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Auguste Rodin. Arte para comer y Arte para transgredir

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Foto. Los Burgueses de Calais. 1895.

Auguste Rodin. París 1840. Maudon, Francia, 1917.

Estudió en La Escuela de Artes Decorativas de PARÍS. Primeramente trabajó para otros escultores.

Cuando conoció al gran amor de su vida, y que siempre estaría a su lado, Auguste RODIN tenía 23 años, ella, Rose Beuret era costurera. También fue su inspiración, modelo y musa; poco después tendrían un hijo que llevaría los apellidos maternos.

ARTE PARA COMER

Realizaba sobre todo piezas decorativas para el consumo de la burguesía de su tiempo. Tenía 30 años, cuando se declaró la Guerra Franco/Prusiana. No participó en ella a causa de su mala visión, era un gran miope. Se traslada a Bruselas, allí trabaja en un taller de escultura ajeno. Es una época en la que el artista para poder subsistir necesita trabajar para otros. Ya establecido por su cuenta y gozando de un gran éxito, sus esculturas fueron tan demandadas, como falsificadas, en su taller trabajaban muchos, y los moldes de escayola, se apilaban monótonas, almacenadas en los estantes. Su arte se hizo entonces, comercial y mecanizado.

VIAJE INICIATICO A ITALIA

Con 35 años, Auguste RODIN viaja a Italia donde estudia a los grandes maestros Miguel Ángel y Donatello.

REGRESO A PARÍS, Y DENUNCIA, POR TRAMPOSO

Una obra suya «La Edad de Bronce«, una escultura a tamaño natural de un hombre desnudo, (primera obra en bronce de Rodin) es el punto de partida para un estilo más personal. Con «La Edad de Bronce» llega la polémica; muchos son los que creen, que no puede haber tanta perfección en una escultura, sin hacer trampas y acusan/opinan que RODIN obtiene sus moldes directamente del cuerpo del modelo, y no del modelado del barro en el taller. Al fin se demuestra la verdad (su maestría), por medio de  documentos gráficos, y testimonios de testigos, y se le autoriza por fin a fundir su veraz obra en bronce.

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Foto. La edad de bronce. Mármol.

Edgard Degas, declara a favor de AUGUSTE RODIN en el proceso,  aportando su testimonio personal, demuestra que Auguste RODIN, no es un farsante, sino más bien un escultor, que no hace trampa y que modela sus esculturas en barro, copiando del modelo, y guiándose por sus dibujos. Demostrándose así…, «su inocencia y su genialidad al mismo tiempo».

ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste RODIN alcanza la fama. Desde ese momento, podrá elegir sus propios trabajos. La pieza de la polémica, «La edad de bronce», es finalmente adquirida por el estado francés.

iSu fuerza creadora se desborda, es el momento de mostrar otros caminos; caminos nuevos!

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Los Burgueses de Calais

En esta época de controversia y transgresión, realiza » Los Burgueses de Calais», en ella representa a seis Nobles de Calais que van a ser sacrificados, pronto darán sus vidas por los vecinos de la ciudad. La historia de este hecho se produce durante el asedio de las tropas inglesas a Calais, Francia, al inicio de la Guerra de los Cien Años, en 1347.

RODIN se especializa en la anatomía del cuerpo humano. Su calidad, es indiscutible; tan perfecta, que como hemos visto anteriormente levanta sospechas. Su poética sensibilidad, se funde con la naturaleza de la piedra y sus manos de exquisito cirujano, trabajan la píel del frío mármol insuflandole calor… La piel…,  y la piedra

Ahora el escultor por fin tiene su propio taller donde trabajaban, una veintena de canteros. RODIN también revoluciona la ESCULTURA en espacios públicos.

En 1886 conoce a la escultora Camille Claudel y se casan, viajan por Francia e Inglaterra. Dos años después abren un taller de ESCULTURA. El matrimonio no va bien. Debussy, (el afamado músico), se enamora perdidamente de Camille. Los esposos permanecen separados. Camille vive entre la miseria y el abandono; echa toda la culpa de su mala situación personal y profesional al escultor y  en diferentes ocasiones, presa de ira, y  desesperación destruye parte de su obra, y negocia ventas por su cuenta. Está enferma, y acaba ingresando en un hospital para enfermos mentales.

SE CASA CON ROSA BEURET EL GRAN AMOR DE SU VIDA

Finalmente en 1917, RODIN, se casa con Rose Beuret, su novia de toda la vida a la que conoció con 23 años, y con la que tuvo un hijo que llevaba los apellidos maternos, y con la que por fin contraería matrimonio a los 77 años de edad. Tristemente, los dos enamorados fallecen el mismo año de su boda, primero Rosa, y luego a los pocos meses Auguste. Un final agridulce para uno de los escultores mas grandes de todos los tiempos.

