Entradas

,

Cine. “Sombra”. Zhang Yimou. Aguada, blanca, gris, y negra, salpicada, de sangre roja

SOMBRA. PELÍCULAS. CINE

SHADOW. SOMBRA

Año 2019. Duración 116 min

Guion, Zhang Yimou, Wei Li

Fotografia, Xiaoding Zhao

Musica, Lao Zao

Reparto, Deng Chao, Sun Li, Ryan Zheng Kai, Guan Xiao Tang

Genero. Acción, Artes Marciales, Drama

ZHANG YIMOU. Nacido, el 14 de noviembre de 1959, en X’ian. China. Realiza estudios en la Academia de cine de Pekín, es, director, productor, actor, director de fotografía, fotógrafo, operador de cámara, dibujante. En definitiva, un artista del Renacimiento, al que le interesan todas las artes, y en las que, en todas adquiere conocimientos, que unidos a su gran talento, dan como resultado maravillosas obras de arte, con fondo, y bañadas de color.

Películas, «La linterna roja», (1991), aquí traducida, como Esposas y concubinas, «¡Vivir!» (1994), «Sorgo rojo» (Su ópera prima como director en 1987, Oso de Oro en Berlín, y un gran éxito comercial, y de critica), «Ni uno menos» (1999), «La casa de las dagas voladoras» (2004), «La gran muralla» (2016), entre otras. Ha sido premiado en festivales de cine tan importantes, como los de, Cannes, Venecia, o Berlín, y es reconocido y valorado, en todo el mundo.

Zhang Yimou en esta ocasión, reinterpreta el clásico, «El Romance de los Tres Reinos» (siglo XIV).

SHADOW/YING/SOMBRA

Un noble y aguerrido comandante militar, se ve forzado a crearse un doble, (sombra), para proteger su amenazada vida, de las intrigas palaciegas, de un peligroso rey, pero en la película, ¿Donde está el color? Bueno, es como aquellos pintores, que a lo largo de su carrera usan cromatismos  diferentes; artistas, en diferentes épocas y estados, a lo largo del camino, en el tiempo. Zhang Yimou, pasa así, de una intensa paleta de colores, y de sugerentes baños de color, definidos, brillantes, vaporosamente fundentes, a la difícil aguada, blanca, gris, y negra, con algunas gotas de rebajada roja, sangre mojada; y todo esto, en diferentes, vaporosas, y soñadoras, gradaciones tonales. Es un valiente riesgo que Zhang Yimou, asume, y resuelve felizmente. Si algo hay que me eche para atrás, es el artista funcionario, aquel que encuentra un modelo, y seguidamente, lo repite sistemáticamente, igualándolo hasta la saciedad.

Reivindicativo. La mujer, no ha sido olvidada en sus películas nunca, es un tema recurrente, una reivindicativa lucha, adoptada por el polifacético director chino, censurado a menudo en su país, y con películas prohibidas, como «Semilla de crisantemo» (1990), o «La linterna roja» (1991).  En esta ocasión en Shadow, Sombra, nos la muestra, inteligente, fuerte, valiente, y decidida, mas también imprescindible para lograr objetivos que son decisivos, para un reino, en esta historia de Juego de Tronos, que nos narra, la historia de un rey traicionado, y desterrado.

La música, es también una baza importante, como en todas sus películas. Me gustó mucho la escena en la que se interpreta, un dueto, en el que los instrumentos de cuerda, percutiendo la atmósfera, dialogan entre si con fuertes disonancias, reflejando, las tensiones (pulsiones) expresadas (expulsadas de este modo), por sus ejecutantes, mujer y hombre. El YIN y el YANG son siempre una constante en la película. También, el verde bambú se expresa, con todo su símbolismo, (se mece con la lluvia pero no se rompe), fibroso, cortante y flexible, humilde y sobrio, a la vez, que poderoso, y fuerte.

Como imagen destacada, en una película tan visual, hay muchas, pero, me quedaría entre otras para el recuerdo, con la coreografía de ballet, en una lucha de formación y aprendizaje, sobre el símbolo del Ying, Yang, impreso, en un bello mosaico de piedra, donde, los protagonistas son, la sombra, y la mujer del sombrado, y que está acompañada, de increíbles y admirables alardes técnicos, en cámara lenta, con una fértil imaginación, y un sentido del ritmo, fabulosos.

Una película muy recomendable, valiente, y bella, que merece la pena ver en cine, en pantalla grande, y sin interrupciones, algo que en este caso es totalmente imprescindible. Vayan a verla, merece la pena.

Aguada, blanca, gris, y negra, salpicada, de mojada sangre roja

Sombra. Película. Películas. Cine. Zhang Yimou. Shadow. Ying. Yin. Yang. Arte

Cine. “II Festival Online Mujeres de Cine”. Un Festival Necesario

“II Festival Online Mujeres de Cine”

 Adam, de Maryam Touzani, gana el premio a Mejor Película del Festival Online Mujeres de Cine

El primer largometraje de la directora marroquí Maryam Touzani ha sido elegido como la mejor película del certamen por el jurado profesional del II Festival Online Mujeres de Cine

Daniela Cajías recibe el Premio RC Service a Mejor Directora de Fotografía por su trabajo en Las Niñas, dirigida por Pilar Palomero

Premio del Público, Se otorgará con el voto de los espectadores y espectadoras del certamen, y será anunciado a partir de hoy, miércoles 7 de abril, fecha en que termina el periodo de visionado y de votaciones del certamen.

 La II edición del Festival Online Mujeres de cine ha sido acogida con gran entusiasmo por público y crítica, y se consolida como propuesta cultural de referencia en cine e igualdad.

