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Literatura. Cuando Narciso murió, el río de sus delicias se transformó, en una copa de lágrimas saladas

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Foto, by TbArt

Narcisismo, trastorno metal. Desequilibrio emocional grave. Personas con un desmesurado sentido de su propia importancia, y una necesidad enfermiza de atención y admiración. Relaciones  conflictivas, carentes de empatía.

EL DISCÍPULO

Cuando Narciso murió, el río de sus delicias se transformó de una copa de agua dulce en una copa de lágrimas saladas, y las Oréades vinieron llorando por los bosques a cantar junto al río y a consolarle.

Y cuando vieron que el río habíase convertido de copa de agua dulce en copa de lágrimas saladas deshicieron los bucles verdes en sus cabelleras y gritaban al río y le decían:

-No nos extraña que le llores así. ¿Cómo no ibas a amar a Narciso con lo bello que era?

¿Pero Narciso era bello?

-¿Quién mejor que tú puede saberlo? -respondieron las Oréades- Nos despreciaba a nosotras, pero te cortejaba a ti, e inclinado sobre tus orillas, dejaba reposar sus ojos sobre ti, y contemplaba su belleza en el espejo de tus aguas.

Y el río contestó:

-Si amaba yo a Narciso, era porque, cuando inclinado en mis orillas, dejaba reposar sus ojos sobre mí, en el espejo de sus ojos veía reflejada yo mi propia belleza.

Oscar Wilde. El Discípulo. Cuando Narciso murió, el río de sus delicias se transformó de una copa de agua dulce en una copa de lágrimas saladas…

Foto, by TbArt

Literatura. Cuando Narciso murió, el río de sus delicias se transformó, en una copa de lágrimas saladas

OSCAR WILDE. EL DISCÍPULO. NARCISO. LITERATURA. ESCRITORES. NARCISISMO. NARCISISTA. WILDE

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Fotografía. Mindor. «Era verde el silencio, mojada era la luz»

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Fotografía. By Mindor.

El paisaje que en esta ocasión presenta Mindor, nuevamente, nos hace soñar, y transporta al dulce y oculto nirvana, que se encuentra, aquí, muy cerca, pero que a menudo se nos escapa como el ascendente humo cegador, huye rendijero, y al instante, surge colado, un impresionante fuego rojo, y naranja… Despues, desaparece inexorable.

Lento y diluido ascendente disimulo

Gracias Mindor por ofrecernos estos soñados verdes, verde pino, verde enebro, verde alga, verde musgo, verde albahaca, verde lima, verde pera …

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Era verde el silencio, mojada era la luz,

temblaba el mes de Junio como una mariposa

y en el austral dominio, desde el mar y las piedras,

Matilde, atravesaste el mediodía.

Ibas cargada de flores ferruginosas,

algas que el viento sur atormenta y olvida,

aún blancas, agrietadas por la sal devorante,

tus manos levantaban las espigas de arena.

Amo tus dones puros, tu piel de piedra intacta,

tus uñas ofrecidas en el sol de tus dedos,

tu boca derramada por toda la alegría,

pero, para mi casa vecina del abismo,

dame el atormentado sistema del silencio,

el pabellón del mar olvidado en la arena.

Pablo Neruda. Parral, Chile, 1904. Santiago, Chile, 1973.

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Fotografía. Mindor. «Era verde el silencio, mojada era la luz, temblaba el mes de Junio como una mariposa».

Fotografia. Mindor. Fotógrafos. Pablo Neruda. Verde. Color. Paisaje

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Arte. Van Gogh. El 27de julio de 1890, sacó su revolver

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Vincent Van Gogh en 1866 a los 13 años de edad

VAN GOGH. 30 de marzo de 1853 Zundert (Países Bajos). Auvers-sur-Oise, de 1890 a los 37 años de edad.

Soles ardientes, amarillos discos solares que giran y queman; estrellas cegadoras, quimeras, sueños, religión como concepto, y religión adherida a su piel, a sus alimentos, y a sus pinceles.

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GAUGUIN CONTÓ A TODOS QUE VAN GOGH ESTABA LOCO

Despues de su enfrentamiento con Gauguin en Arles, Van Gogh cae irremisiblemente en el profundo y oscuro pozo de la depresión, el desequilibrio se impuso en su vida de una manera violenta, y mansamente, decidió internarse en el Asilo de Saint-Paul-de-Mausole en Auvers-Sur-Oise (cerca de Saint-Rémy).

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Autorretrato sin barba. 1889, un año antes de su muerte

DOMINGO 27 DE JULIO DE 1890 DETRÁS DEL CASTILLO DE AUVERS SONÓ UN DISPARO

Vincent Van Gogh, salió de la Pensión Ravoux en la que vivía, llevaba con él su caballete y sus pinturas (también un revolver), el campo que tanto amaba se extendía en esos momentos a sus pies, majestuoso, un día de domingo del mes de julio. Entonces… Detras del Castillo de Auvers, apoyó su ajado caballete de madera en el gastado muro de piedra, y se disparó un tiro en el corazón. La bala, ansiosamente veloz, salió desviada apenas unos centímetros, de su rojo, y vital órgano bombeante, pero la violencia del disparo a quemarropa, le arrojó, empujándole violentamente al suelo. Gravemente herido Vincent, a duras penas consiguió levantarse y regresar a la Pensión Ravoux, donde vivía, dos días después, fallecería a consecuencia de las heridas.

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Trigal con cuervos. 1890, el año de su muerte

MARTES 29 DE JULIO DE 1890 EL GENIO ABANDONA LA ESCENA

Rapidamente, se desplazaron a Auvers muchos de sus amigos, en su mayoría artistas, a dedicarle el último adiós, estaban allí, entre otros, Theodore Van Gogh (su hermano), Bernard, el Doctor Gachet, Tanguy, Charles Laval, Lucien Pizarro, Lauzel…

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Autorretrato. 1888. -Dedicado a Gauguin- Dos años antes de su muerte

La pequeña habitación, en la que se encontraba el féretro conteniendo el cuerpo de Van Gogh, fue bellamente decorada por el dueño de la pensión, y su hermano Theo (que fallecería solo un año después), la estancia lucia tenuemente iluminada con cirios; en las paredes colgaban sus últimas pinturas, y delicados ramos de flores amarillas descansaban mansamente, sobre la sabana blanca que pudorosa cubría el ataúd. También, su ajado caballete y sus pinturas, humildemente, reposaban tristes rendidas a sus pies.