Los museos que más obras de RODIN contienen, son: El Museo Rodin de París, merece una visita, es un museo maravilloso, y el Museo Rodin de Filadelfia, Pensilvania.

AUGUSTE RODIN. ARTE PARA COMER Y ARTE PARA TRANSGREDIR

Auguste Rodin. Rodin. Escultura. Escultores. La edad de bronce. Los burgueses de Calais. Arte

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Vilhen Ammershøi. La casa. Pulcritud íntima, hogar minimalista

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AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1895. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi. Copenhague 13 de Mayo de 1864. Copenhague, 13 de febrero de 1916.

Miembro de una pequeña parte de la sociedad privilegiada de aquella época, en la que Dinamarca se encontraba en guerra con el Imperio Astríaco, (Guerra de los Ducados, 1 de febrero de 1864, 30 de octubre del mismo año), -los daneses salieron derrotados-, nació en Copenhaguen, VILHEN AMMERHSØI, en una buena casa de acaudalados comerciantes, realizó estudios con varios maestros, y también, en la Facultad de Bellas Artes de Copenhague.

En él se despertó pronto como un rayo la pasión por el arte, y ya, a la corta edad de 8 años comenzando, en el intimo mundo del artista que mira sin ser percibido, que se llena observando, escrutando, y él, es a su vez mirado, en un raro desdoblamiento psíquico. 

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AUTORRETRATO. VILHEN AMMERSHØI. 1911. Foto vía internet.

Su pintura muy de la época, obtuvo rápidamente éxito y reconocimientos en todo el mundo. Con 27 años AMMERSHØI felizmente encuentra, a la que desde entonces, será su modelo y compañera hasta el final, se trata de Ida Listed, hermana de Peter Listed, un compañero de trabajo  de Vilhen Ammershøi, además de amigo, que también es pintor; y lo curioso, es que sus obras y las de su cuñado Peter, se parecen mucho, como podemos ver seguidamente…

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Sunshine falling on a door. Peter Listed (pintor y hermano de Ida, modelo, y compañera de AMMERSHØI). Foto vía internet.

En 1887 VILHEN AMMERHSØI realiza un viaje iniciatico a Holanda, para poder contemplar las pinturas de Vermeer por primera vez… Así, Vermeer el pintor holandés, se convierte así en un motor inspirador para él, a la vuelta de dos siglos.

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BEDROOM. VILHEN AMMERHSØI. 1890. Foto vía internet.

LA CASA DE AMMERSHØI

Es el interior de la casa que a todos nos es familiar; a ella se mudan Vilhen e Ida, en el año de 1898, y es retratado sin pudor en los cuadros del artista, profusamente; de ella lo conocemos casi todo; las ventanas, las puertas, los muebles, las cortinas, los objetos domésticos, y la calidad de la luz, que rendijera, parece flotar en el recogimiento de sus exhibicionistas escenas, y que armónicamente se cuela por la ventanas, pero siempre, siempre…,  de una forma matizada y esquinada. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

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Petri Kirken in Copenhaguen. VILHEN AMMERSHØI. 1906. Foto vía internet.

Vilhen Ammershøi pinta en su Copenhague natal, retratos, paisajes, arquitecturas, pero sobre todo, sus íntimos y suaves interiores, cargados de una atmósfera poética, de una luz y perspectiva que atrae; así como nos atrae también, el retrato de un mujer ensimismada y, secretamente observada; se trata de su modelo-mujer-esposa-Ida.

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IDA READING A LETTER. Ida leyendo una carta. VILHEN AMMERSHØI. 1899. Foto vía internet.

Mercado del Arte. En 2012. Vilhen Ammershøi se convierte, en el artista mejor pagado de Dinamarca al ser subastado, y vendido un cuadro suyo, «Ida reading a letter«, (Ida leyendo una carta), en Sotheby’s, Londres, por la respetable cantidad de 1.721.250 libras.

Vilhen Ammershøi. La casa de Ammershøi. Pulcritud íntima y romántica en un hogar minimalista.

Arte. Vilhen Ammershøi. Ammershøi. Pintores. Mercado del Arte.  Copenhague. Dinamarca

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Arte. Paisaje en la Memoria. T. Bartolomé. Flores bellas secas

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Paisaje en la Memoria. 2011. Tomás Bartolomé

Landscape in Memory

Óleo/Acrílico/Lienzo. Medidas. 30×40 cm.