 Adam, de Maryam Touzani

Esta coproducción marroquí-belga fue seleccionada por el jurado oficial, integrado por Julieta Martialay, Directora de la Revista Fotogramas; Belén Funes,Directora de cine, guionista, y ganadora de la 1ª edición del Festival Online Mujeres de Cine con su película La hija de un ladrón; y Lara López Conde, Directora de Compras de Derechos Audiovisuales de Cine Español e Independiente de Movistar+.

Motivaciones del jurado

BELÉN FUNES. “Adam de la directora marroquí Maryam Touzani es para mí un dibujo precioso y sobre todo honesto del entretejido femenino que necesitamos, de su eternidad y su persistencia.”

JULIETA MARTIALAY. “Delicada y fuerte al mismo tiempo, como es en esencia el espíritu femenino, la ópera prima de Maryam Touzani destila una madurez poco común a la que contribuyen interpretaciones extraordinarias.”

LARA LÓPEZ CONDE. “Un delicado retrato de la situación de las mujeres en Marruecos que emociona con cada mirada, con cada palabra no dicha.”

Mejor Directora de Fotografía, Daniela Cajías por su trabajo en la aclamada película Las Niñas

El galardón consiste, en un descuento de 3.000 € en material de cámara de cine digital que brinda RC Service.

El jurado ha estado compuesto por la actriz Nuria Prims, la directora de fotografía Gina Ferrer,y el productor y director José Alayón. Este premio se suma a los que Daniela Cajías ha recibido en prestigiosos certámenes como los Goya, los Gaudí, y en el Festival de Cine de Málaga.

Motivaciones del jurado

JOSÉ ALAYÓN. “Por la utilización de la luz natural y la capacidad de ponerse a una distancia necesaria para captar de manera sincera el paso de la infancia a la juventud.”

NURIA PRIMS. “Todo mi respeto y admiración al gran trabajo y tan bien mesurado de las tres directoras de fotografía finalistas, Daniela Cajías, Celia Riera y Laura Herrero Garvín. Gracias de todo corazón y espero que volvamos a disfrutar bien pronto de vuestro arte.”

Un festival comprometido

El Festival Online Mujeres de Cine cierra así una 2ª edición marcada por la gran calidad de las propuestas, y por su sobresaliente heterogeneidad.

Una excelente cosecha que pone de manifiesto la importancia del trabajo de las mujeres que hacen cine, y el interés y compromiso del certamen, que se erige en gran herramienta de apoyo del cine hecho por mujeres a través del streaming -accesible desde cualquier punto de la geografía española por internet a través de la plataforma VOD Mujeres de cine- y que, además, cada año aglutina más apoyos, patrocinios y colaboradores.

 Mujeres de Cine es un espacio de reivindicación, reflexión, encuentro y visibilización de las mujeres en el cine. A lo largo de su trayectoria se ha consolidado como iniciativa de referencia dentro del panorama cinematográfico.

En sus once años de vida se han realizado más de 500 proyecciones en sedes de todo el mundo con una audiencia que supera más de 120.000 personas, con multitud de actividades encaminadas a promover la participación y la reflexión sobre la situación de las mujeres en el cine, la cultura y en la sociedad (presentaciones, coloquios, encuentros, homenajes -Premio Mujer de Cine). Desde 2019 cuenta con una iniciativa pionera: Mujeres de Cine VOD, la primera plataforma de Video on Demand dedicada íntegramente al cine hecho por mujeres.

El certamen, se erige en gran herramienta de apoyo del cine hecho por mujeres a través del streaming -accesible desde cualquier punto de la geografía española por internet a través de la plataforma VOD Mujeres de cine- y que, además, cada año aglutina más apoyos.www.mujeresdecine.com

Ana Palacios, directora de Mujeres de Cine, declara “Llegamos al final del festival con dos palabras esenciales: Compromiso y Alianza entre mujeres. Tanto la película ganadora, Adam, de Maryam Touzani, como el reconocimiento a Daniela Cajías como Mejor directora de fotografía, apuntan a estas dos grandes palabras que también construyen la filosofía de este certamen y del proyecto Mujeres de Cine”.

La escasa representatividad de las mujeres en el mundo del cine y por ende, en los cargos de la industria cinematográfica, en los que la distribución de profesionales es, de 26% mujeres, 75% hombres, debe de hacer reflexionar sobre un desequilibrio tan netamente meridiano, por lo cual apoyar una causa tan necesaria y justa, se hace en la actualidad, altamente imprescindible, para avanzar en la igualdad, algo, a lo que evidentemente, ya llegamos tarde, por lo cual, se deberían, aportar urgentemente, los medios necesarios para conseguir, una representación más igualitaria,  en la que todos los componentes de la sociedad, nos demos margen para el crecimiento y en la que finalmente, tod@s, podamos sentirnos tenidos en cuenta por igual.

Gracias, a un Festival de cine hecho por mujeres tan necesario

Cine. “II Festival Online Mujeres de Cine”. Un festival necesario

Cine. Festival Online Mujeres de Cine. Festival mujeres de cine. Películas. Arte

,

El Método. Un cortometraje altamente voltaico

El Método. Cortometraje creado por Néstor Ruiz Medina y Edduardo Viera

Ficha técnica

Productora: Mono con Pistolas

Dirección: Néstor Ruiz Medina

Intérpretes: Eddu Viera, Esther Acebo, Fernando Cayo, Assumpta Serna, Bernabé Fernández

Guión: Juan Manuel De Vega, Néstor Ruiz Medina, Edduardo Viera

Fotografía Jorge Roig

Arte: Lucía Martín

Montaje: Nestor Ruiz Medina

Sonido: Roberto HG

Música: Marcos Cruz Lloréns

Lugar de rodaje Madrid, Alcalá de Henares. Año de producción: 2020

Género: Ficción

Duración: 29 min.

