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Cine. “Déjame entrar”. Una deconstrucción vampirica. Tomás Bartolomé.

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Cine. Película. Déjame entrar. 2008. Director. Tomas Alfredson. Suecia.
Es una película, reconocida y premiada, mas no lo suficiente, tal vez sea por ser una producción sueca alejada de los proyectos mastodonticos de la industria U.S.A. La película está basada en una novela (2004), del escritor John Ajvide, que también es el guionista del Film.

No hay que confundir esta película con un remake USA del 2010, del mismo titulo, realizado poco después, y que realmente es una copia estadounidense para el mercado mundial, y que aunque no está mal, pierde algo y ese algo, resulta ser definitivo.

Déjame entrar, se sitúa en los años 80 en un suburbio de la ciudad de Estocolmo donde nuestros protagonistas son vecinos. Ella es una niña de pelo largo y moreno ligeramente ondulado, él un chico de 12 años rubio y delgado. Los dos se sienten solos.

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La vampira “Eli” y su amigo.

Ella (Eli) es una vampira (con todo lo que esto conlleva) sólo sale por las noches, el sol y la luz, le son mortales, los cristales de las ventanas de su casa, están tapados con cartones para que no entre luz, y vive en su piso con un señor mayor también vampiro y acuciado siempre, por la imperante necesidad de conseguir el líquido de color rojo y negro, que ambos tanto necesitan.

Eli tiene doce años, doce eternos años; solo doce años, por muchos, de cansancio, y necesaria depredación. Eli la vampira parece un niña de 12 años, pero claro solo lo parece. ¡Lleva viviendo una eternidad! 

Él (Oscar) un chico de doce años, callado y doliente, que en el colegio, es acosado por un compañero matón y sus amigos; más tarde nuestro protagonista, se vengará.

Los dos coinciden circunstancialmente, en el portal de su bloque de viviendas, y se hacen amigos. “Eli” la vampira, es muy diferente y misteriosa, además nunca tiene frío. Se enamoran; pero ella sabe que es un amor imposible. Su cara refleja una enorme tristeza. (La interpratacion de Lina Leanderson “Eli”  debería haber sido premiada).

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Foto. La película está sostenida por un ambiente de calma en el que suceden hechos terribles.

La fotografía contribuye a crear una calma tensa, en la que parece que no pasa nada, pero en la que pronto sucederá algo horrible, mientras tanto, rodeados de nieve, todo parece nítido, claro, blanco, puro, y luminoso.

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Foto. Oscar y Eli en el pequeño parque de su barrio.

Destaca el tratamiento de la luz en los escenarios urbanos, solitarios y nocturnos en que se desarrolla gran parte de la película; siempre con la luminosa y blanca nieve de telon de fondo.

Los efectos especiales también rayan a gran altura. En los ataques de los vampiros a sus víctimas hay una escena muy impactante en la qué una mujer que ha sido mordida por un vampiro, es atacada con fiereza demoniaca por sus gatos la acción se sitúa en  la sala de estar de su propia vivienda  y en presencia de su marido alcohólico y un amigo…¡En esta secuencia los efectos especiales son magistrales!

“Son para no perdérselos; para guardarlos”

¿Quieren saber sí la historia de amor tiene final feliz?…

Desde qué la vi cuando la estrenaron, no paro de recomendarla. Si no la has visto, te la estas perdiendo. “Déjame entrarpelícula sueca, de Tomas Alfredson.

Cine. “Déjame entrar”. Una deconstrucción vampirica.  Tomás Bartolomé.

Películas. Critica Cine. Déjame Entrar. Cine. Vampiros. 

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Lauren Bacall & Humphrey Bogart enamorados. Hasta que la muerte nos separe.

Lauren Bacall, Nueva York 1924. Nueva York 2014, falleció en su casa de Hollywood de un derrame cerebral a los noventa años de edad.

LAUREN BACALL Y HUMPHEY BOGART ENAMORADOS

LAUREN BACALL

Esta guapa y enrollada neoyorquina es una de las actrices que todos conocemos;

cara de ojos claros, mirada intensa, melena abundante…

imagecolor miel, boca grande y sensual, y voz rasposa y dulce; toda una

leyenda. Una auténtica chica dura y seductora

Su nombre suena a épocas ya muy lejanas, cuando el cine era uno de los entretenimientos preferidos por el gran público y  los actores y actrices, verdaderas celebridades.

Nuestra felina gata, empezó trabajando de  acomodadora en un teatro de Broadway  a la tierna edad de 14 años, a la vez que estudiaba interpretación en una academia de actores, y también era modelo.

HUMPHREY BOGART

Humphrey Bogart. 1899, Nueva York.1957, Los Angeles, California.

En unos años de Glamour y desenfreno surge lo inverosímil, una historia de amor por la que nadie daba un duro. Fue algo mágico desde el principio. Los acontecimientos se encadenaron así…

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El director de cine Howard Hawks descubre a Lauren Bacall, y le ofrece un contrato; (su primera película). Tener o no tener (1944), en la que su partenaire será Humphrey Bogart, enseguida, ente ellos surge una fuerte atracción, un potente magnetismo que es evidente, un irresistible imán. Un halo sofisticadamente claro y luminoso hondamente se filtra hipnotizadamente como un sugestivo sueño, en sus interpretaciones. La actriz tenía 21 años y era una belleza, Bogart, 46… ¡El desequilibrio entre ellos es evidente, a simple vista  parece un amor imposible!

“BABY & BOGIE”. ÉL LA LLAMA BABY, ELLA A ÉL, BOGIE

Bogard se había casado por primera vez en 1926 con Helen Menken (Actriz), el matrimonio dura apenas un año; dos años después se casa de nuevo, esta vez con la actriz de teatro Mary Philips; la mayor parte del tiempo la pasan separados por motivos profesionales hasta que después de casi una década de una mala y tacaña convivencia, deciden separarse. En 1938 contrae matrimonio con la actriz Mayo Methot; alcoholica y temperamental, protagoniza continuamente escenas de celos que llegan a ser legendarias y de dominio público, Mayo es incapaz de contenerse, Bogard, se refugia en la bebida.