Las hojas secas el pasado velan

El presente se desplaza de lado,

El pasado queda cubierto;

¡Se vela!

Gustav Jung abre una ventana,

Cofre en la memoria. Campo de flores nuevas.

Abismos. Eternidad; Archivos;

Arcanos de otro tiempo.

(Otros; antes… después)…

Ambarina nicotina eterna.

Campo; tierra; labor; Flores…

Flores bellas secas.

Cortina del tiempo;

Hoja, escalera,

Vino al viento.

¡Eterna rosa herida!

Tomás Bartolomé

Tomás Bartolomé. Paisaje en la Memoria. Landscape in Memory. Campo de flores nuevas. Surgen llenas de abismos, hartas de eternidad.

Más información. Interesados en esta pintura. contacto@tomasbartolome.com

Arte. Tomás Bartolomé. Pintura. Paisaje en la Memoria. Landscape in Memory. Óleo/Acrílico. Poesía

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Cardoso. Acuarela. «Hay paz para los sentidos”

image       ACUARELA. CARDOSO.

Cardoso pintor y escultor con una amplia trayectoria artística, empieza a pintar desde muy joven. Aunque ha realizado estudios de dibujo y pintura, se considera un pintor autodidacta.

Cardoso no se olvida de la escultura, modalidad artística en la que también ha realizado obras de calidad; en esta ocasión, esta magnifica acuarela llena de simbolismo…

Agua y vívidos colores.

Sin duda, una especial obra, de uno de mis artistas favoritos.

POESIA

.Hay paz para los sentidos,

una paz soñadora en cada mano,

y profundo silencio en la tierra fantasmal,

profundo silencio donde las sombras cesan.

Sólo el grito que el eco hace chillido

de algún ave desconsolada y solitaria;

la codorniz que llama a su pareja;

la respuesta desde la colina en brumas.

Y súbitamente, la luna retira

su hoz de los cielos centelleantes

y vuela hacia sus cavernas sombrías

cubierta en velo de gasa gualda.

Oscar Wilde

Cardoso. Acuarela. Hay paz para los sentidos, una paz soñadora en cada mano.

Acuarela. Cardoso. Arte. Poesía. Pintura. Pintores. Oscar Wilde. Literatua. Escritores

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Lovecraft. El que acecha en el umbral. Seres borbojeantes, habitan

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Dibujo del propio Lovecraft fechado el año de su muerte. 1937.

Howard Philips Lovecraft, 1890 Providence USA. Fallece en 1937 en Providence con 47 años.

Mientras lo leas te sentirás desasosegado. Y no sólo mientras lo leas. El texto es impregnante y baboso, como esos seres borbogeantes, que habitan en sus novelas. ¡Te hace sentir miedo!

El que acecha en el umbral. Magnífico titulo, «El que acecha en el umbral», de la cordura; la estrecha línea que separa dos abismos. El ataque a lo convencional, a lo que ya conocemos; de no se sabe que. Mórbida aura de desasosiego… Angustia.

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Dibujo en una página del libro. By TbArt

Preparaos ahora, para una pequeña dosis de terror:

– El protagonista de la novela se encuentra en casa de su primo en Dunwich donde lleva a cabo unas investigaciones.

«EL QUE ACECHA EN EL UMBRAL». HOWART PHILIPS LOVECRAFT

¿No te parece que es un poco temprano para que las ranas croen de esa forma?  pregunté.

Aquí no. Contestó secamente, como queriendo poner fin al asunto.

Yo no tenía deseo alguno de continuarlo, pues sentía como sí mi primo se convirtiese ante mis propios ojos en un ser cada vez más extraño, cuya hostilidad se despertaba con extremada facilidad  y que podía en cualquier momento despedirme de su casa.

Con gusto me hubiera yo alejado de ella, pero mi deber me imponía permanecer a su lado todo el tiempo que fuera posible.

Aquella velada pasó en medio de un silencio molesto, y aproveché la primera oportunidad para retirarme a mi dormitorio. El instinto me advertía que valía más que a aquellas horas no me pusiera a estudiar los viejos libros de la biblioteca, por lo tanto tomé el periódico del día anterior que había comprado en Arkham, y me instalé en mi cuarto para leerlo, pero no fue una decisión acertada, ya que el periódico contenía un comentario anónimo en la página editorial en un espacio consagrado a cartas de los lectores, donde se decía que una mujer anciana en Dunwich había sido despertada varias veces durante la noche por la voz de Jason Osborne.