País: España

El Método, cortometraje español sobre las prácticas psicológicas abusivas en el mundo de la interpretación, ha sido seleccionado en el Festival de Cine de Cleveland, certamen dedicado al cine independiente en el que tendrá lugar su estreno estadounidense. 

El Cleveland International Film Festival’s www.clevelandfilm.org festival calificador para los Premios Goya y para los Oscar de la Academia, se celebrará de manera virtual del 7 al 20 de abril, periodo en el que El Método estará disponible para su visionado desde todo el territorio estadounidense. Néstor Ruiz Medina, su director, participará además en un coloquio online en el marco del festival, que se reproducirá junto con el cortometraje.

Néstor Ruiz Medina estuvo nominado al Goya en 2018 por el cortometraje de ficción “Baraka”.

El Método. Drama. Abuso emocional, violencia de género, trauma, bullying y terror psicológico 

29 minutos de pura tensión, tan densa, que incluso se podría cortar con un cuchillo 

Sinopsis

<<Un aspirante a actor sufre un dolor incalculable al convertirse en el hazmerreír de su clase debido a la estrecha relación que mantiene con su madre. Pronto aprenderá que ese dolor es una herramienta fundamental para convertirse en mejor actor, pero… ¿a qué precio?>>

El Método. Cuenta con la garantía, de un cuidadoso reparto …,  Eddu Viera en el papel protagonista, Esther Acebo, Fernando Cayo, Assumpta Serna, y Bernabé Fernández.

El Cortometrajesurge tomando un café, de manera espontánea, Néstor Ruiz Medina y Eddu Viera, junto, con el guionista Juan Manuel De Vega, coinciden entonces, (identificándose de inmediato), en su preocupación por la temática que contiene la idea que allí se expone, y se animan a abordar un tema tan complejo, cuestionando con desnudez, algunos frecuentes métodos impartidos, en el mundo de la docencia aplicada a la interpretación.

Un corto, que se impuso con su innata fuerza brutal, y su atracción irresistible, inevitable, pero que sin embargo no estaba previsto, pues Néstor Ruiz Medina no lo contemplaba al encontrarse dando el salto a su primer largometraje.

Es un corto de financiación privada, grabado el mes de junio de 2020,  en Madrid (Carabanchel) y Alcalá de Henares

Néstor Ruiz Medina, director y cofundador de la productora Mono con Pistolas Films

En 2015 escribe y dirige Baraka, su ópera prima, cortometraje que alcanza gran éxito internacional ganando más de 20 premios, y que ahora, se encuentra trabajando en el desarrollo de su primer largometraje Unfollow, declara…

“Nuestro corto aborda una temática que tiene que ver con cuestiones de salud mental aplicadas a un ámbito que tenemos muy cerca, el actoral. Lo hemos desarrollado con una enorme calidad técnica, capaz de mostrar todas las emociones que buscábamos plasmar, y estamos muy orgullosos del resultado”.

Eddu Viera, actor y cofundador de Mono con Pistolas Films

Participa como actor en múltiples proyectos audiovisuales y teatrales, gana el primer premio de narrativa periódico As, y es, el co-ganador del premio TUNEOX a la mejor campaña de publicidad para ATRESMEDIA, la obra en la que actualmente continúa trabajando, lleva el título, de Madrid 1808.

Actor protagonista, co-creador y co-guionista, ha declarado…

“Este corto nace de nuestra preocupación y tras un proceso profundo de identificación de una serie de cuestiones que intervienen en estas metodologías aplicadas al mundo de la actuación. Buscamos sembrar la duda sobre la idoneidad de estos métodos, despertar el espíritu crítico de los espectadores, y a la vez proporcionar una experiencia audiovisual dramática y repleta de suspense. Creemos que El Método tiene un potencial bestial para alcanzar y emocionar a muchas personas”.

El Método, es un emotivo cortometraje de 29 minutos, minutaje largo, y algo, hasta ahora no muy habitual en un corto, aunque últimamente, tendencia, después de “La voz humana” el corto, de Almodóvar, también estrenado en 2020, y de 30 min de duración.

El Método, desde el principio te atrapa al invadirte, de una emoción densa y babosa, que te mantiene pegado a la pantalla en un trepidante ambiente de agresivo Thriller sicológico, rebosante, de una neta fisicidad de rotundos primeros planos, contraluces, y audaces interpretaciones desde las tripas, sabiamente acompañadas, por una acertada banda sonora, y un excelente montaje.

Un corto lucidamente emocionante, y lleno de contrastes, con una cámara nerviosa que nos mantiene atentos, a lo que provocan unas acciones a veces extremas, como lo es por otra parte, el extremismo doloroso que contiene en un cóctel de dramatismo, violencia, y malos tratos, pero también, de amor incondicional a una vocación.

¿Donde está el límite? Métodos de enseñanza cuestionados, inestabilidad emocional, taras, asuntos delicados, espinosos, sangrientos, irresponsabilidad, daño, malos tratos. También machismo, y sus fatales consecuencias.

El cortometraje, una cebolla de varias capas, de terror sicológico, con constantes referencias al cine clásico, directores y actores, es un firme candidato a los Premios Goya, en los que podría ser nominado, al tratarse de un excelente trabajo, merecedor de recompensa, y reconocimiento, como ya fuera nominado, Baraka, un drama bélico, situado en la guerra de Irak, en el que ya se adivinaba, el potencial como cineasta de Néstor Ruiz Medina, un director cinematográfico, que curiosamente, no cree en los métodos reglados de enseñanza.

