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Arte. Francisco de Zurbarán. «Yo no soy Caravaggio»

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SAN FRANCISCO. (1635). MUSEO DE ARTE DE MILWAUKEE

FRANCISCO DE ZURBARÁN. Fuente de cantos, Badajoz, 7 de noviembre de1598. Madrid 27 de agosto de 1664.

¿Saben esos artistas de TV que después de participar en una serie de éxito, corren el riesgo de ser encasillados, como el personaje al que interpretaron en la ficción?, algo así, le paso a nuestro protagonista… En sus comienzos, sus pinturas, estaban influenciadas por CARAVAGGIO y, no pudo nunca quitarse la etiqueta de ser, «El Caravaggio Español». ZURBARÁN, pertenecía a una familia adinerada, no en vano su padre era un comerciante muy bien situado.

Francisco de Zurbarán se casa muy pronto, lo hace con una mujer mayor que él; 19 años tenía el pintor y 29 años, su novia María Pérez. Se establecen entonces en una importante localidad, Llerena, en la provincia de Badajoz, tienen 3 hijos. Pocos años después fallece su mujer. En este momento, el pintor, ya es reconocido y recibe muchos encargos. Eran unos años de expansión económica y él, estaba en el sitio adecuado, en el momento oportuno, y con la formación requerida.

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San Serapio. 1628. Fraile Mercedario

Los encargos los recibe Zurbarån, sobre todo de conventos. ¿Cuántos frailes Mercedarios (como el de San Serapio), que os muestro?, ¿cuántos hábitos blancos de frailes, que tenían a bien dar su vida por la de los prisioneros cautivos, y que tuvieron mucho que ver, con la liberación de Cervantes, habrá pintado el artista pacense? ¡Cuántos ratos  habrá pasado Francisco de ZURBARÁN entre claustros y sacristías! Era, tan grande su éxito, que  cuando pintó en 1627 «El Cristo en la cruz», fue invitado por el consistorio sevillano, a residir en la ciudad andaluza, a orillas del Guadalquivir, y cuya importante via fluvial conectaba comercialmente, SEVILLA con el nuevo mundo.

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Cristo en la cruz. 1627

En 1625 Francisco de Zurbarán se vuelve a casar, en esta ocasión con Beatriz de  Morales, viuda y con una buena posición económica, nuevamente, ella es diez años mayor que él.

1629. Francisco de ZURBARÁN vive en SEVILLA donde atiende múltiples encargos. Tiene el pintor allí un importante taller, de de donde salen infinidad de Obras de Arte, muchas de ellas para ser exportadas desde la ciudad hispalense (siendo embarcadas) a América del Sur, donde irán a decorar sus incipientes monasterios, y sus bisoñas blancas iglesias encaladas.

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San Hugo en el refectorio de los Cartujos. 1630/35

IMAGINERÍA Y MARKETING EN EL SIGLO XVI

Imaginería y Marketing, ideas muy modernas para el siglo XVI, pero que como vemos la Iglesia, ya las aplicaba para su causa. Sabía, que la belleza de las obras de arte ayudarían a convencer a aquellos pobres pecadores que necesitaban tanto al Señor. La iglesia en estos años ostenta un gran poder, y el arte sacro le interesa, piensa ganar fieles con las imágenes de los santos mártires; la trinidad, la virgen, o acaso algún milagro o pasaje bíblico, que cale hondo en los corazones de aquellas almas tan cándidas. Hay que llenar de contenido infinidad de templos nuevos. Iglesias, sacristías, conventos. 12 cuadros de Zurbarán, titulados «Las tribus de Israel», destinados a la exportación, nunca llegaron a su destino, desgraciadamente el barco en que viajaban, fue abordado por piratas ingleses, y los cuadros vendidos al mejor postor, actualmente se encuentran en la ciudad de Auckland, Durham, Ingaterra,mdonde ahora el municipio se plantea vender las pinturas, al observar atónitos que uno de los últimos cuadros de ZURBARÁN sacados a subasta, alcanzó un valor aproximado de 4 millones de euros.

En 1639 muere Beatriz de Morales, su segunda esposa. El pintor en esta época vive en MADRID, donde frecuenta la amistad de  Diego Velázquez, con el que mantiene una buena relación. En ese momento se encuentran también en la capital de España, Bartolomé Murillo y Alonso Cano; los tres en aquel momento son de una edad parecida.

Recibe ZURBARÁN algunos encargos de la realeza. Regresa a Llerena.

1644, se casa por tercera vez, esta vez su mujer, Leonor de Tordera, es mucho más joven que él (18 años) Tienen 6 hijos.

1650 se establece en MADRID.