ARTE. VAN GOGH. DOMINGO 27 DE JULIO DE 1990. VAN GOGH SE DISPARA UN TIRO

Arte. Vincent Van Gogh. Van Gogh. Pintura. Van Gogh Suicidio. Van Gogh Muerte. 

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Arte. Exposiciones. Lautrec/Picasso. Thyssen. Madrid

Exposiciones. Museo Nacional Thyssen Bornemisza
Toulouse Lautrec versus Pablo Picasso
Del 17 de octubre de 2017 al 21 de enero de 2018

Afinidades y coincidencias

Retrato de Toulose Lautrec. Foto vía internet.

Henry de Toulouse Lautrec 24 de noviembre Albi (Francia) 1864, Albi. 9 de septiembre de 1901 (infarto de miocardio), Saint-André-du-Bois. Solo tenía 36 años.

Pablo Picasso (Málaga) 25 de octubre de 1881. Mougins 8 de abril de 1973. Con 86 años.

Autorretrato, 1886. Pablo Picasso.

Solo 17 años separaron a los dos genios

El conde, hijo de un conde, y el hijo de un profesor de arte juntos. Uno rico y enfermizo, el otro sin dinero, y con la salud de un minotauro. Enlazados, bajo un mismo hechizo.

En el circo; entrada en pista, (1899). Tiza negra y de color sobre papel. Henri de Toulouse Lautrec. Uno de los cuadros de esta magnífica muestra.

Dos grandes pintores cara a cara…, dos grandes artistas, que se encuentran reunidos y dialogan con fluidez, en las salas del museo de la baronesa «Tita Cervera», (coleccionista y filántropa). Unidos, dos artistas a las que tantas cosas unen…, aunque no todas, y sin comparar.

Lautrec vivió 36 años, Picasso 50 años más. Exiliados, cada uno a su manera, bohemios, mas siempre conscientemente orientados. Pintaron ambos, cabarets, mujeres, caballos. Retrataron a sus amigos, y lo que amaban.

La exposición la componían, un centenar de obras, distribuidas y agrupadas, bajo los siguientes epígrafes:

Bohemios. Los 2 en un París, que chorreaba pintura, y cambio.
Vagabundos. Los 2 errantes (aunque enfocados) y, marginados voluntarios, y voluntariosos.
Bajos fondos, extravagancia y vulgaridad, grosería, inevitable y agotadora.
Ellas, un motivo común, intimas, amenazadoras, o dulces y familiares.
Eros recóndito, desnudo y erotismo, brutalidad y compasión.

Arlequin sentado. París. 1905. Pablo Picasso. Uno de las obras de arte de esta magnífica exposición.

En muchos de los cuadros, a lo largo de la muestra, podremos observar la evolución del arte contemporáneo, los dos artistas juntos, en plena ebullición, portando la atrevida antorcha del cambio.

En la exposición se nos mostraron obras de arte con mayúsculas, fue, por supuesto muy recomendable, y la tan manida fusión, en este caso, afortunadamente funcionó muy bien.

Observación. Los 2 geniales pintores, a veces en el discurrir de sus caminos artísticos, se encuentran tan cerca, que se funden .

Arte. Exposiciones. Lautrec Picasso. Museo Nacional Thyssen Bornemisza

Arte. Exposiciones. Lautrec Picasso. Museo Nacional Thyssen Bornemisza

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Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2018, censura y más

 

   

Silencio Autocensurado, 2016. Concha Jerez. Aural Galeria. Fotos by TbArt. Archivos fondos propios

Aspecto que presentaba el stand de Galerie Thaddaeus Ropac, con obras de Yan Pei-Ming y Georg Baselitz. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Un año más y ya son 37 ediciones, termina la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2018.
Soy pintor y a ratos blogger dedicado al Arte, en general, y os contaré mis impresiones…, como lo viví.

La feria vino precedida por la polémica de la censura, (la obra), un mural de 24 retratos tipo ficha policial de personajes, con los rostros pixelados,que lleva el elocuente título de «Presos políticos españoles contemporáneos«, de Santiago Sierra, (Un artista critico/reivindicativo político/social, con reconocimiento nacional, que se negó a a aceptar el premio nacional de artes Gráficas en 2010, dotado con 30000€), de relevante proyección internacional, y representado en la feria por la Galeria Helga de Alvear, no debió ser retirada.

Presos políticos españoles contemporáneos», de Santiago Sierra, antes de ser retirada. Foto. Vía internet.

Hay obras de arte en general, que pueden molestar, escocer a algunos, algunas incluso pueden  parecer detestables, (son criticas), tocan la fibra. Es necesario, respetar la libertad de expresión (podemos manifestar libremente nuestra opinión). Como en otras ediciones la polémica (este año teñida de color político), está servida y no le vendrá mal a la feria, si es que quiere madurar en este importante (vital), aspecto. La obra se vendió inmediatamente, (96.000 euros, pagados por Tatxo Benet, socio de Jaume Roures. Debate y tolerancia sin suprematismos, avance sin miedo hacia un futuro (precisamente este año, la palabra que titula la feria), mejor y más libre. Sobre este asunto (un termómetro irritante), Carlos Urroz director de ARCOmadrid 2018, manifestó inmediatamente, «yo nunca habría retirado la obra de Santiago Sierra». IFEMA emitió un comunicado oficial señalando que la obra había sido retirada respetando la libertad de expresión, para de esta manera, no desviar la atención de lo que es importante en la feria. Hago mías también las  declaracióness de Carlos Urroz sobre este enojoso asunto. IFEMA posteriormente emitía este comunicado, «Lamentamos y pedimos sinceras disculpas (-) No hubo mala fe en esta acción y aceptamos las críticas recibidas, comprendiendo que debemos evitar en el futuro cualquier circunstancia de esta naturaleza».

Medios de comunicación y expectación en la blanca parez de la discordia. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Empezamos la visita como siempre, bueno, como siempre hasta ahora, pero con una importante diferencia, este año estrenando un flamante pase de prensa. Eran las 13:00 de la mañana del sábado, después de una noche de microteatro y tapeo por los aledaños de la Gran Vía, el sol brillaba y el cielo lucia de un color azul intenso. Como es habitual, café y unos cigarros, después el metro, y al fin un inmenso oasis de arte contemporáneo en Madrid.

