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Expresionismo Abstracto. Un arte nuevo asoma en Nueva York

Expresionismo Abstracto:

Escuela de Nueva York. American Type Painting. Abstrac Expressionism, Action Painting, Gestual Painting

Son algunas de las etiquetas que se relacionan con este movimiento artístico, fechado en la ciudad de Nueva York, a comienzos, de los años 40, del extinto siglo XX.

Convergence. (1952). Jackson Pollock

Estados Unidos, adquiere un lugar prominente, en el panorama artístico internacional; una vez acabada la Segunda Guerra Mundial; las obras de arte; la manera de concebirlas así como, la libertad creativa, había sido duramente cercenada en Europa, y muchos creadores se encontraron exiliados en el nuevo continente, y especialmente en la ciudad de Nueva York, (aunque no exclusivamente), la joven metrópoli, se convierte así, en la capital de la modernidad, en ella, un pequeño grupo de artistas con inquietudes similares, se interesan al mismo tiempo, por el mito americano, si bien, conservando una importada influencia intelectual europea.

Algo nuevo está naciendo, el tiempo, ha transformado (como no puede ser de otra manera), también el arte, como un parte de la vida, imprescindible, e imparable. El artista reclama un lugar en la sociedad. La vitalidad se impone naturalmente, también, la introspección, la soledad y la lucha, a la vez, que se abandonan radicalmente las sendas de lo trillado, y del aburguesado, y cómodo camino abaldosado.

La libertad, la afirmación del individuo, el libre, e ignoto inconsciente, son, semillas de expresión, a la vez que una neta, declaración de intereses.

Canto XIV. (1964). Barnett Newman

Los pintores americanos, Pollok, Motherwell, Newman, y migrantes como De Kooning, Gorky, o Rothko, de raíces europeas, entre otros, se enfrentan valientes ante un nuevo camino. Trazo, mancha, materia, goteos, textura, automatismos, (heredados del surrealismo europeo), pureza, y expresión inconsciente, abandono, azar, sinceridad, crudeza. Todo esto, es el Expresionismo Abstracto.

Memoria in Aeternum. (1962). Hans Hofmann

Una mención especial merece, Hans Hofman. Pintor nacido en Alemania en 1880, y fallecido en Nueva York en 1966. Residió en Múnich, París, y finamente, nuevamente en Nueva York. En todas esta ciudades se dedicó a la enseñanza del arte, Jackson Pollok y Mark Rothko, se encuentran entre sus alumnos. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del Impresionismo Abstracto.

La expresión libre del artista, que se implica, remanga y recurre a la acción desde su individualidad existencialista. Se derriban así, las barreras de lo racional o planificado, y como pioneros prospectores avanzan instintivamente. Estar dentro, ser parte, de lo que finalmente será su obra terminada, es algo místico. Obteniendo, así, finalmente una marca, una huella, que tiene que ver con el momento, y que quedará para siempre atrapada, con el alma etérea, y la pesada masa del artista.

Black Red and Black. (1968). Mark Rothko

Rothko por ejemplo, pintaba grandes formatos, para  de alguna manera, sentirse durante el proceso (en sí mismo un fin creativo), “dentó de su pintura “, Rothko, acabaría interviniendo, místicamente con su obra, en la capilla de… “Rothko Chapel”, capilla abierta a todas las religiones, situada en Houston, Texas.

Pintores españoles como, Esteban Vicente, y José Guerrero, son una muestra local,  de la influencia de este movimiento, en el panorama, del arte contemporáneo internacional.

Autumn. (1993). Esteban Vicente

La sensación de vértigo atrapa al pintor, que con un golpe de fuerza, pelea con la materia, traza caminos, mientras trata de librarse concienzudamente, de todo lo que conoce, para abandonarse en un diálogo intradiagetico, en el que, juega un papel importante, el azar, y finalmente, y como parte fundamental, del resultado, el criterio de artista.

Sin titulo. (1963). José Guerrero

El resultado es algo puro, diferente, y lo más importante, trasmite autenticidad. En cuanto a la asociación de manchas, y las formas resultantes, que asociamos con imágenes concretas, De Kooning manifestó “El objetivo del expresionismo abstracto, no es la abstracción, sino la expresión».  También declaró, «De una manera espiritual, las formas abstractas deben parecerse a algo”.

Recogimiento, grandes áreas de color que inundan los lienzos, veladuras, transparencias de capas, misticismo y religiosidad, nos transmiten tal vez la ensoñacion, de un sutil paisaje, sugerido.

