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Arte. Andy Warhol, supo captar una parte del alma americana

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 WARHOL, WARHOL, WARHOL, WARHOL, WARHOL…

Como todo buen publicista Andy Warhol, sabía lo que se consigue con la repetición; Andy aplicó las técnicas publicitarías al mundo del Arte empezando por él mismo, pero no solo, pues fue manager y productor de muchos artistas, un verdadero cazatalentos. Su quehacer artístico transitaba por diferentes caminos de expresión; pintura, fotografía, escultura, serigrafía, cine, teatro, etc…

Nació en Pittsburgh, el 6 de agosto de 1928. Era hijo de unos emigrantes eslovacos en USA. Falleció en Nueva York, el 22 de febrero, de 1987, cuando se recuperaba de una operación de vesícula, (infarto). Era un terrible hipocondríaco, desde niño sufrió el baile de San Vito (Enfermedad de Huntington), transtorno genético hereditario, que afecta al comportamiento, pensamiento, y sobre todo, y es el aspecto más visible del mal, al movimiento exagerado de las extremidades, también, rigideces musculares y muecas; Más tarde desarrollaría un miedo cerval a los médicos y los hospitales.

Comienza su carrera profesional como publicista, ilustrador, diseñador, y se rodea de un grupo de buenos artistas para la realización de sus obras de arte. Su primera exposición, se realiza en 1962 (California)y ese mismo año, también, en Nueva York, a partir de este momento empieza a ser conocido y también comenzaría, el debate y la polémica, su obra es duramente criticada, tachándola de superficial y vacía.

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Warhol, continúa su camino hacia el Olimpo, y se rodea de una cohorte de artistas con los que colabora de diferentes maneras. Con Lou Red, mantiene una estrecha relación profesional y produce a su banda The Velvet  Undeground. Con Jean-Michel Basquiat, además, de una  relación profesional, mantiene una larga y fructífera relación de amistad, con el neoyorquino/afroamericano, pinta cuadros en colaboracion.

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Horizontal Painting, (Pintura Horizontal).MBasquiat, Warhol, Clemente. 1984. Museo de Arte Contemporáneo de Málaga. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Andy Warhol siempre activo, participa en numerosos proyectos en los que invierte y gana. Dice… «No hay mejor Arte que el de hacer dinero»…  Andy Wharol, al igual que le sucede a Salvador Dalí, piensa, que al arte, le vienen bien los excesos.

1968, es un año negro que le dejaría secuelas…

Andy Warhol encontrándose, en la oficina de The Factory, recibe tres disparos que lo hieren gravemente. Una de los artistas con los que se relaciona, Valerie Solanas (autora teatral), le ha pasado un libreto, para que lo lea, el pintor le dice que se lo producirá, pero no cumple su palabra, y lo que es peor, además lo pierde; entonces, Valerie sufre un ataque de nervios pues se siente engañada, y ofuscada, dispara. Este hecho marcó en su vida, un antes y un después. Ahora Andy era menos frívolo.

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Andy Warhol supo captar una parte del alma americana, traducirla y empotrarla en el arte, esto no había ocurrido nunca antes, hubo  quien lo criticó duramente, pero el tiempo acabó dándole la razón, y lo convirtió en lo que él, convertía todo lo que  tocaba, en un icono para la historia…, en un mito eterno, del Pop Art.

En 1986 ANDY WARHOL, pinta sus últimas obras, pues fallece un año más tarde. Tras su muerte, la empresa Sothebys subasta en un lote, sus magníficas obras de arte, obtienenendose, 20 millones de dólares. El afamado artista de la repetición, antes de fallecer, testó a favor de su familia.

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Andy Warhol, supo captar una parte del alma americana.

Andy Warhol. Warhol. Arte. Pintores. Pop Art

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Fotografía. Mindor. Retrato de Artista. Instalaciones en la calle

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Mindor. Retrato de Artista Contemporáneo.

Esto no es Arco, esto es la calle de una ciudad cualquiera de provincias…

Torre de metal oxidado, bolas de hierro abolladas; aún esféras imperfectas; alambres, agresor espino que se enrrolla sobre sus desafiantes y afiladas púas.

El artista trabaja.

Arte en la calle,

desnudo y puro surrealismo.