ZURBARÁN, además de pintura religiosa, pinta bodegones, naturalezas, cuadros de batallas, escenas mitologicas, y en todos estos estilos sobresale su genio; su maestría.

Francisco de ZURBARÁN es uno de los más grandes pintores, del Siglo de Oro Español.

Arte. Francisco de Zurbarán. «Yo no soy Caravaggio»

FRANCISCO DE ZURBARÁN. ZURBARÁN. ARTE. PINTURA. CARAVAGGIO. MERCADO DEL ARTE

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Arte. Juan Gris. Siempre Fiel al Cubismo

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“Juan Gris”. José Victoriano González Pérez

Madrid. 23/3/1887. Boulogne-sur-Seine. 11/5/1927. Con solo 40 años de edad.

Juan Gris nace en Madrid en el seno de una familia acomodada. Con 17 años comienza su formación artística en la Escuela de Artes y Manufacturas de Madrid, y en el estudio de pintura de José Moreno Carbonero.

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Ilustración de Juan Gris

Sus primeros pasos profesionales, los da en el campo de la ilustración, y realiza trabajos para algunas conocidas revistas de la época en España. Pronto su deseo es conocer la bohemia de un París, lleno de artistas y envuelto en una alta fiebre creadora. En1906, con solo, 19 años, se establece en el barrio de Montmartre donde, desde lo alto de la colina, París, su sueño, se despliega majestuoso, bajo el basto plomizo horizonte; allí conocería  enseguida a Pablo Picasso, Fernand Léger, y Georges Braque… ¡Quien da más!

Para buscarse la vida en aquel fascinante París de principios del inquieto siglo en lo que todo bullía, tuvo que dedicarse a realizar dibujos para revistas…, ¡otra vez la ilustración!

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Retrato de Pablo Picasso. 1912. Art Institute de Chicago.

CUBISMO

1910. El madrileño Juan Gris a la edad de 23 años, rasga el velo del Cubismo. Por fin deja atrás el arte de subsistir y, comienza arrollador, el fabuloso arte de transgredir, como antes le ocurriera a Goya, Rodin, o tiempo después a Rauschenberg.

1912. Juan Gris presenta varias pinturas cubistas en el Salón de los Independientes de París.

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Bodegón con persiana. 1914. Tate Gallery. Londres.

1913. Juan Gris. Reside en Ceret una pequeña localidad francesa cercana a España, situada en los Pirineos Orientales. En esta ciudad tan relacionada con el cubismo, y en la que ya había residido Pablo Picasso en 1911, pinta, y experimenta con el Papier Collé, una técnica pictórica, y de collage, que se basa en pegar recortes sobre la pintura, y que es considerada, una aportación exclusiva de Juan Gris al cubismo. Georges Braque otro de los fundadores del Cubismo junto con Pablo Picasso es a si mismo, aceptado como el inventor del Collage. Entre 1911 y 1914. Georges Braque y Pablo Picasso, ya, pintan juntos, en Ceret, algunas pinturas Cubistas.

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Retrato de Madame Jossete Gris. 1916. Museo Reina Sofía. Madrid

Con el tiempo la relación de Juan Gris y Pablo Picasso, se fue haciedo más distante, y mientras que Picasso evolucionaba hacia un arte más figurativo, Gris en cambio se mantiene en un cubismo a ultranza… Juan Gris es, Siempre fiel al Cubismo.

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Botella y Florero. 1919. Thyssen Bornemisza. Madrid

ETAPA FINAL

Juan Gris diseña escenografías para el ballet ruso Diaghilev.

Fallece de tuberculosis con solo 40 años.

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La ventana abierta. 1921. Meter Collection Zurich

En España, podemos ver obra de este gran artista, en el Museo Reina Sofía, Fundación Telefonica, Museo Thyssen Bornemisza, y en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando de Madrid.

Arte. Juan Gris. Siempre fiel al Cubismo.

Arte. Juan Gris. Cubismo. Cubistas. Picasso. Braque.

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Arte. Escultura. Mateo Hernández. Y un bloque de diorita

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Mateo Hernández Sánchez. Bejar, Salamanca. 1884. Meudon, Francia 1949.

ESCULTOR. TALLA DIRECTA

MATEO HERNÁNDEZ. El escultor bejarano nace en un familia de canteros, se casa a la edad de 21 años con Petra Téllez; un año más tarde se separan, y el escultor, que reside en Bejar, su ciudad de nacimiento, se traslada a Salamanca. Ese mismo año viaja a Madrid (becado por la Diputación de Salamanca) donde realiza estudios de dibujo, y modelaje de lo antiguo, en la Escuela Nacional de Bellas Artes, solo dos años después regresa nuevamente a Salamanca, y de allí marcha a París.