El Método. Un cortometraje altamente voltaico

El Método. Cortometraje. Cine. Arte. Terror sicológico. Drama. Néstor Ruiz Medina. Eddu Viera. Cine

,

Lauren Bacall & Humphrey Bogart enamorados

Lauren Bacall, Nueva York 1924. Nueva York 2014, falleció en su casa de Hollywood de un derrame cerebral a los noventa años de edad.

LAUREN BACALL Y HUMPHEY BOGART ENAMORADOS

LAUREN BACALL

Esta guapa y enrollada neoyorquina es una de las actrices que todos conócenos.

Cara de ojos claros, mirada intensa, melena abundante color miel.

imageBoca grande y sensual, y voz rasposa y dulce; toda una

leyenda. Una auténtica chica dura y seductora.

Su nombre suena a épocas muy lejanas, cuando el cine era uno de los entretenimientos preferidos por el gran público, y  los actores y actrices, verdaderas celebridades.

Nuestra felina gata, empezó trabajando de  acomodadora en un teatro de Broadway, a la tierna edad de 14 años, a la vez que estudiaba interpretación en una academia de actores, y también era modelo.

HUMPHREY BOGART

Humphrey Bogart. 1899, Nueva York.1957, Los Angeles, California.

En unos años de Glamour y desenfreno surge lo inverosímil, una historia de amor por la que nadie daba un duro. Fue algo mágico desde el principio. Los acontecimientos se encadenaron así…

image

El director de cine Howard Hawks descubre a Lauren Bacall, y le ofrece un contrato; (su primera película). Tener o no tener (1944), en la que su partenaire será Humphrey Bogart, enseguida, ente ellos surge una fuerte atracción, un potente magnetismo que es un evidente, he irresistible imán. Un halo sofisticadamente, claro y luminoso, hondamente se filtra hipnotizadamente como un sugestivo sueño en sus interpretaciones. La actriz tenía 21 años y era una belleza, Bogart, 46… ¡El desequilibrio entre ellos es evidente, a simple vista  parece un amor imposible!

«BABY & BOGIE». ÉL LA LLAMA BABY, ELLA A ÉL, BOGIE

Bogard se había casado por primera vez en 1926, con Helen Menken (Actriz), el matrimonio dura apenas un año; dos años después, se casa de nuevo, esta vez con la actriz de teatro Mary Philips; la mayor parte del tiempo la pasan separados por motivos profesionales, hasta que después de casi una década de una mala y tacaña convivencia, deciden separarse. En 1938 contrae matrimonio con la actriz Mayo Methot; alcoholica y temperamental, protagonizará continuamente escenas de celos que llegan a ser legendarias y de dominio público, Mayo es incapaz de contenerse, Bogard, se refugia en la bebida.

En el terreno profesional ya es un actor bien pagado; en 1942 rueda la mítica Casablanca y dos años después Tener o no tener, y entonces…, enseguida…, solo que la ve; comienza un gran amor y también el escándalo, él es un casado actor de 46 años; ella solo tiene 20.

LA PAREJA DE ACTORES SE CASA EN 1945

image

BODA En la foto (1945) los vemos camino de Mansfield, Ohio, donde se celebrará la boda en la granja de un amigo. ¡Un ambiente de lo más rural!

En 1945 Humhprey  Bogard se divorcia; seguidamente, se casa con una Lauren Bacall bellísima. (el actor en el evento, se encontraba emocionado y lloroso). Humphrey Bogart él, el actor bajito,  que le sacaba más de veinte años a Lauren la cameló; tuvieron dos hijos y nunca se separaron hasta que 12 años después, pues Bogart moría de cáncer a los 58 años de edad, en la cinematográfica ciudad de Los Ángeles, (1957).

image

En la foto con sus hijos y los de Bogart, Stephen y Leslie

LAUREN BACALL REHACE SU VIDA.

1961, Lauren Bacall. 4 años después vuelve a pasar por el altar, en esta ocasión el novio es Jason Robards, también actor; el matrimonio dura ocho años; tienen un hijo, Después de unos años de exito en el cine, la actriz vuelve al teatro (regresa a Broadway). A los 78 años (2003) participa en el  film de Lars Von Triers, (Dogville. Muy recomendable) junto a la actriz australiana Nicole Kidman. Su última película, es The Forger (2012).

 Lauren Bacall. Fallece con Bogart en su recuerdo, en su domicilio de Nueva York en 2014.

Lauren Bacall & Humphrey Bogart enamorados. Hasta que la muerte nos separe.

Lauren Bacall. Humprey Bogart. Bogart y Baccall Enamorados.  Actores. Actrices. Cine. Historia de Amor.

,

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Despiadada ambición

image

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood

Berlin 1901. París 1992 a los 90 años.

Actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense en 1937, dos años antes del comienzo de la segunda guerra mundial.

Participa en 1930, en la primera película sonora europea, El ángel azul.

image

Cartel de la película El ángel azul. 1930

En esta película dirigida por Sternberg (del que fue amante y con el que rodó en diferentes ocasiones), interpreta a una cabaretera en un antro de mala fama; en ella la guapa y morbosa actriz, seduce a un profesor cincuenton, y lo arrastra hasta su total destrucción.

Marlene Dietrich, llegó a Hollywood en 1930, y se hizo la reina de los Estudios Paramount.

Las anecdotas que le contaban a «La Marlene» sobre el ambiente de la época del cine mudo (que ella también vivió) la hacían soñar; soñar, con aquel ambiente lujoso y brillante.