Dedos llenos de heridas, con el alma rajada, el artista, monta su instalación en la calle mientras coloca una tirita color carne en el dedo paciente; son heridas que escuecen.

Un cigarro en los labios.

Cortaduras; cicatrices inciertas y persistentes

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Él, también es objeto en su instalación, por ella; se arrastra, gatea, y funde hasta quedar inmóvil, como una estatua de sal; quieto, incómodo, sacrificado…, callado.

Cuando habla lo hace con gracia  y vocecita de guiñol, por la boca de un pequeño Spiderman de plástico que sujeta en las manos mientras conversa con un niño que se acercó con unas pocas metálicas monedas.

Posiciones inverosímiles. Diferentes puntos de vista

A los ojos se los protegen, unas enormes gafas industriales; al resto del cuerpo, un mono de grueso viejo cuero maltratado, ¡Su ángel!

¿Quien protege este tipo de arte, tan necesario?

El trabajo del artista, con su mono gastado de cuero rajado, teñido de óxido.

Valentía, Esfuerzo, Creación…

¡Enhorabuena!

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Fotografía. Mindor. Retrato de Artista. Instalaciones en la calle

Fotografía. Mindor. Retrato de Artista Contemporáneo. Arte Contemporáneo. Arte. Instalación 

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Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2018, censura y más

 

   

Silencio Autocensurado, 2016. Concha Jerez. Aural Galeria. Fotos by TbArt. Archivos fondos propios

Aspecto que presentaba el stand de Galerie Thaddaeus Ropac, con obras de Yan Pei-Ming y Georg Baselitz. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Un año más y ya son 37 ediciones, termina la Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2018.
Soy pintor y blogger dedicado al Arte, y os contaré mis impresiones…, Como lo viví.

La feria vino precedida por la polémica de la censura, (la obra), un mural de 24 retratos tipo ficha policial de personajes, con los rostros pixelados,que lleva el elocuente título de «Presos políticos españoles contemporáneos«, de Santiago Sierra, (Un artista critico/reivindicativo político/social, con reconocimiento nacional, que se negó a a aceptar el premio nacional de artes Gráficas en 2010, dotado con 30000€), de relevante proyección internacional, y representado en la feria por la Galeria Helga de Alvear, no debió ser retirada.

Presos políticos españoles contemporáneos», de Santiago Sierra, antes de ser retirada. Foto. Vía internet.

Hay obras de arte en general, que pueden molestar, escocer a algunos, algunas incluso pueden  parecer detestables, (son criticas), tocan la fibra. Es necesario, respetar la libertad de expresión (podemos manifestar libremente nuestra opinión). Como en otras ediciones la polémica (este año teñida de color político), está servida y no le vendrá mal a la feria, si es que quiere madurar en este importante (vital), aspecto. La obra se vendió inmediatamente, (96.000 euros, pagados por Tatxo Benet, socio de Jaume Roures. Debate y tolerancia sin suprematismos, avance sin miedo hacia un futuro (precisamente este año, la palabra que titula la feria), mejor y más libre. Sobre este asunto (un termómetro irritante), Carlos Urroz director de ARCOmadrid 2018, manifestó inmediatamente, «yo nunca habría retirado la obra de Santiago Sierra». IFEMA emitió un comunicado oficial señalando que la obra había sido retirada respetando la libertad de expresión, para de esta manera, no desviar la atención de lo que es importante en la feria. Hago mías también las  declaracióness de Carlos Urroz sobre este enojoso asunto. IFEMA posteriormente emitía este comunicado, «Lamentamos y pedimos sinceras disculpas (-) No hubo mala fe en esta acción y aceptamos las críticas recibidas, comprendiendo que debemos evitar en el futuro cualquier circunstancia de esta naturaleza».

Medios de comunicación y expectación en la blanca parez de la discordia. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Empezamos la visita como siempre, bueno, como siempre hasta ahora, pero con una importante diferencia, este año estrenando un flamante pase de prensa. Eran las 13:00 de la mañana del sábado, después de una noche de microteatro y tapeo por los aledaños de la Gran Vía, el sol brillaba y el cielo lucia de un color azul intenso. Como es habitual, café y unos cigarros, después el metro, y al fin un inmenso oasis de arte contemporáneo en Madrid.