PARÍS

La llegada a la capital francesa en 1910, no resulta nada fácil, el escultor no habla ni una palabra de francés y se encuentra sin trabajo, sin embargo al poco, comienza a trabajar en la construcción como cantero. Tiene 26 años. Dos años después conoce al gran amor de su vida, Fernande Carton Millet, estudiante de magisterio, que habla perfectamente español, y que ayudará al escultor incluso, con su pobre sueldo de maestra.

MATEO HERNÁNDEZ, trabaja incansablemente en su oficio, es un asiduo visitante del zoo parisino donde toma apuntes del natural y se percibe su amor y respeto por los animales; además, son unos modelos baratos, en un momento, en que a veces es difícil pagar las facturas… Así transcurren unos años.

1920 EL AÑO DEL ÉXITO, alcanza la fama y el reconocimiento

Pantera de Java. Pantera Rothschild. 1920

El Barón Rothschild, adquiere su obra Pantera de Java realizada en granito negro de Bélgica, en el Salón de Otoño de París. El aristócrata paga por la escultura nada más, ni nada menos, que 60.000 francos, una cifra desorbitada para aquellos años 20 de penuria y crisis. Pertenece a la colección particular del Barón, se encuentra en Paris.

PANTERA DE JAVA

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Gran Pantera de Java o Pantera Kerrigan. 1922/1925

1923, MATEO HERNÁNDEZ consigue un gran bloque de diorita, la diorita, es una de esas rocas de la naturaleza, similar al granito, y a esta última roca, la conoce bien de su tierra bejarana, donde al ser muy abundante, es usada en la construcción; el escultor, así pues el artista, con su apreciado bloque de diorita comienza, lo que sería una de sus obras más emblemáticas, La Pantera de Java, que actualmente se encuentra en el Metropolitan de NUEVA YORK. Después de dos años de arduo trabajo con su talla directa llena de riesgos, la presenta en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925, resultando galardonada, con el Gran Premio de Escultura. Dos años después La Pantera de Java, sería adquirida por el señor y la señora Kerrigan.

Mateo Hernádez declaró sobre lo ocurrido…

«Yo no quería venderla, esa obra la quería para mí, puse un precio muy alto para no venderla… y se la llevaron».

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Mateo Hernández esculpiendo La Bañista. 1925.

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La Bañista. 1925. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En 1927, la Sociedad del Amigos del Arte organiza una exposición en Madrid, de 27 obras de arte del escultor, asistió al evento la Familia Real; esculturas, no se vendió ninguna, si bien es cierto, que los precios del genial artista no eran aptos para cualquier bolsillo.

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Gorilas. (Maternidad). 1948. Museo Municipal de Escultura Mateo Hernández

1928, MATEO HERNÁNDEZ, adquiere una espaciosa casa en Meudon, Francia; allí, en su taller, en el que solo y exclusivamente trabaja él, realiza obras de gran tamaño. Trabajador incansable se consagra totalmente a la Escultura, desdeña los materiales blandos y dúctiles, y ataca con rabia los grandes bloques de piedra, ¡cuanto más duros mejor! A veces tenía que vendarse los brazos del dolor, pues constantemente, las briznas de piedra y el chisporroteo que provoca el cincel sobre la dura roca, le causaban golpes y laceraciones.

1949. MATEO HERNÁNDEZ, fallece en su casa de Meudon; finalmente es repatriado y enterrado en Bejar, su localidad natal donde existe un museo (permítanme recomendárselo), dedicado íntegramente a la figura de su insigne vecino; contiene unas 50 obras que actualmente, están cedidas en deposito, por el Museo Reina Sofía de Madrid.

Mateo Hernández. Escultor….

Arte. Escultura. «He podido tener un bloque de diorita para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga».

MATEO HERNÁNDEZ. LA PANTERA DE JAVA. ESCULTORES. ESCULTURA. BEJAR. SALAMANCA. MADRID. PARÍS. MUSEO REINA SOFÍA

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Arte. Talleres Omega. Roger Fry, revoluciona los objetos domésticos

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Roger Fry. Autorretrato. 1928

Roger Fry. 1866/1934. Artista. Pintor, Escritor, Critico de Arte, Diseñador, Conferenciante.

TALLERES OMEGA. 1913. Es un colectivo de artistas, liderado por ROGER FRY, que trata de dar valor estético a los objetos de uso común dotándoles de una manera de sentir la vida, incorporando el arte a sus diseños. Los artistas de estos talleres tenían consensuado un pequeño sueldo fijo y todas las obras eran únicas y artesanales. Los motivos decorativos que utilizaban eran de lo más diverso, kandinsky, Picasso, Seurat, u obras de artistas jóvenes menos conocidos.