Soñaba siempre con aquellos enormes automóviles semejantes a enormes cucarachas de cuatro patas,  en los que viajaban seductores…, atractivos hombres y hermosas mujeres. Donde flotaba el dinero y la clase; aquellas grandes bestias de elegante chapa negra, que relucían como el charol a la luz radiante y lechosa, de la romántica luna en una agradable,  y clara noche de verano; aquellas maravillosas maquinas, que no olían a estiercol, sino a dulce éter, a picante sensualidad, y cálido cuero… (borrachera acida); tierna, y eterna seducción.

Ella quería eso, y lo tendría… Poco antes de morir en su lujosa vivienda en París, le dijo a un amigo que la acompañaba en tan duro e inevitable trance:

– «¿Lo quisimos todo, y lo conseguimos ¿no es verdad?»

Hollywood bullía en delirantes fiestas que terminaban a las tantas de la madrugada y,  a las que acudían los actores y actrices, que agotados al día siguiente, llegaban tarde al rodaje, o lo que es peor, no podían llegar, a causa de los excesos de la noche, el alcohol, el tabaco, y otras sustancias dopantes más sofisticadas y brillantes, como lo es, la excelente cocaina «Ala de mosca» (así llamada por su pureza, y por los cristalinos irisados que la forman), que circulaba pulcra, en ordenadas rayas paralelas, sobre nuevas bandejas de pulido, clásico, y frio acero brillante.

LOS TIEMPOS DEL CINE MUDO DE LA MÁGIA Y EL GLAMOUR

En los añejos tiempos del cine mudo acudían las orquestas a tocar en directo a los estudios de grabación; mientras se representaba la escena, los actores movían los labios como si hablaran.

En esta época el sexo era tabú. «Tenemos que hacerlo con los ojos» llegó a declarar Mae West…

¡Ellas hacían soñar y se llenaban los cines!  Era una época dorada, y de fondo un decorado en blanco y negro.

Marlene Dietrich poseía Glamour, (Encanto sensual que fascina).

Glamour, también ha sido definido como «un hechizo mágico y oculto» y es ese lado oscuro y misterioso lo que tanto explotaron sus agentes de marketing.

image

Con su aire de femme fatal, fría, inaccesible, maestra irónica e iconica de la elegancia; puso de moda el pantalón a lo femenino. Tenía unas piernas de vértigo. Las revistas de moda se la rifaban. En cuanto a la dudas sobre su condición sexual, fue alentada al incluir en su vestuario el uso de pantalones; prenda de vestir que  hasta entonces solo utilizaban exclusivamente los hombres; este hecho, fue convenientemente explotado por sus managers para traducirlo en moneda de curso legal; en billetes verdes con la efigie del presidente americano.

MARLENE

¡De la enigmática fascinación de tu fría mirada, que hiere!

Tirana, de hielo…

Allí en el fondo…

En el silencio congelado

Quema, la piel tozudamente,

Daña los dedos desnudos

Como una imponente y lisa pared

Blanca

Tomás Bartolomé

EL CABARET. LA SALVA DE SI MISMA

Después de sus  grandes éxitos en Hollywood, (llegó a hacerle sombra a la Garbo). ¿No sería un montaje, también, su rivalidad?; comenzó una gira como Actriz de Cabaret hasta su retirada. Siempre el Cabaret, y también siempre, su canción, aquella bella y triste canción…

image

¡Que no paré el espectáculo, cantaré…, Lili Marleen

Marlene Dietrich, vivió los últimos años de su vida casi sin salir de casa; aunque son legendarias las astronómicas facturas de teléfono que pagaba, (unos 3000$ mensuales en los años noventa) Le gustaba la política y hablaba a menudo con algún Presidente de Gobierno (Reagan, Gorvachov).

María Riva, su única hija, le dedicó en una entrevista, estas reveladoras palabras:

– «Mi madre fue, una persona fría, solitaria y manipuladora, que nunca conoció el amor y, a la que nunca extrañé  porque nunca la tuve»

Este grave rasgo de la personalidad de Marlene Dietrich, apuntado por su hija; nos lleva a pensar en una pobre y distante mujer; una gran artista; que padeció en su vida serios problemas emocionales. Para nosotros que por fortuna no la tratamos, Marlene Dietrich, quedará para siempre como un mito; como un gran icono de la cinematográfia universal. Una estrella elegantemente glamurosa en unos  tiempos dorados para el cine y, por ende para los actores y actrices del siempre seductor  «séptimo arte en blanco y negro».

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Despiadada ambición disfrazada de elegancia.

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Cine. Actrices. Hollywood. Berlín. París

Naturaleza. Me quito el sombrero con San José (Almería) Parque Natural de Cabo de Gata – Nijar.

image

San José. Almería.  By Tb Art

Soy pintor y blogger y me encuentro en San José.

San José localidad situada a 35 Kms de Almería, 250 habitantes. En un entorno de ensueño, envuelto en un paisaje hipnotizantemente bello, se encuentra San josé en el Parque Natural de Cabo de Gata-Nijar.

Sus playas me han seducido, su belleza impregnante se impone superlativa.

Comienza su historia San José, en 1735  con un pequeño asentamiento militar. Posteriormente sus habitantes se dedicarán desde sus albores,  a la pesca y el turismo.

image

San José. By Tb Art.

San José. Se encuentra en una bella ensenada rodeada de altas montañas, algunas, rocosas y escarpadas, el pueblo es blanco, amable, y soñador. La recogida playa, lo lame con dulzura y no muy lejos, los rosados flamencos, se pasan el día tranquilamente, tragando peces.

Tiene unas playas que invitan a visitarlas de día o de noche. Su belleza es cautivadoramente natural.

image

Playa Los Genoveses. Dibujo By Tb Art

LOS GENOVESES

Escuchen este nombre «Los Genoveses». Magnifica playa situada en una bahía. ¡Atención! … Lleven comida y bebida… ¡aquí no hay chiringuitos! 