Aspecto de la feria. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Mi primera impresión a la entrada fue…, la de agobio, la feria estaba llena, la segunda, el alboroto (también junto a la entrada de la feria), alrededor,  de la extensa y blanca parez, que había contenido la polémica instalación ya retirada, y nunca repuesta, que ahora ocupaba Thomas Ruff; mucha expectación generada, y muchos medios de comunicación continuamente ocupados en el debate.

Regine Schumann. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

En cuanto al nivel de la feria creo que en este momento se encuentra consolidada y con unos estándares, muy aceptables de calidad y argumento, sólo hecho de menos, propuestas más refrescantes con un sentido más lúdico y participativo, falta un poco más de riesgo, instalaciones,  sensaciones, ambiente y emoción.

Hangover Construktivism III. 2017. Sebastián Kuhn.  Foto by TbArt. Archivos fondos propios

De esta feria, obviando el asunto de la censura, me llevo sensaciones muy agradables. Gracias al equipo de ARCOmadrid 2018,  por hacerla posible, (se el importante  esfuerzo y pasión que ponéis en ello), el resultado ha sido estupendo, os felicito sinceramente.

«Alepo». Francisco Leiro. Foto by TbArt. Archivos fondos propios

Una de las mejores noticias sobre esta 37 edición de ARCOmadrid, es el crecimiento del casi 20% en ventas respecto al año anterior, (ha habido alguna, de más de un millón de €). ¡Enhorabuena! Los visitantes fueron alrededor de 100.000, (de ellos, 30.000 visitantes profesionales). La Fundación ARCO adquirió obras por valor de 175.000 €, el Reina Sofía por su parte compró por un total de 389.000 €, la Fundación Helga Alvear pagó por una obra de Dan Graham, 500.000 €.

Serie comienzo. Óleo sobre lienzo. José Guerrero. Galeria Gillermo de Osma. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2018, censura y mucho más.

Arco 2018. Feria Internacional de Arte Contemporáneo ARCOmadrid 2018. ARCOmadrid 2018. Arte Contemporáneo

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Fotografía. Mindor. «Era verde el silencio, mojada era la luz»

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Fotografía. By Mindor.

El paisaje que en esta ocasión presenta Mindor, nuevamente, nos hace soñar, y transporta al dulce y oculto nirvana, que se encuentra, aquí, muy cerca, pero que a menudo se nos escapa como el ascendente humo cegador, huye rendijero, y al instante, surge colado, un impresionante fuego rojo, y naranja… Despues, desaparece inexorable.

Lento y diluido ascendente disimulo

Gracias Mindor por ofrecernos estos soñados verdes, verde pino, verde enebro, verde alga, verde musgo, verde albahaca, verde lima, verde pera …

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Era verde el silencio, mojada era la luz,

temblaba el mes de Junio como una mariposa

y en el austral dominio, desde el mar y las piedras,

Matilde, atravesaste el mediodía.

Ibas cargada de flores ferruginosas,

algas que el viento sur atormenta y olvida,

aún blancas, agrietadas por la sal devorante,

tus manos levantaban las espigas de arena.

Amo tus dones puros, tu piel de piedra intacta,

tus uñas ofrecidas en el sol de tus dedos,

tu boca derramada por toda la alegría,

pero, para mi casa vecina del abismo,

dame el atormentado sistema del silencio,

el pabellón del mar olvidado en la arena.

Pablo Neruda. Parral, Chile, 1904. Santiago, Chile, 1973.

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Fotografía. Mindor. «Era verde el silencio, mojada era la luz, temblaba el mes de Junio como una mariposa».

Fotografia. Mindor. Fotógrafos. Pablo Neruda. Verde. Color. Paisaje

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Arte. Hybrid Art Fair & Festival 2018. Hibridación de contenidos

Hola apasionados del Arte

En el Hotel Petit Palace Santa Bárbara, situado en la plaza del mismo nombre de  Madrid se celebró La segunda edición de la Hybrid Art Fair & Festival 2018. los días 23, 24 y 25 del mes de febrero. Su posición, la orientación que proyecta la feria, sus proposiciones artísticas se dirigen hacia la vanguardia del arte contemporáneo nacional e internacional.