Aspecto de la feria. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Mi primera impresión a la entrada fue…, la de agobio, la feria estaba llena, la segunda, el alboroto (también junto a la entrada de la feria), alrededor,  de la extensa y blanca parez, que había contenido la polémica instalación ya retirada, y nunca repuesta, que ahora ocupaba Thomas Ruff; mucha expectación generada, y muchos medios de comunicación continuamente ocupados en el debate.

Regine Schumann. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

En cuanto al nivel de la feria creo que en este momento se encuentra consolidada y con unos estándares, muy aceptables de calidad y argumento, sólo hecho de menos, propuestas más refrescantes con un sentido más lúdico y participativo, falta un poco más de riesgo, instalaciones,  sensaciones, ambiente y emoción.

Hangover Construktivism III. 2017. Sebastián Kuhn.  Foto by TbArt. Archivos fondos propios

De esta feria, obviando el asunto de la censura, me llevo sensaciones muy agradables. Gracias al equipo de ARCOmadrid 2018,  por hacerla posible, (se el importante  esfuerzo y pasión que ponéis en ello), el resultado ha sido estupendo, os felicito sinceramente.

«Alepo». Francisco Leiro. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Una de las mejores noticias sobre esta 37 edición de ARCOmadrid, es el crecimiento del casi 20% en ventas respecto al año anterior, (ha habido alguna, de más de un millón de €). ¡Enhorabuena! Los visitantes fueron alrededor de 1000.000, (de ellos, 30.000 visitantes profesionales). La Fundación ARCO adquirió obras por valor de 175.000 €, el Reina Sofía por su parte compró por un total de 389.000 €, la Fundación Helga Alvear pagó por una obra de Dan Graham, 500.000 €.

Serie comienzo. Óleo sobre lienzo. José Guerrero. Galeria Gillermo de Osma. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2018, censura y mucho más.

Arco 2018. Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2018. ARCOmadrid 2018. Arte Contemporáneo

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Arte. Ceesepe. Un poeta de la ciudad con estilo

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Obra de Ceesepe.

Carlos Sanchez Perez. Ceesepe. Madrid 1958. Madrid viernes 7 de septiembre de 2018 a los 60 años de edad.

Define su arte como un mezcla de poesía y artesanía.

CEESEPE. Pintor, ilustrador, artesano, ebanista. dibujante, grabador; pero sobre todo, un gran creador que posee, un inconfundible sello propio. Últimamente su paleta de colores y sus pinceles estaban en los programas de dibujo de su ordenador; con él, cortaba, pegaba, dába, y quitaba luz, o colores.

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Obra de Ceesepe

El collage siempre le ha interesado y lo seguiria trabajando siempre, su estudio se encontraba, habitualmente, alfombrado anárquicamente, por múltiples recortes de papel, y cartulina; imágenes y colores alfombraban desordenados el suelo; el pintor habitualmente, trabajaba con las manos, tocaba los materiales, fumaba en su trabajo.

No le interesaba la nostalgia, «no volvería a dibujar cómics»; se estrenó en el mundo del arte allá por los años setenta, donde empezó a ser conocido por sus ilustraciones en la revista Star de Barcelona ( ciudad a la que se trasladaría a vivir unos años). En (2018 año de su fallecimiento) reside en Madrid  pero lo que le llama…, es dejarlo todo de una vez, y perderse dulcemente, en una isla idílica y paradisiaca, donde le acompañé el calor, (Que la tierra le sea leve).

Los Años de la Movida

Ya en los 80 se adentrará más en la pintura. Son unos años de mucho trabajo, en los que el artista, reside entre Madrid y Barcelona. En esta pasada época recibe muchos encargos; también, carteles de cine, como, Pepi, Luci, Bom, y otras chicas del montón, 1980, y La ley del deseo, 1986; (ambas de Pedro Almodovar), portadas de discos (KiKo Veneno).

En la Feria de Arte Contemporáneo de Madrid, Arco 88, vende algunos dibujos y es una autentica celebridad (Se convierte así, en uno de los artistas más significativos de la movida, en uno de sus símbolos más mediáticos) Ceesepe goza en esos momentos de una enorme popularidad que por desgracia no se vé traducida en cash.

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Madrid. El Hortelano y Ceesepe. Foto. Alberto García-Alix. En primer término, y con camiseta blanca, El Hortelano, también fallecido (20/12/2016) a los 62 años de edad. 

CEESEPE. Fue Amigo, de El Hortelano, Nazario, Ouka Lele, Mariscal, Alberto García-Alix, Barceló, Almodovar, Kiko Veneno y más… Le gustan, Fellini, David Hocney, Lucian Freud.

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Obra de Ceesepe. 2008

Residente en Madrid (tenia, su estudio a escasos metros de la tan popular y céntrica, Puerta del Sol), reconocía, que él, había cambiado más, que la Gran Metrópoli. A mi, me gustó ese cambio. Tiene mérito dedicarse a la creación, tan cerca del caos de la gran urbe; su estudio, también era su casa; y su vida domestica se mezclaba peligrosamente con su trabajo. Muchas veces, no sabe si debe hacer, lo que se supone que debe, (por ejemplo dormir); pues tal vez, esto que supone, no lo haga, y sin embargo, se ponga finalmente (y a deshoras), a trabajar.

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Obra de Ceesepe. 2008

Ceesepe, ha vivido en Río de Janeiro, Nueva York, Buenos Aires, París ( Ciudad, en la que residió varios años), en ella, coincidió con Barceló, con el que le unia, una buena amistad y que durante su estancia parisina, le presto un ático lleno de libros. Últimamente, reconocía,  estar cansado de viajar, «La globalización consiguió, que todos los sitios me parezcan igual», había declarado recientemente.

En 2011, le fue concedida la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes.

«Sigo aprendiendo cada día. No sabría vivir, sin inventarme a mi mismo cada mañana»

Ultimas noticias :

25/11/14. Se presentaba, en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, el libro, Manual Practico de Pintura. #3.

Su autor Ceesepe. El tema…, sus obras y su vida.

Carlos Sanchez Perez. Ceesepe. Falleció, (Leucemia), en Madrid, el 7 de septiembre, de 2018.

Recortes en el suelo (ahora tristemente abandonados), unas tijeras abiertas y tantos, y tantos de sus amigos, irremediablemente, un poco más solos. Descansa en paz.

Arte. Pintura. Ceesepe. Un poeta de la ciudad con un estilo muy personal. 