Situada muy cerca de San José después, de recorrer un camino de tierra no muy largo, la playa aparece majestuosa, bella, y extensa; su arena es fina.

image

Playa de Mónsul. By Tb Art

Muy cerca de «Los Genoveses», se encuentra «Mónsul», una playa más recogida rodeada de rocas.

image

Pequeña cala cerca de Los Genoveses. By Tb Art

También hay pequeñas calas pequeñas de más difícil acceso que son un verdadero paraíso en la tierra.

EL CINE Y SAN JOSÉ

image

Rodaje de cine en Los Genoveses. By Tb Art

El cine tiene su importancia, en San José se han rodado, infinidad de películas; Indiana Jones y la última cruzada, Hable con ella. Series, como Los hombres dé Paco, y Vídeos Musicales de David Bisbal, y recientemente, hace escasos meses, el video del artista británico Mikka. Estos son solo unos pocos ejemplos.

 

Naturaleza. Me quito el sombrero con San José (Almería) Parque Natural de Cabo de Gata – Nijar.

Naturaleza. San José. Parque Natural de Cabo de Gata-Nijar. Playas. Cine.

,

El Arrancacorazones. Boris vian. «Estaba vacío, era eso: no había ningún progreso «

BORIS VIAN

BORIS VIAN. ILUSTRACIÓN. By TbArt

BORIS VIAN

Ville-d’Avray, PARÍS 1920, PARÍS 1959. Nace en una familia burguesa, su padre fue dentista y poeta aficionado, su madre tocaba el piano.  Se quedó huérfano siendo niño, (asesinaron a su padre).  Boris Vian conoció la pobreza. Vian estudió ingeniería (fue un alumno excelente) y además de Novelista, fue Músico de Jazz (tocaba la trompeta), Periodista, Traductor, Escritor de Canciones, Compositor de Ópera, Representante Comercial ¿Quién da más?

Dos muestras de algunas de sus obras literarias son los títulos, «Escupiré sobre vuestras tumbas» y, «El Arrancacorazones».

ESCUPIRÉ SOBRE VUESTRAS TUMBAS. 1946. Con esta novela, (casi 20 años después se realizó un adaptación cinematográfica), comenzó su fama y el escándalo, la obra fue censurada (prohibida en 1949).

image

Fotograma de la película Escupiré sobre vuestras tumbas.

Se le acusó de atentar contra las buenas costumbres, la novela «contenia escenas de sexo pornografico y violencia». Hoy día, esta acusación sería totalmente absurda, la novela para nada es pornografica. En cuanto a la violencia, tampoco, es más bien, una violencia latente la que transita la narración. Por lo tanto podriamos decir que lo que se juzgó, fue la moralidad. 

Boris Vian firmó la obra con el seudónimo de Vernon Sullivan, en ella simplemente denunciaba el racismo y las diferencias de clase, en una novela, negra, dura, y descarnada.

image

Retrato de Boris Vian. 1950. Roland d’Ursel.

FUE JUZGADO Y CONDENADO A CIEN MIL FRANCOS DE MULTA

El artista tuvo que pagar una fuerte multa; y no, esto no fue lo peor; lo peor, sucedería años despues, en 1959: BORIS VIAN ESTABA EN EL CINE VIENDO LA VERSIÓN DE SU NOVELA CUADO FALLECIÓ.

image

Fotograma de la película Escupiré sobre vuestras tumbas.

Mientras VIAN asistia de incógnito, (no participó en la producción de la película, por desacuerdos en la manera de la adaptación de su novelad, al film), al preestreno de su polémica obra, antes prohibida, «Escupiré sobre vuestras tumbas», cuando súbitamente sufrió un  infarto, y falleció. Tenía tan sólo  39 años, demasiado joven para morir.

Otra de las muestras de la alta literatura de Boris Vian aunque esta, radicalmente opuesta, pues se trata de una novela surrealista en clave de fino humor negro es:

EL ARRANCACORAZONES, (1953)

En esta obra, el humor surrealista está siempre presente. BORIS VIAN, satiriza con agudeza y sofisticadas formas, sobre los sentimientos, o la ausencia de ellos y, LOS COMPORTAMIENTOS ESTEREOTIPADOS, que férrea, y soterradamente, impone la sociedad. Muestra lo absurdo de nuestra vida organizada. El protagonista es JACQUEMORT, un psiquiatra que  en un «Ambiente mágico», busca pacientes para así, reconocer en los demás las EMOCIONES DE LAS QUE ÉL CARECE. Es un mundo fantástico el que refleja VIANSURREALISMO a chorros, y también, DILEMA EXISTENCIAL.

Prepárense ahora, para una pequeña ración de exquisito HUMOR NEGRO

EL ARRANCACORAZONES

JACQUEMORT ENSIMISMADO 

SE DIRIGIÓ AL POBLADO

PENSABA QUE ENVEJECÍA 

DE SUS PENAS SE REÍA 

ESTABA VACÍO, ERA ESO:

NO HABÍA NINGÚN PROGRESO

EL TIEMPO, GRIS Y MOJADO;

EL BARRO COMO HUEVOS CHAFADOS

SOBRE SUS ZUECOS MANCHADOS

Magnifico y deliciosamente embriagador «bocado». Elevada Categoría Literaria de  Boris Vian.

Si quieres encontrar más sobre Boris Vian y el Arrancacorazones,  encontraras  otro artículo en la Sección Literatura de este mismo Blog.

El Arrancacorazones. Boris Vian. «Estaba vacío, era eso: no había ningún progreso».