Diálogos. Tamara Jacquin. Est_Art Space, (Madrid). Foto by TbArt archivos fondos propios.

30 galerías, colectivos, y espacios culturales; propuestas experimentales jóvenes e independientes del arte emergente internacional en un espacio expositivo que utiliza las habitaciones del hotel (camas y mesillas, además de las paredes, incluido el wc), como soporte para las diferentes creaciones artísticas alternativas.

Aspecto de un stand de la feria en una habitación del hotel. Foto by TbArt archivos fondos propios.

Exhibición  artística experimental (en algunos casos). Participamos de ella, como un alternativa al panorama expositivo, con una programación de arte, musica, presentaciones, performances, y charlas.

En la cama con Miss Beige. Instalación. Foto by TbArt archivos fondos propios.

El viernes 23 después de una pequeña siesta, un café, algo de dulce, y unos cigarros, nos dirigimos, a una feria de arte que nos gusta…, nos gusta, su orientación hacia la sorpresa, la interacción, y el entretenimiento, siempre con criterio. Destacaría de lo que vi, muchas obras  interesantes,  pero en clave de…,  «espera un momento», destacaré a, En la cama con Miss Beige. Sola, recostada en una cama de hotel sin deshacer… ¿Te quieres acostar con ella? ¡Te harán un antiselfie!

La carne orgullosa. Pablo y Herny. Foto HYBRID.

Cuando entré en una de las  habitaciónes que ocupaba la Galería de Arte Rizoma (Madrid), me crucé en el estrecho pasillo, con Pablo, de Pablo y Herny, (al que aun no conocía), él salía en ese momento y, me dijo…, «pasa es muy bueno», poco después me lo crucé de nuevo…, esta vez me aguardaba la pregunta, «¿te ha gustado?». Sobre la cama sin deshacer, se encontraba tendida, una escultura (una figura crucificada), de carne y visceras, envasadas al vacío. El resultado era impactante. Herny, la otra parte del tándem, me contó, que ahora, se encontraban trabajando con carne fresca, y enseguida me surgieron algunas inquietantes preguntas; luego finalmente intercambiamos, algunas interesantes impresiones en el bar…

Monica Ezquerra. (Srta M). Dosmilvacas, Ponferrada, (León). Foto by TbArt archivos fondos propios.

Me interesó también,  la obra de ARS magna (Lanzarote) una asociación cultural y artística que presentaba en la feria a 5 artistas emergentes contemporáneos; también, Natasha Lelenco, Reme Remedios, Bolidismo, y otros muchos artistas a los que no he  podido reseñar, pero que también merecieron mi atención.

Una edición muy interesante y llena de emociones, Altamente recomendable.

Hybrid Art Fair & Festival 2018. Frescura e Hibridación de contenidos.

Hybrid Art Fair & Festival 2018. Arte. Arte contemporáneo. Feria de arte contemporáneo.

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Exposición fotográfica. Felipe Jácome. Galería Nueva. Madrid

Hola buenos días apasionados por el arte. Creo, un buen plan pasar el día visitando una exposición de fotografía, tan interesante y necesaria. Un buen trabajo con intención lleno de interés y técnica.

Nota de prensa

 Exposición fotográfica de Felipe Jácome en Galería Nueva, 21/09/2022 – 2/10/2022

Artista ecuatoriano Felipe Jácome expone por primera vez en España su proyecto fotográfico ´Caminantes´

Madrid, 12 de septiembre de 2022.- El artista y fotógrafo ecuatoriano Felipe Jácomepresenta por primera vez en España su proyecto ´Caminantes´. La exposición tendrá lugar desde el 21 de septiembre hasta el 2 de octubre en Galería Nueva(Doctor Fourquet 10, Madrid).

El proyecto, que se encuentra de gira europea, retrata el camino que emprendió el artista junto con un grupo de venezolanos que abandonaban su país para documentar su éxodo

En esta serie, las imágenes de los migrantes venezolanos son transferidas sobre billetes de bolívares, ya sin ningún valor, utilizando un proceso de revelado de haluro de plata

El proyecto, que se encuentra de gira europea, llegará a Madrid, con el apoyo de la Embajada de Ecuador en España, directamente de París, donde se ha expuesto en Paris Photo 2019, para regresar nuevamente a la capital francesa en noviembre, a las salas de la Embajada de Ecuador.

