Velázquez. El sevillano debió ver pintar los retratos reales a Tiziano, una gran experiencia fue observar la ejecución de esos cuadros. Rubens en Madrid, fue la primera influencia decisiva, que sufrió la pintura de Velázquez.

La fragua de Vulcano. (1630)

Rubens impulsó el primer viaje de Velázquez a Italia. así Velázquez, obtuvo el permiso real para completar sus estudios.

Cambio Decisivo. Viaje a Italia. 1629

El 22 de julio, se le concedieron para su ansiado viaje a Italia, dos años de salario, 480 ducados y, también el dinero de algunas ventas, viajó con un criado, llevando con él cartas de recomendación para las autoridades. Era el pintor del Rey de España, y se le abrieron todas las puertas, pudiendo contemplar obras solo para sus ojos. Se produce entonces una radical transformación de su estilo. Ensayó nuevas técnicas, buscó la luminosidad, y encontró su lenguaje pictórico propio, mediante una combinación de pinceladas sueltas, de colores transparentes y, toques precisos para resaltar los detalles.

La Fragua de Vulcano, (1630). Es una obra esencial para entender su evolución. La atmósfera ha superado las limitaciones del tenebrismo y los cuerpos se modelan en un espacio real y no emergen en una sombra envolvente. Desnudo y riqueza de expresion, denotan el estudio del clasicismo romano-boloñés. Estuvo en Génova, y luego en Venecia ciudades en las que visitó colecciones artísticas de los distintos palacios y, copió obras de Tintoreto, después partió hacia Ferrara.

Viajó a Roma donde permaneció hasta el otoño de 1630, alojado en el Vaticano, pudo dibujar libremente los frescos de Rafael y Miguel Ángel; finalmente, regresó a Madrid pasando antes, por Nápoles, donde realizó el retrato de la Reina de Hungría (Museo del Prado), En la cuidad napolitana pudo conocer a José de Ribera (El Españoleto), que en ese momento se encontraba, en su plenitud pictórica.

Madurez en Madrid

Con solo 32 años, realiza el Retrato de Felipe IV. De castaño y plata. Pintado hacia 1623, El conjunto aparece plasmado meticulosamente; consigue los efectos del vestido y de las mangas mediante manchas y toques irregulares.  Al compararse los retratos de Felipe IV realizados por ambos pintores, las diferencias son notables: Rubens los pintó de forma alegórica, Velázquez como la esencia del poder. Picasso lo analizó así: «el Felipe IV de Velázquez, es persona distinta del Felipe IV, de Rubens».

             

Retrato de Felipe IV de España, Rubens, (1628-29) . Felipe IV,  Velázquez, (1626-28)

Concluido su primer viaje a Italia estaba en posesión de una técnica extraordinaria. La década de 1630 fue para Velázquez la de mayor actividad, casi un tercio de su catálogo pertenece a este periodo.  En 1630 la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo así el resto de su vida. Su técnica. Blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad, complementado con pinceladas cada vez más transparentes. Hacia 1640 esta intensa producción disminuyó drásticamente, y ya no se recuperó en el futuro.

1631, prosiguió su ascenso en la corte. Este año entró en su taller un joven ayudante de veinte años, Juan Bautista Martínez del Mazo, Mazo se casó el 21 de agosto de 1633 con la hija mayor de Velázquez, Francisca, que tenía 15 años de edad. En 1634 su suegro le cedió su puesto de Ujier de Cámara, para asegurar el futuro económico de Francisca. Mazo apareció desde entonces estrechamente unido a Velázquez, como su ayudante más importante.
Velázquez participó en los dos grandes proyectos decorativos del periodo impulsados por Olivares, el nuevo, Palacio del Buen Retiro, y la Torre de la Parada. En1633 recibió la Vara de Alguacil de Corte; Ayuda de Guardarropa de su Majestad en 1636; en 1643 Ayuda de Cámara (el máximo reconocimiento de los favores reales), y Superintendente de Obras un año más tarde.

LOS 40 NEGRA DÉCADA

Muere su suegro y maestro Francisco Pacheco (1644), cae del poder el valido del rey, el Conde-Duque de Olivares, su protector; muee la reina Isabel (1644); defunción del príncipe Baltasar Carlos, a los 17 años de edad; rebeliones en Cataluña y Portugal, derrota de los tercios españoles en la batalla de Rocroi.

REGRESO A ITALIA

1649, de nuevo en Italia. Embarca, en enero, hacia, Génova y, permanece, en Italia  hasta mediados de 1651, con el mandato real, de adquirir pinturas, y esculturas antiguas  (Al no poder comprarlas, encargó copias en bronce mediante vaciados o moldes), y contratar a Pietro da Cortona para pintar al fresco varios techos de, El Real Alcázar de Madrid.