Ahora bien, Osborne era una de las víctimas desaparecidas cuyos cuerpos habían sido encontrados durante el invierno; había desaparecido poco antes de  mi llegada a casa de Ambrose la primera vez; y la autopsia demostró que Osborne fue sometido a grandes cambios de temperatura donde había estado; pero aparte de eso y el extraño desgarramiento de su carne, nada se había descubierto que pudiera indicar la causa de su muerte.

La carta anónima no había sido escrita por una persona de gran educación, y aseguraba que el cuento de la anciana había sido «acallado» porque «parecía increíble» y proseguía algún tiempo describiendo cómo la anciana se había levantado y contestado y buscado en vano la procedencia de la voz que había oído con tanta claridad, decidiendo, finalmente, que venía de algún lado «junto a ella, o del espacio, o tal vez del mismo cielo».

Howard Philips Lovecraft, 1890 Providence USA. Fallece en 1937 en Providence con 47 años.

Lovecraft. El que acecha en el umbral. El texto es impregnante y baboso como esos seres borbojeantes que habitan sus novelas.

Lovecraft. El que acecha en el umbral. Escritores. Literatura. Novela. Miedo. Terror. 

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Mark Rothko. «Sólo, Emociones Fundaméntales «, Éxtasis, Tragedia, Extinción, Épica

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N 61. Rust and blue. 1953.

MARK ROTHKO. Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903. Nueva York 25 de febrero de 1970.

Su padre fue farmacéutico. La familia sufre episodios de racismo, y en 1910 emigran a Estados Unidos, huyendo de las purgas cosacas contra los judíos. Pocos años después, fallece su padre y el joven Rothko, se ve en la necesidad de vender periódicos por las calles para poder vivir. En esta época es muy aficionado a la música, y un buen estudiante; además de un comprometido activista político, defensor a ultranza de los derechos sociales. Mark Rothko tiene 18 años cuando es becado por la Universidad de Yale. Además trabaja en una lavandería, para pagarse los estudios. Dos años después abandona los estudios, y se traslada a Nueva York donde finalmente, descubre su vocación.

COMIENZA SU FORMACIÓN ARTÍSTICA

Tiene 23 años cuando comienza a impartir clases de pintura en La Center Academy de Brooklyn. Con 26 años se casa con la diseñadora de joyas Edith Sachar. Un año antes de su boda, expone por primera vez (Museo de Portland).

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Su familia de conservadores burgueses no le apoyaba, no entendian como no dedicaba su vida a algo más productivo, no podían entender, como un gran estudiante, con un futuro tan prometedor, quisiera tirar su vida a la basura, por la absurda idea de ser artista

MARK ROTHKO QUIERE SER PINTOR

Su pintura será  catalogada como Expresionismo Abstracto. Definición que él, no compartía, y que consideraba alienante. Rothko, entendía su arte como…«Una expresión mística no exenta de religiosidad»

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Mark Rothko utilizaba como soporte cuadros de gran formato, pues defendía, que en su creación, al utilizar estos enormes tamaños, podía trascender al lienzo, y por ende, el espectador cuando finalmente los observara, también podria sentiríse dentro del cuadro, (formaría  parte de el)… «Pintor lienzo y espectador serían uno»

COLOR, LUMINOSIDAD, SUAVIDAD; SUTIL DELICADEZA Y DELICADA TRANSPARENCIA

Su pintura es luminosa, y está llena de luz, en suaves y sofisticadas capas de color superpuestas, donde la pintura es libre y profunda, y el color se crea, y se transforma.

En cuanto a lo que el artista, nos quiere transmitir…

-«Solo me interesa expresar emociones humanas fundamentales, Tragedia,Éxtasis, Extinción o  Épica»-

-«Estoy a favor de las formas planas, porque ellas destruyen la ilusión y revelan la verdad… Estoy a favor de la exposición simple del pensamiento complejo»-

Sus pinturas consiguen en mi, un efecto místico e intemporal; modernas, y a la vez antiguas, sin pasado, ni tiempo…

COMO UN PRESAGIO, EL BRILLO SE APAGÓ

Al final de sus días, sus colores, pigmentos, y mediuns luminosos, mudaron a otras gamas de color, a tonos más oscuros, como un presagio, su pintura se fue oscureciendo, hasta fundirse con la noche de los tiempos, y el arcano que los gobierna desde tiempo inmemorial. Rothko, finalmente se suicidó cortándose las venas, a la edad de 67 años. Tal vez tuviera que ver con este trágico desenlace, su adicción al alcohol y los antidepresivos, pero estos, solo son un síntoma, una dura huida llena de clavos y sufrimiento.

Mark Rothko. «Sólo me interesa expresar emociones fundamentales», Éxtasis, Tragedia, Extinción, Épica.