Ceesepe. Pintura. Arte. Madrid.

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Arte. Velázquez. Manet, lo calificó como, «pintor de pintores»

VELÁZQUEZ Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Sevilla 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de agosto de 1660.   imagePintor barroco. Naturalismo.

Para muchos es  el mejor pintor español de todos los tiempos, en difícil pugna con otro de los grandes, Goya. Aunque dicen que las comparaciónes son odiosas, sería en este caso muy complicada la contraposición, al tratarse de pintores de muy distintas épocas, el gran maestro aragonés nació en 1746, y Velázquez en 1599, 147 años después que el genio sevillano.

Goya, en alguna ocasión declaró no tener otros maestros que Velázquez, Rembrandt (1608), y la Naturaleza, La opinión de Velázquez sobre Goya, si fuera posible, no podría ser distinta de la del pintor aragonés.

Juan Rodríguez de Silva, padre de Velázquez, (tal vez  hidalgo), fue un notario eclesiástico. nacido en Sevilla, de origen portugués, (los abuelos paternos, se establecieron en la ciudad del Guadalquivir procedentes de Oporto), y Jerónima Velázquez, su madre, sevillana de nacimiento. Diego, era el mayor de ocho hermanos; su hermano Juan, fue también fue pintor.

1609. Con diez años, recibe formación artística en el taller del gran Francisco Herrera el Viejo.

1611, este año su padre firmó la «carta de aprendizaje» de su hijo, Diego de Velázquez, que tenía 12 años, con Francisco Pacheco, obligándose con él, a un periodo de enseñanza de seis años.

Francisco Pacheco, además, de pintor, maestro, y escritor de «El arte de la pintura», que no llegó nunca a ver publicado. No fue mal dibujante, ni mal pintor, con él Velåzquez, aprendió a dibújar del natural, modelos en diferentes posturas, así como caras, y gestos; narices, ojos, bocas, orejas… la misma pedagógica repetición, llevada a cabo siglos después, por el genial Picasso, y otros muchos. Como la envidia es muy mala, Vicente Carducho y Eugenio Cajés, (sus competidores a Pintor del Rey) lo acusaron de ser sólo capaz de pintar cabezas. También recibió críticas de otros pintores de la corte.

Velázquez. Con éxito e influencia, pinta bodegones, (genero pictórico de procedencia flamenca), tan del gusto de aquel tiempo, Se conservan 9 bodegones de su primera época, y once obras de temática distinta. Iluminación tenebrista influenciada por Caravaggio y Zurbarán. Relieve. Un color espeso recubría totalmente el lienzo, luego, en primer plano, colocaba, figuras fuertemente iluminadas, sobre fondo oscuro, aplicaba pinceladas densamente empastadas y modelaba las formas con precisión.

Colores dominantes tostados, carnaciones cobrizas, su paleta de colores era muy reducida. Utilizó toda la vida  los mismos pigmentos, variando con el tiempo la forma de mezclarlos y aplicarlos.

Sevilla, la antigua Hispalis, era entonces  una de las ciudades  más ricas y poblada de España y, la más internacional; su puerto que monopolizaba el comercio con América, le insuflaba modernidad y en ella se percibía enseguida, una rica mezcla de razas y culturas, por sus calles paseaban muchos pintores pues allí no les faltaba trabajo. También poseía una importante sede eclesiástica.

VELÁZQUEZ en 1617, aprobó ante Juan de Uceda, y Francisco Pacheco (su maestro), el examen que le permitía incorporarse al gremio de pintores de Sevilla. Recibió licencia desde entonces, para ejercer como «Maestro de Imaginería y al Óleo», pudiendo practicar su arte en todo el reino, tener tienda pública y contratar aprendices. Tenía 18 años.

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Vieja friendo huevos. 1618. Velázquez

BODA Y LA MAESTRÍA

1618, 23 de abril, el artista se casa en Sevilla, con Juana, la hija de Pacheco (su maestro), que tenía entonces 15 años. En la bella ciudad de la giralda, también nacieron sus dos hijas: Francisca, e Ignacia. Su Maestria de genio ya se manifestó en sus primeras obras realizadas con sólo 18 o 19 años, El Aguador de Sevilla (1620) fue uno de los cuadros que llevó a Madrid. Se lo regaló a Juan Fonseca, por su ayuda en la corte. Mucho tiempo después, este, será a su vez regalado al general Wensley por el Rey Fernando VII. Actualmente se encuentra en Londres.

La Sevilla, rica, y eclesiástica, demandaba temas religiosos, cuadros de devoción y retratos. Su forma de interpretar el natural permitió a VELÁZQUEZ llegar al fondo de los personajes, mostraba así, una gran capacidad para el retrato, les tramitia fuerza interior y temperamento. En su primera visita a Madrid, la primavera de 1622, pinta el retrato de Góngora. Del que existen 3 copias.

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Retrato de Góngora. 1622

En 1621 fallece Felipe III, al que sucede Felipe IV, el cual favoreció a un noble de familia sevillana, Gaspar de Guzmán, el Conde-Duque de Olivares, el todopoderoso valido. Velázquez debió ser presentado a Olivares, por Juan de Fonseca o por Francisco de Rioja

«No se pudo retratar al rey aunque se procuró». El pintor regresó a Sevilla. A quien sí retrató por encargo de Pacheco, que preparaba un libro de retratos, fue a Góngora. También, al  fin se consiguió que el Conde-Duque llamase a Velázquez para retratarlo. Hizo así su retrato, el  30 de agosto de 1623, a gusto de Su Majestad, de los infantes, y del Conde Duque, que afirmó, «no haberse retratado al rey hasta entonces»; lo mismo opinaron, todos los señores que lo vieron. el joven monarca, era solo seis años menor que Velázquez.

En octubre de 1623 se le ordenó trasladar su lugar de residencia a Madrid, como Pintor del Rey con un sueldo de veinte ducados al mes, este, no incluía la remuneración que pudiera obtener por sus propias pinturas y, otras concesiones, como los beneficios otorgados a petición del Conde-Duque.

MADRID 1624

1624. Con 24 años Velázquez en Madrid, finalmente es nombrado Pintor del rey Felipe IV, y cuatro años después, Pintor de Cámara, labores a las que dedicó el resto de su vida. Retratos del rey, y de la familia real, más la decoración de las mansiones reales. Tambien, tiene tiempo de estudiar, la colección real de pintura.