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RETRATO DE INOCENCIO X. (1650). 140 x 120 cm. Galería Doria Pamphili. Roma

Velázquez fue nombrado Académico Romano (1650). El retrato más importante que pintó en Roma, fue el del Papa Inocencio X. debió sentir profundamente, el apasionante reto de pintar al Papa, sería consciente, al contemplar los retratos que Tiziano y Rafael pintaron a anteriores papas, (y considerados obras maestras), que sería eternamente, recordado y, comparado con estos dos grandes maestros de la pintura.

Una combinación de distintos tonos; rojos, amarillos, blancos. La figura erguida en el sillón. Fuerza, vigor en su rostro y, mirada severa. El retrato más aclamado en vida del pintor y que sigue hoy día suscitando inspiración y admiración, estaba en la cima de la fama y la técnica. No era fácil que el Papa posase para un pintor, muy pocos, lo conseguían, las pinturas que Velázquez le llevó como regalo del rey lo facilitaron. Con pinceladas sueltas, varios tonos de rojos se combinan, desde el más lejano, al más cercano; al fondo el rojo teja oscuro de la cortina, después, el más claro del sillón, en primer plano, el impresionante rojo de la muceta, con sus luminosos reflejos. Sobre este ambiente domina la cabeza del pontífice de rasgos fuertes.

Felipe IV deseaba su vuelta a España. En febrero de 1650 escribió a su embajador en Roma para que urgiese su regreso: «pues conoceis su flema, y que sea por mar, y no por tierra, porque se podría ir deteniendo y más con su natural». Velázquez seguía en Roma a finales de noviembre; hasta mayo de 1651, no embarcó en la ciudad Génova. En1651 regresa a Madrid, con numerosas obras de arte. Felipe IV lo nombró Aposentador Real, lo que le encumbró en la corte, y añadió a su cuenta fuertes ingresos, que se sumaron a los que ya recibía como pintor, ayuda de cámara, superintendente y, en concepto de pensión.

Autorretrato. (1650)

Al final de su vida pintó sus dos composiciones más grandes y complejas: La fábula de Aracné (1658), conocida popularmente como Las hilanderas, y el más celebrado y famoso de todos sus cuadros, La Familia de Felipe IV (Las Meninas).

Las meninas o La familia de Felipe IV. (1656)

En 1656. Podemos apreciar su estilo último, donde parece representar la escena, mediante una visión fugaz; pinceladas atrevidas, que de cerca parecen inconexas, pero contempladas a distancia adquieren todo su sentido, anticipándose a la pintura de Manet, y a los impresionistas del siglo XIX.

Velázquez deseaba alcanzar la nobleza, y procuró ingresar en la Orden de Santiago. Debía probar que sus antepasados directos habían pertenecido a la nobleza, que no eran ni judíos ni conversos. Mas no acreditada la nobleza, sólo la dispensa papal podía lograr que fuese admitido en la Orden. A instancias del rey, el papa Alejandro VII dictó sentencia en 1659 otorgándole la dispensa solicitada, y el rey le concedió la hidalguía, venciendo así la oposición del Consejo de Órdenes, que en la misma fecha despachó en favor del pintor.

Cayó enfermo a finales de julio, y el 6 de agosto de 1660, murió a las tres de la tarde en Madrid. Al día siguiente, 7 de agosto, fue enterrado en la desaparecida iglesia de San Juan Bautista con honores. Ocho días después, el 14 de agosto, falleció también su esposa Juana.

ESTILO

Desarrolló su propio estilo, de  pinceladas diluidas, toques rápidos y, precisos detalles. Simplificación, rapidez de ejecución.Técnica, precisa y esquemática; no tenía la composición totalmente definida al ponerse a trabajar; prefería ajustarla según iba progresando. Raramente hacía dibujos preparatorios, solo algún boceto, líneas generales y composición. Sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Otra costumbre era retocar sus obras después de concluidas; en algunos casos, muchos años después. El acabado es otra parte fundamental de su arte, las figuras –en particular cabezas y manos– son siempre la parte más elaborada; mientras zonas abocetadas con amplias pinceladas ocupan gran parte del cuadro, partes de una, intensidad expresiva intrínseca, bien integradas en la composición del cuadro,

Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. cantidad reducida, dados los cuarenta años de dedicación pictórica. Debió pintar alrededor de ciento sesenta cuadros.

El Museo del Prado tiene unas cincuenta obras del pintor, la parte fundamental de la colección real, mientras que en otros lugares y museos de Madrid, se encuentran otras diez obras. El resto, guardadas como oro en paño, en los museos más importantes del mundo.