Mark Rothko. Rothko. Arte, Pintura, Pintores. Artista. Nueva York

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Goya. Enamorado, de María Teresa Cayetana De Silva, Duquesa de Alba

La Duquesa de Alba. 1795. Francisco de Goya

FRANCISCO DE GOYA. Fuendetodos 1746. Burdeos 1828.

De familia de clase media, su padre era dorador, esto es, artesano/decorador; doraba retablos, tallas, y cosas por el estilo, GOYA, empezó sus estudios artísticos, con 13 años, un poco tarde para su época; ya con 40 años, poseía el título de PINTOR DEL REY  (CARLOS IV) por lo cual, también obtenía una renta.

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La Familia de Carlos IV. 1800.

Sucesivamente, iría ascendiendo paulatinamente, hasta convertirse, en PRIMER PINTOR DE CAMARA. Sus ingresos continuaron al alza. Comienza a retratar GOYA a la Familia Real, pero hay alguien que le obsesiona,  MARÍA TERESA DE SILVA ÁLVAREZ DE TOLEDO. «LA DUQUESA DE ALBA».  ¡Es la mujer más retratada por el pintorUNA OBSESION

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La Maja Desnuda. 1790/1800.

Para él fue amor, para ella, tal vez solo fuese un provocador juego, de necesidad y coqueteo

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La Duquesa de Alba. 1795.

La obra LA DUQUESA DE ALBA es de 1795. La Duquesa, tenía entonces 33 años; fallecería 7 años después con 40. La pintura fué realizada por GOYA, un año antes del  triste por prematuro deceso, de su marido. Cayetana enviudó de su primo José Álvarez de Toledo, en 1796. No tuvieron descendencia, lo que originaría  graves problemas a la Casa de Alba. Posteriormente Cayetana, adoptaría una niña negra llamada Maria de la Luz, de la que como un asunto misterioso, se ha perdido el rastro hasta hoy día. Cuando MARÍA TERESA ya viuda, con 34 años se retira a su residencia veraniega de SANLUCAR, es seguida por FRANCISCO DE GOYA. No hay constancia de los meses que permanecieron juntos; solo se conservan de este romántico momento, (al menos tuvo que existir el coqueteo), una pintura,  bocetos, y algún grabado.

LA DUQUESA MAJAS E INQUISICIÓN

La afirmación de que la Duquesa de Alba posara para las MAJAS, Es una leyenda urbana más. Las  pinturas, fueron encargadas por GODOY, Ministro, y también amante de la Reina Mariá Luisa, a su vez, prima del rey (Carlos IV), Se cuenta, que GODOY tenía colgadas las dos MAJAS en su domicilio, y que según fuera de comprometida la visita a su casa, así presumía él de una, o se pavoneaba de la otra.

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La Maja Vestida. 1800/8.

A causa de, La MAJA DESNUDA, GOYA, fue juzgado, y finalmente absuelto, por la entonces siempre oscura, y activa inquisición. El genio aragonés, no pudo olvidar jamás el terror que le inspiró, la visita del venerable Santo Oficio de la Cruz Verde, que andaba ávida tras sus pasos, aunque afortunadamente, el genial maestro aragonés, tenía importantes padrinos, y además siempre supo defenderse solo.

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La Duquesa de Alba. Año 1795.

El retrato de la Duquesa a la que amó, y que de nuevo vemos, sobre estas líneas, es de una altísima calidad. Si podéis debéis de verlo en directo, os asombrareis de  lo que es capaz de hacer el genial pintor con el óleo. Parece Magia, esa maestría indiscutible. Poner atención al alarde del muy alto nivel técnico, de GOYA, que se puede observar, en las vaporosas y mágicas  transparencias del vestido, ¡es algo maravilloso! Este magnífico cuadro se encuentra en la actualidad colgado, en una de las paredes, de la Casa de Alba de Madrid, en el Palacio de Liria, actualmente abierto al público ¡Por favor, no se lo pierdan!

Goya. Enamorado de María Teresa Cayetana de Silva Álvarez de Toledo. La Duquesa de Alba.

Francisco de Goya. Goya. Pintura. Pintores. Goya Enamorado. La Duquesa de Alba. Las majas de Goya.

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Arte. Paul Klee. Construcción, color, intuición, mensaje

 

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Ensimismado autorretrato. 1912/13.

Paul Klee. Munchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879. Muralto, Suiza, 29 de Junio 1940.
De padre alemán, y madre suiza, pertenecen a una familia de músicos. A Klee un animal trabajador le interesaban, la pintura, la música, (fue un notable violinista), la literatura, escribió además de diarios, libros de arte.