Expresionismo Abstracto. Un arte nuevo asoma en Nueva York

Expresionismo Abstracto. Abstracto. Abstracción. Arte abstracto. Arte. Movimiento artístico. Nueva York

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HYBRID Art Fair. Séptima Edición. Exposiciones

Buenas tardes, apasionados por el Arte. A continuación paso a informaros de un evento artístico, que me motiva mucho, a la vez necesario, y muy interesante.

Adjunto, nota de prensa, y fotos de algunas de las obras que formarán parte esta estupenda, séptima edición, de Hybrid Art Fair

Nota de prensa

HYBRID Art Fair, cuya séptima edición tendrá lugar entre los días 24 y 26 de febrero, ha desvelado las iniciativas que integrarán su programa DISPLACED, otro de los grandes atractivos de la feria.

Información práctica HYBRID Art Fair 2023

● 3 días para visitar la feria más alternativa de la semana del arte de Madrid: 24, 25 y 26 de febrero

● Ubicación: Hotel Petit Palace Santa Bárbara (Plaza de Santa Bárbara, 10 <Metro Alonso Martínez>).

● Entradas disponibles en la web: https://hybridart.es/fair/compra-tus-entradas-feria-2023/

● Precio: 8,84€ entrada anticipada online hasta el 21 de febrero / 10,5€ entrada online después del 21 de febrero y en taquilla / entrada gratuita niños menores de 12 años acompañados de un adulto

HYBRID Art Fair, la cita más alternativa de la semana del arte madrileña, celebra su séptima edición en 2023 entre los días 24 y 26 de febrero, en la Semana del Arte en Madrid, en el Hotel Petit Palace Santa Barbara, 10. Madrid.

El programa de intervenciones efímeras de artistas independientes en los lugares de tránsito de la feria estará compuesto por 10 propuestas artísticas que interactúan de diversas formas con el entorno del hotel; obras espontáneas en espacios singulares: instalaciones basadas en la  fugacidad de sus elementos como la luz, objetos encontrados, proyectos participativos, acciones, performances, etc.

3 días, viernes, sábado y domingo, de espacios independientes, artistas emergentes y proyectos comisariados site-specific. Una feria que contará con expositores nacionales, procedentes de distintos puntos de España, e internacionales, de países como Italia, Reino Unido, Alemania, Japón, Ecuador, Chile, Israel, Grecia y Austria.

Además de DISPLACED, el programa de intervenciones efímeras de artistas independientes en los lugares de tránsito de la feria, los asistentes a HYBRID podrán disfrutar de charlas, performances, proyecciones, sesiones fotográficas en directo, talleres para niños, etc. durante los tres días que dura la feria.

 

Una selección de 33 espacios e iniciativas artísticas de las más potentes de la actualidad desplegarán sus propuestas. Un año más, y ya van 7 ediciones, las habitaciones de un céntrico hotel madrileño se convertirán en espacios de arte, ofreciendo a los visitantes una experiencia artística cercana a creadores, galeristas y otros agentes culturales.

El listado de expositores de HYBRID Art Fair 2023 lo componen:

Plurale, de Verona (Italia); YE Collective, de Londres (Reino Unido); EY!Studio, de Madrid (España); Raum E116, de Berlín (Alemania); The Woman Art Gallery, de Berna (Suiza); Cobertura Photo, de Sevilla (España); Systema Gallery, de Osaka (Japón); Inéditad, de Barcelona (España); The Artist Pool, de Londres (Reino Unido); Miscelanea, de Barcelona (España); Artizar, de La Laguna (España); La Doce, de Boiro (España); Chini Gallery, de Taipéi (Taiwán), gracias a la colaboración de la Oficina Económica y Cultural de Taipéi; Lalatente, de Madrid (España); Laecléctica, de Huelva (España); Galería Beatriz Pereira, de Madrid (España); Veo Arte en todas pArtes, de Madrid (España); Os Catro Gatos, de Santiago de Compostela (España); Artágora, de Sevilla (España); Mumaf, de Manises (España); La Parida Gallery, de Madrid (España); Espacio Punto Nemo, de Madrid (España); La Ermandâ Indûttriâh, de Sevilla (España);Walltic, de Madrid (España); Fundación Proarte, de Samborondón (Ecuador); Nom-Studios, de Londres (Reino Unido); Galería Lucía Dueñas, de Oviedo (España); Refugallo, de Pontevedra (España); Amagats, de Barcelona (España); Galería de Arte Trece, de Santiago de Chile (Chile); Analia Segal, con el apoyo del Centro Sefarad-Israel; Ametron Art Space Chania (Grecia), y Dessous, con la colaboración de Parallel Vienna y el Foro Cultural de Austria.

