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Arte. Landscape. El agua de aquel río

Landscape. Tomás Bartolomé. Técnica mixta sobre cartulina

EL RELOJ DE ARENA

Está bien que se mida con la dura
Sombra que una columna en el estío
Arroja o con el agua de aquel río
En que Heráclito vio nuestra locura

El tiempo, ya que al tiempo y al destino
Se parecen los dos: la imponderable
Sombra diurna y el curso irrevocable
Del agua que prosigue su camino.

Está bien, pero el tiempo en los desiertos
Otra substancia halló, suave y pesada,
Que parece haber sido imaginada
Para medir el tiempo de los muertos.

Surge así el alegórico instrumento
De los grabados de los diccionarios,
La pieza que los grises anticuarios
Relegarán al mundo ceniciento

Del alfil desparejo, de la espada
Inerme, del borroso telescopio,
Del sándalo mordido por el opio
Del polvo, del azar y de la nada.

¿Quién no se ha demorado ante el severo
Y tétrico instrumento que acompaña
En la diestra del dios a la guadaña
Y cuyas líneas repitió Durero?

Por el ápice abierto el cono inverso
Deja caer la cautelosa arena,
Oro gradual que se desprende y llena
El cóncavo cristal de su universo.

Hay un agrado en observar la arcana
Arena que resbala y que declina
Y, a punto de caer, se arremolina
Con una prisa que es del todo humana.

La arena de los ciclos es la misma
E infinita es la historia de la arena;
Así, bajo tus dichas o tu pena,
La invulnerable eternidad se abisma.

No se detiene nunca la caída
Yo me desangro, no el cristal. El rito
De decantar la arena es infinito
Y con la arena se nos va la vida.

En los minutos de la arena creo
Sentir el tiempo cósmico: la historia
Que encierra en sus espejos la memoria
O que ha disuelto el mágico Leteo.

El pilar de humo y el pilar de fuego,
Cartago y Roma y su apretada guerra,
Simón Mago, los siete pies de tierra
Que el rey sajón ofrece al rey noruego,

Todo lo arrastra y pierde este incansable
Hilo sutil de arena numerosa.
No he de salvarme yo, fortuita cosa
De tiempo, que es materia deleznable.

Jorge Luis Borges

Arte. Landscape. El agua de aquel río

Arte. Tomás Bartolomé. Pintura

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Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

 

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Primer autorretrato conocido de GOYA. 1768? Con 22 años de edad

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

El genial pintor nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo de Zaragoza (Fuendetodos), que se encuentra a medio camino entre Cariñena y Belchite, a 40 Kms de la capital aragonesa; cabras, ovejas y agricultura de secano; este es el entorno rural en que nace el monstruo.

Su padre era maestro dorador y su trabajo sobre todo consistia en la restauración de retablos. La formación artística de GOYA comienza tarde, aconteciendo cuando su progenitor, se da cuenta, de que no podrá ofrecer a su hijo un futuro mejor, que el de darle, (al igual que sucederá entre otros, con el padre de Paco de Lucia y el de Ara Malikian, 250 años después), un oficio.

Francisco de Goya empezó sus estudios de arte a los 13 años, muy tarde para las costumbres de la época. La familia vivía entonces en Zaragoza. Con 23 años Goya viaja a Italia donde copia a los clásicos. Concluidos sus estudios regresa finalmente a Madrid, comenzando su carrera en la capital de la Villa y Corte, como pintor de cartones para tapices, trabajo en el que permanecerá 12 años en dos periodos de 5 y 7 años respectivamente.

Francisco de Goya a los cuarenta años, tenía ya solucionada su vida en cuanto a ingresos económicos regulares se refiere; poseía el título de Pintor del Rey (Carlos IV) y posteriormente el de Primer Pintor de Cámara, así pues, el artista cada vez depende menos de los encargos de particulares y puede dedicarse a una pintura mucho más personal, creativa y diferente, de lo que entonces era habitual; con 47 años empieza a desarrollar su visión de genio, él lo llama «Obras de capricho e invención».

¿PORQUÉ  SE QUEDÓ SORDO EL GENIAL PINTOR?

 «Goya se queda sordo con casi 47 años (la enfermedad comienza a manifestarse en el mes de noviembre de 1792) a causa de la Plumbosis».

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El AQUELARRE. 1797/8

El genial pintor aragonés, ya estaba sordo cuando realizó «El Aquelarre» 1797.  Su sordera se produjo cuatro años antes debido, a lo que llamaríamos hoy una enfermedad profesional, el nombre que recibe este mal es Plumbosis, el óleo contiene plomo y su constante utilización puede producir una intoxicación gradual de la sangre. Goya estuvo muy grave y la secuela que le dejo la enfermedad fue la sordera y, tal vez el mal genio; esta enfermedad era frecuente entre pintores en aquellas épocas, Caravaggio, el genial pintor italiano de las riñas, los escorzos, y claroscuros… también la padeció.