Suya es esta reflexión, «Una línea es un punto que se pone a caminar», y también esta otra cuando el color, después de su emblemático viaje a Túnez, (lo domina, lo posee), … «Yo y el color somos uno». Fue profesor y también aportó su granito de arena a la pedagogía. Estudia arte en Múnich. Su capacidad de trabajo estaba, tan exacerbada que a lo largo de sus 61 años, llegará a pintar casi 10.000 obras.

1911. Expresionismo, pronto este gran creador que solo piensa en pintar, muestra una gran afinidad con un grupo de pintores denominado, Caballero Azul, (Blaue Reiter).

1912. Cubismo. En París contempla admirado las obras de Picasso y Braque.

Una década antes, en 1901, Paul Klee había viajado a Roma donde residio varios años y estudió a los clásicos.

1914. Realiza su iniciatíco y exótico viaje a Túnez, donde el brillo de una nueva luz que por primera vez aprecian sus asombrados ojos, le hace reflexionar y, desde ese momento interesarse exhaustivamente, por la precisión y el estudio del color… Diagramas, tablas de color, el orden, los números…, y el movimiento.

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La casa giratoria. 1921.

CLASICISMO-ABSTRACCION-SURREALISMO-EXPRESIONISMO-NAIF-POP ART

A lo largo de su vida Paul Klee, participa de diferentes estilos, siempre activamente inquieto, bebe de diferentes fuentes, pero su creatividad es desbordante, y su pintura muy personal.

AÑOS DE EXILIO Y GUERRA

1911. Como ya dijimos anteriormente, en Múnich, se acerca, (mantiene una estrecha relación con este grupo de pintores), al Caballero Azul; se asocia y expone con ellos, traba amistad con Wassily kandinski y Fran Marc, sus fundadores; este último tristemente moriría en la batalla de Verdún. En esa gigantesca trituradora de carne humana (y animal) que fue la I Guerra Mundial, este triste suceso marcaría a Paul Klee interiormente, y lo arrastraría  por la senda de una pintura más intimista.

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Primera Guerra Mundial. Guerra de las trincheras.

Klee al igual que el Fran Marc participó en la I Guerra Mundial, pues tenía la nacionalidad alemana que le había sido otorgada, al ser su padre ciudadano alemán, y nunca renunciaría a ella. Finalizada la gran matanza en 1918, se dedica al fin por entero a la pintura y la enseñanza. Suiza su país de nacimiento le negó la ciudadanía en su exilio político durante la persecución nazi, acontecida anteriormente al inicio de la II Guerra Mundial.

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Sonido antiguo, Abstracto en negro. 1925.

1921/30 Paul Klee fue profesor de la Bauhaus (escuela de arte, diseño, arquitectura, artesanía), donde impartió clases de Teoría del color, también fue docente en la Academia de Düsseldorf. 1931/33.

1923. Es considerado uno de los miembros de los denominados como, Los cuatro azules (Die Blaue Vier), el grupo estaba formado por Kandinski, Feininger, Jawlensky, y Klee. 1924. Exponen en USA.

1928. Klee viaja a Egipto. Donde definitivamente la luz y el color, toman una nueva y potente dimensión en su obra.

1929. Visita España. Según sus palabras, «País en el que se crían los Goyas». Se interesa por los escritores, los músicos, y los pintores españoles; entre los que ya conoce desde hace tiempo, se encuentra el genial Pablo Picasso.

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Polifonía. 1932.

1933. Paul Klee expone en el Moma donde obtiene un rotundo éxito. Este año tan dulce, también tiene sus ásperas y afiladas espinas, pues tiene que abandonar la enseñanza que felizmenten ejerce en Alemania, debido  la persecución a la que es sometido por el nazismo. Finalmente se produce el exilio en Suiza. Sus pinturas, desde entonces fueron consideradas, y definidas, como arte degenerado por la barbarie nazi, y fueron prohibidas.

1935. Expone en la Kunsthalle. 1936. Le es diagnosticada esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa.
1940. Se presenta una gran retrospectiva del artista en el Kuntshaus de Zurich. Este mismo año, es urgenteme ingresado al agravarse su estado de  salud, en una clínica de Murano, Suiza; poco después fallecería el 29 de junio a los 61 años de edad.

2016. Sátira, parodia o ironía. Se presenta En París en el Centro Pompidou, una nueva exposición de Paul Klee compuesta por 230 obras del pintor Suizo/Alemán. Su título, La ironía de la obra. Fechas del 16 de abril al 1 de Agosto.