Una cita siempre interesante y lúdica, con Hybrid Art. Todos los años acudimos a ella, con mucho interés. Recomendable, a todos los que amamos el Arte.

Con posterioridad  al evento artístico, publicaré una nueva entrada sobre la feria, en este blog. En ella, os contaré, mis impresiones de la feria y algún material gráfico.

Feliz día de arte a todos.

HYBRID Art Fair. Séptima Edición. Exposiciones

Arte. Hybrid. Hybrid Art Fair. Feria de Arte. Exposiciones. Madrid

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Arte. Cardoso. «Yo sé de Egipto y Nigricia”

Cardoso Acuarela

Una magnifica acuarela de Cardoso

La tribu, siempre se ayuda, y delicadamente, cuida sus liturgias, conservando celosamente, símbolos crípticamente expuestos, y llenos de energía, que fluyen armónicos, y  comunican conceptualmente…, bellos y sugerentes, ignotos arcanos sagrados ya heredados.

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Yo sé de Egipto y Nigricia,

Y de Persia y Xenophonte;

Y prefiero la caricia

Del aire fresco del monte.

Yo sé de historias viejas

Del hombre y sus rencillas;

Y prefiero las abejas

Volando en las campanillas.

Yo sé del canto del viento

En las ramas vocingleras;

Nadie me diga que miento,

Que lo prefiero de veras.

Yo sé de un gamo aterrado

Que vuelve al redil, y expira,

Y de un corazón cansado

Que muere oscuro y sin ira.

José Marty. La Habana, Cuba, 1863. Dos Ríos, Cuba; 1895.

Arte. Cardoso. Acuarela. «Yo sé de Egipto y Nigricia, y de Persia y Xenophonte ; y prefiero la caricia del aire fresco del monte».

Cardoso. Acuarela. Pintura. Pintores. José Marty. Poesía

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Fotografía. Mindor. Es lo mas grande al pie de lo mas pequeño

 

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FOTOGRAFÍA. MINDOR

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EL SOL, LA ROSA Y EL NIÑO

El sol, la rosa y el niño
flores de un día nacieron.
Los de cada día son
soles, flores, niños nuevos.

Mañana no seré yo:
otro será el verdadero.
Y no seré más allá
de quien quiera su recuerdo.

Flor de un día es lo más grande
al pie de lo más pequeño.

Flor de la luz el relámpago,
y flor del instante el tiempo.

Entre las flores te fuiste.
Entre las flores me quedo.

Miguel Hernández

Fotografía. Mindor. Flor de un día es lo mas grande al pie de lo mas pequeño.

FOTOGRAFÍA. MINDOR. FOTÓGRAFOS. POESÍA. MIGUEL HERNÁNDEZ

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Arte. Hybryd Art Fair. 5ª Edición. Mayo. Madrid. 2021

HYBRID Art Fair, 5ª edición.

HYBRID Art Fair. Del 28 al 30 de Mayo. 2021. Hotel RIU Plaza EspañaMadrid

20 expositores de arte arriesgado y vibrante. 5 países, y obra, de más de 70 artistas.

HYBRID Art Fair 2021: 28, 29 y 30 de mayo. 3 días, viernes, sábado y domingo, del arte más potente del momento

Artista. Sergio Frutos

Hybrid. Es una Feria de Arte, que me gusta recomendar.

La he visitado desde su 2ª Edición, y desde entonces, es una muy deseada cita anual de la que conservo inolvidables momentos, y que procuro no perderme. Solo Ella, aporta… eso, que en otras ferias, no es posible. Este año cambia de fechas y sede, visítala. Pasarás tu tiempo bien empleado; la evasión y la cultura unidas, en una feria diferente y sumamente atmosférica, y sorprendente, de agradables contrastes, y sensaciones en las que esencialmente, la instalación, en su más íntima raíz, nos presenta en una estupenda envoltura artística, el gran interés del principio exhibido. 

Las entradas para la feria de arte, están disponibles en la web hybridart.es/fair/, en esta edición organizadas, por tramos horarios de acceso, y aforo limitado debido a la pandemia.

HYBRID Art Fair es una feria internacional de arte contemporáneo de espacios independientes y artistas emergentes, en sus cuatro ediciones anteriores, ha adquirido gran notoriedad y consolidado como el evento más alternativo del panorama madrileño, con un programa general de expositores y propuestas curatoriales pensadas específicamente para las habitaciones del hotel en que se celebra. Una experiencia diferente y única, con la posibilidad constante de interacción entre artistas y público.