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Tio Paquete. 1820. Goya

Superada esta enfermedad, y ya sordo, el pintor parece hacer una declaración de intenciones, y su obra se vuelve más personal si cabe; proclamando la libertad creativa del autor al margen de los encorsetamientos de la época; sirva como muestra la temática elegida por el artista para la escena de «El Aquelarre«.

EL GENIAL SORDO NO RENUNCIA A SU MANERA DE SER

Debido a su gran éxito el pintor no puede renunciar a los innumerables compromisos que conlleva su situación y más teniendo en cuenta que la mayoría de sus encargos proceden de la alta sociedad, entre la que se ha convertido en el pintor de moda, por lo tanto al genial sordo no le queda nada más que «nadar entre dos aguas», algo a lo que ya está acostumbrado; GOYA con dosis de inteligencia y sorna supo defender su más íntima identidad, y obtener la libertad que como artista y ser humano entendía como un derecho inalienable; un universal derecho, al que él, no renunciaría fácilmente. Siempre me ha interesado este GOYA  cargado de retranca que parece saber en todo momento quien es, y que mantiene con astucia una cierta desconfianza e independencia. El que trata a diario con reyes y nobles y, también el que sin embargo, siempre tiene presente donde nació, quien es, y lo más importante, ¡Quien, y que, quiere ser!

El gran maestro un año antes de fallecer en Burdeos realiza uno de sus últimos óleos. «La lechera de Burdeos»

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«La lechera de Burdeos» 1827. Goya. Museo del Prado

Goya muere en su exilio de Burdeos el 16 de abril de  1828 a los 82 años de edad.

Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

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Arte. Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre

 

Mujer en el jardín de Monsieur Forest, c. 1889. Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Hola apasionados del Arte. Visita a la exposición

«Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre»

Más de 350 obras de diferentes artistas, como Bonnard, Forain, Vuillard, Signac, o Van Gogh.
Caixa Forum Madrid. Del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019. Muy recomendable.


Toulouse-Lautrec. Conde hijo de un conde, de padres pronto separados, aunque nació noble, prefirió Montmartre y sus cabarets, donde las bailarinas fueron retratadas, y más aún, se convirtieron, en una especie de familia enlazada a la bohemia, que tenía y tiene, tanto que ofrecer, y por la que tanto hubo, y hay que pagar hoy día, aunque al final merezca la pena.

Toulouse-Lautrec, sufrió, con su menguada talla, por mor de la consanguinidad. Él que nació y murió en un castillo, acabó contraviniendo a su altivo padre, que lo despreciaba, por sus defectos físicos, decidió ser artista, y eso, lo fue de sobra. Su noble progenitor, debió de tragarse, entonces atragantado, su orgullo mal entendido. El Niño Toulouse…, se quedó con su madre.

Algunas fotos de la exposición:

El caballero del cabaré y cuatro artistas del Chat Noir, c. 1884. Antonio de la Gándara. Foto by Tbart archivos fondos propios.

En París Montmartre, bullía entonces frenético, mas aunque la vida no era fácil, también la belleza exibia un variado muestrario, y los vecinos del barrio, artistas, camareros, bailarinas, poblaban pululando, la elevada cota parisina, desde donde, se expandían difundiéndose alegremente  imparables, nuevas e incomodas formas de entender el arte.

Caricatura de Toulouse-Lautrec enfrente del Moulin Rouge. (1890). Ferdinand Bac. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Al anochecer a diario, nuestro protagonista se dirigía al Moulin Rouge, donde tenía categoría de lo que llamaríamos hoy, cliente vip, y se entretenía a menudo, conversando con los empleados y las bailarinas del cabaret, así de esa manera, tuvo el privilegio de retratar a estas ultimas, en sus rutinas de camerino, sin que ellas, se sintieran avergonzadas, o molestamente invadidas. Para muchas, fue de gran ayuda, casi, el familiar (a menudo, les faltaba), que las comprendía, aconsejaba, y también si lo necesitaban, ayudaba económicamente. Toulouse-Lautrc, siempre fiel a sus rutinas, se sentaba en un velador reservado, a solas, con su bella absenta azulada y sus tizas de colores, y abstraído, entonces, rompía la figuración, para crear algo nuevo, diferente, más sincero, y curiosamente, cuanto más alejado de la realidad, más veraz.

En el Moulin Rouge, la Goulue y su hermana. (1892). Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Debo de confesarles que mi opinión de Toulose-Lautrec, se ha modificado mucho, desde que pude ver sus primeros carteles, y confieso, que me pareció un magnífico ilustrador publicitario, pero no le di más importancia, poco tiempo después, cuando por fin, fui conociendo más su obra en profundidad, me di cuenta enseguida, de que nos encontramos, ante uno de los pintores más importantes de la historia reciente en el mundo del arte, tuve la feliz ocasión de ver en París pinturas suyas de gran formato, y otras más pequeñas, que me descubrieron, la dimensión, la gran talla, de un artista, cuya menguada talla y sufrimiento, pudieron en principio, ser meras coartadas, que le empujaran sin remisión, al incierto camino del arte; mas hicieron de ėl, un artista único que le dio un vuelta al figurativismo, y que finalmente…, me atrapó para siempre.