Pintura. Paul Klee. Construcción, color, intuición, y mensaje.

Arte. Paul Klee. Klee. Pintura

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Sísifo, o la metáfora del esfuerzo inútil e incesante…

 

Sisyphus. (1549). Detalle. Tiziano. Museo del Prado.

El óleo, fue encargado a Tiziano por Maria de Austria, hermana del rey Carlos V, para decorar una de las salas de su palacio, y se completaba, con otras 3 obras, (formando un conjunto bautizado como «Las furias»), dos de las cuales, desafortunadamente, perecieron abrasadas, bajo las llamas en el incendio del Alcázar de Madrid, en el año 1734.

SÍSIFICO. Se refiere al esfuerzo inútil e incesante del hombre, al absurdo, de la existencia, se cuestiona el sentido de la vida.

ZEUS. Padre de los dioses y los hombres. Gobierna sobre los dioses del Olimpo.

ARES. Dios olímpico de la guerra, hijo de Zeus y Hera.

HADES. Hijo de Cronos y Rea. Dios del inframundo, morada de los muertos, y también del mismo inframundo. Hermano de Zeus y Poseidón.

TÁNATOS. Era la personificación de la muerte sin violencia.

SÍSIFO fue rey de Éfira (Corinto) ¿quién sino él había fundado la ciudad?, a medio camino entre
Atenas y Esparta. Amante del progreso pero también de la trapacería, se interesó vivamente por la navegación y el comercio, mas sus métodos en muchas ocasiones, fueron arteros y espurios, llegando incluso hasta el asesinato, para de este modo cruel incrementar su fortuna. En una de estas, también traicionado Zeus, furioso, condena a perpetuidad, al ahora, destronado rey. Tenido por sabio.

Sisyphus. (1920). Franz Von Stuck

ZEUS ORDENA A TÁNATOS LA RECLUSIÓN DE SÍSIFO

Tánatos (la muerte) quien le acechara desde el momento de su nacimiento, fue siempre puntual, y debidamente ordenada por Zeus, (Dios de los reyes y los hombres), fue a por Sísifo, para llevárselo con él al inframundo, pero este rápido, le encadenó, motivo, por el cual desde entonces (preso Tánatos), nadie podía morir, entonces Hades (Dios del inframundo), exige a Zeus (Hades y Zeus son hermanos), que libere a Tánatos, y aprese a Sísifo, viéndose obligado a actuar, Zeus, envía a Ares (dios de la guerra), a solucionarlo, este, entonces, libera a Tánatos, y detiene a Sísifo, después, el mismo Ares, castigó a Sisifo al inframundo, vigilándolo, bajo su atenta mirada, aunque como veremos seguidamente esto, no fue suficiente con Sísifo el creído talentoso.

LA TRETA DEL ASTUTO SÍSIFO

Sísifo antes de su inminente muerte había ordenado a su esposa, que a su óbito, no cumpliera con el habitual, sacrificio de la ofrenda de los difuntos a los dioses, y ella así lo hizo, lo que provocó que Sísifo, ya en el inframundo (mundo de los muertos) convenciera a Hades para que le dejara partir momentáneamente, al mundo superior, a castigarla por no cumplir con los dioses. Ya en Corinto, en el mundo de los vivos, Sisifo, se olvido de volver, pues no quiso, y así, vivió unos años feliz, hasta que Hades burlado, a la fuerza, lo arrastró de nuevo al inframundo del que nunca debió salír.

EL CASTIGO

Ya recluido Sísifo, de nuevo en el mundo de los muertos, se le dicta agriamente, al fin, su famoso castigo, por el cual cargará eternamente sobre su espalda, esforzadamente, una gran roca; un duro y arisco pedrusco de enorme dimensiones. Así, tansportará el pesado pétreo peso, montaña arriba hasta la cima. Mas siempre que se acerque, a la punta de la elevada cresta, la inane roca resbalará viva, de su lacerada espalda, rodando ladera abajo, comenzando así, un desesperante bucle sin fin, en que habiéndola recogido del, valle…, el obstinado proceso empinado, obsesivamente, comenzará de nuevo.

Se trata se la metáfora del esfuerzo humano, inútil e incesante. El absurdo de la condición humana. Plantea el sentido de la vida.

Sísifo, o la metáfora del esfuerzo inútil e incesante…

Sísifo. Sísifico. Mitología. Tiziano. Arte. Literatura. Zeus. Ares. Hades. Tánatos

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Arte. Los Prerrafaelistas. Edward Burne-Jones

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El último sueño de Arturo en Avalon. 1881.