En las enseñanzas de su primer viaje a Italia, conoció la pintura antigua y la de su tiempo, influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad y, una técnica de pinceladas rápidas y sueltas.

EXITO EN LA CORTE

Velázquez pudo visitar las colecciones reales de pintura, de enorme calidad. Carlos I y Felipe II habían reunido, cuadros de Tiziano, Veronés, o Tintoretto.

El estudio de la colección real, especialmente la de los tizianos, tuvo una decisiva influencia en su evolución estilística, que pasó del naturalismo austero de su época sevillana, a las severas gamas terrosas y, la luminosidad, los grises plata y, los azules transparentes.

1627 juró el cargo de Ujier de Cámara, y desde 1628, Pintor de Cámara; el poder pintar cuadros para decorar los palacios reales, le dio, una mayor libertad en la elección de temas, libertad, de la que no gozaban los pintores comunes, atados a los encargos y la demanda del mercado, además,  podía aceptar también encargos particulares, en Madrid, sólo lo hizo, de miembros influyentes de la corte.

Su técnica en este periodo, valora más la luz en función del color y la composición. los retratos son luminosos y de mayor refinamiento.

Su tendencia a repintar rectificando lo hecho, a menudo, dificulta la datación precisa de sus obras, «arrepentimientos», achacables a la ausencia de estudios previos, y a un modo lento de trabajar, «flemático», según lo definió el propio rey.

«Pasado el tiempo lo antiguo, que quedó debajo, y sobre lo que se pintó, surge de nuevo».

 

RUBENS EN MADRID

En 1628 Rubens llegó a Madrid para realizar gestiones diplomáticas, y permaneció en la ciudad casi un año. Pintó del orden de diez retratos de la familia real.

En su estancia madrileña, Rubens, copió obras de la colección de pintura del rey, especialmente de Tiziano, pues, representaba para él inspiración y estímulo. Felipe IV llegó a poseer la más importante colección de obras del pintor veneciano.

Rubens y Velázquez ya habían colaborado antes, el flamenco utilizó un retrato de Olivares pintado por Velázquez, para el dibujo de un grabado impreso en Amberes en 1626,  el marco alegórico fue diseñado por Rubens, la cabeza por Velázquez. El sevillano debió ver pintar los retratos reales a Tiziano, una gran experiencia fue observar la ejecución de esos cuadros. Rubens en Madrid, fue la primera influencia decisiva, que sufrió la pintura de Velázquez.

La fragua de Vulcano. (1630)

Rubens impulsó el primer viaje de Velázquez a Italia. así Velázquez, obtuvo el permiso real para completar sus estudios.

Cambio Decisivo. Viaje a Italia. 1629

El 22 de julio, se le concedieron para su ansiado viaje a Italia, dos años de salario, 480 ducados y, también el dinero de algunas ventas, viajó con un criado, llevando con él cartas de recomendación para las autoridades. Era el pintor del Rey de España, y se le abrieron todas las puertas, pudiendo contemplar obras solo para sus ojos. Se produce entonces una radical transformación de su estilo. Ensayó nuevas técnicas, buscó la luminosidad, y encontró su lenguaje pictórico propio, mediante una combinación de pinceladas sueltas, de colores transparentes y, toques precisos para resaltar los detalles.

La Fragua de Vulcano, (1630). Es una obra esencial para entender su evolución. La atmósfera ha superado las limitaciones del tenebrismo y los cuerpos se modelan en un espacio real y no emergen en una sombra envolvente. Desnudo y riqueza de expresion, denotan el estudio del clasicismo romano-boloñés. Estuvo en Génova, y luego en Venecia ciudades en las que visitó colecciones artísticas de los distintos palacios y, copió obras de Tintoreto, después partió hacia Ferrara.

Viajó a Roma donde permaneció hasta el otoño de 1630, alojado en el Vaticano, pudo dibujar libremente los frescos de Rafael y Miguel Ángel; finalmente, regresó a Madrid pasando antes, por Nápoles, donde realizó el retrato de la Reina de Hungría (Museo del Prado), En la cuidad napolitana pudo conocer a José de Ribera (El Españoleto), que en ese momento se encontraba, en su plenitud pictórica.

Madurez en Madrid

Con solo 32 años, realiza el Retrato de Felipe IV. De castaño y plata. Pintado hacia 1623, El conjunto aparece plasmado meticulosamente; consigue los efectos del vestido y de las mangas mediante manchas y toques irregulares.  Al compararse los retratos de Felipe IV realizados por ambos pintores, las diferencias son notables: Rubens los pintó de forma alegórica, Velázquez como la esencia del poder. Picasso lo analizó así: «el Felipe IV de Velázquez, es persona distinta del Felipe IV, de Rubens».

             

Retrato de Felipe IV de España, Rubens, (1628-29) . Felipe IV,  Velázquez, (1626-28)

Concluido su primer viaje a Italia estaba en posesión de una técnica extraordinaria. La década de 1630 fue para Velázquez la de mayor actividad, casi un tercio de su catálogo pertenece a este periodo.  En 1630 la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo así el resto de su vida. Su técnica. Blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad, complementado con pinceladas cada vez más transparentes. Hacia 1640 esta intensa producción disminuyó drásticamente, y ya no se recuperó en el futuro.

1631, prosiguió su ascenso en la corte. Este año entró en su taller un joven ayudante de veinte años, Juan Bautista Martínez del Mazo, Mazo se casó el 21 de agosto de 1633 con la hija mayor de Velázquez, Francisca, que tenía 15 años de edad. En 1634 su suegro le cedió su puesto de Ujier de Cámara, para asegurar el futuro económico de Francisca. Mazo apareció desde entonces estrechamente unido a Velázquez, como su ayudante más importante.
Velázquez participó en los dos grandes proyectos decorativos del periodo impulsados por Olivares, el nuevo, Palacio del Buen Retiro, y la Torre de la Parada. En1633 recibió la Vara de Alguacil de Corte; Ayuda de Guardarropa de su Majestad en 1636; en 1643 Ayuda de Cámara (el máximo reconocimiento de los favores reales), y Superintendente de Obras un año más tarde.

LOS 40 NEGRA DÉCADA

Muere su suegro y maestro Francisco Pacheco (1644), cae del poder el valido del rey, el Conde-Duque de Olivares, su protector; muee la reina Isabel (1644); defunción del príncipe Baltasar Carlos, a los 17 años de edad; rebeliones en Cataluña y Portugal, derrota de los tercios españoles en la batalla de Rocroi.