Documentar el éxodo

 ´Caminantes´ es un proyecto que surge de la experiencia de Felipe Jácome en Venezuela como fotógrafo. En 2018, el fotógrafo estaba documentando la llegada de los migrantes venezolanosa Ecuador, cuando una niña le entregó un billete de 100 bolívares doblado como un corazón de origami. Enterder que una niña jugaba con un billete porque ya no tiene valor le hizo plantearse una serie de preguntas: ¿qué ha pasado para que ese dinero pierda su valor? y, más importante, ¿cuáles son las consecuencias que eso tiene sobre la vida de las personas? Esta figura de origami se volvió una pista para comenzar a comprender la causa y la magnitud de la crisis: el dinero en Venezuela ya no vale nada y la  gente ya no puede subsistir.

Meses después, Jácome emprendió el camino con un grupo de venezolanos que abandonaban su país para documentar su éxodo. En el camino, el artista encontró a miles de personas caminando a lo largo de la carretera; sus caras, llenas de  pena, nostalgia y miedo ante  la incertidumbre de sus vida. En los montes y pueblos que atraviesan, estas personas son conocidas como ¨los caminantes¨, de ahí el nombre de la serie.

Las caras de los próceres de la patria sobre los billetes—Bolívar, Miranda, Guaicaipuro, Cáceres de  Arismendi— que alguna vez fueron los símbolos de la prosperidad venezolana, ahora parecen ser testigos de una generación expulsada de su país por el hambre y la desesperanza. De igual manera, la flora y fauna en el reverso de los billetes ahora parecen  representar una tierra abandonada por su gente.

En esta serie, las imágenes de los migrantes venezolanos son transferidas sobre billetes de bolívaresya sin ningún valor utilizando un proceso de revelado de haluro de plata. Cada billete se pega sobre paneles y se sellan con barniz. La plancha de billetes después recibe varias  capas de haluro de plata.

La elaboración de cada obra tarda entre 2 y 3 días. Una vez que la emulsión está seca,  se transfiere las fotografías utilizando negativos gigantes como hojas de contacto. Después se revelan químicamente las fotos sobre los billetes en un cuarto oscuro.

 Sobre Felipe Jácome

 Felipe Jácome es un fotógrafo nacido en Ecuador. Tras finalizar sus estudios en la London School of Economics, su trabajo se ha centrado en temas de movilidad y derechos humanos.

En 2010, ganó el Concurso de Jóvenes Reporteros del Comité Internacional de la Cruz Roja (CICR). Sus fotografías han aparecido en publicaciones como National Geographic, The Washington Post, Foreign Policy Magazine, The Guardian, Vice Magazine y CNN.

 El trabajo de Jácome ha sido expuesto en Londres, Ginebra, Ámsterdam, Quito, La Paz y Washington DC. En 2019, fue seleccionado por World Press Photo para el Premio al Talento Global 6×6 para América del Sur.

 Exposición ´Caminantes´, de Felipe Jácome.

 Inauguración: 21 septiembre a las 19:30h

 Período de exposición: 21 septiembre – 2 octubre 2022.

Galería Nueva Doctor Fourquet. c/ Calle Doctor Fourquet, 10

28012, Madrid

 Horario: A partir del 22 de septiembre: martes a viernes, de 11:00h a 14:00h y de 17:30h a 20:30h; sábados, de 11:00h a 14:00h y tardes con cita previa.

 

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Arte. Mark Rothko. “Éxtasis, Tragedia, Extinción, Épica”

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N 61. Rust and blue. 1953.

MARK ROTHKO. Daugavpils, Letonia, 25 de septiembre de 1903. Nueva York 25 de febrero de 1970.

Su padre fue farmacéutico. La familia sufre episodios de racismo, y en 1910 emigran a Estados Unidos, huyendo de las purgas cosacas contra los judíos. Pocos años después, fallece su padre y el joven Rothko, se ve en la necesidad de vender periódicos por las calles para poder vivir. En esta época es muy aficionado a la música, y un buen estudiante; además de un comprometido activista político, defensor a ultranza de los derechos sociales. Mark Rothko tiene 18 años cuando es becado por la Universidad de Yale. Además trabaja en una lavandería, para pagarse los estudios. Dos años después abandona los estudios, y se traslada a Nueva York donde finalmente, descubre su vocación.