Boris Vian. Literatura. Escritores. El Arrancacorazones. Escupiré sobre vuestras tumbas. Surrealismo.

,

Cine. «Déjame entrar». Una deconstrucción vampirica. Tomás Bartolomé.

image

Cine. Película. Déjame entrar. 2008. Director. Tomas Alfredson. Suecia.
Es una película, reconocida y premiada, mas no lo suficiente, tal vez sea por ser una producción sueca alejada, de los proyectos mastodonticos de la industria U.S.A. La película está basada en una novela (2004), del escritor John Ajvide, que también es el guionista del Film.

No hay que confundir esta película con un remake USA del 2010, del mismo titulo, realizado poco después, y que realmente es una copia estadounidense para el mercado mundial, y que aunque no está mal, pierde algo y ese algo, resulta ser definitivo.

Déjame entrar, se sitúa en los años 80 en un suburbio de la ciudad de Estocolmo donde nuestros protagonistas son vecinos. Ella es una niña de pelo largo y negro ligeramente ondulado, él, un chico de 12 años rubio y delgado. Los dos se sienten solos.

image

La vampira «Eli» y su amigo.

VAMPIRICA HISTORIA DE AMOR 

Ella (Eli) es una vampira (con todo lo que esto conlleva) sólo sale por las noches, el sol y la luz, le son mortales, los cristales de las ventanas de su casa, están siempre tapados con cartones para que no entre luz. Eli, vive en su piso con un señor mayor, también vampiro y acuciado siempre, por la imperante necesidad de conseguir el líquido de color rojo y negro, que ambos tanto necesitan.

Eli tiene, doce años, doce eternos años; solo doce,  por muchos, de cansancio, y necesaria depredación. Eli la vampira parece un niña de 12 años, pero claro solo lo parece. ¡Lleva viviendo una eternidad! 

Él (Óscar) es, un chico de doce años, callado y doliente, acosado en el colegio, por un compañero matón y sus amigos; más tarde nuestro protagonista, se vengará.

Los dos coinciden circunstancialmente, en el portal de su bloque de viviendas, y se hacen amigos. Para Óscar, «Eli» la vampira, es diferente y misteriosa, además nunca tiene frío. Se enamoran; pero tristemente ella sabe, que es un amor imposible. Su cara refleja una enorme tristeza. (La interpratacion de Lina Leanderson «Eli»  debería haber sido premiada).

image

Foto. La película transita sostenid,  por un ambiente de calma, en el que suceden hechos terribles.

La fotografía contribuye a crear una calma tensa, en la que parece que no pasa nada, pero en la que pronto sucederá algo horrible, mientras tanto, rodeados de nieve, contrariamente, todo parece nítido, claro, blanco, puro, y luminoso.

image

Foto. Óscar y Eli en el pequeño parque de su barrio.

Destaca el tratamiento de la luz en los escenarios urbanos, solitarios y nocturnos, en que se desarrolla gran parte de la película; siempre con la luminosa y blanca nieve de telon de fondo.

Los efectos especiales también rayan a gran altura. En los ataques de los vampiros a sus víctimas, hay una escena muy impactante en la qué una mujer que ha sido anteriormente,  mordida por un vampiro, es atacada con fiereza demoniaca por sus propios, y mansos (hasta entonces), gatos, la acción se sitúa en  la sala de estar de su propia vivienda  y en presencia de su marido alcohólico, y un amigo… ¡En esta secuencia los efectos especiales son magistrales! «Son para no perdérselos; para guardarlos»

¿Quieren saber sí la historia de amor tiene un final feliz?…

Desde qué la vi cuando la estrenaron, no paro de recomendarla. Si no la has visto, te la estas perdiendo. «Déjame entrar» película sueca, de Tomas Alfredson.

Cine. «Déjame entrar». Una deconstrucción vampirica.  Tomás Bartolomé.

Películas. Critica Cine. Déjame Entrar. Cine. Vampiros. 

,

Cine. Handia. El gigante de Altzo. «El hombre más alto del mundo»

HANDIA

Parte del folclore popular del País Vasco, Una estatua en Altzo su pueblo, recuerda al gigante guipuzcoano, él se llamaba Joaquín pero sus vecinos lo conocían también con el apodo de Handía (grande).

En un ambiente social de guerra civil, (primera guerra carlista, 1833/1840), y miseria, el hermano mayor del gigante, (Martin, huérfano de madre), debe abandonar el caserío, y participar en este conflicto bélico, en defensa de los fueros. Cuando regresa a casa terminada la guerra, vuelve invalido del brazo derecho, y se convierte así, en otra boca más que alimentar (para Antonio, su padre).

Mirando Martin, el asombroso potencial de su imponente hermano, (en una relación que la que se nos mostrarán diferentes en sus anhelos), que llegará a alcanzar una estatura de 2,43 metros, y un peso de 203 kilos, y encontrándose la familia en apuros económicos, tan graves, que incluso  pueden perder el caserío, (en el que viven en renta), y animados, por un empresario de espectáculos, deciden exibir a Joaquín, como «el hombre más alto del mundo«, por lo que viajan primeramente por Europa. La riqueza y el dinero, también la fama, harán posible, que la familia irremediablemente, cambie para siempre. Las raíces no son eternas… De ahí también la guerra.

Todos los actores, nos ofrecen un magnífico trabajo:

Joseba Usabiaga en el papel de Martin hermano del gigante.
Eneko Sagardoy como Joaquín, el gigante.
Iñigo Aranburu como Arzadun, empresario de espectáculos.
Ramón Aguirre como Antonio. y Aia Kruse como Maróa.