En el terreno profesional ya es un actor bien pagado; en 1942 rueda la mítica Casablanca y dos años después Tener o no tener, y entonces…, enseguida…, solo que la ve; comienza un gran amor y también el escándalo, él es un casado actor de 46 años; ella solo tiene 20.

LA PAREJA DE ACTORES SE CASA EN 1945

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BODA En la foto (1945) los vemos camino de Mansfield, Ohio, donde se celebrará la boda en la granja de un amigo. ¡Un ambiente de lo más rural!

En 1945 Humhprey  Bogard se divorcia; seguidamente, se casa con una Lauren Bacall bellísima. (el actor en el evento, se encontraba emocionado y lloroso). Humphrey Bogart. Él, el actor bajito,  que le sacaba más de veinte años a Lauren la cameló;  tuvieron dos hijos y nunca se separaron hasta que 12 años después, pues Bogart moría de cáncer a los 58 años de edad en la cinematográfica ciudad de Los Ángeles, (1957).

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En la foto con sus hijos y los de Bogart, Stephen y Leslie

LAUREN BACALL REHACE SU VIDA.

1961, Lauren Bacall. 4 años después vuelve a pasar por el altar, en esta ocasión el novio es Jason Robards, también actor; el matrimonio dura ocho años; tienen un hijo, Después de unos años de exito en el cine, la actriz vuelve al teatro (regresa a Broadway). A los 78 años (2003) participa en el  film de Lars Von Triers, (Dogville. Muy recomendable) junto a la actriz australiana Nicole Kidman. Su última película, es The Forger (2012).

 Lauren Bacall. Fallece en su domicilio de Nueva York en 2014.

Lauren Bacall & Humphrey Bogart enamorados. Hasta que la muerte nos separe.

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Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Despiadada ambición disfrazada de elegancia.

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Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood

Berlin 1901. París 1992 a los 90 años.

Actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense en 1937, dos años antes del comienzo de la segunda guerra mundial.

Participa en 1930, en la primera película sonora europea, El ángel azul.

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Cartel de la película El ángel azul. 1930

En esta película dirigida por Sternberg (del que fue amante y con el que rodó en diferentes ocasiones), interpreta a una cabaretera en un antro de mala fama; en ella la guapa y morbosa actriz, seduce a un profesor cincuenton y lo arrastra a la total destrucción.

Marlene Dietrich, llegó a Hollywood en 1930, y se hizo la reina de los Estudios Paramount.

Las anecdotas que le contaban a “La Marlene” sobre el ambiente de la época del cine mudo (que ella también vivió) la hacían soñar; soñar con aquel ambiente lujoso y brillante.

Soñaba siempre con aquellos enormes automóviles semejantes a enormes cucarachas de cuatro patas,  en los que viajaban, seductores, atractivos hombres y hermosas mujeres. Donde flotaba el dinero y la clase; aquellas grandes bestias de elegante chapa negra, que relucía como el charol a la luz radiante y lechosa de la romántica luna en una agradable y clara noche de verano; aquellas maravillosas maquinas que no olían a estiercol, sino a dulce éter, a picante y cálido cuero… (borrachera acida); tierna y eterna seducción.

Ella quería eso, y lo tendría. Poco antes de morir en su lujosa vivienda en París le dijo a un amigo que la acompañaba en tan duro e inevitable trance:

– “¿Lo quisimos todo, y lo conseguimos ¿no es verdad?”

Hollywood bullía en delirantes fiestas que terminaban a las tantas de la madrugada y a las que acudían los actores y actrices, que agotados al día siguiente, llegaban tarde al rodaje, o lo que es peor, no podían llegar  a causa de los excesos de la noche, el alcohol, el tabaco, y otras sustancias dopantes más sofisticadas y brillantes como la excelente cocaina “Ala de mosca” (así llamada por su pureza y por los cristalinos irisados que la forman), que circulaba pulcra, en ordenadas rayas paralelas sobre nuevas bandejas de pulido, clásico, y frio acero brillante.

LOS TIEMPOS DEL CINE MUDO DE LA MÁGIA Y EL GLAMOUR

En los tiempos del cine mudo acudían las orquestas a tocar en directo a los estudios de grabación; mientras se representaba la escena los actores movían los labios como si hablaran. En esta época el sexo era tabú. “Tenemos que hacerlo con los ojos” llegó a declarar Mae West…

¡Ellas hacían soñar y se llenaban los cines!  Era una época dorada, y de fondo un decorado en blanco y negro.

Marlene Dietrich poseía Glamour, (Encanto sensual que fascina).

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Con su aire de femme fatal, fría, inaccesible, maestra irónica  de la elegancia; puso de moda el pantalon femenino. Tenía unas piernas de vértigo. Las revistas de moda se la rifaban.

En cuanto a la dudas sobre su condición sexual, fue alentada al incluir en su vestuario el uso de pantalones; prenda de vestir que  hasta entonces solo utilizaban los hombres; este hecho, fue convenientemente explotado por sus managers para traducirlo en moneda de curso legal; en billetes verdes con la efigie del presidente americano.

Glamour, también ha sido definido como “un hechizo mágico y oculto”  y es ese lado oscuro y misterioso lo que tanto explotaron sus agentes de marketing.

MARLENE

¡De la enigmática fascinación de tu fría mirada, que hiere!

Como un gran bloque de hielo…

Allí en el fondo…

En el oscuro silencio del congelador,

Quema, se pega a la piel tozudamente,

Daña los dedos desnudos. Inaccesible,

como una imponente y lisa pared;

Infinita…

¡Cegadora y bella cal blanca!

Tomás Bartolomé

EL CABARET. LA SALVA DE SI MISMA.

