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Oscar Wilde Machacado. Corazones secos, mentes miedosas, en una sociedad mediocre, cavaron su tumba

Oskar y Alfred

Oscar y Alfred

Oscar Wilde. Dublín. 16 de octubre de 1854. París 30 de noviembre de 1900.

Su padre era cirujano y su madre, además de escritora, una importante activista política que luchó obstinadamente, por la independencia de la verde y bella Irlanda. Empezaré  por decir que lo que vivió Oscar Wilde, fue la horrible  Época Victoriana, que por cierto, no se caracterizaba por su tolerancia y si, por sus múltiples prejuicios; fue una época socialmente encorsetada, convencional e inmovilista…. Hipocresía y cinismo a partes iguales.

Llamaba mucho la atención de aquella sociedad anquilosada, y herrumbrosa, aquel escritor tan extravagante, con el pelo tan largo, y aquella estrambótica forma de vestir. Aquel escritor que arremetía en cuanto podía, con los convencionalismos imperantes, y la tozuda intolerancia.

Además, y esto les dolía más aún si cabe, era un magnífico escritor, con un ingenio innegable. Oscar Wilde, alcanzó una popularidad enorme en todos los lugares por igual; en los salones, o en las selectas coctelerías, donde se bebía Ginebra Rosa, en copas de boca grande, y delicado y brillante cristal. Se comentaban sus escritos mordaces y críticos… ¡Se le amaba y se le odiaba!

Escribía, novelas, cuentos, poesía. Algunas de sus obras más conocidas son:

“La importancia de llamarse Ernesto” y “El retrato de Dorian Gray”.

EL NOVENO MARQUES DE QUEENSBURY ARRUINÓ SU VIDA

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Foto. Lord Alfred Douglas. Hijo del marqués.

Un terrible suceso, marcó su vida para siempre, ocurrió en 1895, cuando Oscar Wilde tenía 41 años y se encontraba pletórico y enamorado. Wilde, tenía un amante del que se encontraba muy enamorado (Lord Alfred Douglas). El padre de Alfred, John Soltho Douglas, noveno Marqués de Queensbury, que sospechaba que su hijo y el escritor estaban liados, envió una carta a Oscar Wilde que rezaba :

 “Para O. W. aquel que presume de sodomía”

Animado por  su pareja, Alfred Douglas, (a la sazón, hijo del Marques, Oscar Wilde) se dirige al juzgado y tramita una  denuncia contra el Marqués John Solto Douglas por injurias. Después de muchos juicios el escritor, pierde el pleito, y es condenado a dos años de prisión por atentado a las buenas costumbres y sodomía. Tristemente, el artista, ingresa en presidio. Durante su estancia en la Carcel de Reading, Oscar Wilde, sigue escribiendo.

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Foto. Oscar Wilde.

El poeta después de este horrible suceso, es abandonado por su mujer (Constance), hija de un importante abogado, y también consejero de la Reina de Inglaterra, con la que el escritor se había casado en 1884. Es ciertamente abandonado, mas Constance, nunca se divorciaría de él…, Eso si, como no podía ser de otra manera (entonces), Oscar Wilde, perdió la patria potestad de sus dos hijos.

Despues de salir de prisión. Cumplida su condena; quebrado y roto, se traslada a París con identidad falsa, y allí, se reúne con Alfred Douglas, su egoísta amante. Decepcionado, y, después de una corta y problemática convivencia, acaban separándose, pues sufren fuertes presiones por parte de sus familiares, que amenazan a ambos con retirarles las pensiones, con las que pobremente subsisten. Además, parece que su declinante amor se ha eclipsado.

Poco tiempo después el genial, Escritor, Poeta, Ensayista, Dramaturgo, y Periodista, Oscar Wilde, fallece en París  en la más sórdida indigencia ¡Un triste final, para uno de los más grandes escritores de la literatura universal!

OSCAR WILDE MACHACADO

El amor propio mal entendido, y la cerrazón mental en los corazones secos y las mentes miedosas  de una sociedad mediocre, cavaron su tumba.

Oscar Wilde. Oscar Wilde Carcel. Literatura. Escritores. Tomás Bartolomé.

 

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Los Prerrafaelistas. Edward Burne-Jones. Prerrafaelismo al final.

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El último sueño de Arturo en Avalon. 1881.

Edward Burne-Jones 28 de Agosto de 1833, Birmingham. 17 julio de 1898, Londres.

Los Prerrafaelistas. En 1848 se fundaba en Londres, la hermandad prerrafaelista por un grupo de artistas, entre ellos, Millais, Dante Gabriel Rosetti, Holman Hunt, Everett; posteriormente se irían uniendo otros. Su objetivo era ofrecer a Inglaterra un arte personal social y democrático, que tuviera un mensaje al estilo de la pintura cristiana. No harían retratos ni paisajes, tampoco les interesaba el realismo. Vivían por la leyenda y la literatura y denostaban, la producción industrial en las artes decorativas, y la arquitectura. Su idea, era, en el mundo del arte, la denominación en el encaje social, de artesanos con el rango de Artistas.

BURNE-JONES HUÉRFANO

Burne-Jones. Era hijo de un dorador tallista, como también lo fuera, Francisco de Goya.

Solo tenía 6 días de edad, cuando su madre falleció. Lo criaron su padre y un ama de llaves, fría, distante, y huraña. Burne-Jones. Había nacido en 1833 en Birmingham, mas pensaba, que vivía en un siglo que no era el suyo, que no le correspondía. Padecía el artista, melancolía y pánico vital.

ESTUDIOS

Empezó  la carrera eclesiástica, en el Exeter College de Oxford con 20 años de edad, y se dedicó desde muy joven al dibujo; como literatura, prefería las rimas gloriosas y los versos heroicos de reyes y reinas. Sobre el realismo pensaba…“No tiene que ver nada con el arte, es solo una ciencia interesante y nada más”

Mientras, que Burne-Jones, se decidió a dejar la carrera eclesiástica; William Morris, su compañero en el Exeter College, amigo y posteriormente socio, al que apasionaban el arte y la arquitectura de la Edad Media quería ser arquitecto, mientras que Burne-Jones, sería artista. Finalmente, Burne abandonó Oxford, sin terminar los estudios. La amistad de estos dos artistas, duraría toda la vida.