La película recibió 10 galardones, en los Premios Goya, convirtiendose así, en la tercer película más premiada de su historia, después de Mar Adentro, y La Isla Mínima.

Eneko Sagardoy, en una escena de la película.

Con 13 nominaciones, Handia, sin embargo, no pudo obtener, los Goya, a Mejor Película, Mejor Dirección, y Mejor Sonido.

HANDIA. PREMIOS GOYA

Mejor Actor Revelación. Eneko Sagardoy.
Mejor Guión Original. Jon Garaño, Aitor Arregui, José María Goneaga.
Mejor dirección de Producción. Ander Sistiaga.
Mejor Montaje. Laurent Dufreche. Raúl Lopez.
Mejor Música Original. Pascal Gaigne.
Mejor Fotografía. Javier Aguirre.
Mejor dirección Artística. Mikel Serrano.
Mejor Diseño de Vestuario. Saioa Lara.
Mejor Maquillaje y Peluquería. Ainhoa Eskisabel, Olga cruz, Gorka Aguirre.
Mejores Efectos Especiales. Jon Serrano, David Heras.

Cartel de la película.

Sus directores son los mismos de Loreak, película seleccionada por la academia del cine español, para optar al OSCAR 2016, a la mejor película de habla no inglesa. Jon Garaño (codirector con Aitor Arregui), declaró que no querían hacer la misma película, y Handia, es el resultado. Como ėl coincido gratamente, en que las escenas bélicas, del principio, (apenas unos minutos), son de una calidad extraordinaria. Algo curioso es, que lo que más les preocupaba antes de rodar, eran precisamente estas magnificas escenas, que después, curiosamente, fueron las primeras que abordaron. En los cajones de la productora,  esperan más de 5 minutos de escenas bélicas, no incluidas, que me gustaría ver. Un aspecto muy destacado de Handía es, el de los especialistas; en las escenas de guerra, y los efectos especiales, Jon Serrano y David Heras, realizan un trabajo tan espléndido, que raya lo imposible, y es, que te tragues totalmente, que estas viendo de verdad, un verdadero gigante, ¡enhorabuena!

Las localizaciones son muy sugerentes, la música también destaca, igual que el sonido, la fotografía, nos deja algunas imágenes inolvidables, como las del gigante saciando su hambre, (comiendo de un cubo, como un animal lo haría), o al final, bajo la nieve, perdido, y desorientado, abrazando (protegiendo), a su hermano; o la foto fija en altura, de los elevados árboles del bosque helado, en azules y blancos. Sin embargo al (buen) guión, a mi entender, le falta algo de imaginación.

El bueno de Joaquín (El gigante de Altzo), no es feliz, lo aíslan; «no es bueno para el negocio que te vean», son las razones que anteponen sus promotores. El gigante se encuentra solo, enseguida es consciente, que no cuenta para nada. Pronto, tristemente, será un repetido arquetipo del ídolo caído, un ídolo con pies de barro. Es la historia ya contada, y llevada al cine, del boxeador grandote de buen corazón, manipulado, utilizado y, al fin desechado, con daños que irreparablemente lo habrán roto para siempre.

Cine. Handia. El gigante de Altzo. «El hombre más alto del mundo».

Cine. Películas. Handia. Gigante de Altzo. Gigante. Premios Goya. Premios Goya 2018.

,

Los archivos del Pentágono. The Post. Muy recomendable. La prensa debe servir al pueblo, no al poder.

Los archivos del Pentágono. Titulo original The Post.
Director Steven Spielberg. Guión Liz Hannah, Josh Singer. Música John Williams. Fotografia Janusz Kaminski. Duración 116 min.
La película te dejará sin aliento, exhaust@. Desde el primer momento el film de Spielberg vuelve a escalar las difíciles cumbres de la alta dirección y felizmente logra hoyar un difícil lugar en la cumbre. Por un lado y desde el primer momento el poliedrico producto de una industria con mayúsculas nos muestra a una mujer poderosa de perfil bajo, pero que luego tornará, son muchos años de un educación represora e injusta, en la que por género, la mujer es ninguneada y, por lo tanto no tenida en cuenta en un ambiente copados por hombres. Por otro lado lado, la Guerra de Vietnam un conflicto bélico sazonado con mentiras al pueblo americano, que se sacrificó inútilmente en aras a un orgullo mal entendido. En unas imágenes rítmicamente perfectas, dulcemente compuestas en color y volumen nos descubren, el ambiente de redacciones periodísticas de despachos y reuniones.
En 1971 The New York Times y The Washington Post, competidores, se unen finamente en una causa común por la libertad de prensa en contra del intento del presidente Nixon de restringir la primera enmienda. El tribunal supremo tuvo que pronunciarse. Katherine Graham (Meryl Streep), primera mujer editora del Post, y el director Ben Bradlee (Tom Hanks), son los protagonistas de esta épica historia basada en hechos reales.
Reconozco que no soy muy partidario de Hanks ni Streep pero en esta ocasión vuelan a una gran altura y en este verdadero duelo de titanes en el que se entienden tan bien, pese a ser la primera vez que trabajan juntos, Hanks esta cumbre. También esta,  es la primera vez que Spielberg trabaja con Meryl. Se echa de menos a Tom Hanks en la nominación a mejor actor a los Premios Óscar, así como alguna nominación más como las de guión, música, dirección; pues la película se las merece sobradamente. Sus cicateras nominaciones a los premios Oscar son, a mejor película y mejor actriz.

Una gran película que se debe ver.

Los archivos del Pentágono. The Post. Muy recomendable. La prensa debe servir al pueblo, no al poder.

Los archivos del Pentágono. Cine. Películas. Arte. Premios Óscar. Spielberg. Meryl Streep. Tom Hanks.