Edward Burne-Jones 28 de Agosto de 1833, Birmingham. 17 julio de 1898, Londres

Los Prerrafaelistas. En 1848 se fundaba en Londres, la hermandad prerrafaelista por un grupo de artistas, entre ellos, Millais, Dante Gabriel Rosetti, Holman Hunt, Everett; posteriormente se irían uniendo otros. Su objetivo era ofrecer a Inglaterra, un arte personal, social, y democrático, que tuviera un mensaje al estilo de la pintura cristiana. Ellos, no harían retratos, ni paisajes, tampoco les interesaba el realismo. Vivían por la leyenda y la literatura y denostaban, la producción industrial en las artes decorativas, y la arquitectura. Su idea, era, en el mundo del arte, la denominación en el encaje social, de artesanos, con el rango de Artistas.

BURNE-JONES HUÉRFANO

Burne-Jones. Era hijo de un dorador tallista, como también lo fuera, Francisco de Goya.

Solo tenía 6 días de edad, cuando su madre falleció. Lo criaron su padre, y un ama de llaves, fría, distante, y huraña. Burne-Jones. Había nacido en 1833 en Birmingham, mas pensaba, que vivía en un siglo que no era el suyo, que no le correspondía. Padecía el artista, melancolía y pánico vital.

ESTUDIOS

Empezó  la carrera eclesiástica, en el Exeter College de Oxford, con 20 años de edad, y se dedicó desde muy joven al dibujo; en la literatura, prefería las rimas gloriosas y los versos heroicos de reyes y reinas. Sobre el realismo pensaba…«No tiene que ver nada con el arte, es solo una ciencia interesante y nada más»

Mientras, que Burne-Jones, abandonó, la carrera eclesiástica; William Morris, su compañero en el Exeter College, amigo, y posteriormente socio, al que apasionaban el arte y la arquitectura, de la Edad Media, quería ser arquitecto, Burne-Jones, sería artista. Finalmente, Burne abandonó Oxford, sin terminar los estudios. Sin embargo, a amistad de estos dos artistas, duraría toda la vida.

Corría el año 1853, y los Prerrafaelistas se reunían prácticamente por ultima vez; la intención de Burne-Jones, era el retiro monacal, una vida tranquila alejada del puritanismo de la época.

TRABAJO Y BODA

1855. Dante Gabriel Rossetti, artista, al que admira Jones, es conocido por él en Londres, donde este, impartía clases de pintura, en una escuela popular de gran afluencia; además, de la docencia, Dante poseía un taller de arte, y con él, bajo su dirección trabajará, aunque Burne-Jones, sabrá siempre, mantenerse fiel a su estilo. Después Burne-Jones, viaja a Italia, donde estudia, a los clásicos, que a partir de este momento serán, para él una gran influencia.

1860. Boda. Se casa después de 4 años de noviazgo con, Georgiana MacDonald, que realizaba entonces estudios de arte. Quería ser pintora, y era hermana de uno de sus  amigos, después del matrimonio, Georgiana acabó dedicándose al grabado sobre madera.

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Edward Burne-Jones (1833–1898), Perseus and the Graiae, 1892. Óleo sobre lienzo.

Burne-Jones mientras tanto, además de pinturas, realiza vidrieras por encargo, (Colegio de San Andrés de Bradfield), y como también le interesaban los objetos, se aplica en la decoración, diseñando, tapices, alfombras, cortinas, papel pintado, cerámica, joyeria, muebles, también es ilustrador literario y,  diseñador de vestuario para teatro.

RITUALES Y MEDITACION

Burne-Jones se refugió en la mitología y las leyendas célticas y cristianas, dando rienda suelta a su febril imaginación, que en sus ensoñaciones lo llevaban lejos, tan lejos,  que a veces le costaba volver a la realidad, y entonces, en ese extasis divino, tenía miedo y pensaba que su equilibrio emocional pendía de un hilo, y que tal vez, en alguna ocasión ya no podría regresar, reflejaba en sus cuadros, figuras andróginas, oníricas; figuras de mujeres con cuerpos alargados, leves y, etereas, armónicas como ensimismadas bailarinas de ballet.

Erotismo. Misticismo. Arabescos Descarnados… y Modernismo

Edward Burne-Jones, obtuvo reconocimiento y premios, gozó de éxito, mas fué pronto olvidado, pues se impusieron otros estilos artisticos; para luego posteriormente, ser recuperado nuevamente, ocupa ahora un preeminente lugar por derecho propio, en la Historia de Arte y el Prerrafaelismo.

Los Prerrafaelistas. Edward Burne-Jones. Prerrafaelismo al final.

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