Después de sus  grandes éxitos en Hollywood, (llegó a hacerle sombra a la Garbo). ¿No sería un montaje su rivalidad?; comenzó una gira como Actriz de Cabaret hasta su retirada. Siempre el Cabaret, y siempre su canción, aquella bella y triste canción…

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¡Que no paré el espectáculo, cantaré…, Lili Marleen

Marlene Dietrich, vivió los últimos años de su vida casi sin salir de casa; aunque son legendarias las astronómicas  facturas de teléfono que pagaba, (unos 3000$ mensuales en los años noventa) Le gustaba la política y hablaba con algún Presidente de Gobierno (Reagan, Gorvachov) frecuentemente.

María Riva, su única hija le dedicó en una entrevista estas duras palabras:

– “Mi madre fue, una persona fría, solitaria y manipuladora que nunca conoció el amor y a la que nunca extrañé  porque nunca la tuve”

Este grave rasgo de la personalidad de Marlene Dietrich, apuntado por su hija; nos lleva a pensar en una pobre y dura mujer; una gran artista; que padeció  serios problemas emocionales. Para nosotros que por fortuna no la tratamos, Marlene Dietrich, quedará para siempre como un mito; como un gran icono de la cinematográfia universal. Una estrella elegantemente glamurosa en unos  tiempos dorados para el cine y por ende para los actores y actrices del siempre seductor  “séptimo arte en blanco y negro”.

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Despiadada ambición disfrazada de elegancia.

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Cine. Actrices. Hollywood. Berlín. París. 

 

 

 

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Romy Schneider perseguida por Sissi. Su trágica vida.

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ROMY SCHNEIDER. Viena 23 de septiembre de 1938. París 29 de mayo de 1982.

Rosemarie Albach (Romy Schneider) nace en Viena en 1938, sus padres, Magda Schneider y  Wolf  albach-Retty, pertenecen a una de las sagas de actores de más rancio abolengo, son famosos y frecuentemente ocupan las portadas de los periódicos de la época. Mientras trabajan,  Romy Scheneider es cuidada amorosamente por sus abuelos María y Franz.

Magda y Wolf (sus padres) se separan. Su hija (Romy) era entonces una tierna muñequita de siete años de edad. Magda en el frenesí doméstico de la vida, se vuelve a casar doce años después, con un acaudalado industrial hostelero.

A LA FAMA CON SOLO 17 AÑOS

A los catorce años Romy ya quería ser artista al igual que sus padres.Un año después  le ofrecen el papel de hija de la protagonista (su madre), en la que sería su primera película “Lilas blancas” , con diecisiete años Romy, se convierte en una actriz famosa, pero esto no seria nada, con lo que el destino siempre caprichoso le tenía deparado.

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Fotograma de Sissi

SISSI

Sissi resultó ser un éxito de taquilla. “La perseguiría toda la vida”, nunca pudo sacársela de encima a pesar de haber rodado con los mejores directores de la época, y de participar en innumerables películas, algunas de ellas de una calidad indiscutible; incansablemente la sombra de Sissi, “continuó siendo alargada”. Romy, fue una gran Actriz. En 1975  protagonizó, junto a Fabio Testi “Lo importante es amar” película muy recomendable (verla merece la pena). Dirigida por Andrej Zulawsky. Romy fue premiada por este film, con el César a la mejor actriz protagonista.

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Foto. Cartel para España, de la película, Lo importante es amar.

Sissi, La película que acabaría odiando la actriz

Sissi; la película nos cuenta la vida de la bella Emperatriz Isabel de Baviera.  es de 1955, después del enorme éxito, obtenido por el primero, se rodaron otros 3 largometrajes, por lo que finalmente se convertiría en una trilogía. 3 peliculas, con las que la guapa actriz austrica se atragantaría más de lo que hubiera debido. Romy empieza a a pagar muy pronto una cuenta negra y oscura, pues nació la actriz salpicada por el pegajoso barro de la infamia. Pronto comenzó su sufrimiento, ya que sus padres Magda y Wolf mantuvieron un trato más que cordial con Adolf Hitler.

ROMY SCHNEIDER-ISABEL DE BAVIERA. DOS TRAGEDIAS ENFRENTADAS

Isabel de Baviera (Emperatriz de Austria)  casada con Francisco José I de Austria, tuvieron un solo hijo Rodolfo que acabó suicidándose. Bueno, no está claro, la historia se nos cuenta así:

SISSI, LA PELÍCULA

El Principe Rodolfo heredero del Imperio Astro-Ungaro y que contaba 30 años de edad convenció a su amante la joven Baronesa Vetsera con la descabellada, mas romántica idea de suicidarse juntos; los cadaveres después del fatídico hecho, aparecieron ensangrentados  en una cabaña, (en Mayerling), “El crimen de Mayerling”. Lo cierto es que este trágico suceso no está suficientemente claro y muchas hipótesis lo consideran parte de un complot en clave política.

A partir de este terrible momento la Emperatiz Isabel, madre del malogrado Rodolfo, se viste  de riguroso luto y decide que nadie nunca más volverá a verle la cara, por lo que empieza a utilizar habitualmente un velo azul. La relación con Francisco Jose I, su marido, se fue enfriando y apenas se ven. Ella se dedica a sus grandes pasiones, la literatura (Shakespeare, Heinrich Heine), y los viajes.

La Emperatriz Isabel nunca fue feliz en la corte austriaca, donde era criticada e incomprendida. La corte era muy rancia y encorsetada para aquella joven y guapa Emperatriz que “usaba pantalones y fumaba”, hablaba idiomas, y era endiabladamente bella, rebelde y culta. Tristemente acabó muriendo asesinada, por un anarquista italiano cuando se encontraba paseando por el Lago Lemán, Ginebra, Suiza. Tenía 60 años. Le arrancaron la vida de una puñalada en el corazón por cuestiones de política, en la agitada Europa de 1898.

ROMY SCHNEIDER/EMPERATRIZ ISABEL

A Romy Schneider le unen algunas cosas con la Emperatriz Isabel , también ella perdió a su querido hijo David en circunstancias dramáticas. David era hijo de la actriz y el actor y director de cine Harry Meyen con el que Romy, se casó en 1966 y que era 14 años mayor que ella, David nació el mismo año de la boda. Acabaría fracasando el matrimonio… Se separarían a los dos años.