Corría el año 1853, y los Prerrafaelistas se reunían prácticamente por ultima vez; la intención de Burne-Jones, era el retiro monacal, una vida tranquila alejada del puritanismo de la época.

TRABAJO Y BODA

1855. Dante Gabriel Rossetti, artista, al que admira Jones, es conocido por él en Londres, donde este, impartía clases de pintura, en una escuela popular de gran afluencia; además, de la docencia, Dante poseía un taller de arte, y con él, bajo su dirección trabajará, aunque Burne-Jones, sabrá siempre, mantenerse fiel a su estilo. Después Burne-Jones, viaja a Italia, donde estudia, a los clásicos, que a partir de este momento serán, para él una gran influencia.

1860. Boda. Se casa después de 4 años de noviazgo con, Georgiana MacDonald, que realizaba entonces estudios de arte. Quería ser pintora, y era hermana de uno de sus  amigos, después del matrimonio, Georgiana acabó dedicándose al grabado sobre madera.

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Edward Burne-Jones (1833–1898), Perseus and the Graiae, 1892. Óleo sobre lienzo.

Burne-Jones mientras tanto, además de pinturas, realiza vidrieras por encargo, (Colegio de San Andrés de Bradfield), y como también le interesaban los objetos, se aplica en la decoración, diseñando, tapices, alfombras, cortinas, papel pintado, cerámica, joyeria, muebles, también es ilustrador literario y,  diseñador de vestuario para teatro.

RITUALES Y MEDITACION

Burne-Jones se refugió en la mitología y las leyendas célticas y cristianas, dando rienda suelta a su febril imaginación, que en sus ensoñaciones lo llevaban lejos, tan lejos,  que a veces le costaba volver a la realidad, y entonces, en ese extasis divino, tenía miedo y pensaba que su equilibrio emocional pendía de un hilo, y que tal vez, en alguna ocasión ya no podría regresar. Reflejaba en sus cuadros, figuras andróginas, oníricas; figuras de mujeres con cuerpos alargados, leves y, etereas, armónicas como ensimismadas bailarinas de ballet.

Erotismo. Misticismo. Arabescos Descarnados… y Modernismo.

Edward Burne-Jones, obtuvo reconocimiento y premios, gozó de éxito mas fué pronto olvidado, pues se impusieron otros estilos artisticos; para luego posteriormente, ser recuperado nuevamente, ocupa ahora un preeminente lugar por derecho propio, en la Historia de Arte y el Prerrafaelismo.

Los Prerrafaelistas. Edward Burne-Jones. Prerrafaelismo al final.

Pintura. Prerrafaelismo. Prerrafaelistas. Burne-Jones. Pintores. Edward Burne-Jones. Mitología. Leyendas.

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Tomás Bartolomé. Montes en Azcoitia. Lápiz, papel. 2015. La carbonilla negra de mis lapiceros que mancharon mis manos y luego tus poros de seda.

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Dibujo. MONTES EN AZCOITIA. 2015. TOMÁS BARTOLOMÉ

Drawing. Mountains in Azcoitia. Lápiz/Papel.

Azcoita. Sus bellos Montes la rodean, acogedoramente.

Dólmenes prehistoricos del Izarraitz, Castro de Munoaundi. Rio Urola, Macizo de Izarraitz, sobre el valle de Iraurgi, con su elevado Monte Erlo (1022 mts). Cima del Kakueta, con sus 927 mts, y su cruz, mirador, sobre la cresta blanca de la dura roca, ahora milenaria. Caseríos de Urasola y Jauregi. Iglesia de Santa Cruz… Impresionantes y verdes panorámicas, con sus particulares entornos mágicos.

TRANSFERENCIA

En la linde recojo las pisadas que acaricié

Su roja sangre dulce y caliente

En mi lengua con su sabor agrio y picante

Recuerda la estrella que manché con barro de modelar…

El tomate que nunca recogen en la huerta de mi familia

La carbonilla negra de mis lapiceros que mancharon mis manos

Y luego tus poros de seda y la mácula adherida

Al tibio óleo rojo libanés amarrando tu boca roja

Sombras grises, tenues, blanquecinoazuladas

Ahora dueñas del tiempo, incrustan su vivificante eter

Que escapa rendijero como el vaho quiere anguladas

Ama las paredes y el techo.

Tomás Bartolomé

Tomás Bartolomé. Montes en Azcoitia. Lápiz, papel. 2015. La carbonilla negra de mis lapiceros que mancharon mis manos y luego tus poros de seda.

DIBUJO. TOMÁS BARTOLOMÉ. PINTURA. PINTORES. MONTES EN AZCOITIA. MONTE ERLO. KAKUETA.

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Antonio Saura. El Surrealismo era para mi una actitud

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Dora Maar. (1984). Antonio Saura.

Antonio Saura. Pintor y escritor. Huesca, 22 septiembre de 1930. Cuenca, 22 julio de 1998.

Su padre era abogado del estado y su madre pianista. Es un pintor autodidacta, que expone por primera vez en París en 1957.

En 1984, catorce años antes de su fallecimiento, Antonio Saura presentaba en Madrid, quince retratos imaginarios, todavía, residía en París, ciudad a la que se había trasladado definitivamente en 1967. Al pintor siempre le había fascinado la bella ciudad del Sena, no en vano la primera vez que viajó a ella, fue en el ya lejano 1954, y allí residió dos años… luego volvió en 1959, después, se instaló definitivamente.

GRUPO EL PASO. 1957/59. Lo forma Antonio Saura que también le pone el nombre. El Grupo lo integran… Antonio Saura, Manolo Millares, Pablo Serrano, Rafael Canogar, Chirino, Viola, y otros artistas. Ponen así, a la pintura española en el escenario artístico del mundo, en unos años difíciles; años de pobreza, e ideológicas limitaciones institucionales.