Todas las reproducciones de obras de arte, aquí expuestas, participaron en dicha exposición.

Arte. Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Toulouse-Lautrec me atrapó enseguida

Toulouse-Lautrec. Exposiciones. Montmartre. Arte. Moulin Rouge.  Paris

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Cine. “Sombra”. Zhang Yimou. Aguada, blanca, gris, negra, y sangre roja

SOMBRA. PELÍCULAS. CINE

SHADOW. SOMBRA

Año 2019. Duración 116 min

Guion, Zhang Yimou, Wei Li

Fotografia, Xiaoding Zhao

Musica, Lao Zao

Reparto, Deng Chao, Sun Li, Ryan Zheng Kai, Guan Xiao Tang

Genero. Acción, Artes Marciales, Drama

ZHANG YIMOU. Nacido, el 14 de noviembre de 1959, en X’ian. China. Realiza estudios en la Academia de cine de Pekín, es, director, productor, actor, director de fotografía, fotógrafo, operador de cámara, dibujante. En definitiva, un artista del Renacimiento, al que le interesan todas las artes, y en las que, en todas adquiere conocimientos, que unidos a su gran talento, dan como resultado maravillosas obras de arte, con fondo, y bañadas de color.

Películas, «La linterna roja», (1991), aquí traducida, como Esposas y concubinas, «¡Vivir!» (1994), «Sorgo rojo» (Su ópera prima como director en 1987, Oso de Oro en Berlín, y un gran éxito comercial, y de critica), «Ni uno menos» (1999), «La casa de las dagas voladoras» (2004), «La gran muralla» (2016), entre otras. Ha sido premiado en festivales de cine tan importantes, como los de, Cannes, Venecia, o Berlín, y es reconocido y valorado, en todo el mundo.

Zhang Yimou en esta ocasión, reinterpreta el clásico, «El Romance de los Tres Reinos» (siglo XIV).

SHADOW/YING/SOMBRA

Un noble y aguerrido comandante militar, se ve forzado a crearse un doble, (sombra), para proteger su amenazada vida, de las intrigas palaciegas, de un peligroso rey, pero en la película, ¿Donde está el color? Bueno, es como aquellos pintores, que a lo largo de su carrera usan cromatismos  diferentes; artistas, en diferentes épocas y estados, a lo largo del camino, en el tiempo. Zhang Yimou, pasa así, de una intensa paleta de colores, y de sugerentes baños de color, definidos, brillantes, vaporosamente fundentes, a la difícil aguada, blanca, gris, y negra, con algunas gotas de rebajada roja, sangre mojada; y todo esto, en diferentes, vaporosas, y soñadoras, gradaciones tonales. Es un valiente riesgo que Zhang Yimou, asume, y resuelve felizmente. Si algo hay que me eche para atrás, es el artista funcionario, aquel que encuentra un modelo, y seguidamente, lo repite sistemáticamente, igualándolo hasta la saciedad.

Reivindicativo. La mujer, no ha sido olvidada en sus películas nunca, es un tema recurrente, una reivindicativa lucha, adoptada por el polifacético director chino, censurado a menudo en su país, y con películas prohibidas, como «Semilla de crisantemo» (1990), o «La linterna roja» (1991).  En esta ocasión en Shadow, Sombra, nos la muestra, inteligente, fuerte, valiente, y decidida, mas también imprescindible para lograr objetivos que son decisivos, para un reino, en esta historia de Juego de Tronos, que nos narra, la historia de un rey traicionado, y desterrado.

La música, es también una baza importante, como en todas sus películas. Me gustó mucho la escena en la que se interpreta, un dueto, en el que los instrumentos de cuerda, percutiendo la atmósfera, dialogan entre si con fuertes disonancias, reflejando, las tensiones (pulsiones) expresadas (expulsadas de este modo), por sus ejecutantes, mujer y hombre. El YIN y el YANG son siempre una constante en la película. También, el verde bambú se expresa, con todo su símbolismo, (se mece con la lluvia pero no se rompe), fibroso, cortante y flexible, humilde y sobrio, a la vez, que poderoso, y fuerte.

Como imagen destacada, en una película tan visual, hay muchas, pero, me quedaría entre otras para el recuerdo, con la coreografía de ballet, en una lucha de formación y aprendizaje, sobre el símbolo del Ying, Yang, impreso, en un bello mosaico de piedra, donde, los protagonistas son, la sombra, y la mujer del sombrado, y que está acompañada, de increíbles y admirables alardes técnicos, en cámara lenta, con una fértil imaginación, y un sentido del ritmo, fabulosos.