“Y la desgracia como una oxidada daga de hierro, todavía podía infligir, una sucia y  mortal herida más. El diablo la tenía en sus manos”

En 1981 cuando David (su hijo) tenía 15 años, ocurrió un terrible accidente. El  joven adolescente, no se sabe muy bien como, acabó con su cuerpo atravesado por una de las lanzas de la verja que rodeaba la finca de la vivienda en que residían, con el triste resultado de su prematura muerte.

El horror se instaló en Romy, como se instala “un algo”, que al igual que le sucedió, a la Emperatiz Isabel, acabara cobrándose su presa con “codicia egoísta y demasiado temprana”.

También, se aúnan Romy Schneider –Isabel de Baviera, en que ellas, nunca fuera felices en el amor.

El gran amor de la vida de Romy Scheneider fue Alain Delon, pero al actor francés, también le gustaban los chicos, y  además acabó abandonándola. No estaba hecho Delon, para una sola mujer. La actriz protagonizó un intento de suicidio a raíz de su traumática separación del actor galo. Romy , lo intentó de nuevo. Volvió a casarse, en esta ocasión, con Daniel Biasini, su secretario personal 11 años más joven que ella, y del que acabó separándose. Tuvieron una hija.

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A raíz de la muerte de su hijo David, Romy vivió una depresión continúa que paliaba con valium y alcohol; tomaba pastillas para todo y empezó a tener problemas de salud. Bebía a todas las horas.

Romy Schneider, murio en 1982  a los 43 años. Oficialmente la causa de su fallecimiento fue, una parada respiratoria, aunque existen dudas de ello al haberse encontrado en la habitación de la actriz, alcohol y valíum, sustancias  a los que la actriz era adicta.

No se le realizó autopsia.

En fin, una vida apasionante llena de sufrimiento y tragedia.

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ROMY SCHNEIDER. Una magnifica actriz, maltratada por la vida, poco valorada, y eternamente perseguida por el drama de Sissi, hasta la tumba y el más allá.

Romy Schneider perseguida por Sissi. Su trágica vida. Tomás Bartolomé.

ROMY SCHNEIDER. ACTRICES. CINE. SISSI. LO IMPORTANTE ES AMAR. ZULAWSKI. PELÍCULAS. ROMY.

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El Arrancacorazones. Boris vian. “Estaba vacío, era eso: no había ningún progreso “

BORIS VIAN

BORIS VIAN. ILUSTRACIÓN. By TbArt

BORIS VIAN

Ville-d’Avray, PARÍS 1920, PARÍS 1959. Nace en una familia burguesa su padre fue dentista y poeta aficionado, su madre tocaba el piano.  Se quedó huérfano siendo niño, (asesinaron a su padre).  Boris Vian conoció la pobreza.

Vian estudió ingeniería (fue un alumno excelente) y además de Novelista, fue Músico de Jazz (tocaba la trompeta), Periodista, Traductor, Escritor de Canciones, Compositor de Ópera, Representante Comercial. ¿Quién da más? 

Dos muestras de algunas de sus obras literarias son los títulos, “Escupiré sobre vuestras tumbas” y “El Arrancacorazones”.

ESCUPIRÉ SOBRE VUESTRAS TUMBAS. 1946. Con esta novela, (de la que casi 20 años después se realizó un adaptación cinematográfica), comenzó su fama y el escándalo, la obra fue censurada (prohibida en 1949).

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Fotograma de la película Escupiré sobre vuestras tumbas.

Se le acusó de atentar contra las buenas costumbres, la novela “contenia escenas de sexo pornografico y violencia”. Hoy día, esta acusación sería totalmente absurda, la novela para nada es pornografica. En cuanto a la violencia, tampoco, es más bien, una violencia latente la que transita la narración. Por lo tanto podriamos decir que lo que se juzgó, fue la moralidad. 

Boris Vian firmó la obra con el seudónimo de Vernon Sullivan, en ella simplemente denunciaba el racismo y las diferencias de clase, en una novela, negra, dura, y descarnada.

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Retrato de Boris Vian. 1950. Roland d’Ursel.

FUE JUZGADO Y CONDENADO A CIEN MIL FRANCOS DE MULTA

El artista tuvo que pagar una fuerte multa; y no, esto no fue lo peor; lo peor, sucedería años despues, en 1959: BORIS VIAN ESTABA EN EL CINE VIENDO LA VERSIÓN DE SU NOVELA CUADO FALLECIÓ

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Fotograma de la película Escupiré sobre vuestras tumbas.

Mientras VIAN asistia de incógnito, (no participó en la producción de la película por desacuerdos en la forma de adaptación del Film), al preestreno de su polémica obra, antes prohibida  “Escupiré sobre vuestras tumbas” súbitamente sufrió un  infarto y falleció. Tenía tan sólo  39 años, demasiado joven para morir.

Otra de las muestras de la alta literatura de Boris Vian aunque esta radicalmente opuesta pues se trata de una novela surrealista en clave de fino humor negro es:

EL ARRANCACORAZONES, (1953)

En esta obra, el humor surrealista está siempre presente. BORIS VIAN satiriza con agudeza y sofisticadas formas, sobre los sentimientos o la ausencia de ellos y, LOS COMPORTAMIENTOS ESTEREOTIPADOS, que férrea y soterradamente impone la sociedad. Muestra lo absurdo de nuestra vida organizada. El protagonista es JACQUEMORT  un psiquiatra que  en un “Ambiente mágico” busca pacientes para así, reconocer en los demás las EMOCIONES DE LAS QUE ÉL CARECE. Es un mundo fantástico el que refleja VIANSURREALISMO a chorros, y DILEMA EXISTENCIAL.