TENTADO POR LA LITERATURA SE DECIDE POR LA PINTURA

Saura Influenciado desde que recuerda por la literatura, tentado por ella, (Cortázar, Carpentier), lo primero que hace de niño con ilusión, es coleccionar las estampas de los  cuadros que más le gustan, (los recorta de las revistas), una manía que conservó siempre, pues desde bien pequeño, a ratos y con las tijeras, era un gran recopilador-acumuladorcomo también lo fuera Dalí. Antonio Saura tuvo su época surrealista pero duró poco; una anécdota muy graciosa (Surrealismo en estado puro), es que el artista repartió por la Gran Via madrileña (año 50/51), una tarjeta con su nombre, en la que llevaba impreso un texto muy acorde … “Antonio Saura. Surrealista”

Antonio Saura conoció en París a André Bretón, que en ese momento, era considerado en el mundillo artístico como el “Papa del Surrealismo”, y asistió más de un año a reuniones diarias, pero no dura mucho, se cansa. En aquel momento había otras corrientes de vanguardia, que ya estaban pidiendo a gritos paso urgentemente, (Expresionismo Abstracto y el Informalismo), Antonio Saura abandonó al fin el Surrealismo.

APARECEN SUS PRIMERAS FIGURAS EN BLANCO Y NEGRO

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Geraldine dans son fauteil. 1967.

1956 Antonio Saura realizó su primera exposición en Madrid, en la Biblioteca Nacional, para ella selecciono su trabajo parisino, más dos pinturas madrileñas. Se trata en ese momento de una decantada ruptura con el Surrealismo, y de afirmación propia. El Artista presenta estructuras figurativas, a caballo entre el Surrealismo, y un cierta Abstracción. En la exposición también se incluyeron, dos cuadros que había realizado en Madrid (pinturas en blanco y negro); las primeras de sus figuras deformadas. Automatismo, rapidez, energía, y pasión, en una pintura, inspirada en sucesos políticos, (una manifestación en la que muere un estudiante en Madrid ), y en la que el pintor siempre dispuesto a la lucha política, se encontraba presente.

Antonio Saura. El Surrealismo era para mi una actitud.

Antonio Saura. Pintor. Pintura. Pintores. Surrealismo. Grupo el Paso. Abstracción. Madrid. París. Pintura española.

 

 

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Clave MR/MR Key. Tomás Bartolomé. Hollar el velo delicado, de un sueño evocado

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CLAVE MR/MR KEY. TOMÁS BARTOLOMÉ.
Óleo/lienzo. Oil/Canvas. (2016).

PRESENCIA

Emoción largo y profundo trago

Transferencia e inocua

Alquimia oculta y picuda

Hollar el velo delicado…

De un sueño evocado, traído

Maestro de un secreto revelado,

En trazas regalas sedas;

Extasis, gasolina, nuez borracha

Inspiración presenciada

Llamada leve. Llave evaporada

Exposición, frío metal…, Aceite de lino y argán.

Tomás Bartolomé

Pintura. Clave MR. MR Key. Tomás Bartolomé. Hollar el velo delicado De un sueño evocado Maestro de un secreto revelado En trazas regalas sedas.

Pintura. Clave MR. MR Key. Tomás Bartolomé. Óleo. Pintores. Pintor. Óleo. Óleo lienzo.

 

 

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Roger Fry. ¿Quien mucho abarca poco aprieta?

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ROGER FRY. Autorretrato.

Nació en The Grove en Highgate, al norte de Londres, el 14/12/1866. Falleció el 9/9/34.

PINTOR, CRÍTICO, CONFERENCIANTE, ASESOR, TASADOR, DESCUBRIDOR, EMPRESARIO

Recibió una educación muy moralista basada en la biblia sus padres eran “Cuáqueros”. (cristianos protestantes ingleses). Después de unos estudios que iban encaminados a la fisica se decidió después de mucho dudar por la Pintura, oponiéndose, como es habitual, a los deseos de su padre.

INTERESADO EN TODO

¿Quien mucho abarca poco aprieta?

Realiza sus estudios en la Universidad de Cambridge, después viaja a Italia donde pinta y estudia. En París recibe clases en la Academia Julián. Como nunca le gustó la bohemia desenfrenada, tiene tiempo para la enorme diversidad de asuntos que le interesan; comienza a escribir criticas artísticas y además de pintor, es un conferenciante que demuestra ser un polemista infatigable y obstinado.

También con el tiempo descubrirá obras de arte ocultas, y asesorará a propietarios sobre el valor de las  mismas. Funda, el apasionante Taller Omega, un Colectivo de Artistas en régimen de cooperativa, que se dedicará a darle una vuelta de tuerca al diseño de objetos y muebles domésticos. Pero esto no es todo, puesto que Roger Fry, forma parte del Círculo de Bloomsbury (Barrio de Londres), que es un grupo de intelectuales británicos que aúna, pintores, escritores, filósofos, economistas. Algunos de sus miembros más destacados, fueron la escritora Virginia Woolf, y su hermana Vanessa Bell (pintora), Gerald Brenan (escritor), los  filósofos B. Rusell y L. Wittgenstein, y el economista J. M. Keynes, entre otros. También viajará mucho FRY por motivos laborales, y da, una serie de interesantes conferencias en U.S.A.

1896. Roger Fry se casa, con la también pintora Helen Coombe. Sus padres en principio se oponen. La pareja se complementa, y FRY, encuentra la felicidad, durante unos meses viajan por Roma y otras ciudades europeas, después, vienen los hijos y la enfermedad nerviosa de Helen, que tristemente tiene que ser internada en una clínica.

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Foto. Helen Coombe y Roger Fry.

La idea de lo que debía de ser el Arte era percibida así por el pintor…

“Nadie que comprenda a fondo el arte da importancia a lo que se representa en un cuadro, lo que distingue a una buena obra de arte no es lo que está en el lienzo sino cómo”

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Vagabundo. Roger Fry.