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Diseño de la Letra Omega. Roger Fry

En el TALLER OMEGA, nadie firmaba, únicamente todas ellas llevaban impresas el sello de la letra Omega (última letra del alfabeto Griego). Los clientes de TALLERES OMEGA, cuya tienda se encontraba situada en el 33 de Fitzroy Square, en Londres, eran sobre todo intelectuales y personajes de la alta sociedad.

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Muebles domésticos diseñados por el Taller Omega

El laboratorio de ideas en que se convirtió Talleres Omega desarrolló una estética vanguardista pensando en los hogares y pensando también en las personas; entre otras obras de arte se fabricaron utensilios de cocina, muebles, sillas, alfombras, biombos, vestidos, bolsos, papel pintado, y todo lo que podían imaginar que era mucho.

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Recipiente, taza de cocina. Talleres Omega

COMPROMISO AGOTADOR

Roger Fry. Luchó lo indecible por TALLERES OMEGA. Después de unos años en los que hubo buenos y malos momentos, finalmente, el taller que había sido referencia en las Artes Aplicadas de los primeros años veinte, acabo cerrando por el agotamiento de Roger Fry que al final no dando abasto y disgustado por las aciones al margen de algunos miembros desmandados que vendían por su cuenta, se decidió por una vida más tranquila y enteramente dedicada a la pintura.

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Diseño de cama. Talleres Omega

Después del cierre de Talleres Omega, se liquidaron las piezas que quedaban en el almacén al 50% de su precio (se vendió todo).

TALLERES OMEGA, cerró en 1919. Hoy es imposible obtener algunas de aquellas bellas y cada vez más sensibles obras utilitarias. ¡Si se rompe una taza… no hay otra de repuesto!

Talleres Omega. 1913. Roger Fry. La Revolución de los Objetos Domésticos.

ARTE. TALLERES OMEGA. 1913. ROGER FRY. ARTES APLICADAS. DISEÑO. DECORACIÓN

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Arte. Retrato de Oscar Wilde. Toulouse-Lautrec. “En el Salón Dorado: Una Harmonía”

 

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Foto. Retrato de Oscar Wilde. 1895. Toulouse Lautrec

El retrato lo realizó, su amigo Toulouse Lautrec en la cuidad de Londres, a la que el aristocrático pintor se desplazó expresamente, con la intención de retratarlo en tan excepcionales, y dramáticas  circunstancias, Wilde tenía entonces 41 años, y ya había protagonizado el gran escándalo de la época, a causa de sus amoríos con el hijo de un conde. En la pintura. Con el Támesis al fondo, vemos al genial escritor irlandés, vestido elegantemente, iQue no se diga! Wilde esperaba en ese momento, su inminente ingreso en prisión, después de la sentencia del 25 de mayo de 1895, que odiosamente, le condenaba a 2 años de trabajos forzados en la Prision de Reading, por comportamientos indecentementes. Lautrec demostraba así su amistad, respeto, y solidaridad, por el machacado escritor.

EN EL SALÓN DORADO: UNA ARMONÍA

Sus manos de marfil en el teclado
Extraviadas en pasmo de fantasía;
Así los álamos agitan sus plateadas hojas
Lánguidas y pálidas.
Como la espuma a la deriva en el mar inquieto
Cuando muestran las olas los dientes a la brisa.

Cayó un muro de oro: su pelo dorado.
Delicado tul cuya maraña se hila
En el disco bruñido de las maravillas.
Girasol que se vuelve para encontrar el sol
Cuando pasaron las sombras de la noche negra
Y la lanza del lirio está aureolada.

Y sus dulces labios rojos en estos labios míos
Ardieron como fuego de rubíes engarzados
En el móvil candil de la capilla grana
O en sangrantes heridas de granadas,
O en el corazón del loto anegado
En la sangre vertida del vino rojo.

Oscar Wilde

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Arte. En el Salón Dorado: una Armonía. Sus manos de marfil en el teclado Extraviadas en pasmo de fantasía; Así los álamos agitan sus plateadas hojas Lánguidas y pálidas. Oscar Wilde.

Oscar Wilde. Wilde. Literatura. Escritores. En el salón dorado una Armonía. Arte. Retrato. Lautrec. Toulouse Lautrec.

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Arte. Luis Gordillo. Ejemplo y Psicoanálisis

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Luis Gordillo. Ilustración by TbArt

Luis Gordillo. Sevilla 1934.

Su familia (él), pertenecía a la burguesia sevillana acomodada, donde su  progenitor ejercía de medico. Gordillo estudio derecho sin mucha convicción, y posteriormente Bellas Artes. A finales de los años 50 viaja a París y enseguida se siente atraído por el Informalismo. Luis Gordillo a lo largo de su larga y anárquica carrera, transita por diferentes estilos pictóricos, primeramente fue el informalismo, en este estilo, se sintió muy cómodo.