Prepárense ahora, para una pequeña ración de exquisito HUMOR NEGRO

EL ARRANCACORAZONES

JACQUEMORT ENSIMISMADO 

SE DIRIGIÓ AL POBLADO

PENSABA QUE ENVEJECÍA 

DE SUS PENAS SE REÍA 

ESTABA VACÍO, ERA ESO:

NO HABÍA NINGÚN PROGRESO

EL TIEMPO, GRIS Y MOJADO;

EL BARRO COMO HUEVOS CHAFADOS

SOBRE SUS ZUECOS MANCHADOS

Magnifico y deliciosamente embriagador este “bocado”. Elevada Categoría Literaria de  Boris Vian.

Si quieres encontrar más sobre Boris Vian y el Arrancacorazones,  encontraras  otro artículo en la Sección Literatura de este mismo Blog.

El Arrancacorazones. Boris Vian. “Estaba vacío, era eso: no había ningún progreso”.

Boris Vian. Literatura. Escritores. El Arrancacorazones. Escupiré sobre vuestras tumbas. Surrealismo.

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Literatura. Diez negritos. Agatha Christie. Diez negritos se fueron a cenar; uno se asfixió y quedaron nueve.

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Diez negritos. Ten litte niggers. Novela. 1939. Agatha Christie

Agatha Christie. Torquay. Reino Unido. 15 de septiembre de 1890. Wallingford. Reino Unido. 12 de enero de 1976.

Es la Novela de Misterio más vendida de la historia.

Desafortunadamente y por asuntos derivados de la discriminacion a los otros, el título Ten little niggers del poema original (era una canción infantil) fué sustituido primeramente por Ten little indians (Diez indiecitos) en lo que parece un desquiciado afán humano de volver a tropezar una vez más con la misma piedra, y finalmente, y más acertadamente por Ten little soldier (Diez soldaditos). En primer lugar os muestro el poema en inglés en la que está basada la novela y después en español.

TEN LITTLE NIGGERS

Ten little niggers went out to dine;
One choked his little self and then there were nine.

Nine little niggers sat up very late;
One overslept himself and then there were eight.

Eight little niggers  traveling in Devon;
One said he’d stay there and then there were seven.

Seven little niggers chopping up sticks;
One chopped himself in halves and then there were six.

Six little niggers playing with a hive;
A bumblebee stung one and then there were five.

Five little niggers going in for law;
One got in Chancery and then there were four.

Four little niggers going out to sea;
A red herring swallowed one and then there were three.

Three little niggers walking in the zoo;
A big bear hugged one and then there were two.

Two little niggers sitting in the sun;
One got frizzled up and then there was one.

One little niggers left all alone;
He went out and hanged himself and then there were none.

DIEZ NEGRITOS

Diez negritos se fueron a cenar;
uno se asfixió y quedaron nueve.

Nueve negritos estuvieron despiertos hasta muy tarde;
uno se quedó dormido y entonces quedaron ocho.

Ocho negritos viajaron por Devon;
uno dijo que se quedaría allí y quedaron siete.

Siete negritos cortaron leña;
uno se cortó en dos y quedaron seis.

Seis negritos jugaron con una colmena;
una abeja picó a uno de ellos y quedaron cinco.

Cinco negritos estudiaron Derecho;
uno se hizo magistrado y quedaron cuatro.

Cuatro negritos fueron al mar;
un arenque rojo se tragó a uno y quedaron tres.

Tres negritos pasearon por el zoo;
un gran oso atacó a uno y quedaron dos.

Dos negritos se sentaron al sol;
uno de ellos se tostó y sólo quedó uno.

Un negrito quedó sólo;
se ahorcó y no quedó… ¡ninguno!

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Basandose en este poema y canción infantil Agatha Christie escribió una magnifica obra, que fue llevada al cine. Luego se han realizado otras adaptaciones cinematográficas, la primera fue “And then there were none” (y no quedó ninguno) dirigida por Rene Clair en 1945. A  continuación la sinopsis de uno de los films basados en lo que primeramente fue un poema anónimo…

Cine. The little indians. Alan Birkinshaw. 1989.

Un Juez, una Institutriz, un Aventurero, un viejo General, una Solterona, un Play Boy, un Médico, un Detective Privado antes policía, y un Matrimonio que serán sus mayordomos (en total 10 personas) terminaran aisladas en la Isla del Negro en la region de Devon en las costas inglesas donde han sido invitados a pasar unas vacaciones en una mansión de lujo, aunque ninguno sabe muy bien de quien ha partido la invitación y porqué méritos son invitados. Codiciosos todos aceptan. Pronto las condiciones metereologicas cambian y se encuentran aislados y dispuestos a pasar la noche en sus habitaciones, mas les choca encontrarse colgado en la parez, y perfectamente  enmarcado, un poema cuyo título es Diez negritos. Enigmaticamente sorprendidos, todavía ninguno de ellos conoce a su amable  anfitrión, aquel del que recibieron con tanta educación tan insólito convite.

Pronto saldrán de dudas, al escuchar un disco en el gramófono del salón en el que están todos reunidos la inquietud se apodera del ambiente, lo que escuchan los deja atónitos y muertos de miedo la voz enérgica que oyen ¡les acusa a todos!, uno por uno de asesinato, les reprocha agriamente unos crímenes cometidos en el pasado pero que todavía no han sido resueltos. Por supuesto todos niegan la acusación y reniegan indignados del que les había parecído hasta entonces un ignoto aunque amable anfitrión.

Para más desconcierto, durante la cena alguien repara en una bandejita con unas figuras humanas de cerámica, son las pequeñas estatuas de diez negritos recostados.

Antes de retirarse a sus aposentos cuando ya se encuentran muy asustados, se produce la primera víctima tal como se describe en el primer verso del poema; y pone a todos alerta, el que en la bandejita de las figuras ya solo queden recostados 9 negritos, (posteriormente los que permanezcan, serán, 8, 7, y así sucesivamente), así pues pronto deducen que uno de ellos es el asesino, si pero cual, se preguntan mientras ven aterrados como inexorablemente según dicta el poema enmarcado en la parez, acabarán tristemente por no quedar ninguno de ellos. Todos luchan denodadamente por descubrir al que creen que será su verdugo y así evitar lo que parece que será inevitable. ¿Se salvara alguno?