Roger Fry, falleció en el Hospital Free (Londres) de un ataque al corazón cuando se recuperaba de una rotura de tibia. Tenía 66 años y le quedaba mucho por hacer.

Articulo relacionado…

Talleres Omega la Revolución de los Objetos Domésticos y Roger Fry, también en esta web en la sección de Arte.

ROGER FRY. ¿QUIÉN MUCHO ABARCA POCO APRIETA?

Roger Fry. Pintura. Pintores. Fry. Talleres Omega. Círculo de Bloomsbury. Diseño.

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Lope de Vega. Miguel de Cervantes lo definió como “Monstruo de la naturaleza”

image     ESCRITOR. SECRETARIO. MILITAR.

SACERDOTE Y MUJERIEGO.

Félix Lope de Vega y Carpio, nació en Madrid en 1562, el mismo año que Teresa de Jesús  comienza las reformas en el Monte del Carmelo, y que Madrid se convierte en la capital de la Villa y Corte, en ese momento en España reina Felipe II. Su padre es bordador y su madre, ama de casa.

Lope es un niño superdotado. Con muy corta edad, 5 años; ya domina el Latin y posteriormente en la adolescencia escribe comedias. Despues cursa estudios en la Universidad de Alcalá de Henares donde permanece cuatro años, aunque no obtiene ningún título, pues al genial autor, le interesa más  su loca vida plena de emocionantes aventuras amorosas, en las que él siempre se comporta, como un alumno aventajado. Comienza Lope una vida apasionante, en la que para poder mantenerse económicamente, además de escritor, es secretario y militar, (Lope de Vega se alista en la marina).

ENAMORADO DE ELENA DE OSORIOFILIS

Uno de sus grandes amores es Elena Osorio, que por entonces estaba separada de su marido un conocido actor de teatro. Era la Filis de sus poemas y todo terminó mal, muy mal. Ella le abandona por un noble muy poderoso, él se venga con sus poemas. En ellos, agudamente mordaz, escribe:

Una dama se vende a quien la quiera. En almoneda está. ¿Quieren comprarla?

LOPE ENCARCELADO, DESTERRADO Y AHORA ENAMORADO DE ISABEL DE ALDERETEBELISA

Lope de Vega es denunciado por Elena Osorio  y después de pasar por la cárcel, es desterrado 8 años de la corte, y 2 años del entonces Reino de Castilla. Sin embargo, Félix enseguida encuentra un nuevo amor, en este caso se trata, de Isabel de Alderete, la  Belisa de sus versos. La rapta con su consentimiento, para poder casarse con ella. Tenía el poeta 28 años.

GUERRA, DESTIERRO Y TRABAJO

Se alista en el ejército y, lucha contra Inglaterra en La Gran Armada, después de la derrota de la llamada también, Armada Invencible en 1588, (la guerra duraría 16 años más), se dirige a Valencia, donde reside con Isabel de Alderete. Acabada la pena de destierro viaja a Toledo. Entre 1592 y 1595, reside en Alba de Tormes (Salamanca), donde trabaja como Gentilhombre de Cámara, con el quinto Duque de Alba, Don Antonio de Toledo.

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MADRID. FALLECE ISABEL DE ALDERETE “BELISA”  EL ESCRITOR VIVE CON ANTONIA TRILLO, PERO FINALMENTE SE CASA CON JUANA DE GUARDO

Fallecida, Isabel de Alderete. Félix regresa a Madrid, ciudad, en la que vive con Antonia Trillo, actriz y viuda. Finalmente es procesado por amancebamiento. Poco después se casa, con Juana de Guardo, (Se cree que por dinero, ya que Juana no era muy agraciada, pero sí, muy rica). Lope de Vega tozudamente incorregible, iba y venía frecuentemente a Toledo, elevada ciudad, en la que se encontraba en secreto con sus furtivas amantes.

TRABAJO Y MUJERES

Para mantener este ritmo de vida, con tantas mujeres y tantos hijos a los que mantener, (Fruto de sus numerosas relaciones amorosas, Félix tuvo 15 hijos, aunque puede que fueran màs; 15 de ellos están documentados), Lope de Vega trabaja incansablemente. A los 38 años, se convierte en el primer escritor profesional de la literatura en España. Pionero, obtiene derecho de corrección de sus obras, una especie de derechos de autor.

FÉLIX LOPE DE VEGA Y CARPIO ES ORDENADO SACERDOTE Y SE CONVIERTE EN SACRÍLEGO AL ENAMORARSE DE MARTA DE NEVARES “AMARILIS”  O “MARCIA LEONARDA”

En 1614 a los 48 años Félix, es ordenado sacerdote. Comete sacrilegio al enamorarse de Marta de Nevares; es la Amarilis“, o Marcia Leonarda de sus escritos. Lope de Vega Ingresa en la Orden de Malta en 1627. En los últimos años de su vida, tuvo que apurar un amargo cáliz de hiel al ver como Marta de Nevares, se quedaba ciega, y finalmente moría loca en 1628.

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Félix Lope de Vega y Carpio, fallece en Madrid a la edad de 73 años en 1635.

Félix nos dejó una ingente obra literaria. Además de un genial escritor, Lope de Vega fue militar y secretario, y no se conformó solo con esto, además tuvo tiempo para vivir siempre enamorado, no en vano, Miguel de Cervantes lo definió como:

Monstruo de la Naturaleza“.

Lope de Vega. Miguel de Cervantes lo definió como “Monstruo de la naturaleza”

Lope de Vega. Literatura. Escritores. Monstruo de la Naturaleza. Lope. Madrid. Tomás Bartolomé.

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León Tolstoi. La Muerte de Iván Ilich. ¿Y si toda mi vida, ha sido, lo que no debía ser?

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León Tolstoi. Escritor y pensador ruso. 1828/1910.

Hijo de la nobleza rusa. De padres terratenientes aristócratas, está considerado como uno de los más grandes escritores de la literatura universal.