Gordillo define al informalismo como…

«Una abstracción libre que emplea diferentes materias y pintura gruesa»

Como también ocurre en el caso, de Tapies, artista, que el pintor sevillano cita, como uno de sus pintores emblemáticos.

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La Familia. 1972.

Después vendrá el Pop Art con sus repetitivas series, y Gordillo lo atrapa enseguida;  las series son evolución, transmisión, algo que reacciona, que esta vivo. Luego daría nuevamente paso a la abstracción, en la que está considerado, uno de los máximos exponentes en España; cuando paradojas de la vida, últimamente ha declarado, que él, más que un pintor abstracto, se ha considerado, un pintor figurativo, la mayor parte del tiempo. Últimamente se dedica sobre todo,  a las artes plásticas; el uso de la fotografía, los soportes digitales, la serigrafía sobre lienzo, el collage, y la pintura.

El Psicoanálisis le ha ayudado siempre en su carrera, y le sigue ayudando, y siempre que puede, se encarga de recordárnoslo.

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No te olvides. (2012). Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

EL COLOR

Tiene pinturas de un solo color, y en otras, trabaja con colores de tonos vivos, aunque siempre sofisticados. Le da importancia al color, el verde es muy empleado por él, en algunas épocas. Gordillo empezó pintando al óleo, luego, a partir de los 70, se decantó definitivamente por la pintura acrílica.

1981. Premio Nacional de Artes Plásticas. 1996. Medalla de Oro de las Bellas Artes de Madrid. 2007. Premio Velázquez de Artes Plásticas. Son solo, algunas de sus múltiples distinciones.

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Cuatroojos que se ahoga. 2015. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En la actualidad Luis Gordillo sigue trabajando, (como el buen vino, se hace excelente con los años, su innegable talento, se ha conservado y mejorado, con el paso del tiempo), realizando pinturas de gran nivel.

Es el sevillano, un artista respetado mundialmente, con obra expuesta en los  museos más importantes del mundo, y con un reconocimiento público y privado, escaso, a la vez que muy merecido.

Arte. Luis Gordillo. Ejemplo y Psicoanálisis.

Arte. Luis Gordillo. Gordillo. Pintores. Informalismo. Pop Art. Psicoanálisis.

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Arte. William Turner. Brutal y delicado

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WILLIAM TURNER. Covent Garden, Londres, 23 de abril de 1775. Chelsea, Londres, 19 de diciembre de 1851 a los 76 años de edad.

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En su vida de pintor famoso, alcanzó el éxito muy pronto, aunque también muchas críticas; entre otras, aparte de por su pintura transgresora, por su procedencia social, de clase trabajadora y humilde; por su falta de modales, su brutalidad, y su mala pronunciación de barrio.

Creció en los arrabales de Londres, entre las calles, las tabernas y burdeles de Covent Garden. Rodeado de actividad, trajín, se mercaban, flores, frutas y verduras. Un vivo y colorido paisaje con un deje rural vocinglero feriado.

Su padre que era peluquero, además de ayudar a su hijo, también confeccionaba pelucas. Su madre una sencilla ama de casa, con notables desequilibrios nerviosos, agravados a raíz de la muerte de una hermana pequeña del pintor, acaecida, en 1876, finalmente, fallecería en 1804 recluida en un hospital psiquiatrico, nunca fue a visitarla, solo tenía 9 años. El niño Turner se encuentra así con una pérdida capital a muy corta edad. A raíz de este triste suceso William Turner, se traslada a vivir a casa de un tío materno residente en Brentford, al este de Londres, en las orillas del estuario del Tamesis. Un año después comienza sus estudios de arte en La Royal Academy of Art; donde ya en el primer curso, destaca como un alumno de enorme talento y como un trabajador incansable.

ACADÉMICO A LOS  23 AÑOS

Muy pronto comienza a ejercer como pintor y da clases de pintura. Se convierte en académico a los 23 años, lo que le permite pintar con libertad gracias a un salario fijo. William Turner ahora es endiabladamente libre, y comienza a recorrer con su pintura la aventura de caminos inciertos, antes nunca hollados en la historia del Arte.

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Lluvia vapor y velocidad. 1844

RASGA Y DESCUBRE ROMPE Y ALUMBRA

Descubre; rasga el delicado velo del Impresionismo con 25 años de antelación.

Realiza viajes por Europa, estudia en El Louvre, París.