Una película muy recomendable, valiente, y bella, que merece la pena ver en cine, en pantalla grande, y sin interrupciones, algo que en este caso es totalmente imprescindible. Vayan a verla, merece la pena.

Aguada, blanca, gris, y negra, salpicada, de mojada sangre roja

Sombra. Película. Películas. Cine. Zhang Yimou. Shadow.  Arte

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Fotografía. Alberto García-Alix. “Un horizonte falso”

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Retrato. García-Alix. By TbArt.

Alberto García-Alix. León 1956.

Alberto García-Alix comenzó su carrera profesional a principios de los años 80. En 1981, tiene lugar su primera exposición, en la Galería Buades. Con sus cámaras fotográficas Leica y Hasselblad, antes tuvo una Canon FTB, no ha dejado de fotografiar la noche, las motos, la música, los tatuajes y por supuesto… Retratos.

MOTOS

Su primeras fotografías datan del año 1974. Uno de sus hermanos participaba en una carrera de motocross y él fue a acompañarlo. Una de las últimas, 40 años después, continúa, su temática identificativa, olor a gasolina, tatuajes, y como no, chupa de cuero.

Piloto. 2014. García-Alix. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Algunos de los premios que ha recibido García-Alix a lo largo de su trayectoria profesional son, el Premio Nacional de Fotografía, 1999, el Premio Fotografía Comunidad de Madrid, 2004, y el  Premio PHofo España, 2012.

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Autorretrato. 2013. Garcia-Alix.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA. UN HORIZONTE FALSO. ALBERTO GARCÍA-ALIX
LA PRINCIPAL. TABACALERA, 11.02.2016 – 10.04.2016. MADRID

Más de 80 fotografías, contuvieron esta exposición, prácticamente todas ellas, más, algunas incorporaciones, venían de ser expuestas, en la Maison Européene de la Photographie de París, (todas fotos nuevas). En la ciudad del Sena es donde el artista ha venido residiendo y creando últimamente. Se presenta en La Tabacalera, de Madrid, un García-Alix, más personal, más vivido, más intenso; más oscuro y clarividente. También recientemente, 31 de enero concluyó en el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de León, su exposición «Las sombras del viento».

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Autorretrato infantil. García-Alix.

TRANSPANTOJO DE SENTIMIENTOS. AUSENCIA, MUERTE, DOLOR

No sabe utilizar una cámara digital, que «esconde más falsedad», realiza fotografías, analógicas en blanco y negro, una técnica que se extingue, un dinosaurio herido de muerte, que propicia, vacío, inquietud, angustia ¡Cansancio. Nostalgia! Mas, nos muestra, un García-Alix siempre poeta… “Un cauce donde mis ojos se estiran”, escribe Alberto, sobre una fotografía.

TABACO Y PAPEL DE LIAR

BÚSQUEDA Y TRANSPIRACION

Y Alberto regresa a Madrid, de nuevo, después de su estancia parisina, y vuelve a subir a su moto, y a ponerse su chupa de cuero negro y su pañuelo. Atrás, hace mucho tiempo de eso (años 80),  quedó una Movida, más que pasada; arrasada, vivida, tragada, asimilada, trasegada, e inmutables,  los paraísos artificiales, a los que Garcia-Alix, volvería…»si pudiera». Como siempre vuelve el poeta.

“Mi memoria se ha vuelto líquida. Se mueve en olas por esta arena. Enterrada en ella se ofrece a mis ojos como un gabinete de curiosidades”.

“Sigo dejándome llevar por la capacidad de ensoñación, por la revelación de un instante fugaz”.

A GARCIA-ALIX…

Le atraen los perros, los pájaros, los cuervos o las sombras, y considera la fotografía como «un camino de búsqueda».

«Cuando miramos por una cámara nos preguntamos, si nos gusta o no nos gusta, y la intensidad de esa búsqueda, es un trance positivo que me mantiene despierto, vivo, curioso, en un estado de deslumbramiento, en contacto con el exterior».

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ABSTRACCIÓN

Su obra gira ahora hacia lo abstracto plena de metáforas; resonancias, implicación y trance emocional; su ojo pegado a la cámara, es un ojo succionante que pegajosamente transgrede personalizando la realidad, y se enfanga mezclándose en la escena, en una deconstrucción plena de sinceridad, desenfoque, e intención.

La exposición se completó con un vídeo; en una narración en primera persona.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA. UN HORIZONTE FALSO. ALBERTO GARCÍA-ALIX

ARTE. EXPOSICIONES. ALBERTO GARCÍA-ALIX. TABACALERA. FOTOGRAFÍA. FOTÓGRAFOS.