REGRESO A ITALIA

1649, de nuevo en Italia. Embarca, en enero, hacia, Génova y, permanece, en Italia  hasta mediados de 1651, con el mandato real, de adquirir pinturas, y esculturas antiguas  (Al no poder comprarlas, encargó copias en bronce mediante vaciados o moldes), y contratar a Pietro da Cortona para pintar al fresco varios techos de, El Real Alcázar de Madrid.

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RETRATO DE INOCENCIO X. (1650). 140 x 120 cm. Galería Doria Pamphili. Roma

Velázquez fue nombrado Académico Romano (1650). El retrato más importante que pintó en Roma, fue el del Papa Inocencio X. debió sentir profundamente, el apasionante reto de pintar al Papa, sería consciente, al contemplar los retratos que Tiziano y Rafael pintaron a anteriores papas, (y considerados obras maestras), que sería eternamente, recordado y, comparado con estos dos grandes maestros de la pintura.

Una combinación de distintos tonos; rojos, amarillos, blancos. La figura erguida en el sillón. Fuerza, vigor en su rostro y, mirada severa. El retrato más aclamado en vida del pintor y que sigue hoy día suscitando inspiración y admiración, estaba en la cima de la fama y la técnica. No era fácil que el Papa posase para un pintor, muy pocos, lo conseguían, las pinturas que Velázquez le llevó como regalo del rey lo facilitaron. Con pinceladas sueltas, varios tonos de rojos se combinan, desde el más lejano, al más cercano; al fondo el rojo teja oscuro de la cortina, después, el más claro del sillón, en primer plano, el impresionante rojo de la muceta, con sus luminosos reflejos. Sobre este ambiente domina la cabeza del pontífice de rasgos fuertes.

Felipe IV deseaba su vuelta a España. En febrero de 1650 escribió a su embajador en Roma para que urgiese su regreso: «pues conoceis su flema, y que sea por mar, y no por tierra, porque se podría ir deteniendo y más con su natural». Velázquez seguía en Roma a finales de noviembre; hasta mayo de 1651, no embarcó en la ciudad de Génova. 1651, regresa a Madrid, con numerosas obras de arte. Felipe IV lo nombró Aposentador Real, lo que le encumbró en la corte, y añadió a su cuenta fuertes ingresos, que se sumaron a los que ya recibía como pintor, ayuda de cámara, superintendente y, en concepto de pensión.

Autorretrato. (1650)

Al final de su vida pintó sus dos composiciones más grandes y complejas: La fábula de Aracné (1658), conocida popularmente como Las hilanderas, y el más celebrado y famoso de todos sus cuadros, La Familia de Felipe IV (Las Meninas).

Las meninas o La familia de Felipe IV. (1656)

En 1656. Podemos apreciar su estilo último, donde parece representar la escena, mediante una visión fugaz; pinceladas atrevidas, que de cerca parecen inconexas, pero contempladas a distancia adquieren todo su sentido, anticipándose a la pintura de Manet, y a los impresionistas del siglo XIX.

Velázquez deseaba alcanzar la nobleza, y procuró ingresar en la Orden de Santiago. Debía probar que sus antepasados directos habían pertenecido a la nobleza, que no eran ni judíos ni conversos. Mas no acreditada la nobleza, sólo la dispensa papal podía lograr que fuese admitido en la Orden. A instancias del rey, el papa Alejandro VII dictó sentencia en 1659 otorgándole la dispensa solicitada, y el rey le concedió la hidalguía, venciendo así la oposición del Consejo de Órdenes, que en la misma fecha despachó en favor del pintor.

Cayó enfermo a finales de julio, y el 6 de agosto de 1660, murió a las tres de la tarde en Madrid. Al día siguiente, 7 de agosto, fue enterrado en la desaparecida iglesia de San Juan Bautista con honores. Ocho días después, el 14 de agosto, falleció también su esposa Juana.

ESTILO

Desarrolló su propio estilo, de  pinceladas diluidas, toques rápidos y, precisos detalles. Simplificación, rapidez de ejecución.Técnica, precisa y esquemática; no tenía la composición totalmente definida al ponerse a trabajar; prefería ajustarla según iba progresando. Raramente hacía dibujos preparatorios, solo algún boceto, líneas generales y composición. Sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Otra costumbre era retocar sus obras después de concluidas; en algunos casos, muchos años después. El acabado es otra parte fundamental de su arte, las figuras –en particular cabezas y manos– son siempre la parte más elaborada; mientras zonas abocetadas con amplias pinceladas ocupan gran parte del cuadro, partes de una, intensidad expresiva intrínseca, bien integradas en la composición del cuadro,

Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. cantidad reducida, dados los cuarenta años de dedicación pictórica. Debió pintar alrededor de ciento sesenta cuadros.

El Museo del Prado tiene unas cincuenta obras del pintor, la parte fundamental de la colección real, mientras que en otros lugares y museos de Madrid, se encuentran otras diez obras. El resto, guardadas como oro en paño, en los museos más importantes del mundo.

Arte. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

Arte. Pintura. Pintores. Velázquez. Sevilla. Madrid. Roma. Museo del Prado. Rubens. Goya. Retrato. Retrato de Inocencio X.

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Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

 

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Primer autorretrato conocido de GOYA. 1768? Con 22 años de edad

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

El genial pintor nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo de Zaragoza (Fuendetodos), que se encuentra a medio camino entre Cariñena y Belchite, a 40 Kms de la capital aragonesa; cabras, ovejas y agricultura de secano; este es el entorno rural en que nace el monstruo.

Su padre era maestro dorador y su trabajo sobre todo consistia en la restauración de retablos. La formación artística de GOYA comienza tarde, aconteciendo cuando su progenitor, se da cuenta, de que no podrá ofrecer a su hijo un futuro mejor, que el de darle, (al igual que sucederá entre otros, con el padre de Paco de Lucia y el de Ara Malikian, 250 años después), un oficio.

Francisco de Goya empezó sus estudios de arte a los 13 años, muy tarde para las costumbres de la época. La familia vivía entonces en Zaragoza. Con 23 años Goya viaja a Italia donde copia a los clásicos. Concluidos sus estudios regresa finalmente a Madrid, comenzando su carrera en la capital de la Villa y Corte, como pintor de cartones para tapices, trabajo en el que permanecerá 12 años en dos periodos de 5 y 7 años respectivamente.