Muy interesado por las causas sociales y la moral de la época, es muy crítico con la sociedad y consecuente con sus acciones. Él ascéticamente se impone la pobreza y el trabajo manual. Intenta también renunciar a sus bienes materiales, pero se encuentra de frente con la oposición de su familia que finalmente, se lo impide. También es partidario de la abdicación de la propiedad y la no violencia.

Muerte. Soledad inmensa, desierto infinito

Minúsculas ácidas lágrimas de sol ardientes como ascuas enrojecidas, caen bajo un rayo deslumbrante, destructor, pesado plomo; una precisa luz anticipo crudo, hiriente, salado como la memoria de lo que fue y lo que esconde… Oscuridad. Preguntas. Incomprensión, Terror, Certeza, Lucidez… y como consecuencia, un claro y meridiano resumen de su vida.

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Obra de Marty Bolonio. Escultura -detalle- Foto By TbArt, archivos fondos propios.

La Muerte de Iván Ilich. Novela 1886

ARGUMENTO

Ivan Ilich. Es un funcionario del estado zarista. Estudia, se casa, tiene hijos, y una mujer de la que pronto se cansa. Le gusta su trabajo y asciende a fiscal. Se sabe con poder sobre las vidas, y no le disgusta. Su también burguesa señora le aburre, así pues, se centra en su profesión; ¡Cada vez llega más tarde a casa!

Cuando ya creía haber logrado sus objetivos profesionales, un golpe tonto en un costado mientras cambiaba unas cortinas en casa, deriva en una terrible enfermedad que los médicos no saben explicar. Comprende entonces que se muere, y en ese mismo momento se da cuenta, de que su vida ha estado vacía de sentimiento y sentido…, Iván Ilich, está enfermo y va a morir.

Os dejo con una pequeña muestra de esta deliciosa novela.

La Muerte de Iván Ilich

Iván Ilich vio que se moría y su desesperación era continua. En el fondo de su ser sabía que se estaba muriendo, pero no sólo no se habituaba a esa idea, sino que sencillamente no la comprendía ni podía comprenderla.

El silogismo aprendido en la Lógica de Kiezewetter:

«Cayo es un ser humano, los seres humanos son mortales, por consiguiente Cayo es mortal», le había parecido legítimo únicamente con relación a Cayo, pero de ninguna manera con relación a sí mismo.

Que Cayo -ser humano en abstracto- fuese mortal le parecía enteramente justo; pero él no era Cayo, ni era un hombre abstracto, sino un hombre concreto, una criatura distinta de todas las demás: él había sido el pequeño Vanya para su papá y su mamá, para Mitya y Volodya, para sus juguetes, para el cochero y la niñera, y más tarde para Katenka, con todas las alegrías y tristezas y todos los entusiasmos de la infancia, la adolescencia y la juventud.

¿Acaso Cayo sabía algo del olor de la pelota de cuero de rayas que tanto gustaba a Vanya? ¿Acaso Cayo besaba de esa manera la mano de su madre? ¿Acaso el frufrú del vestido de seda de ella le sonaba a Cayo de ese modo? ¿Acaso se había rebelado éste contra las empanadillas que servían en la facultad? ¿Acaso Cayo se había enamorado así? ¿Acaso Cayo podía presidir una sesión como él la presidía?

Cayo era efectivamente mortal y era justo que muriese, pero «en mi caso -se decía-, en el caso de Vanya, de Iván Ilich, con todas mis ideas y emociones, la cosa es bien distinta. y no es posible que tenga que morirme. Eso sería demasiado horrible».

Así se lo figuraba. «Si tuviera que morir como Cayo, habría sabido que así sería; una voz interior me lo habría dicho; pero nada de eso me ha ocurrido. Y tanto yo como mis amigos entendimos que nuestro caso no tenía nada que ver con el de Cayo. ¡Y ahora se presenta esto! -se dijo-. ¡No puede ser! ¡No puede ser, pero es! ¿Cómo es posible? ¿Cómo entenderlo?»

Y no podía entenderlo. Trató de ahuyentar aquel pensamiento falso, inicuo, morboso, y poner en su lugar otros pensamientos saludables y correctos. Pero aquel pensamiento -y más que pensamiento la realidad misma- volvía una vez tras otra y se encaraba con él.

León Tolstoi. La Muerte de Iván Ilich. ¿Y si toda mi vida, a sido, lo que no debía ser?

León Tolstoi. Tolstoi. La Muerte de Iván ilich. Literatura. Novela. Escritores.

 

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Acuarela. Cardoso. Flor de las adormideras: “Engáñame y no me quieras”.

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Foto. Acuarela Cardoso.

Cardoso

Amapola. Erradicada, amenazada, flor prohibida… Adormidera, espuma inalterable que evoca dulzones sueños, oníricas reliquias, arcanos de otro tiempo; semillas de denso, y buen aceite rojo en el hogar. Azafrán, suavidad peluda y alcanforada, colman al brillo eléctrico vestido. Bagazo de semilla cuyo aceite engorda la res que muge. Al delicado y blando alado. Pétalos corrugados de terciopelo blanco, violáceo, rojo, rosado. Maduro fruto, de discos y decantadas esporas. Negras y largas pestañas rizadas. Alcaloides, opiáceos vagan expresionistas, en tu savia dulce, en tu fruto ahora herido, postre, cápsula narcotica y, aceite de clavel blanco, dulce secante de antenas amarillas, herramienta del pintor… ¡Fuego y humo!

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La amenaza de la flor

Flor de las adormideras:
engáñame y no me quieras.

¡Cuánto el aroma exageras,
cuánto extremas tu arrebol,
flor que te pintas ojeras
y exhalas el alma al sol!

Flor de las adormideras.

Una se te parecía
en el rubor con que engañas,
y también porque tenía,
como tú, negras pestañas.

Flor de las adormideras.
Una se te parecía…
Y tiemblo sólo de ver
tu mano puesta en la mía:
¡Tiemblo no amanezca un día
en que te vuelvas mujer!