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Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Tecnológico y humano

 Rafael Lozano-Hemmer

Un artista contemporaneo de talla internacional, cuyas obras de arte interacciónan con el espectador, en un emocionante viaje de ida y vuelta. Una magnífica ocasión, para acercar a los niños al mundo del arte de una manera lúdica, y didáctica ¡Abrirán los ojos como platos! El juego y la sorpresa estan servidos, adéntrense en la abstracción biometrica, el show va a comenzar.

Lozano-Hemmer es un artista mexicano nacido el 17 de Noviembre de 1967. Reconocido y premiado; su obra puede encontrarse en el Museo de Arte Moderno de Nueva York, o en la Galería Tate del Reino Unido.

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Los proyectores de Hemmer emitiendo estelas lumínicas sobre la ciudad. Foto. Vía internet

Rafael Lozano-Hemmer, además de en ferias de arte y museos, ha montado sus instalaciones en las calles y plazas de algunas ciudades con proyectores de luz gigantes, «Los más grandes que existen», y las ha arropado con un magnífico soporte sonoro a base de muchos Whatios, en un espectáculo de luz y sonido impresionante. Son muchos los lugares del mundo que las contemplaron, y que ya nunca olvidarán la puesta en escena del global artista azteca, radicado en Canadá. Podríamos decir que las obras de Rafael Lozano-Hemmer, no están totalmente acabadas hasta que las completa el público con su interactiva participación.

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En el museo, al  mirar una pantalla de video Hemmer, tus ojos echarán humo. Foto by TbArt, archivos fondos propios

Las instalaciones de Hemmer, pueden medir nuestro pulso , respiración, movimiento, voz, rasgos faciales. Con ellas nuestros ojos echarán humo, y nuestra voz se repetirá, y mezclará con otras voces de visitantes anteriores. Nuestra respiración quedará guardada para siempre en bolsitas de papel, que repetirán nuestro ritmo de, inhalación/exhalación, constantemente.

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Imagen de una instalación de Hemmer. Foto by TbArt, archivos fondos propios

A partir de esta forma de comunicación artística,  nos vemos envueltos en su particular universo de Arte-Poético-Tecnológico». Son las instalaciones una  puesta en escena arquitectónica, y el artista se vale de la tecnología y el performance para crear…«Sensaciones en las que lo humano y lo electrónico conversan».

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Instalacion interactiva de Hemmer. ARCO 2016. Madrid. Foto. Archivos propios by TbArt

Aunque nació en México, Rafael reside entre España y Canadá. Rafael Lozano-Hemmer, consigue conjugar de una manera amena el arte, con el entretenimiento y la sorpresa. La obras de Hemmer resultan divertidas, interesantes, y de calidad.

Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Lo tecnológico y lo humano, conversan en un bucle de ida y vuelta.

Arte Contemporáneo. Rafael Lozano-Hemmer. Hemmer.

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Arco 2015. Feria Internacional de Arte Contemporáneo Madrid

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Feria Internacional de Arte Contemporáneo Madrid 2015.

ARCOmadrid 2015. Edición 34. del 25/2/15 al 1/3/15. Ifema.

212 Galerías (63 españolas). 30 países. País invitado Colombia.

Esta edición destaca por una fuerte presencia Latinoamericana (46 galerías,10 países).

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Foto vía internet. Cortinas de baño. ARCOmadrid 2015. Óscar Muñoz. Colombia.

Pietá. Stephan Balkenhol. (2014). ARCOmadrid 2015. Archivos fondos propios by TbArt.

Reconozco que hay que tener mucha afición al Arte para tragarse miles de metros de exposición, de espacios llenos de pintura, escultura, instalaciones, formatos, juego, luz y sonido; todo sumado, con gente; gente; de todos los sitios, colores; pueblos, ciudades, artistas, pobres, ricos…, venidos juntos, unos a unas cosas, otros, a otra…

¡Hay tantas maneras de visitar esta inmensa, feria de arte contemporáneo!

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Obra de Marty Bolonio. Archivos fondos propios by TbArt

Marty Bolonio, con sus esculturas y objetos perturbadores, participa en esta edición de Arco 2015 con la galería belga Deweer.

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Obra de Marty Bolonio. Arco 2015. Archivos fondos propios by TbArt

Me gusta este especial cosmopolitismo artístico, ver que somos muchos, de muchos sitios y condición, los que  aquí un año más, nuevamente sin faltar, celebramos, como una familia, nuestra imparable pasión por el Arte.

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Aspecto de la feria. Archivos fondos propios by TbArt

«Como estridente ruido de fondo el estrés de las ventas». Largas piernas vestidas detrás de la mesa-oficina, y color verde del dinero, que no acaba de armonizar, bien con el recogimiento, la espiritualidad, y el trabajo en soledad, que son algunos aspectos de vital importancia para todos los artistas.

Sí, la feria es un Mercado del Arte y así hay que entenderla ¡aquí y ahora! Miro con curiosidad (lo interesante), me fundo como un cremoso queso, en este inmenso contendor industrial, pintado de color verde.