COMIENZA SU FORMACIÓN ARTÍSTICA

Tiene 23 años cuando comienza a impartir clases de pintura en La Center Academy de Brooklyn. Con 26 años se casa con la diseñadora de joyas Edith Sachar. Un año antes de su boda, expone por primera vez (Museo de Portland).

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Su familia de conservadores burgueses no le apoyaba, no entendian como no dedicaba su vida a algo más productivo, no podían entender, como un gran estudiante, con un futuro tan prometedor, quisiera tirar su vida a la basura, por la absurda idea de ser artista

MARK ROTHKO QUIERE SER PINTOR

Su pintura será  catalogada como Expresionismo Abstracto. Definición que él, no compartía, y que consideraba alienante. Rothko, entendía su arte como…«Una expresión mística no exenta de religiosidad»

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Mark Rothko utilizaba como soporte cuadros de gran formato, pues defendía, que en su creación, al utilizar estos enormes tamaños, podía trascender al lienzo, y por ende, el espectador cuando finalmente los observara, también podria sentiríse dentro del cuadro, (formaría  parte de el)… «Pintor lienzo y espectador serían uno»

COLOR, LUMINOSIDAD, SUAVIDAD; SUTIL DELICADEZA Y DELICADA TRANSPARENCIA

Su pintura es luminosa, y está llena de luz, en suaves y sofisticadas capas de color superpuestas, donde la pintura es libre y profunda, y el color se crea, y se transforma.

En cuanto a lo que el artista, nos quiere transmitir…

-«Solo me interesa expresar emociones humanas fundamentales, Tragedia,Éxtasis, Extinción o  Épica»-

-«Estoy a favor de las formas planas, porque ellas destruyen la ilusión y revelan la verdad… Estoy a favor de la exposición simple del pensamiento complejo»-

Sus pinturas consiguen en mi, un efecto místico e intemporal; modernas, y a la vez antiguas, sin pasado, ni tiempo…

COMO UN PRESAGIO, EL BRILLO SE APAGÓ

Al final de sus días, sus colores, pigmentos, y mediuns luminosos, mudaron a otras gamas de color, a tonos más oscuros, como un presagio, su pintura se fue oscureciendo, hasta fundirse con la noche de los tiempos, y el arcano que los gobierna desde tiempo inmemorial. Rothko, finalmente se suicidó cortándose las venas, a la edad de 67 años. Tal vez tuviera que ver con este trágico desenlace, su adicción al alcohol y los antidepresivos, pero estos, solo son un síntoma, una dura huida llena de clavos y sufrimiento.

Arte. Mark Rothko. «Sólo me interesa expresar emociones fundamentales», Éxtasis, Tragedia, Extinción, Épica.

Mark Rothko. Rothko. Arte, Pintura. Nueva York

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Arte. Escultura. Mateo Hernández. Y un bloque de diorita

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Mateo Hernández Sánchez. Bejar, Salamanca. 1884. Meudon, Francia 1949.

ESCULTOR. TALLA DIRECTA

MATEO HERNÁNDEZ. El escultor bejarano nace en un familia de canteros, se casa a la edad de 21 años con Petra Téllez; un año más tarde se separan, y el escultor, que reside en Bejar, su ciudad de nacimiento, se traslada a Salamanca. Ese mismo año viaja a Madrid (becado por la Diputación de Salamanca) donde realiza estudios de dibujo, y modelaje de lo antiguo, en la Escuela Nacional de Bellas Artes, solo dos años después regresa nuevamente a Salamanca, y de allí marcha a París.

PARÍS

La llegada a la capital francesa en 1910, no resulta nada fácil, el escultor no habla ni una palabra de francés y se encuentra sin trabajo, sin embargo al poco, comienza a trabajar en la construcción como cantero. Tiene 26 años. Dos años después conoce al gran amor de su vida, Fernande Carton Millet, estudiante de magisterio, que habla perfectamente español, y que ayudará al escultor incluso, con su pobre sueldo de maestra.