Alfonso Reyes. Monterey, México 1889. México 1959

Acuarela. Cardoso. Flor de las adormideras: “Engáñame y no me quieras”.

Acuarela. Cardoso. Pintura. Pintores. Poesía. Alfonso Reyes. México. Flor. Adormideras.

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Pintura. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

VELÁZQUEZ Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Sevilla 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de agosto de 1660.   image

Pintor barroco. Naturalismo. Para muchos es  el mejor pintor español de todos los tiempos, en difícil pugna con otro de los grandes, Goya. Aunque dicen que las comparaciónes son odiosas, sería en este caso muy complicada la contraposición, al tratarse de pintores de muy distintas épocas, el gran maestro aragonés nació en 1746, y Velázquez en 1599, 147 años después que el genio sevillano.

Goya, en alguna ocasión declaró no tener otros maestros que Velázquez, Rembrandt (1608), y la Naturaleza, La opinión de Velázquez sobre Goya, si fuera posible, no podría ser distinta de la del pintor aragonés.

Juan Rodríguez de Silva, su padre (tal vez  hidalgo), fue un notario eclesiástico. nacido en Sevilla, de origen portugués, (los abuelos paternos, se establecieron en la ciudad del Guadalquivir procedentes de Oporto), y Jerónima Velázquez, su madre, sevillana de nacimiento. Diego, era el mayor de ocho hermanos; su hermano Juan, también fue pintor.

1609. Con diez años, recibe formación artística en el taller del gran Francisco Herrera el Viejo.

1611, este año su padre firmó la «carta de aprendizaje» de su hijo Diego de Velázquez con Francisco Pacheco, obligándose con él, a un periodo de enseñanza de seis años. Tenía 12 años. Francisco Pacheco, pintor, maestro, escritor de “El arte de la pintura”, que no llegó nunca ver publicado. no fue mal dibujante ni mal pintor, con él Velåzquez, aprendió a dibújar del natural modelos en diferentes posturas, así como caras, y gestos; narices, ojos, bocas, orejas… la misma pedagógica repetición llevada a cabo siglos después por el genial Picasso, y otros muchos. Como la envidia es muy mala Vicente Carducho y Eugenio Cajés, (sus competidores a Pintor del Rey) lo acusaron de ser sólo capaz de pintar cabezas. También recibió críticas de otros pintores de la corte.

Velázquez. Con éxito e influencia, pinta bodegones, (genero pictórico de procedencia flamenca), tan del gusto de aquel tiempo, Se conservan 9 bodegones de su primera época, y once obras de temática distinta. Iluminación tenebrista influenciada por Caravaggio y Zurbarán. Relieve. Utilizaba un color espeso que recubría totalmente el lienzo, luego, en primer plano, figuras fuertemente iluminadas sobre fondo oscuro. pinceladas densamente empastadas. Modelaba las formas con precisión. Colores dominantes tostados, carnaciones cobrizas, su paleta de colores era muy reducida, utilizó toda la vida  los mismos pigmentos, variando con el tiempo la forma de mezclarlos y aplicarlos.

Sevilla, la antigua Hispalis, era entonces  una de las ciudades  más ricas y poblada de España y, la más internacional; su puerto que monopolizaba el comercio con América, le insuflaba modernidad y en ella se percibía enseguida, una rica mezcla de razas y culturas, por sus calles paseaban muchos pintores pues allí no faltaba trabajo. También poseía una importante sede eclesiástica.

VELÁZQUEZ en 1617, aprobó ante Juan de Uceda y Francisco Pacheco (su maestro), el examen que le permitía incorporarse al gremio de pintores de Sevilla. Recibió licencia para ejercer como «Maestro de Imaginería y al Óleo», pudiendo practicar su arte en todo el reino, tener tienda pública y contratar aprendices. Tenía 18 años.

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Vieja friendo huevos. 1618. Velázquez

LA BODA Y LA MAESTRÍA

1618, 23 de abril, el artista se casa en Sevilla, con Juana, la hija de Francisco Pacheco (su maestro), que tenía entonces 15 años. En la bella ciudad de la giralda, también nacieron sus dos hijas: Francisca, e Ignacia. Su Maestria de genio ya se manifestó en sus primeras obras realizadas con sólo 18 o 19 años, El Aguador de Sevilla (1620) fue uno de los cuadros que llevó a Madrid. Se lo regaló a Juan Fonseca, por su ayuda en la corte. Mucho tiempo después, será a su vez regalado al general Wensley por el Rey Fernando VII. Actualmente se encuentra en Londres.

La Sevilla, rica, y eclesiástica, demandaba temas religiosos, cuadros de devoción y retratos. Su forma de interpretar el natural permitió a VELÁZQUEZ llegar al fondo de los personajes, mostraba así el pintor una gran capacidad para el retrato, en ellos tramitia fuerza interior y temperamento. En su primera visita a Madrid, la primavera de 1622, pinta el retrato de Góngora. Del que existen 3 copias.

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Retrato de Góngora. 1622.

En 1621 fallece Felipe III, le sucede Felipe IV, el cual favoreció a un noble de familia sevillana, Gaspar de Guzmán, el Conde-Duque de Olivares, el todopoderoso valido. Velázquez debió ser presentado a Olivares por Juan de Fonseca o por Francisco de Rioja, «no se pudo retratar al Rey aunque se procuró» el pintor regresó a Sevilla. A quien sí retrató por encargo de Pacheco, que preparaba un libro de retratos, fue al poeta Luis de Góngora. Al fin se consiguió que el Conde-Duque llamase a Velázquez para retratar al rey, hizo su retrato, el  30 de agosto de 1623, a gusto de Su Majestad de los infantes y del Conde Duque, que afirmó, no haberse retratado al rey hasta entonces; lo mismo sintieron todos los señores que lo vieron. el joven monarca, era solo seis años menor que Velázquez.