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Aspecto de la feria. Archivos fondos propios by TbArt

«Donde hay mucho, cabe todo; y todo tiene un precio»…

Así, nos toparemos con «lo bueno, la pose y también, lo intrascendente» y deberemos separar el humo cegador, que nos roba y nos pega al suelo como plomos, y quedarnos, pararnos y elevarnos con lo bueno, (siempre hay), y disfrutar a tope; tambien encontrarse con los amigos, en esta gran cita madrileña en febrero, en esta estupenda, fiesta anual de Arte Contemporáneo.

Arco 2015. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Madrid

Arte. Arco 2015. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Madrid

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Feliz día de Reyes. “La Epifanía”. Gil de Siloé

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La Epifanía. Gil de Siloé. Retablo Mayor. Detalle. Cartuja de Miraflores. Burgos. España.

FELICES REYES MAGOS

Feliz día de Reyes. Después de una inquieta noche, en que la magia se adueña de nuestros corazones, volaron nuestros deseos, después de haber dejado la carta. Depositamos en el salón, comida, agua, leche, y dátiles (sabemos que les gustan mucho). Por los dulces magos nocturnos, nos acostamos pronto. Nervios e ilusión, hoy al alba cuando cante el gallo y, rompiendo nuestros inquietos sueños, estos, se quiebren inocentes, iremos como certeros, y veloces venablos, a buscar lo que nos dejaron los mágicos magos de oriente. Los papeles y cajas de brillantes colores, que vemos al fin, contienen nuestros encargos… ¡Felices reyes a todos!

Ahora, un poco de Arte

Gil de Síloé. Escultor

Se tienen pocas certezas de su nacimiento y origen. Se cree, que pudo nacer  entre 1440/50; unos dicen, (la mayoría), que era extranjero de Amberes, otros que era Alemán. También afirmaron que judio converso, y algunos, que del mismo Burgos, pues su fallecimiento, se produjo en la capital castellana, entre 1470/51. Se sabe que desarrolló su carrera como escultor en la magnífica ciudad del Cid, donde poseía un taller, en el que trabajaba, junto con sus aprendices y oficiales, para dar salida a multitud de encargos, pues nunca le faltó el trabajo a Gil. Retablos, y sepulturas, fueron lo más demandado. Burgos, era ya entonces, una ciudad muy importante, plagada de iglesias, conventos, y también de mercaderes, y comerciantes.

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Detalle

Gil de Síloé. Está considerado, como uno de los máximos exponentes de la Escultura Gótica en España, y por ende en el continente europeo.

FELICES REYES MAGOS

Feliz día de Reyes. La Epifanía. Gil de Siloé. Tomás Bartolomé.

Feliz día de Reyes. La Epifanía. Gil de Siloé. Escultura. Escultores. Gótico

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Arte. Jheronimus Boch. El Bosco. Centenario Museo del Prado. Autentificación

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El Bosco. Retrato. Jacques le Boucq? 1550?

Jheronimus Boch, «El Bosco». se cree que nació (1450), en Bolduque, Ducado de Bramante. Neerlandés, (Holandés. Falleció en Bolduque, el año de 1516.
Las fechas y todo lo que le rodea es escaso y confuso, sus obras estan llenas de incertidumbres, firmó escasas pinturas, y no tenía constumbre de fecharlas.
Su padre fue pintor como él, y alguno de sus hermanos, al igual que su abuelo. Así pues, pertenecían socialmente al gremio de los pintores, y se formó en el taller familiar, en las técnicas de la pintura al fresco, como antes sucediera en el Trecento, con Giotto, y Piero della Francesca, su contemporáneo, fallecido en 1492.

Al igual que lo que sucedería o el padre de Goya, el padre de El Bosco, era dorador; y  también realizaba, esculturas de carácter religioso en madera, y retablos, además de otros objetos religiosos. Finalmente cuando murió en 1478,  Jheronimus con algúnos de sus hermanos, heredó el taller.

BODA Y DOTE

1481. Se casó con Aleid van de Meervenne, hija del rico, Goyarts van de Meervenne, un comerciante muy importante que a raíz de la boda, le aportó riqueza en forma de terrenos; además socialmente El Bosco ascendío, hasta situarse como el perfecto burgués. Entonces, el artista estuvo en situación de elegir con mayor libertad, los temas de sus caóticas, a veces atormentadas, grotescas, y siempre fantásticas pinturas. ¡Llenas de símbolos! Abiertas a la interpretación.

Desde 1486, fué un miembro más, de la Ilustre Cofradía de Nuestra Señora, dedicada al culto de la Virgen, poseía, un gran prestigio e influencia social, su esposa la rica heredera, al igual que su acaudalada familia, eran cofrades, desde mucho tiempo antes. Ocupada, la cofradía, sobre todo en obras de caridad; doran, pintan, y policroman figuras de madera para los pasos de las procesiones, que se exhiben periódicamente. También la familia de El Bosco, su padre y hermanos, realizarán, por encargo de la cofradía, un retablo de madera.