Expositor. Hoast. Viena. Austria

HYBRID Art Fair estrena fechas, y sede: el Hotel Riu Plaza España, inaugurado en 2019 dentro del enigmático y fascinante Edificio España, imponente edificio, construido entre 1948-1953, de estilo neobarroco, con 117 metros de altura y una vista de 360º, de Madrid desde su terraza. La feria ocupará la sexta planta, desde la cual se podrá ver el nuevo proyecto de renovación de Plaza España que finaliza en mayo.

 Las habitaciones del icónico edificio se transformarán por primera vez en espacios artísticos en los que primarán los proyectos instalativos, la exhibición del arte más vibrante, y la interacción entre artistas y público. Enmarcada en el contexto de la pandemia provocada por el coronavirus, la feria se celebrará en cumplimiento de todas las medidas sanitarias y de protección vigentes.

Miscelanea. Barcelona

Hybrid Art Fair presenta una veintena de propuestas artísticas

En el programa de expositores participan galerías de arte, espacios independientes e instituciones de 5 países.

Más de 70 artistas, a través de la pintura, el dibujo, la fotografía o las artes multimedia, abordan ejes temáticos clave para entender el mundo actual.

Fiel, a su vocación de epicentro de nuevas tendencias. La feria ofrecerá una selección de proyectos nacionales e internacionales con fuerte carácter instalativo, centrándose en artistas emergentes y propuestas experimentales. Una experiencia original y diferente para los amantes del arte.

Le Mur Gallery

HYBRID Art Fair es una feria de arte, de espacios independientes y artistas emergentes. Una oportunidad única para invertir en la creación independiente más estimulante

Alrededor de 20 expositores nacionales e internacionales, tienen confirmada su participación,así como artistas de países como Austria, Alemania, Israel y Taiwán a través de nuevas colaboraciones institucionales con la Oficina Económica y Cultural de Taipéi, El Foro Cultural de Austria y El Centro Sefarad-Israel.

Utilizando diferentes medios como la pintura, el dibujo, la fotografía y las artes multimedia, las obras están atravesadas por ejes temáticos clave para entender el mundo actual: género, reflexiones sobre ideología o tecnología, el colapso medioambiental, aproximaciones eclécticas y teatrales a la crisis global, exposiciones que buscan tejer puentes entre territorios, u obras en las que el proceso es tan importante como el resultado.

Espacios participantes en Hybrid Art Fair 2021

Galerías nuevas, o con prestigioso recorrido, colectivos de artistas autogestionados, instituciones que apuestan por el arte emergente

Cobertura Photo (Sevilla), Galería César Sastre (Sevilla), Galería Artizar (La Laguna, Tenerife), Raum E116 (Berlín, Alemania), LaLatente (Madrid), Cadmium Art Gallery (Madrid), Visión Ultravioleta (Madrid), Miscelanea (Barcelona), Nitido gallery (Marbella), Le Mur Gallery (Madrid), Laecléctica (Huelva), Solaina (Lugo), Bolidismo (Bilbao), White Lab (Madrid), Galería de Arte A Ciegas (Madrid), Das Weisse Haus. Foro Cultural de Austria (Viena, Austria), Hoast. Foro Cultural de Austria (Viena, Austria), Oficina económica y cultural de Taipéi (Taipéi, Taiwan) y Centro Sefarad-Israel (Madrid).

Ana Sanfrutos, Eugenia Chenlo y Aida Chaves, directoras de HYBRID Art Fair, declaran que “En esta quinta edición presentamos nuevas propuestas expositivas de espacios que confían en la feria desde sus inicios y también nuevos participantes como galerías jóvenes de Madrid y de otras partes de España como Lugo o Marbella. Un año más la feria vuelve a ser un escaparate de nuevos espacios de creación con propuestas que combinan su programa expositivo con residencias para artistas y otras actividades de índole transversal, son iniciativas muy especiales y acordes a los tiempos que corren.”

Gracias Hibryd, Un año más; y si cabe especialmente este, con sus fatales circunstancias covid, que nos afectan tanto; por vuestro esfuerzo para hacerla posible, otra edición y ya es la 5ª. Con todas las medidas preventivas… De nuevo todo en marcha, una parcela, de un gigantesco oasis, donde seguir respirando arte alentando nuestras vidas

Arte. Hybryd Art Fair. 5ª Edición. Mayo. Madrid. 2021

 Arte. Hybrid. Hybrid Art Fair. Feria de Arte. Arte Contemporáneo. Madrid

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Arte. Paul Gauguin. «Yo soy un salvaje»

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Autorretrato

PAUL GAUGUIN. París 7 de junio de 1848. Autona, Islas Marquesas 9 de mayo de 1903.