En octubre de 1623 se le ordenó trasladar su lugar de residencia a Madrid, para ejercer como Pintor del Rey con un sueldo de veinte ducados al mes, este sueldo, no incluía la remuneración que pudiera obtener por sus propias pinturas y, otras concesiones, como los beneficios otorgados a petición del Conde-Duque.

MADRID 1624

1624. Con 24 años Velázquez en Madrid, finalmente es nombrado Pintor del rey Felipe IV, cuatro años después, Pintor de Cámara, labores a las que dedicó el resto de su vida. Retratos del Rey y de su familia, decoración de las mansiones reales. Estudia la colección real de pintura. En las enseñanzas de su primer viaje a Italia, conoció la pintura antigua y la de su tiempo, influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad y, una técnica de pinceladas rápidas y sueltas.

EXITO EN LA CORTE DEL REY

Velázquez pudo visitar las colecciones reales de pintura, de enorme calidad, Carlos I y Felipe II habían reunido cuadros de Tiziano, Veronés, Tintoretto. El estudio de la colección real, especialmente los tizianos, tuvo una decisiva influencia en su evolución estilística, que pasó del naturalismo austero de su época sevillana, a las severas gamas terrosas y, la luminosidad, los grises plata y, los azules transparentes.

1627 juró el cargo de Ujier de Cámara, desde 1628, Pintor de Cámara; el pintar cuadros para decorar los palacios reales, le dio una mayor libertad en la elección de temas, libertad, de la que no gozaban los pintores comunes, atados a los encargos y a la demanda del mercado. Velázquez podía aceptar también encargos particulares. En Madrid sólo los aceptó, de miembros influyentes de la corte.

Su técnica en este periodo, valora más la luz en función del color y la composición. los retratos son luminosos y de mayor refinamiento. Su tendencia a repintar rectificando lo hecho, dificulta la datación precisa de sus obras, «arrepentimientos», achacables a la ausencia de estudios previos, a un modo lento de trabajar, flemático, según lo definió el propio Rey.

_”Pasado el tiempo lo antiguo que quedó debajo, y sobre lo que se pintó, surge de nuevo”.

RUBENS EN MADRID

En 1628 Rubens llegó a Madrid para realizar gestiones diplomáticas y permaneció en la ciudad casi un año. Se sabe que pintó del orden de diez retratos de la familia real. Al compararse los retratos de Felipe IV realizados por ambos pintores, las diferencias son notables: Rubens los pintó de forma alegórica, Velázquez como la esencia del poder. Picasso lo analizó así: «el Felipe IV de Velázquez es persona distinta del Felipe IV de Rubens». que en este viaje copió obras de la colección de pintura del Rey, especialmente de Tiziano. Tiziano representaba para él inspiración y estímulo. Felipe IV llegó a poseer la más importante colección de obras del pintor veneciano.

Rubens y Velázquez ya habían colaborado antes, el flamenco utilizó un retrato de Olivares pintado por Velázquez para el dibujo de un grabado impreso en Amberes en 1626,  el marco alegórico fue diseñado por Rubens, la cabeza por Velázquez. El sevillano debió ver pintar los retratos reales a Tiziano, una gran experiencia fue observar la ejecución de esos cuadros. Rubens en Madrid, fue la primera influencia decisiva que sufrió la pintura de Velázquez. Rubens impulsó el primer viaje de Velázquez a Italia. así el pintor sevillano obtuvo el permiso real para completar sus estudios.

Cambio Decisivo. Viaje a Italia. 1629.

El 22 de julio de 1629 se le concedieron para el viaje a Italia dos años de salario, 480 ducados y, también el dinero de algunas ventas, Velázquez viajó con un criado, llevando con él cartas de recomendación para las autoridades. Era el pintor del Rey de España, y por ello se le abrieron todas las puertas, pudiendo contemplar obras solo para sus ojos. Se produce entonces una radical transformación de su estilo. Ensayó nuevas técnicas, buscó la luminosidad, encontró su lenguaje pictórico propio mediante una combinación de pinceladas sueltas, de colores transparentes y, toques precisos para resaltar los detalles.

La Fragua de Vulcano, (1630). Es una obra esencial para entender su evolución. La atmósfera ha superado las limitaciones del tenebrismo y los cuerpos se modelan en un espacio real y no emergen en una sombra envolvente. Desnudo y riqueza de expresiones denotan el estudio del clasicismo romano-boloñés.

Estuvo en Génova, y luego en Venecia ciudades en las que visitó colecciones artísticas de los distintos palacios y, copió obras de Tintoreto, después partió hacia Ferrara.

Viajó a Roma donde permaneció hasta el otoño de 1630, el pintor alojado en el Vaticano, pudo dibujar libremente los frescos de Rafael y Miguel Ángel; finalmente, regresó a Madrid pasando antes  por Nápoles, donde realizó el retrato de la Reina de Hungría (Museo del Prado), En la cuidad napolitana pudo conocer a José de Ribera (El Españoleto), que en ese momento se encontraba en su plenitud pictórica.

Madurez en Madrid con solo 32 años, realiza el Retrato de Felipe IV. De castaño y plata. Pintado hacia 1631-1636, El conjunto aparece plasmado meticulosamente; consigue los efectos del vestido y de las mangas mediante manchas y toques irregulares. Concluido su primer viaje a Italia estaba en posesión de una técnica extraordinaria. La década de 1630 fue para Velázquez la de mayor actividad, casi un tercio de su catálogo pertenece a este periodo. Hacia 1640 esta intensa producción disminuyó drásticamente, y ya no se recuperó en el futuro. En 1630 la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo así el resto de su vida. Su técnica. Blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad, complementado con pinceladas cada vez más transparentes.