EL BOSCO DESAPARECE

1500/4. De estos años no existe documentación, ni siquiera en la cofradía; sí figura, sin embargo una anotación, (la fecha de su muerte). El que fueran halladas varias de sus pinturas en Venecia, hace deducir, que se le sitúe en Italia, y particularmente en Venecia, la bella ciudad de los canales. A su regreso El Bosco se centró, en el trabajo, para la catedral de su ciudad natal.

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Tabla central del tríptico, Las Tentaciones de San Antonio. Museo Arte Antiga de Lisboa.

HÁGASE LA MAGIA

Sus temas preferidos son la condenación, el infierno, la salvación, y todo acompañado de seres grotescos, multitudinarias algarabias, abarrotamiento genial, y a veces, cómic divertido de hace 500 años; y sí, El Bosco, tiene mucho de medieval… y de moderno. Para André Breton, (el papa del surrealismo), El Bosco era un visionario. El mismo movimiento surrealista lo adoraba.

Imaginación a raudales, colorido y técnica depurada; brujería, alquimia ¡El fin del mundo ya está aquí! La apocalipsis será pronto servida en grandes y abrasadoras raciones. Seres, tanto normales como monstruosos conviven juntos. La complejidad de símbolos utilizados, dificulta a menudo la comprensión de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, se puebla de figuras fantasmagóricas, que parecen surgidas de una pesadilla infernal, son seres grotescos, deformados, por un cruel frenesí de inevitables gesticulaciones.

El Bosco es un minucioso observador de la realidad, con gran talento como dibujante, y un absoluto irrealismo pleno de un superlativo espíritu, sarcástico-ridículizador.

En España, el rey Felipe II, compró algunas obras de este genial pintor, esto explica que actualmente se encuentren varias pinturas de este gran maestro en España.

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Mesa de los pecados capitales. El Bosco. 1485. Museo del Prado. Una de las obras adquiridas por el Rey Felipe II.

LAS OBRAS DEL BOSCO. DIFÍCILES DE AUTENTIFICAR

2016, se celebró el 500 aniversario de su muerte. Con este motivo, El Museo del Prado inauguró, una magna exposición «EL BOSCO. EXPOSICIÓN DEL V CENTENARIO», mientras tanto, un concienzudo y solvente estudio (un comité científico holandes, con asesores de importantes museos de todo el mundo en autentificacion, Museo del Prado, incluido, concluyó…

Autentificacion. Bosch Research and Conservation Project. Obras de El Museo del Prado

La Mesa de los Pecados Capitales, La Extracción de la Piedra de la Locura, y Las Tentaciones de San Pedro Abad. No son de El Bosco.

El Museo del Prado, tiene 6 obras de «El Bosco», más que ningún museo en el mundo. 3 de ellas, no admiten ninguna duda sobre su autenticidad, son la siguientes : Adoración de los Magos – El Carro de Heno – El Jardín de la Delicias – Si son de El Bosco.

Otros Museos…

Museo Lázaro Galdeano. Madrid. San Juan Bautista en Meditación. 1489? Si es de El Bosco.

San Juan Bautista en Meditación. El Bosco1489.

San Juan Bautista en Meditación.

Museo de El Escorial. Coronación de Espinas. No es de El Bosco.

El informe continua fuera de España…

Museo de Bellas Artes de Gante El Cristo con la Cruz a Cuestas. No es de El Bosco.

Museo de Arte de Kansas City La Tentación de San Antonio. Si es de El Bosco.

Museo Groeninge de Brujas. El Juicio Final. Si es de El Bosco.

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La Tentacion de San Antonio. Uno de los cuadros dados por buenos por el comité y que hasta el momento del informe, se encontraba arrinconado en un sótano del Museo de Arte Nelson-Atkinss, de Kansas City.

EL BOSCO. LA EXPOSICIÓN DEL CENTENARIO

Se celebró en Madrid en el Museo del Prado, en las fechas…

Del 31 de mayo, al 11 de septiembre de 2016.

Se expusieron, en 5 secciones temáticas, y una sexta de dibujos; 65 pinturas en total. Pinturas de El Bosco, realizadas en su taller, y también de pintores de su época.

No falto a la cita, el espléndido «Tríptico de las tentaciones de San Antonio», Museo Arte Antiga de Lisboa. En cuanto a los dibujos, de los 11 aceptados como auténticos, solo se expusieron 6.

Para esta gran exposición, la mayor realizada hasta ahora, participaron importantes museos de Europa y USA.

El Museo del Prado emitió un comunicado, en el que disiente parcialmente, de la apreciación de la autentificacion realizada por los expertos holandeses. Habiendo declarado que, «La comisión no aporta ningún dato técnico o material, y fundamenta sus juicios en apreciaciones estilísticas muy subjetivas».