En 1829 muere su padre, al que se encontraba muy unido, y que a menudo lo ayudaba en las tareas del taller, las ventas, y en sus quehaceres profesionales y domésticos. Cuando fallece esta vital figura de su vida, William Turner tenía 54 años y resulta un durísimo golpe, el gran artista ahora cae sumido en una fuerte y oscura depresion. Socialmente, se convirtió así en un bicho raro, siempre lo había sido, pero a raiz del fallecimiento paterno se encuentra terriblemente solo. Se vuelve más excéntrico si cabe, y se aisla quedándose prácticamente sin amigos. Sin embargo, su faceta amorosa es variada, misteriosa, y desesperante, no le faltan las amantes, mas desprecia vehementemente el matrimonio y por ende a los casados…

-«Siempre ocupados en satisfacer a la mujer  y mantener a los hijos«.

Era el pintor inglés frecuentemente visitador de camas del servicio doméstico; jovencitas y viudas eran algunas de sus especialidades amatorias. En el trato William Turner era hosco, irritante, y despreciaba profundamente a la sociedad.

ARDIENTEMENTE ENAMORADO DE LA FUERZA QUE EMANA DE LA NATURALEZA

Pinta incansablemente: realiza sus maravillosos paisajes impresionistas. Le obsesionan la luz, la calima, el reflejo, la bruma, y los efectos atmosféricos temporales. Va detrás de lo que sueña.

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William Turner. «El pintor de la luz»

Trabajador compulsivo, innovador en la técnica (que domina a gran altura), William Turner ocupa, en el Olimpo de los grandes genios, un lugar muy destacado.

NO ES TAN FIERO EL LEÓN COMO LO PINTAN

Finalmente; nunca sabremos si por una pasión verdadera; conoce a Sophia Booth, una dulce viuda que le acompañará los últimos días de su vida.

Proverbial tacaño, sin embargo dejó toda su fortuna, que no era menor, a lo que él llamaba… «Los artistas desmoronados» Aunque en vida le ofrecieron mucho dinero por ellas, cedió generosamente sus pinturas al estado inglés con el romántico deseo, de que permanecieran siempre juntas, así, afortunadamente, la  mayor parte de sus obras se encuentran reunidas, y expuestas, en la Tate Gallery de Londres.

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Roma desde el Monte Aventine. Vendido por 47, 400, 000 $

Hoy la cotización de las pinturas de William Turner, en el Mercado del Arte, ronda los 50 millones de dólares.

Arte. William Turner. Brutal y delicado. 

William Turner. Turner. Arte. Pintura. Mercado del Arte

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ART MADRID’19. Feria de Arte Contemporáneo

Pequeño Jardín salvaje. (2019). Técnica mixta. Rubén Martin de Lucas. Galería BAT Alberto Cornejo.

ART MADRID’19. Feria de Arte Contemporáneo.14 edición
Madrid. Del 27 de febrero al 3 de marzo de 2019

Lugar. Galería de Cristal de CentroCentro Madrid Cibeles

Hola apasionados por el arte…

La Feria de Arte emergente ART MADRID’19, este año, se mostró agradable, y a primera vista, renovada en su distribución, con más representación internacional, y con artistas, y galerías latinoamericanas, pisando fuerte y garbosas, en los stands.

Entre Flores de D’estramonio. (2018). Mónica Subidé. Técnica mixta.

Visitamos la feria el domingo por la mañana. Una luminosa mañana, se presentaba, aunque, en el mes de febrero, totalmente veraniega, incluso, con su brillante sol, y un cielo azul, sin mácula, obtenía reflejos dorados, en todo lo que dulcemente sus rayos acariciaba.

A nuestra llegada la afluencia de publico era notable, mas el ambiente y, el ámbito en que nos desenvolvíamos, bajo una enorme cúpula acristalada, (bella e impresionante), se nos mostraba a los ojos muy agradablemente. Bañada por una benéfica inmensa luz.

«Christmas Chicken. (2018). Efraïm Rodrïguez.

Participaron en tal útil y necesario, anual evento artístico internacional, 50 galerías. 200 artistas, y 15 países.

Pintura, Escultura, Obra Gráfica, Fotografía, Videoarte, Instalaciones Artísticas.

«Dark Side 3«. (2018). Samuel Salcedo.

Además del, programa general, este año ART MADRID’19, presentaba, One Proyect (Proyectos inéditos en formato solo show), y nos muestra 7 propuestas artísticas patronadas, por mujeres, bajo la leyenda «Ficciones, máscaras, y paisajes, el color como telón de fondo». La feria de arte contemporáneo, en su programa paralelo de actividades, ofreció en esta edición, debates, mesas redondas, networking, masterclasses; en el apartado artístico, del Videoarte.

«Real World«. (2019). Alejandro Monge. Óleo sobre tela.