POSIMPRESIONISMO

Fue el menor de los dos hijos del periodista Clovis Gauguin, y Aline Chazal, a la sazón, hija de la activista peruana Flora Tristán. Tenía un año, cuando se ven obligados al exilio (a causa del golpe de estado de Napoleón III, Clovis, el padre de GAUGUIN era antimonarquico). Durante el duro trayectos del exilio Clovis, fallece; el resto de la familia; su madre, su hermana y él, con poco más de un año de edad, se establecen en Lima, Perú, en casa de un tío; es en esta ciudad donde GAUGUIN, realiza sus primeros estudios reglados, con muy buenas notas.

1855. Regresan a Francia

Con 17 años Gauguin, se separa de su madre, con la que a menudo no está de acuerdo, y decepcionado, y huyendo alocado como una gran bestia herida, se alista primeramente en la marina mercante, para después hacerlo en la armada francesa; al poco tiempo Flora Tristán, su abuela, fallecería.

Despues de 5 años, en los que conoce mundo y participada en una guerra (Guerra franco-prusiana, 1870/1), regresa a París. En 1873 a la edad de 25 años, se casa con la pintora sueca Mette Sophie Gad con la que tuvo 5 hijos. En París lleva la vida del perfecto burgués acomodado; casado y con hijos, es un aplicado agente de cambio y bolsa, al que sus negocios marchan viento en popa…, a velocidad de crucero, pero…

1874 EL SALVAJE ASOMA LAS OREJAS

GAUGUIN, conoce a Camille Pissarro. Le fascina su obra y se interesa apasionadamente por el Impresionismo. Comienza a recibir clases de PINTURA; poco después expondrá sus obras en el círculo de los impresionistas. También es coleccionista, adquiere pinturas de Manet, Cézanne, Monet, Pissarro.

1882. EL SALVAJE SE HACE FORMA

GAUGUIN, abandona su trabajo en la Bolsa (en 1882 la bolsa francesa atravesó una grave crisis, en la que el pintor, perdió una parte importante de su patrimonio), y decide dedicarse por entero al Arte. Para poder subsistir, se dirige con su mujer y sus cinco hijos a Copenhague, Dinamarca, donde viven en casa de su familia política; desgraciadamente los negocios no van bien y la convivencia tampoco; finalmente los abandona, y regresa a París en 1885… Donde ya totalmente entregado a la pintura, visita a Pissarro en Ruan (Normandía), y realiza un viaje a Panamá.

1986. Conoce a Van Gogh y a su hermano Theo, marchante, que a partir de entonces lo apoyará compradole obra, y organizándole exposiciones. Se traslada a Pont-Aven, en Bretaña.

Paul Gauguin conoce a Emile Bernard amigo de Van Gogh y, los tres enseguida se convierten en inseparables.

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Vincent Van Gogh pintado los girasoles. 1888

1888. Sucede el famoso episodio de la «Oreja de Van Gogh». Así ocurrieron los hechos… Cuando Gauguin vivía, y pintaba en el año 1888, con su amigo Van Gogh en los prados amarillos de Arles, después de una pelea que ambos mantuvieron a la puerta de un burdel; según algunas teorías, Gauguin, le habría seccionado a Vincent una de las orejas, según otras, fue el propio Van Gogh, quien se automutiló. Después de estos dramáticos sucesos, ya nunca volverían a ser amigos. Gauguin, pensaba que Vincent estaba loco, y recordad, ¡que sí!,  el miedo es libre.

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Arearea. (1892)

UN SALVAJE REAFIRMADO

«Llegará un día en el que me enterraré en los bosques

de alguna isla de los mares del sur y allí viviré en  éxtasis de paz,

con mi arte, rodeado de mi nueva familia,

lejos de Europa y de la lucha por el dinero»

1891.Gauguin, es ahora, un salvaje que rompe con todo lo establecido. No le Interesa la sociedad que conoce,»la sociedad del mercado». En busca del paraíso perdido comienza el periplo viajero, y el errático cambio, sus próximos destinos van a ser: Isla de Taboga. Itsmo de Panamá. Martinica. Tahití, y Polinesia. Sobrevive gastando poco, con la magra herencia que le dejó su tío Isidore, y la venta de algunos de sus magníficos cuadros.