Literatura. Diez negritos. Agatha Christie. Diez negritos se fueron a cenar; uno se asfixió y quedaron nueve.

Literatura. Diez negritos. Ten litte niggers. Agatha Christie. Escritores. Novela. Poesía. Cine. Canción infantil.

 

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Cine. Handia. El gigante de Altzo. “El hombre más alto del mundo”

HANDIA

Parte del folclore popular del País Vasco, Una estatua en Altzo su pueblo, recuerda al gigante guipuzcoano, él se llamaba Joaquín pero sus vecinos lo conocían también con el apodo de Handía (grande).

En un ambiente social de guerra (primera guerra carlista, 1833/1840), y miseria, el hermano mayor del gigante, (Martin, huérfano de madre) debe abandonar el caserío para participar en este conflicto bélico, en defensa de los fueros. Cuando regresa a casa terminada la guerra, vuelve invalido del brazo derecho y se convierte así en otra boca más que alimentar (para Antonio, su padre).

Mirando Martin el asombroso potencial de su imponente hermano (en una relación que la que se nos mostrarán diferentes en sus anhelos), que llegará a alcanzar una estatura de 2,43 metros y un peso de 203 kilos, y encontrándose la familia en apuros económicos, tan graves, que incluso  podrían perder el caserío (en el que viven en renta), animados, por un empresario de espectáculos, deciden exibir a Joaquín, como “el hombre más alto del mundo“, por lo que viajan primeramente por Europa. La riqueza y el dinero, también la fama, harán posible que la familia cambie para siempre. Las raíces no son eternas… De ahí también la guerra.

Todos los actores, nos ofrecen un magnífico trabajo:

Joseba Usabiaga en el papel de Martin hermano del gigante.
Eneko Sagardoy como Joaquín, el gigante.
Iñigo Aranburu como Arzadun, empresario de espectáculos.
Ramón Aguirre como Antonio. y Aia Kruse como Maróa.

La película recibió 10 Premios Goya (tercera más premiada en su historia). Después de Mar Adentro y La Isla Mínima.

Eneko Sagardoy, en una escena de la película.

Con 13 nominaciones, no pudo obtener, las de Mejor Película, Mejor Dirección y Mejor Sonido.

HANDIA finalmente alcanzó los siguientes premios:

Mejor Actor Revelación. Eneko Sagardoy.
Mejor Guión Original. Jon Garaño, Aitor Arregui, José María Goneaga.
Mejor dirección de Producción. Ander Sistiaga.
Mejor Montaje. Laurent Dufreche. Raúl Lopez.
Mejor Música Original. Pascal Gaigne.
Mejor Fotografía. Javier Aguirre.
Mejor dirección Artística. Mikel Serrano.
Mejor Diseño de Vestuario. Saioa Lara.
Mejor Maquillaje y Peluquería. Ainhoa Eskisabel, Olga cruz, Gorka Aguirre.
Mejores Efectos Especiales. Jon Serrano, David Heras.

Cartel de la película.

Sus directores son los mismos de Loreak película seleccionada por la academia del cine español para optar al OSCAR 2016, a la mejor película de habla no inglesa. Jon Garaño (codirector con Aitor Arregui), declaró que no querían hacer la misma película y Handia, es el resultado. Como ėl (coincido gratamente), en que las escenas bélicas del principio, apenas unos minutos, son de un resultado extraordinario. Algo curioso es, que por lo visto, lo que más les preocupaba antes de rodar, eran precisamente estas escenas, que después fueron las primeras que abordaron. En los cajones esperan más de 5 minutos de escenas bélicas no incluidas, que me gustaría poder ver.

Un aspecto muy destacado de Handía son los especialistas en las escenas de guerra, y  los efectos especiales, Jon Serrano y David Heras realizan un trabajo tan espléndido que raya lo imposible y es que te tragues totalmente, que estas viendo un verdadero gigante, ¡enhorabuena! Las localizaciones son muy sugerentes, la música también destaca, igual que el sonido, la fotografía nos deja algunas imágenes inolvidables. como las del gigante saciando su hambre, (comiendo de un cubo como un animal lo haría), o al final, bajo la nieve, perdido y desorientado, abrazando (protegiendo) a su hermano, o la foto fija de los elevados árboles del bosque helado, en azules y blancos. Sin embargo al (buen) guión, a mi entender, le falta algo de imaginación.

El bueno de Joaquín (El gigante de Altzo) no es feliz, lo aíslan, “no es bueno para el negocio que te vean”, son las razones que anteponen sus promotores. El gigante se encuentra solo, enseguida piensa que no cuenta para nada. Pronto, tristemente será el arquetipo del ídolo caído, un ídolo con pies de barro, es la historia ya contada y llevada al cine del boxeador grandote de buen corazón, manipulado, utilizado y, al fin desechado con daños que irreparablemente lo habran roto.

Cine. Handia. El gigante de Altzo. “El hombre más alto del mundo”.

Cine. Películas. Handia. Gigante de Altzo. Gigante. Premios Goya. Premios Goya 2018.

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Los archivos del Pentágono. The Post. Muy recomendable. La prensa debe servir al pueblo, no al poder.