1631, prosiguió su ascenso en la corte. Este año entró en su taller un joven ayudante de veinte años, Juan Bautista Martínez del Mazo, Mazo se casó el 21 de agosto de 1633 con la hija mayor de Velázquez, Francisca, que tenía 15 años de edad. En 1634 su suegro le cedió su puesto de Ujier de Cámara, para asegurar el futuro económico de Francisca. Mazo apareció desde entonces estrechamente unido a Velázquez, como su ayudante más importante.
Velázquez participó en los dos grandes proyectos decorativos del periodo impulsados por Olivares, el nuevo, Palacio del Buen Retiro, y la Torre de la Parada. En1633 recibió la Vara de Alguacil de Corte; Ayuda de Guardarropa de su Majestad en 1636; en 1643 Ayuda de Cámara (el máximo reconocimiento de los favores reales), y Superintendente de Obras un año más tarde.

LOS 40 NEGRA DÉCADA

Muere su suegro y maestro Francisco Pacheco (1644), caída del poder del valido del Rey, el Conde-Duque de Olivares, su protector; muerte de la Reina Isabel (1644); defunción del príncipe Baltasar Carlos, a los 17 años de edad; rebeliones en Cataluña y Portugal, derrota de los tercios españoles en la batalla de Rocroi.1649, de nuevo en Italia, embarcaría en enero de 1649 en dirección a Génova y, permaneciendo en Italia  hasta mediados de 1651; su fin, el mandato real de adquirir pinturas y esculturas antiguas  (Al no poder comprarlas, encargó copias en bronce mediante vaciados o moldes). Contratar a Pietro da Cortona para pintar al fresco varios techos de el Real Alcázar de Madrid. Velázquez fue nombrado Académico Romano (1650).

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RETRATO DE INOCENCIO X. (1650). 140 x 120 cm. Galería Doria Pamphili. Roma.

El retrato más importante que pintó en Roma, fue el del Papa Inocencio X. Velázquez debió sentir profundamente, el apasionante reto de pintar al Papa, sería consciente, al contemplar los retratos que Tiziano y Rafael pintaron a anteriores papas, (y considerados obras maestras), que sería eternamente, recordado y, comparado con estos dos grandes maestros de la pintura. Una combinación de distintos tonos; rojos, amarillos, blancos. La figura erguida en el sillón. Fuerza, vigor en su rostro y, mirada severa. El retrato más aclamado en vida del pintor y que sigue hoy día suscitando inspiración y admiración, Ell artista estaba en la cima de la fama y la técnica. No era fácil que el Papa posase para un pintor, muy pocos, lo conseguían, las pinturas que Velázquez le llevó como regalo del Rey lo facilitaron. Con pinceladas sueltas, varios tonos de rojos se combinan, desde el más lejano, al más cercano; al fondo el rojo teja oscuro de la cortina, después, el más claro del sillón, en primer plano, el impresionante rojo de la muceta, con sus luminosos reflejos. Sobre este ambiente domina la cabeza del pontífice de rasgos fuertes.

Felipe IV deseaba su vuelta a España. En febrero de 1650 escribió a su embajador en Roma para que le urgiese el regreso: «pues conoceis su flema, y que sea por mar, y no por tierra, porque se podría ir deteniendo y más con su natural». Velázquez seguía en Roma a finales de noviembre; hasta mayo de 1651, no embarcó en la ciudad Génova. En1651 regresa a Madrid con numerosas obras de arte. Felipe IV lo nombró Aposentador Real, lo que le encumbró en la corte, y añadió a su cuenta fuertes ingresos que se sumaron a los que ya recibía como pintor, ayuda de cámara, superintendente y, en concepto de pensión.

Al final de su vida pintó sus dos composiciones más grandes y complejas, sus obras: La fábula de Aracné (1658), conocida popularmente como Las hilanderas, y el más celebrado y famoso de todos sus cuadros, La Familia de Felipe IV (Las Meninas).

En 1656. Podemos apreciar su estilo último, donde parece representar la escena, mediante una visión fugaz; pinceladas atrevidas, que de cerca parecen inconexas, pero contempladas a distancia adquieren todo su sentido, anticipándose a la pintura de Manet, y a los impresionistas del siglo XIX.

Velázquez deseaba alcanzar la nobleza, y procuró ingresar en la Orden de Santiago. Debía probar que sus antepasados directos habían pertenecido a la nobleza, que no eran ni judíos ni conversos. Mas no acreditada la nobleza, sólo la dispensa papal podía lograr que fuese admitido en la Orden. A instancias del fey, el papa Alejandro VII dictó sentencia en 1659 otorgándole la dispensa solicitada, el rey entonces le concedió la hidalguía, venciendo así la oposición del Consejo de Órdenes, que en la misma fecha despachó en favor de Velázquez.

Cayó enfermo a finales de julio, el 6 de agosto de 1660 murió a las tres de la tarde en Madrid. Al día siguiente, 7 de agosto, fue enterrado en la desaparecida iglesia de San Juan Bautista con honores. Ocho días después, el 14 de agosto, falleció también su esposa Juana.

ESTILO

Desarrolló su propio estilo, de  pinceladas diluidas, toques rápidos y, precisos detalles. Simplificación, rapidez de ejecución.Técnica, precisa y esquemática; no tenía la composición totalmente definida al ponerse a trabajar; prefería ajustarla según iba progresando. Raramente hacía dibujos preparatorios, solo algún boceto, líneas generales y composición. Sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Otra costumbre era retocar sus obras después de concluidas; en algunos casos, muchos años después. El acabado es otra parte fundamental de su arte, las figuras –en particular cabezas y manos– son siempre la parte más elaborada; mientras zonas abocetadas con amplias pinceladas ocupan gran parte del cuadro, partes de una, intensidad expresiva intrínseca, bien integradas en la composición del cuadro,

Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. cantidad reducida, dados los cuarenta años de dedicación pictórica. Debió pintar alrededor de ciento sesenta cuadros.

El Museo del Prado tiene unas cincuenta obras del pintor, la parte fundamental de la colección real, mientras que en otros lugares y museos de Madrid, se encuentran otras diez obras. El resto, guardadas como oro en paño, en los museos más importantes del mundo.

Pintura. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

Pintura. Pintores. Velázquez. Sevilla. Madrid. Roma. Museo del Prado. Rubens. Goya. Retrato. Retrato de Inocencio X.