Francisco de Goya a los cuarenta años, tenía ya solucionada su vida en cuanto a ingresos económicos regulares se refiere; poseía el título de Pintor del Rey (Carlos IV) y posteriormente el de Primer Pintor de Cámara, así pues, el artista cada vez depende menos de los encargos de particulares y puede dedicarse a una pintura mucho más personal, creativa y diferente, de lo que entonces era habitual; con 47 años empieza a desarrollar su visión de genio, él lo llama «Obras de capricho e invención».

¿PORQUÉ  SE QUEDÓ SORDO EL GENIAL PINTOR?

 «Goya se queda sordo con casi 47 años (la enfermedad comienza a manifestarse en el mes de noviembre de 1792) a causa de la Plumbosis».

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El AQUELARRE. 1797/8

El genial pintor aragonés, ya estaba sordo cuando realizó «El Aquelarre» 1797.  Su sordera se produjo cuatro años antes debido, a lo que llamaríamos hoy una enfermedad profesional, el nombre que recibe este mal es Plumbosis, el óleo contiene plomo y su constante utilización puede producir una intoxicación gradual de la sangre. Goya estuvo muy grave y la secuela que le dejo la enfermedad fue la sordera y, tal vez el mal genio; esta enfermedad era frecuente entre pintores en aquellas épocas, Caravaggio, el genial pintor italiano de las riñas, los escorzos, y claroscuros… también la padeció.

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Tio Paquete. 1820. Goya

Superada esta enfermedad, y ya sordo, el pintor parece hacer una declaración de intenciones, y su obra se vuelve más personal si cabe; proclamando la libertad creativa del autor al margen de los encorsetamientos de la época; sirva como muestra la temática elegida por el artista para la escena de «El Aquelarre«.

EL GENIAL SORDO NO RENUNCIA A SU MANERA DE SER

Debido a su gran éxito el pintor no puede renunciar a los innumerables compromisos que conlleva su situación y más teniendo en cuenta que la mayoría de sus encargos proceden de la alta sociedad, entre la que se ha convertido en el pintor de moda, por lo tanto al genial sordo no le queda nada más que «nadar entre dos aguas», algo a lo que ya está acostumbrado; GOYA con dosis de inteligencia y sorna supo defender su más íntima identidad, y obtener la libertad que como artista y ser humano entendía como un derecho inalienable; un universal derecho, al que él, no renunciaría fácilmente. Siempre me ha interesado este GOYA  cargado de retranca que parece saber en todo momento quien es, y que mantiene con astucia una cierta desconfianza e independencia. El que trata a diario con reyes y nobles y, también el que sin embargo, siempre tiene presente donde nació, quien es, y lo más importante, ¡Quien, y que, quiere ser!

El gran maestro un año antes de fallecer en Burdeos realiza uno de sus últimos óleos. «La lechera de Burdeos»

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«La lechera de Burdeos» 1827. Goya. Museo del Prado

Goya muere en su exilio de Burdeos el 16 de abril de  1828 a los 82 años de edad.

Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

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Arte. Robert Rauschenberg. «Ser correcto nunca es el punto»

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Lunes 5 de diciembre de 2016, ya en la oscuridad de la noche, fallece en su casa de Captiva Insland, Florida, a los 82 años de edad, de un infarto. ROBERT RAUSCHENBERG, que antes de su triste deceso, ya había dejado para la historia, algunos de los más importantes iconos, del modernismo de la posguerra, Canyon y Cama.

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Canyon. (1959)

ROBERT RAUSCHENBERG, fue un pintor, fotógrafo, grabador, coreógrafo, escenógrafo, y compositor, que durante los primeros años 50, anticipa el Expresionismo Abstracto, y coloca al Arte Contemporáneo USA en vanguardia. América, en materia artística, al fin, cesa cansada, de mirar a la vieja, y desgastada Europa. Desde entonces RAUSCHENBERG no dejó de ser reactor, un potente motor inspirador.

ROBERT RAUSCHENBERG. Port Arthur 22 de octubre de 1925. Captiva Insland, Suroeste de Florida 5 de diciembre de 2016. A los 91 años de edad.

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Sin titulo. (1959)

En Port Arthur, negra ciudad petrolera de Texas, donde en un principio, nació, vivió, y creció RAUSCHENBERG, era muy fácil en los años 20 del pasado siglo, pasar toda una vida inquietamente, sin que tus pupilas, llegaran a contemplar nunca jamás, una obra de arte, ni de lejos.

En su vida personal y de artista fue generoso y optimista, siempre abierto al cambio, en lo crematístico, -ya rico- ofreció donaciones millonarias a colectivos necesitados, como, el de artistas, niños, mujeres, investigación médica, y también al partido demócrata.

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COLLAGE. (1970)

¡HACER DE LA NADA ALGO VALIOSO!

Empezó RAUSCHENBERG su arte, realizando pequeñas obras, empleando basura interesante, que encontraba en las calles, del efervescente Manhattan de aquellos tiempos. Rauschenberg era un niño pobre, su familia había emigrado procedente de Alemania, su abuelo fue medico y ya en América se casó con una guapa india cherokee, su padre, era funcionario, trabajaba para corporaciones locales, y su sufrida madre, Dora, lo aprovechaba todo, pues el dinero nunca sobró en su modesto hogar. Tremendamente habilidosa, era capaz de hacer de la nada algo valioso, y esta forma de ser, impregnaría profundamente, las manera de mirar el arte del joven Robert, que siempre a vueltas con sus desechos, recicla, cuerdas, redes, colillas, papel, cajas, bolsas etc.

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Kioto. (1983)

RAUSCHENBERG Consagró su vida a defender su visión del arte, y terminaría  hasta el final, metido de lleno, en la realización de gigantescas obras, en su inmenso estudio de Captiva. La improvisación, la intuición, y la valentía, fueron, las enormes guías de su innovador arte. Sobre su visión, en este asunto, nos dejó dicho a los 74 años…

«Spoiling things is a virtue». «Estropear las cosas es una virtud»

Esto, nos da la justa medida, de su vocación de prospector, en constante búsqueda de la belleza, siempre con un talante arriesgado y generoso. Inmerso en una incierta aventura, que felizmente nunca sabe cómo acabará. Para conocer así un poco más a ROBERT RAUSCHENBERG, os mostraré seguidamente una suculenta reflexión del artista tejano, que no tiene desperdicio…

SER CORRECTO NUNCA ES EL PUNTO

«Tengo una ayudante casi fanáticamente correcta, que cuando vuelve a deletrear mis palabras y corrige mi puntuación, no puedo leer lo que escribí….»