Los archivos del Pentágono. Titulo original The Post.
Director Steven Spielberg. Guión Liz Hannah, Josh Singer. Música John Williams. Fotografia Janusz Kaminski. Duración 116 min.
La película te dejará sin aliento, exhaust@. Desde el primer momento el film de Spielberg vuelve a escalar las difíciles cumbres de la alta dirección y felizmente logra hoyar un difícil lugar en la cumbre. Por un lado y desde el primer momento el poliedrico producto de una industria con mayúsculas nos muestra a una mujer poderosa de perfil bajo, pero que luego tornará, son muchos años de un educación represora e injusta, en la que por género, la mujer es ninguneada y, por lo tanto no tenida en cuenta en un ambiente copados por hombres. Por otro lado lado, la Guerra de Vietnam un conflicto bélico sazonado con mentiras al pueblo americano, que se sacrificó inútilmente en aras a un orgullo mal entendido. En unas imágenes rítmicamente perfectas, dulcemente compuestas en color y volumen nos descubren, el ambiente de redacciones periodísticas de despachos y reuniones.
En 1971 The New York Times y The Washington Post, competidores, se unen finamente en una causa común por la libertad de prensa en contra del intento del presidente Nixon de restringir la primera enmienda. El tribunal supremo tuvo que pronunciarse. Katherine Graham (Meryl Streep), primera mujer editora del Post, y el director Ben Bradlee (Tom Hanks), son los protagonistas de esta épica historia basada en hechos reales.
Reconozco que no soy muy partidario de Hanks ni Streep pero en esta ocasión vuelan a una gran altura y en este verdadero duelo de titanes en el que se entienden tan bien, pese a ser la primera vez que trabajan juntos, Hanks esta cumbre. También esta,  es la primera vez que Spielberg trabaja con Meryl. Se echa de menos a Tom Hanks en la nominación a mejor actor a los Premios Óscar, así como alguna nominación más como las de guión, música, dirección; pues la película se las merece sobradamente. Sus cicateras nominaciones a los premios Oscar son, a mejor película y mejor actriz.

Una gran película que se debe ver.

Los archivos del Pentágono. The Post. Muy recomendable. La prensa debe servir al pueblo, no al poder.

Los archivos del Pentágono. Cine. Películas. Arte. Premios Óscar. Spielberg. Meryl Streep. Tom Hanks.

 

Cine. Películas. El Clan. ¡La plata va y viene, la vida no! Cuando el crimen se convierte en un asunto de familia.

El Clan. By Tb Art.

El Clan. By Tb Art.

¡La plata va y viene, la vida no! Cuando el crimen se convierte en un asunto de familia.

EL CLAN
Dirección y Guión. Pablo Trapero. San Justo. Buenos Aires 1970.
Duración. 110 minutos. Argentina/España.
Ganadora del León de Plata al Mejor Director en el Festival de Cine de Venecia 2015.  Goya 2016 a la Mejor Película Iberoamericana.
Candidata por Argentina a los Premios Oscar.

Historia basada en hechos reales.
El relato se sitúa en la Argentina de principios de los 80, mientras da sus últimos coletazos el régimen dictatorial del general Videla y se pasa a un recién estrenada democracia de la mano de Raúl Alfonsin nuevo Presidente de la República.

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Sinopsis. Arquímedes Puccio (Guillermo Francella) es economista y entre 1982 y 1985 él, sus secuaces y parte de la familia, secuestran, piden rescate, y finalmente aunque no es lo planeado, asesinan por miedo a ser descubiertos a tres empresarios argentinos.

La Pelicula

Se sitúa en un ambiente político de transición ya que Arquímedes Puccio el cabeza de familia y protagonista  de la historia, en una época reciente trabajó al servicio de la side, Servicio de Inteligencia de Estado, de la mano de un comodoro de la Marina Argentina para el que realizaba trabajos sucios con total impunidad; pero los tiempos han cambiado… y Arquímedes no.
Cada vez se puede proteger menos al demonio, las cosas se han tornado, ya no es como antes cuando mandaban los generales. Las influencias mudan como mudan las hojas de los árboles y la piel de los lagartos.

La fría sangre del reptil de ojos verdes acabará marcando la piel de toda la familia. Cuanto lloramos las Malvinas y cuanto más nos hará llorar a todos áun la bestia aunque se arrastre y coma tierra.

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LA FAMILIA

El Clan es ante todo un retrato sobre el vínculo Padre-Hijo. Algo que nos une a todos, algo que a todos nos iguala y algo que es universal. La Familia es la declaración de intereses y columna vertebral del film y es un punto de vista muy interesante.
Una respetada familia media dedicada al crimen, que no levanta ninguna sorpresa, que busca dinero y en la que pocos de sus miembros son inocentes.

Arquímedes Puccio, un gran psicopata paternalista y manipulador que vive junto con su familia en un gran casa del distinguido barrio bonaerense de San Isidro; en el sótano de la vivienda se ubica un zulo con las paredes de hormigón dedicado a los secuestros, y en lo bajos, un bar familiar de su propiedad y la tienda de deportes de uno de sus hijos, Alejandro (Peter Lanzani).

Alejandro, un hijo culpable pero en parte también inocente, que vive en la misma finca pero apartado de la familia, no se lleva bien con su padre, apenas hablan, Alejandro participa en los secuestros aunque no en los asesinatos. Juega en un club local y es una de las estrellas de la Selección Nacional de Rugby (Los Pumas). Tal es la falta de comunicación de Alejandro con su malvado padre; que cuando después de uno de los secuestros que finalmente deriva en muerte Arquímedes (su padre) le entrega un fajo de billetes, él se limita a pedir un bolsa para guardarlos y luego darse un capricho. Alejandro tiene un hermano (Maguila), a la vez el más amado y más odiado por su padre, que lo considera un traidor a la familia porque huyó a trabajar a Australia aunque después acabaría regresando; también tienen otro hermano pequeño totalmente inocente (Guillermo) y dos hermanas Silvia, y Adriana que es aún una adolescente.

El Clan, comienza con un primer plano muy bueno e inquietante del protagonista Guillermo Francella, actor que antes de protagonizar EL CLAN en el rol de Arquímedes Puccio, realizaba papeles cómicos a menudo, pero que en esta ocasión transita inquietantemente por el film trasmitiendo terror. Mirándolo observar por el retrovisor de su furgoneta, (la de los secuestros), da miedo y la imagen impacta; la primera impresión es que la película promete.

ACIERTOS Y ERRORES

La Dirección trabajada y arriesgada, es buena por momentos, pero dispersa; habría sido para sentarse a pensar con calma y así, hacer algo mas redondo. Tal vez a la película solo le faltó tiempo de digestión y afinación.

El Montaje. Una de las claves donde la película más flaquea. La mezcla no es fácil, está bien orientada pero le falta un pulido y un engarce más sofisticado, menos a capón.
Flash Back, el montaje los contiene a menudo, algunos no aportan y lo que es peor repiten imagen y restan valor.