1897. GAUGUIN, enfermo, cansado, y arruinado, intenta quitarse la vida con Arsénico.

1891. Se establece en las Islas Marquesas.

1903. Enfermo de sifilis y con grandes problemas de alcoholismo fallece en Autona, Islas Marquesas.

LA PARADOJA DE GAUGUIN Y EL DINERO

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¿Cuando te casas? (1892)

MERCADO DEL ARTE

Recordais sus palabras, «Lejos de Europa y de la lucha por el dinero»… En el año 2015, El Emirato de Qatar, adquirió la obra «¿Cuando te casas?», por 300 millones de dólares; la obra de arte más cara de la historia; mandando a la segunda posición, al récord de cotización mundial, que hasta entonces había pertenecido a «Los jugadores de cartas» de Cezzane, vendido en 250 millones y que fué adquirido por los mismos propietarios que en este caso, el Emirato de Qatar, en 2013.

ARTE. PAUL GAUGUIN. «YO SOY UN SALVAJE»

Arte. Pintura. Paul Gauguin. Pintores. Posimpresionismo. Mercado del Arte. Van Gogh

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Arte. Naturaleza y Materia. Tomás Bartolomé

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Naturaleza y Materia. 2011. Tomás Bartolomé

Nature and Matter

Óleo sobre lienzo. Oil/Canvas. 33×24 cms

«Hercúlea Naturaleza»

Hercúlea naturaleza; inválido hombre,

Que  la hiere; que le roba.

Abuso desnudo, objetos; asentados.

Pétrea materia, más fuerte…

Que los chisposos saltos de agua;

Más fuerte; que una herida en el pecho;

Más  fuerte, más fuerte, no mejor;

Pero si más fuerte… que una flor.

Más fuerte, no mejor; asido al asa;

Acero de alfileres, alfileres delgados,

En delgados dedos blancos.

Tomás Bartolomé

Esta pintura participó en Art Fair Málaga Feria de Arte Contemporáneo que se celebró en la ciudad de Málaga, del 30 de junio al 2 de julio de 2017, en el Palacio de Ferias y Congresos.

Óleo en venta. Más información, en e-mail de contacto… tomy.bart@hotmail.com

Oil for sale. More information, in contact email … tomy.bart@hotmail.com

Arte. Naturaleza y Materia. Nature and Matter. Hercúlea Naturaleza; inválido hombre, que la hiere; que le roba.

Arte. Pintura. Tomás Bartolomé. Naturaleza y Materia. Nature and Matter. Óleo/Lienzo. 

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Auguste Rodin. Arte para comer y Arte para transgredir

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Los Burgueses de Calais. (1895). Rodin

Auguste Rodin. París 1840. Maudon, Francia, 1917.

Estudió en La Escuela de Artes Decorativas de PARÍS. Primeramente trabajó para otros escultores.

Cuando conoció al gran amor de su vida, y que siempre estaría a su lado, Auguste RODIN tenía 23 años, ella, Rose Beuret era costurera. También fue su inspiración, modelo y musa; poco después tendrían un hijo que llevaría los apellidos maternos.

ARTE PARA COMER

Realizaba sobre todo piezas decorativas para el consumo de la burguesía de su tiempo. Tenía 30 años, cuando se declaró la Guerra Franco/Prusiana. No participó en ella a causa de su mala visión, era un gran miope. Se traslada a Bruselas, allí trabaja en un taller de escultura ajeno. Es una época en la que el artista para poder subsistir necesita trabajar para otros. Ya establecido por su cuenta y gozando de un gran éxito, sus esculturas fueron tan demandadas, como falsificadas, en su taller trabajaban muchos, y los moldes de escayola, se apilaban monótonas, almacenadas en los estantes. Su arte se hizo entonces, comercial y mecanizado.

VIAJE INICIATICO A ITALIA

Con 35 años, Auguste RODIN viaja a Italia donde estudia a los grandes maestros Miguel Ángel y Donatello.

REGRESO A PARÍS, Y DENUNCIA, POR TRAMPOSO

Una obra suya «La Edad de Bronce«, una escultura a tamaño natural de un hombre desnudo, (primera obra en bronce de Rodin) es el punto de partida para un estilo más personal. Con «La Edad de Bronce» llega la polémica; muchos son los que creen, que no puede haber tanta perfección en una escultura, sin hacer trampas y acusan/opinan que RODIN obtiene sus moldes directamente del cuerpo del modelo, y no del modelado del barro en el taller. Al fin se demuestra la verdad (su maestría), por medio de  documentos gráficos, y testimonios de testigos, y se le autoriza por fin a fundir su veraz obra en bronce.

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La edad de bronce. Mármol. Rodin 

Edgard Degas, declara a favor de AUGUSTE RODIN en el proceso,  aportando su testimonio personal, demuestra que Auguste RODIN, no es un farsante, sino más bien un escultor, que no hace trampa y que modela sus esculturas en barro, copiando del modelo, y guiándose por sus dibujos. Demostrándose así…, «su inocencia y su genialidad al mismo tiempo».

ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste RODIN alcanza la fama. Desde ese momento, podrá elegir sus propios trabajos. La pieza de la polémica, «La edad de bronce», es finalmente adquirida por el estado francés.

iSu fuerza creadora se desborda, es el momento de mostrar otros caminos; caminos nuevos!

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Los Burgueses de Calais. Rodin 

En esta época de controversia y transgresión, realiza » Los Burgueses de Calais», en ella representa a seis Nobles de Calais que van a ser sacrificados, pronto darán sus vidas por los vecinos de la ciudad. La historia de este hecho se produce durante el asedio de las tropas inglesas a Calais, Francia, al inicio de la Guerra de los Cien Años, en 1347.

RODIN se especializa en la anatomía del cuerpo humano. Su calidad, es indiscutible; tan perfecta, que como hemos visto anteriormente levanta sospechas. Su poética sensibilidad, se funde con la naturaleza de la piedra y sus manos de exquisito cirujano, trabajan la píel del frío mármol insuflandole calor… La piel…,  y la piedra

Ahora el escultor por fin tiene su propio taller donde trabajaban, una veintena de canteros. RODIN también revoluciona la ESCULTURA en espacios públicos.

En 1886 conoce a la escultora Camille Claudel y se casan, viajan por Francia e Inglaterra. Dos años después abren un taller de ESCULTURA. El matrimonio no va bien. Debussy, (el afamado músico), se enamora perdidamente de Camille. Los esposos permanecen separados. Camille vive entre la miseria y el abandono; echa toda la culpa de su mala situación personal y profesional al escultor y  en diferentes ocasiones, presa de ira, y  desesperación destruye parte de su obra, y negocia ventas por su cuenta. Está enferma, y acaba ingresando en un hospital para enfermos mentales.

SE CASA CON ROSA BEURET EL GRAN AMOR DE SU VIDA

Finalmente en 1917, RODIN, se casa con Rose Beuret, su novia de toda la vida a la que conoció con 23 años, y con la que tuvo un hijo que llevaba los apellidos maternos, y con la que por fin contraería matrimonio a los 77 años de edad. Tristemente, los dos enamorados fallecen el mismo año de su boda, primero Rosa, y luego a los pocos meses Auguste. Un final agridulce para uno de los escultores mas grandes de todos los tiempos.

Los museos que más obras de RODIN contienen, son: El Museo Rodin de París, merece una visita, es un museo maravilloso, y el Museo Rodin de Filadelfia, Pensilvania.

AUGUSTE RODIN. ARTE PARA COMER Y ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste Rodin. Rodin. Escultura. Escultores. La edad de bronce. Los burgueses de Calais. Arte

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Arte. José Gutiérrez-Solana. Pionero, expresionismo español

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Autorretrato. 1920

José Gutiérrez-Solana. Madrid 28/2/1886. Madrid 24/6/1945

Su padre, era un mexicano, que habiendo recibido una jugosa herencia, vino a España, a casarse con una española de Cantabria. Así pues será desde entonces, una familia acomodada, el seno, en el que viene al mundo, nuestro ávido protagonista.

 

Con muy pocos años de edad, el futuro artista, sufre algunos sucesos dramáticos que le marcarían; primeramente, su familia, acumulará importantes revéses económicos, a consecuencia de la triste perdida de las colonias españolas en América, (la familia poseía en aquellos predios, importantes inversiones financieras). Muy afectado por la inevitable debacle, en 1898 acontece también en su vida una irreparable pérdida, fallece su padre, como antes habia sucedido con un primo suyo muy querido, y una hermana; su madre padecería desde entonces, importantes crisis nerviosas, y su hermano Luis al que se encontraba muy unido, también. Todos estos nefastos acontecimientos marcarían ya para siempre, el color de sus obras, y su dramático carácter.

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El el espejo de la muerte. 1929

Las primeras clases de dibujo, las recibe Solana de su tío, José Diez Palma, que a la sazón, ejercía  la docencia como catedrático de dibujo, en la Universidad de Salamanca, posteriormente (1900/4), Gutiérrez-Solana estudiaría en La Academia del Bellas Artes de San Fernando de la capital de España.