Arte. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

Arte. Pintura. Pintores. Velázquez. Sevilla. Madrid. Roma. Museo del Prado. Rubens. Goya. Retrato. Retrato de Inocencio X.

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Roger Fry. ¿Quien mucho abarca poco aprieta?

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ROGER FRY. Autorretrato.

Nació en The Grove en Highgate, al norte de Londres, el 14/12/1866. Falleció el 9/9/34.

PINTOR, CRÍTICO, CONFERENCIANTE, ASESOR, TASADOR, DESCUBRIDOR, EMPRESARIO

Recibió una educación muy moralista basada en la biblia. Sus padres eran «Cuáqueros». (cristianos protestantes ingleses). Después de unos estudios que iban encaminados a la fisica se decidió después de mucho dudar por la Pintura, oponiéndose, como es tristemente habitual, a los deseos de su padre.

INTERESADO EN TODO

¿Quien mucho abarca poco aprieta?

Realiza sus estudios en la Universidad de Cambridge, después viaja a Italia donde pinta y estudia. En París recibe clases en la emblemática, Academia Julián. Como nunca le gustó la bohemia desenfrenada, tiene tiempo para la enorme diversidad de asuntos que le interesan; comienza a escribir criticas artísticas y además de pintor, es un conferenciante que demuestra ser un polemista infatigable y obstinado.

También con el tiempo descubrirá obras de arte ocultas, y asesorará a propietarios sobre el valor de las  mismas. Funda, el apasionante Taller Omega, un Colectivo de Artistas en régimen de cooperativa, que se dedicará a darle una vuelta de tuerca al diseño de objetos y muebles domésticos. Pero esto no es todo, puesto que Roger Fry, forma parte del Círculo de Bloomsbury (Barrio de Londres), que es un grupo de intelectuales británicos que aúna, pintores, escritores, filósofos, economistas. Algunos de sus miembros más destacados, fueron la escritora Virginia Woolf, y su hermana Vanessa Bell (pintora), Gerald Brenan (escritor), los  filósofos B. Rusell y L. Wittgenstein, y el economista J. M. Keynes, entre otros. También viajará mucho FRY por motivos laborales, y da, una serie de interesantes conferencias en U.S.A.

1896. Roger Fry se casa, con la también pintora Helen Coombe. Sus padres en principio se oponen. La pareja se complementa, y FRY, encuentra la felicidad, durante unos meses viajan por Roma y otras ciudades europeas, después, vienen los hijos y la enfermedad nerviosa de Helen, que tristemente tiene que ser internada en una clínica.

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Foto. Helen Coombe y Roger Fry.

La idea de lo que debía de ser el Arte era percibida así por el pintor…

«Nadie que comprenda a fondo el arte da importancia a lo que se representa en un cuadro, lo que distingue a una buena obra de arte no es lo que está en el lienzo sino cómo»

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Vagabundo. Roger Fry.

Roger Fry, falleció en el Hospital Free (Londres) de un ataque al corazón cuando se recuperaba de una rotura de tibia. Tenía 66 años y le quedaba mucho por hacer.

Articulo relacionado…

Talleres Omega la Revolución de los Objetos Domésticos y Roger Fry, también en esta web en la sección de Arte.

ROGER FRY. ¿QUIÉN MUCHO ABARCA POCO APRIETA?

Roger Fry. Pintura. Pintores. Fry. Talleres Omega. Círculo de Bloomsbury. Diseño.

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Arte. Cardoso. «Yo sé de Egipto y Nigricia”

Cardoso Acuarela

Una magnifica acuarela de Cardoso

La tribu, siempre se ayuda, y delicadamente, cuida sus liturgias, conservando celosamente, símbolos crípticamente expuestos, y llenos de energía, que fluyen armónicos, y  comunican conceptualmente…, bellos y sugerentes, ignotos arcanos sagrados ya heredados.

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Yo sé de Egipto y Nigricia,

Y de Persia y Xenophonte;

Y prefiero la caricia

Del aire fresco del monte.

Yo sé de historias viejas

Del hombre y sus rencillas;

Y prefiero las abejas

Volando en las campanillas.

Yo sé del canto del viento

En las ramas vocingleras;

Nadie me diga que miento,

Que lo prefiero de veras.

Yo sé de un gamo aterrado

Que vuelve al redil, y expira,

Y de un corazón cansado

Que muere oscuro y sin ira.

José Marty. La Habana, Cuba, 1863. Dos Ríos, Cuba; 1895.

Arte. Cardoso. Acuarela. «Yo sé de Egipto y Nigricia, y de Persia y Xenophonte ; y prefiero la caricia del aire fresco del monte».