Arte. Jheronimus Boch. El Bosco. Exposición del Centenario Museo del Prado. Autentificacion de sus obras.

Arte. El Bosco. Pintores. Exposiciones. Museo del Prado. Jheronimus Boch. Autentificacion El Bosco.

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Arte. Sorolla. El pintor de la Luz.

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Autorretrato

JOAQUIN SOROLLA

SOROLLA, nació en, Calle Nueva (en la actualidad Calle Mantas numero 4), de Valencia, el 27 de febrero de 1863. Falleció en su casa veraniega de Cercedilla, cerca de Madrid, en 1923.

Sus padres, comerciantes, poseían una tienda de tejidos. Tenía apenas 2 años cuando Eugenia, su hermana, y él mismo se quedan huérfanos al morír sus padres de cólera. Los hermanos son acogidos por Isabel su tía materna; y su tío José que es cerrajero, y le enseña el oficio, pero Joaquín es un caso perdido que solo piensa en la pintura.

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Paseo por la playa. 1909.

Paseo por la playa, es una pintura de Sorolla, cuando, este es ya, un artista de éxito. El mismo año de 1909, con 46 otoños, expondría activamente, en diferentes ciudades de Estados Unidos.

“El pintor de la La Luz”,  se gana su apelativo, con pinturas playeras como esta, en la que la luz cobra un factor extremo, y determinante, que a veces hiere, pero que también tamiza, realzando, sombras y proyecciones.

JOAQUIN SOROLLA, estudia dibujo y pintura en Valencia. Pronto montaría, su estudio en la bella capital del rio Turia.

1882. Viaja a Madrid donde visita el Museo del Prado, y estudia la pintura de los clásicos; sobre todo le interesa Velázquez. Seguidamente viajará a Roma, como Diego, y posteriormente París (1885).

1888. En la Iglesia de San Martin de la capital valenciana, con 25 años de edad, se casa con Clotilde García, el feliz matrimonio se instalará finalmente, en la romántica y piadosa localidad italiana de Asís, en los predios, del otrora santo umbreño.

RETRATA Y DENUNCIA

1889. Clotilde y Joaquín se transladan a Madrid, donde SOROLLA empieza a ser un pintor afamado. Sus retratos tienen éxito y son muy cotizados, le llueven los encargos. Retrata entre otras personalidades a Cajal, Galdos, Machado, Castelar, Blasco Ibáñez y a el Rey Alfonso XIII. También obtienen un gran éxito, además de sus pinturas, de playa y sol, sus pinturas, de crítica y denuncia; sirvan como ejemplo, algunos de sus títulos:

«Y aún dicen que el pescado es caro» – «Trata de blancas» – «Triste herencia»- «Otra margarita»- etc.

Seguidamente, algunos ejemplos:

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Y aún dicen que el pescado es caro. 1895.

En 1900, obtiene el Gran Premio en el prestigioso Certamen Internacional de Pintura de Paris, con la obra Triste Herencia.

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Triste herencia. 1899.

EXPOSICIONES

1906. SOROLLA, expone sus pintura en la Galería George Petit de PARÍS, donde consigue muy buenas ventas y obtiene magníficas críticas. ¡Un gran éxito!

1908. Exposición en LONDRES.

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El baño del caballo. 1909.

1909, expone en NUEVA YORK, BÚFALO, Y BOSTON. 1911, exposiciones en el Museo de Artes de SAN LUIS y en el ART INSTITUTE DE CHICAGO.

1913/19. La Hispanic Society of America de NUEVA YORK, le encarga 14 murales en los que SOROLLA, retrata una VISIÓN DE ESPAÑA.

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Castilla. La fiesta de pan. 1913. Mural Hispanic Society.

1914. JOAQUIN SOROLLA, imparte clases de Composición y Color en la Escuela de Bellas Artes de MADRID.

1920. Sufre un ataque de hemipléjia que le deja graves secuelas, la parte derecha de su cuerpo queda paralizada.

1923. Fallece en su casa de Cercedilla, Madrid, a los 60 años de edad.

1925. Su viuda Clotilde García, dona la obra de SOROLLA al Ayuntamiento de Madrid, para la creación de un museo, en la que en vida, fuera, su vivienda. EL MUSEO SOROLLA. Se encuentra situado, en la calle Martínez Campos, 37 de MADRID.

MERCADO DEL ARTE

El martes día 28 de abril de 2015, La sala de subastas CHRISTIE’S en la ciudad de NUEVA YORK, sacó a subasta la marina, Velas en el Mar, la obra alcanzó el valor de 521.000 dólares; cifra baja para lo esperado que eran unos 800.000.

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Velas en el mar. 1908.

ARTE. JOAQUÍN SOROLLA. EL PINTOR DE LA LUZ

Joaquin Sorolla. Sorolla. Pintura. Arte. Mercado del Arte

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