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Chulos y Chulas. 1906

1906. Recibe, La Mencion De Honor de la Escuela Nacional de Bellas Artes

1914/5. Expone en Londres, solo son dos obras, pero obtiene un importante éxito

1909/17. Su familia reside de manera habitual en la bella ciudad de Santander, Solana vive a caballo entre la capital cántabra y Madrid, aunque a menudo, digamos mejor, que con mucha frecuencia, viaja por diferentes localidades de Castilla, Andalucía, Aragón, La Mancha, viajando cargado con sus pinturas, allá donde haya una fiesta popular, algún evento taurino, deportivo…, el ambiente del barrio chino; mas lo que le encanta sobre todas las cosas, es su querido rastro madrileño. Y todo lo que ve, lo dibuja, y también lo escribe. A Solana le interesa todo, es inquieto y con innumerables intereses.

1917. Tercera Medalla en la Exposición Nacional. Empieza a trabajar el grabado con la técnica del aguafuerte.

Se instala en Madrid de una manera más permanente, allí visita todos los museos, pero donde acude con más frecuencia, es al maravilloso Museo del Prado, donde admira las pinturas… y sueña. Curioso como es, también le interesa, el por entonces destartalado, pero entrañable, Museo Arqueológico. Luego aún tiene tiempo para visitar a diario, las tertulias de los entrañables cafés madrileños, como el Nuevo Café Levante, y el Café Pombo, que retrata en una de sus pinturas, «Los amigos». Se trataba de unas tertulias donde se daban cita, lo mejor, lo más florido, de la intelectualidad y el arte, en la España de príncipios de Siglo.

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Tertulia en el Café Pombo. 1920

1921. Expone en el Ateneo de Santander.

1926. Exposición en USA.

1927. Primera exposición individual en Madrid en el Museo de Arte Moderno.

1928. Gutiérrez-Solana expone en París sin mucho éxito.

1930. Primer premio por la obra Osario, Museo de Bellas Artes de Madrid. Expone en USA y Europa.

1933. Primer premio concurso nacional de retratos.

Su estilo es muy personal, e inconfundible, los principales temas de sus pinturas son las  fiestas populares, costumbres, y retratos. Colores sobrios, figuras adustas, misterio, drama; todo esto bajo empastes, y trazos de gruesa figura. Lo llamaron tenebrista, con sus claroscuros y también expresionista, y macabro. Feista. Pinta lo grotesco y a veces, para algunos es molesto, porque Solana también es crítico.

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La reunión de la botica. 1934

1936. Comienza la Guerra Civil (incivil) Española. Solana reside en Valencia, y posteriormente en París. En este periodo Gutiérrez- Solana es ya un pintor de reconocido prestigio, y sus obras recorren con éxito, diferentes exposiciones internacionales.

En 1945 el año de su fallecimiento, recibe a título póstumo la Medalla de Honor de la Exposición Nacional de Bellas Artes.

Arte. José Gutiérrez-Solana. Está considerado como el pionero del expresionismo español

Pintura. José Gutiérrez-Solana. Gutiérrrez-Solana. Solana. Pintores. Expresionismo español

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Arte. Tiempo. Tomás Bartolomé. Óleo Lienzo

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TIEMPO. TOMÁS BARTOLOMÉ. 2017. Óleo Lienzo

Óleo/Lienzo. Óil/Canvas. Medida/Measure. 50 x 73 cm.

Clasicismo contra Vanguardia y modernidad

Que pronto mudará lo ya sabido y por lo tanto irremediablemente dejará paso a un nuevo modo de expresión artística.

A finales del siglo XIX nació en Málaga un genio, que en Barcelona copiaba el  Clasicismo y, que en París lo puso todo patas arriba. Pablo Picasso en los albores del siglo xx, desgarró el delicado velo de un Arte nuevo, El Cubismo.

Puedo imaginarme a Pablo Picasso trabajando incansablemente y fumando, y también, el momento mágico en que embargado y consciente, muéstra por primera vez, Las señoritas de Avignon al flacucho de Braque que NO se acaba de creer la maravilla enorme, que veían sus asombrados  ojos. Mas, a la vez comprueba entre seguro y extasiado que…, NO ESTÁ SOLO.

Después vendrían El Pop Art de Warhol o el Expresionismo Abstracto de Rothko.

Caminos de Arte antes nunca hollados, e inevitablemente existentes, esperan a ser transitados en este mismo momento, el riesgo merece la pena…

CAMINANTE NO HAY CAMINO. (Fragmento).

Caminante son tus huellas

El camino y nada más;

Caminante, no hay camino,

Se hace camino al andar.

Antonio Machado

Más información sobre esta pintura. Interesados dirigirse a…contacto@tomasbartolome.com

Pintura. Tiempo. Tomás Bartolomé. 2017

Arte. Pintura. Tiempo. Tomás Bartolomé. Pintores. Antonio Machado.