Cardoso. Acuarela. Pintura. Pintores. José Marty. Poesía

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Arte. José Gutiérrez-Solana. Pionero, expresionismo español

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Autorretrato. 1920

José Gutiérrez-Solana. Madrid 28/2/1886. Madrid 24/6/1945

Su padre, era un mexicano, que habiendo recibido una jugosa herencia, vino a España, a casarse con una española de Cantabria. Así pues será desde entonces, una familia acomodada, el seno, en el que viene al mundo, nuestro ávido protagonista.

 

Con muy pocos años de edad, el futuro artista, sufre algunos sucesos dramáticos que le marcarían; primeramente, su familia, acumulará importantes revéses económicos, a consecuencia de la triste perdida de las colonias españolas en América, (la familia poseía en aquellos predios, importantes inversiones financieras). Muy afectado por la inevitable debacle, en 1898 acontece también en su vida una irreparable pérdida, fallece su padre, como antes habia sucedido con un primo suyo muy querido, y una hermana; su madre padecería desde entonces, importantes crisis nerviosas, y su hermano Luis al que se encontraba muy unido, también. Todos estos nefastos acontecimientos marcarían ya para siempre, el color de sus obras, y su dramático carácter.

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El el espejo de la muerte. 1929

Las primeras clases de dibujo, las recibe Solana de su tío, José Diez Palma, que a la sazón, ejercía  la docencia como catedrático de dibujo, en la Universidad de Salamanca, posteriormente (1900/4), Gutiérrez-Solana estudiaría en La Academia del Bellas Artes de San Fernando de la capital de España.

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Chulos y Chulas. 1906

1906. Recibe, La Mencion De Honor de la Escuela Nacional de Bellas Artes

1914/5. Expone en Londres, solo son dos obras, pero obtiene un importante éxito

1909/17. Su familia reside de manera habitual en la bella ciudad de Santander, Solana vive a caballo entre la capital cántabra y Madrid, aunque a menudo, digamos mejor, que con mucha frecuencia, viaja por diferentes localidades de Castilla, Andalucía, Aragón, La Mancha, viajando cargado con sus pinturas, allá donde haya una fiesta popular, algún evento taurino, deportivo…, el ambiente del barrio chino; mas lo que le encanta sobre todas las cosas, es su querido rastro madrileño. Y todo lo que ve, lo dibuja, y también lo escribe. A Solana le interesa todo, es inquieto y con innumerables intereses.

1917. Tercera Medalla en la Exposición Nacional. Empieza a trabajar el grabado con la técnica del aguafuerte.

Se instala en Madrid de una manera más permanente, allí visita todos los museos, pero donde acude con más frecuencia, es al maravilloso Museo del Prado, donde admira las pinturas… y sueña. Curioso como es, también le interesa, el por entonces destartalado, pero entrañable, Museo Arqueológico. Luego aún tiene tiempo para visitar a diario, las tertulias de los entrañables cafés madrileños, como el Nuevo Café Levante, y el Café Pombo, que retrata en una de sus pinturas, «Los amigos». Se trataba de unas tertulias donde se daban cita, lo mejor, lo más florido, de la intelectualidad y el arte, en la España de príncipios de Siglo.

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Tertulia en el Café Pombo. 1920

1921. Expone en el Ateneo de Santander.

1926. Exposición en USA.

1927. Primera exposición individual en Madrid en el Museo de Arte Moderno.

1928. Gutiérrez-Solana expone en París sin mucho éxito.

1930. Primer premio por la obra Osario, Museo de Bellas Artes de Madrid. Expone en USA y Europa.

1933. Primer premio concurso nacional de retratos.

Su estilo es muy personal, e inconfundible, los principales temas de sus pinturas son las  fiestas populares, costumbres, y retratos. Colores sobrios, figuras adustas, misterio, drama; todo esto bajo empastes, y trazos de gruesa figura. Lo llamaron tenebrista, con sus claroscuros y también expresionista, y macabro. Feista. Pinta lo grotesco y a veces, para algunos es molesto, porque Solana también es crítico.

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La reunión de la botica. 1934

1936. Comienza la Guerra Civil (incivil) Española. Solana reside en Valencia, y posteriormente en París. En este periodo Gutiérrez- Solana es ya un pintor de reconocido prestigio, y sus obras recorren con éxito, diferentes exposiciones internacionales.

En 1945 el año de su fallecimiento, recibe a título póstumo la Medalla de Honor de la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Arte. José Gutiérrez-Solana. Está considerado como el pionero del expresionismo español

Pintura. José Gutiérrez-Solana. Gutiérrrez-Solana. Solana. Pintores. Expresionismo español