Un feria felizmente orientada, y sólidamente asentada, que se celebra anualmente en el cercano marco, incomparable, de la Cibeles cerca, como un estupendo, telón de fondo, cerró sus puertas este año, con un gran aumento de coleccionistas particulares, e instituciones, buenas ventas y una afluencia de público que se calcula en unas 20.000 personas. Gracias Art Madrid, y hasta la próxima.

Desde aquí felicitar, a la organización de esta magnifica feria de arte contemporáneo, por su eficacia, y buen trabajo, en un evento artístico anual, que felizmente cada año, va a más. Gracias

ART MADRID’19. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Madrid

Art Madrid’19. Art Madrid. Feria de arte contemporáneo. Feria de arte. Arte. Madrid

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Drawing Room Madrid. Feria Internacional de Dibujo. Arte . 2018

Foto captura. Verser l’offrande. (2017). Video compuesto de imágenes y dibujos. Sandra Kraser. Galerie Jean-Louis Ramand. Foto by TbArt archivos fondos propios.

Hola apasionados por el Arte. Hoy contaré algunas impresiones, sobre una Feria de Arte interesante, por la calidad de las obra que contiene…

Drawing Room Madrid
Feria Internacional de Dibujo. Arte Contemporáneo

21/25 de febrero. 2018. Madrid

Fernando Martin Godoy. Galería SIBONEY. Foto by TbArt archivos fondos propios.

En esta reciente tercera edición de la feria, han participado 30 galerías (cada una de ellas con un máximo de 3 artistas), 7 países, (Japón, Países Bajos, Francia…, con Italia como el más representado); y alrededor de 70 artistas.

Portait. (2017). Ángeles Agrela. ¿Cual es el papel de la mujer en el mundo del arte? Galeria  Yusto/Giner. Foto by TbArt archivos fondos propios.

El lugar elegido este año para ubicar la feria, (El Salón de Baile, del Circulo de Bellas Artes de Madrid), ha sido bastante acertado, facilita su visita, su belleza, y la superficie expositiva, que este año, ha permitido una mayor participación de espacios artísticos, y como no, por su privilegiada situación en pleno centro de Madrid, y a escasos metros de la Cibeles.

Madrid, 1962. «S/T» 1996. María R. Valverde. Galeria PINTURAPINTURA.COM. Foto by TbArt archivos fondos propios.

María Rosa Valverde, madrileña, realiza sus estudios en la Escuela de Arquitectura de Madrid, y en la Facultad de Bellas Artes, de la Universidad Complutense, esta artista profesionalmente, se ocupa en una primera época, a las actividades de diseño editorial, y publicidad, ahora, lleva más de 10 años, dedicándose por entero a su propia conceptualización del Arte. En su estudio, la escultura, la pintura, la fotografía, y sobre todo el dibujo, son sus medios de expresión más utilizados. Es reconocida, valorada y, expone generalmente, con importantes galerías. En esta feria participa con la Galería PINTURAPINTURA.COM que también mostraba obra de Manuel Salinas.

Sin título, Juanjo Lazcano. N2 Galeria. Foto by TbArt archivos fondos propios.

La asistencia a la feria este año, ha sido, de alrededor, de 10.000 visitantes.

Tambien me interesaron, otros artistas…

Manuel Caeiro pintor y dibujante portugués. Carlos Carvalho Arte Contemporânea de Lisboa.
Javier Calleja, el malagueño con la Galería Yusto/Giner. David de las Heras, en Pepita Lumier.

Una feria de Arte, con sinceras propuestas al coleccionista.

Muy recomendable

Drawing Room Madrid. Feria Iternacional de Dibujo. Arte Contemporáneo. 21/25 de febrero de 2018. Madrid.

Drawing Room Madrid. Feria Internacional de Dibujo Contemporáneo. Drawing Room 2018. Arte. Arte Contemporáneo. Madrid 

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Arte. Paul Gauguin. «Yo soy un salvaje»

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Autorretrato

PAUL GAUGUIN. París 7 de junio de 1848. Autona, Islas Marquesas 9 de mayo de 1903.

POSIMPRESIONISMO

Fue el menor de los dos hijos del periodista Clovis Gauguin, y Aline Chazal, a la sazón, hija de la activista peruana Flora Tristán. Tenía un año, cuando se ven obligados al exilio (a causa del golpe de estado de Napoleón III, Clovis, el padre de GAUGUIN era antimonarquico). Durante el duro trayectos del exilio Clovis, fallece; el resto de la familia; su madre, su hermana y él, con poco más de un año de edad, se establecen en Lima, Perú, en casa de un tío; es en esta ciudad donde GAUGUIN, realiza sus primeros estudios reglados, con muy buenas notas.