«Estar en lo cierto, puede detener a veces todo el impulso de una idea muy Interesante».

Ahora os contaré una sabrosa y divertida anécdota que sucede durante una de sus más importantes exposiciones, y que el gran artista relató al periodista Calvin Tomkins…

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Cama. 1955. Monogram. 1955/59.

Parece ser que en una importante retrospectiva de sus obras celebrada en el Museo Judio, y que aconteció en el año 1963, una mujer se le acerca y le dice a RAUSCHENBERG, que las pinturas, Bed de 1955, y Monogram, de 1955/59, no le gustan, y es más, que sinceramente piensa que su arte es arbitrario y feo; a todo esto, la señora iba muy maquillada y repeinada. Sobre su cabeza asentado en un precario equilibrio, un pequeño tocado negro betún, con una pluma de gran tamaño estirada, cuyos flecos, se ondulaban nerviosos, constantemente; en el pecho la señora lucía, un gran broche, y para rematar la faena, sobre los hombros, un llamativo visón; RAUSCHENBERG, al principio la escuchó atentamente, y al final, le contestó educadamente, que si él tuviera que describir lo que observaba al mirarla, tal vez su opinión no fuera muy diferente, a lo que ella misma le acababa de expresar a él sobre su arte, pues podía advertir si la observaba a primera vista; primeramente, su colorida y nerviosa pluma, después, aquel gran broche posado sobre su desproporcionado pecho, y para finalizar alrededor del ancho cuello, el llamativo y horrible visón; que bien podría describirse como la piel de un animal muerto. Dicho esto la mujer visiblemente molesta se fue muy ofendída, mas curiosamente, al momento regresó, y mirando a  RAUSCHENBERG con bondad le dijo…

«Was beginning to understand», «Creo que empiezo a entender»

Robert Rauschenberg. «Ser correcto nunca es el punto». Pintura. Expresionismo abstracto.

Pintura. Robert Rauschenberg. Rauschenberg. Pintores. Expresionismo Abstracto.

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Gustav Klimt. “Agradar a todos con tu arte, es malo”

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GUSTAV KLIMT. Baumgarten, Austria, 14 de julio de 1862. Alsergrund, Austria, 6 de febrero de 1918.

PINTOR. SÍMBOLISMO. MODERNISMO. DECORACIÓN

Nació en un pueblecito cerca de Viena. Su padre era grabador de oro, su madre siempre quiso dedicarse al canto. Becado a los 14 años, empieza sus estudios en la Escuela de Artes Aplicadas de Viena, en la especialidad de pintura, y decoración de interiores.

1880. Realiza, algunos trabajos. En 1888, recibe la Orden de Oro al Mérito, por sus pinturas para el Teatro Imperial de la Corte, en Viena.

1890. Conoce a Emile Flöge, la mujer que le acompañaría hasta el final de su vida, y con la que tendría 14 hijos, pese a su fama de libertino y mujeriego, en su vida, nunca dio un escándalo, huía de las reuniones sociales, y llevaba una vida familiar sencilla. Sobre su manera de trabajar, febril y arrebatada, su familia opinaba, que las llamas de su genialidad acabarian consumiendolo en vida.

1892. Mueren su padre y su hermano, Ernst; su familia , la componían, tres hermanos y cuatro hermanas. En ese momento KLIMT, ya podia, ocuparse económicante de la familia, gracias a su trabajo de artista.

1894. Recibe el encargo de 3 pinturas, para decorar el techo del Aula Magna de la Universidad de Viena. Los temas elegidos para las mismas, fueron, Filosofía, Medicina, y Jurisprudencia, que ya terminadas, provocan una sucesión de críticas adversas, y son tachadas ferozmente, de pornograficas, además, a algunos no les gusta, que el autor se autorretrate en forma de alegoría. La Universidad de Viena asustada y apocada, después de la polémica, y del gran escándalo sobrevenido decide no exponerlas.

KLIMT decide entonces, que no aceptará nunca más un encargo. En mayo de 1945 durante la retirada de las tropas nazis, las 3 pinturas de la discordia, fueron quemadas, arrojadas a una gran hoguera; aunque seguramente, en ese preciso momento, algún joven soldado alemán, enrojecería hasta la cejas, de vergüenza y asco, hacia sus mandos y la sociedad…, su misma sociedad.

1899. GUSTAV KLIMT, SE PLANTA DESAFIANTE

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Nuda Veritas. La Verdad Desnuda. 1899

Nuda Veritas es una verdadera declaración de intereses, nos muestra a una mujer de frente y desnuda…, en la mano derecha sostiene el espejo de la verdad. Con esta pintura el  artista, provoca a una sociedad, pacata, estrecha, y miedosa, que se niega a cambiar. En la cabecera de la pintura incluye el siguiente texto de Schiller…

«Si no puedes agradar a todos con tu Arte, agrada a unos pocos. Agradar a muchos es malo»

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Detalle superior del cuadro con el texto de Schiller

1903. Visita las ciudades de Florencia, Roma y Ravena. Sus pinturas están llenas de Alegorías y Simbolismos. Como herencia paterna, utiliza en sus cuadros pan de oro, como elemento ornamental. Le seduce sobre todas las cosas, la mujer con su sensualidad desnuda y desafiante, pero también realiza, retratos y paisajes.

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El Beso. 1907/8

1911. GUSTAV KLIMT recibe el primer premio de la Exposición Universal de Roma por su pintura La vida y la muerte. 1915. Fallece su madre Anne.

1918 . Fallece GUSTAV KLIMT

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Retrato de Adele Bloch-Bauer I. 1907

Durante toda su vida sus cuadros se vendieron bien, no pasó apuros económicos y pudo mantener su independencia, hoy sus pinturas se cotizan a gran altura, en el Mercado del Arte Internacional. Una de sus obras, Retrato de Adele Bloch-Bauer I, se vendió en 2006, por 135 millones de dólares.

Gustav Klimt. «Si no puedes agradar a todos con tu arte, agrada a unos pocos. Agradar a muchos es malo». Schiller.

GUSTAV KLIMT. ARTE. PINTORES. KLIMT. MODERNISMO. MERCADO DEL ARTE