La Música aunque intencionada, nos saca de ambiente con su excesivo volumen y duración , y esto sucede en varias ocasiones a lo largo del metraje; al contrario que al director me parece que lejos de darnos una clave ochentera, la música así expuesta, nos saca de tono y precisamente este (el ambiente creado), aunque a veces muy conseguido es uno de los aspectos más flojos del film… le falta una atmósfera ambiental más lineal, con menos saltos.

La Fotografía es correcta con algunos y aislados buenos detalles, pero no se mantiene en altura.

La Ambientación de la década de los 80 está conseguida.

El Guión es mejorable, pues la historia es una buena historia y se le pude sacar más partido. La información debería haber sido mejor contada, para los que no sabíamos nada de esta truculenta historia basada en hechos reales… mas claridad, menos obviedad. Pondré un ejemplo:

A veces, vemos imágenes en la pantalla que no comprendemos porque no conocemos los detalles de la historia;no entendemos por ejemplo como los raptores consiguen el olor a pasto (hierba) , que describe la única superviviente (el único testigo). Con semejante treta los criminales quieren hacerle creer a la  secuestrada que se encuentra recluida en el campo.

Un aspecto muy destacable de la película, es la construcción de los personajes protagonistas.

El Casting de actores está muy bien elegido y destaca.

El Actor Protagónista Guillermo Francella realiza un gran trabajo; vale la pena contemplar su interpretación.

El Actor Coprotagonista Alejandro (Peter Lanzani) tiene un buen papel, pero que no es fácil, lo hace muy bien y es totalmente creíble.

El CLAN me gustó, pero pudo volar mas alto.

La película ha conseguido un gran éxito de taquilla con 2’5 millones de espectadores. Situándose como la segunda película más vista del cine Argentino por delante del Secreto de sus ojos y por detrás de la aclamada Historias Salvajes.

Cine. Películas. El Clan. ¡La plata va y viene, la vida no! Cuando el crimen se convierte en un asunto de familia.

Cine. Películas. El Clan. Critica Cine. Arquímedes Puccio. El Clan Puccio. Premios Goya 2016.

 

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Premios Goya del Cine Español. 2017. Todas la nominaciones de las películas nominadas a Mejor Película.

PREMIOS GOYA 31 EDICIÓN

Fecha de evento. Sábado, 4 de febrero de 2017 a la 22:00.

Lugar. Marriott Auditorium Hotel de Madrid.

La Gala de los Premios Goya podrá verse por TVE UNO, y sus filiales. Así como por las redes sociales.

Tres años consecutivos a raíz de su tremendo éxito con 8 Apellidos Vascos el malagueño Dani Rovira, sordo, sigue aprovechando el rumor de la ola sin importarle nada más y vuelve a la carga presentando de nuevo los premios más importante del cine español. Además de maestro de ceremonias Dani también es guionista de  la gala aunque no estará solo.

ESTAS SON LAS 5 PELÍCULAS NOMINADAS COMO MEJOR PELÍCULA

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UN MONSTRUO VIENE A VERME. 6 NOMINACIONES

Un monstruo viene a verme. (Del aclamado Bayona), Mejor Película./Juan Antonio Bayona, Mejor dirección. /Sigourney Weaver, Mejor Actriz de Reparto./Óscar Faura, Mejor Dirección de Fotografía./Frenando Velázquez, Mejor Música Original./Eugenio Caballero, Mejor Dirección Artística.

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TARDE PARA LA IRA. 10 NOMINACIONES

Tarde para la ira. (Ópera prima de Raúl Arévalo), Mejor Película./Ruth Díaz, Mejor Actriz Revelación./Raúl Jiménez, Mejor Actor Revelación./Raúl Arévalo, Mejor Dirección Novel./Raúl Arévalo y David Pulido. Mejor Guión Original./Manolo Soto, Mejor Actor de Reparto./Luis Callejo, Mejor Actor Protagonista. Antonio de la Torre, Mejor Actor Protagonista./Arnau Valls, Mejor Dirección de Fotografía./Alberto Varcálcel y Cristina Rodríguez, Mejor Diseño de Vestuario.

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EL HOMBRE DE LAS MIL CARAS. 7 NOMINACIONES

El hombre de las mil caras. De Alberto Rodríguez (La Isla Mínima), Mejor Película./ Alberto Rodríguez, Mejor Dirección./Carlos Santos, Mejor Actor Revelación./Eduard Fernández, Mejor Actor Protagonista./Alberto Rodríguez, Rafael Cobos, Mejor Guión Adaptado./Julio de la Rosa, Mejor Música Original./Pepe Domínguez, Mejor Dirección Artística.

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JULIETA. 5 NOMINACIONES

Julieta. (Tal vez lo mejor de lo último de Almodóvar), Mejor Película./Pedro Almodóvar, Mejor Dirección./Emma Suárez, Mejor Actriz Protagonista./Pedro Almodóvar, Mejor Guión Adaptado./Alberto Iglesias, Mejor Música Original.

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QUE DIOS NOS PERDONE 3 NOMINACIONES

Que Dios nos perdone. De Rodrigo Sorogoyen, Mejor Película./Rodrigo Sorogoyen, Mejor Dirección./Rodrigo Sorogoyen e Isabel Peña, Mejor Guión Original.

Ana Belén últimamente tapada es la Actriz que recibirá el Goya de Honor.

PRONÓSTICO. Después de haberlas visto todas menos, “Que Dios Nos Perdone”, es la hora de mojarse. Para mi el Goya 2017 a la Mejor Película debe ser para… Julieta, de Pedro Almodóvar. ¡Que Dios Reparta Suerte!

Premios Goya del Cine Español. 2017. Todas la nominaciones de las películas nominadas a Mejor Película.

Premios Goya 2017. Cine. Películas. Nominaciones mejor película Goya 2017. Un monstruo viene a verme. Tarde para la ira. El hombre de las mil caras. Julieta. Que Dios nos perdone.