1855. Regresan a Francia

Con 17 años Gauguin, se separa de su madre, con la que a menudo no está de acuerdo, y decepcionado, y huyendo alocado como una gran bestia herida, se alista primeramente en la marina mercante, para después hacerlo en la armada francesa; al poco tiempo Flora Tristán, su abuela, fallecería.

Despues de 5 años, en los que conoce mundo y participada en una guerra (Guerra franco-prusiana, 1870/1), regresa a París. En 1873 a la edad de 25 años, se casa con la pintora sueca Mette Sophie Gad con la que tuvo 5 hijos. En París lleva la vida del perfecto burgués acomodado; casado y con hijos, es un aplicado agente de cambio y bolsa, al que sus negocios marchan viento en popa…, a velocidad de crucero, pero…

1874 EL SALVAJE ASOMA LAS OREJAS

GAUGUIN, conoce a Camille Pissarro. Le fascina su obra y se interesa apasionadamente por el Impresionismo. Comienza a recibir clases de PINTURA; poco después expondrá sus obras en el círculo de los impresionistas. También es coleccionista, adquiere pinturas de Manet, Cézanne, Monet, Pissarro.

1882. EL SALVAJE SE HACE FORMA

GAUGUIN, abandona su trabajo en la Bolsa (en 1882 la bolsa francesa atravesó una grave crisis, en la que el pintor, perdió una parte importante de su patrimonio), y decide dedicarse por entero al Arte. Para poder subsistir, se dirige con su mujer y sus cinco hijos a Copenhague, Dinamarca, donde viven en casa de su familia política; desgraciadamente los negocios no van bien y la convivencia tampoco; finalmente los abandona, y regresa a París en 1885… Donde ya totalmente entregado a la pintura, visita a Pissarro en Ruan (Normandía), y realiza un viaje a Panamá.

1986. Conoce a Van Gogh y a su hermano Theo, marchante, que a partir de entonces lo apoyará compradole obra, y organizándole exposiciones. Se traslada a Pont-Aven, en Bretaña.

Paul Gauguin conoce a Emile Bernard amigo de Van Gogh y, los tres enseguida se convierten en inseparables.

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Vincent Van Gogh pintado los girasoles. 1888

1888. Sucede el famoso episodio de la «Oreja de Van Gogh». Así ocurrieron los hechos… Cuando Gauguin vivía, y pintaba en el año 1888, con su amigo Van Gogh en los prados amarillos de Arles, después de una pelea que ambos mantuvieron a la puerta de un burdel; según algunas teorías, Gauguin, le habría seccionado a Vincent una de las orejas, según otras, fue el propio Van Gogh, quien se automutiló. Después de estos dramáticos sucesos, ya nunca volverían a ser amigos. Gauguin, pensaba que Vincent estaba loco, y recordad, ¡que sí!,  el miedo es libre.

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Arearea. (1892)

UN SALVAJE REAFIRMADO

«Llegará un día en el que me enterraré en los bosques

de alguna isla de los mares del sur y allí viviré en  éxtasis de paz,

con mi arte, rodeado de mi nueva familia,

lejos de Europa y de la lucha por el dinero»

1891.Gauguin, es ahora, un salvaje que rompe con todo lo establecido. No le Interesa la sociedad que conoce,»la sociedad del mercado». En busca del paraíso perdido comienza el periplo viajero, y el errático cambio, sus próximos destinos van a ser: Isla de Taboga. Itsmo de Panamá. Martinica. Tahití, y Polinesia. Sobrevive gastando poco, con la magra herencia que le dejó su tío Isidore, y la venta de algunos de sus magníficos cuadros.

1897. GAUGUIN, enfermo, cansado, y arruinado, intenta quitarse la vida con Arsénico.

1891. Se establece en las Islas Marquesas.

1903. Enfermo de sifilis y con grandes problemas de alcoholismo fallece en Autona, Islas Marquesas.

LA PARADOJA DE GAUGUIN Y EL DINERO

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¿Cuando te casas? (1892)

MERCADO DEL ARTE

Recordais sus palabras, «Lejos de Europa y de la lucha por el dinero»… En el año 2015, El Emirato de Qatar, adquirió la obra «¿Cuando te casas?», por 300 millones de dólares; la obra de arte más cara de la historia; mandando a la segunda posición, al récord de cotización mundial, que hasta entonces había pertenecido a «Los jugadores de cartas» de Cezzane, vendido en 250 millones y que fué adquirido por los mismos propietarios que en este caso, el Emirato de Qatar, en 2013.

ARTE. PAUL GAUGUIN. «YO SOY UN SALVAJE»

Arte. Pintura. Paul Gauguin. Pintores. Posimpresionismo. Mercado del Arte. Van Gogh