MATEO HERNÁNDEZ, trabaja incansablemente en su oficio, es un asiduo visitante del zoo parisino donde toma apuntes del natural y se percibe su amor y respeto por los animales; además, son unos modelos baratos, en un momento, en que a veces es difícil pagar las facturas… Así transcurren unos años.

1920 EL AÑO DEL ÉXITO, alcanza la fama y el reconocimiento

Pantera de Java. Pantera Rothschild. 1920

El Barón Rothschild, adquiere su obra Pantera de Java realizada en granito negro de Bélgica, en el Salón de Otoño de París. El aristócrata paga por la escultura nada más, ni nada menos, que 60.000 francos, una cifra desorbitada para aquellos años 20 de penuria y crisis. Pertenece a la colección particular del Barón, se encuentra en Paris.

PANTERA DE JAVA

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Gran Pantera de Java o Pantera Kerrigan. 1922/1925

1923, MATEO HERNÁNDEZ consigue un gran bloque de diorita, la diorita, es una de esas rocas de la naturaleza, similar al granito, y a esta última roca, la conoce bien de su tierra bejarana, donde al ser muy abundante, es usada en la construcción; el escultor, así pues el artista, con su apreciado bloque de diorita comienza, lo que sería una de sus obras más emblemáticas, La Pantera de Java, que actualmente se encuentra en el Metropolitan de NUEVA YORK. Después de dos años de arduo trabajo con su talla directa llena de riesgos, la presenta en la Exposición Internacional de Artes Decorativas de París de 1925, resultando galardonada, con el Gran Premio de Escultura. Dos años después La Pantera de Java, sería adquirida por el señor y la señora Kerrigan.

Mateo Hernádez declaró sobre lo ocurrido…

«Yo no quería venderla, esa obra la quería para mí, puse un precio muy alto para no venderla… y se la llevaron».

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Mateo Hernández esculpiendo La Bañista. 1925.

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La Bañista. 1925. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En 1927, la Sociedad del Amigos del Arte organiza una exposición en Madrid, de 27 obras de arte del escultor, asistió al evento la Familia Real; esculturas, no se vendió ninguna, si bien es cierto, que los precios del genial artista no eran aptos para cualquier bolsillo.

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Gorilas. (Maternidad). 1948. Museo Municipal de Escultura Mateo Hernández

1928, MATEO HERNÁNDEZ, adquiere una espaciosa casa en Meudon, Francia; allí, en su taller, en el que solo y exclusivamente trabaja él, realiza obras de gran tamaño. Trabajador incansable se consagra totalmente a la Escultura, desdeña los materiales blandos y dúctiles, y ataca con rabia los grandes bloques de piedra, ¡cuanto más duros mejor! A veces tenía que vendarse los brazos del dolor, pues constantemente, las briznas de piedra y el chisporroteo que provoca el cincel sobre la dura roca, le causaban golpes y laceraciones.

1949. MATEO HERNÁNDEZ, fallece en su casa de Meudon; finalmente es repatriado y enterrado en Bejar, su localidad natal donde existe un museo (permítanme recomendárselo), dedicado íntegramente a la figura de su insigne vecino; contiene unas 50 obras que actualmente, están cedidas en deposito, por el Museo Reina Sofía de Madrid.

Mateo Hernández. Escultor….

Arte. Escultura. «He podido tener un bloque de diorita para hacer una pantera de tamaño natural o sea de dos metros de larga».

MATEO HERNÁNDEZ. LA PANTERA DE JAVA. ESCULTORES. ESCULTURA. BEJAR. SALAMANCA. MADRID. PARÍS. MUSEO REINA SOFÍA

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Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. El velo delicado, de un sueño

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MR KEY. TOMÁS BARTOLOMÉ
Óleo/lienzo. Oil/Canvas. (2016).

La clave, la llave que abre la puerta, nuevos caminos aparecen, y se olvidan, el reloj tiene su lógica, y el ser humano otra. Es una herida que no sana, y  la acompaña, un grito eterno.

PRESENCIA

Emoción, largo y profundo trago

Transferencia e inocua

Alquimia oculta y picuda

Hollar el velo delicado…

De un sueño evocado, traído

Maestro de un secreto revelado,

En trazas regalas sedas;

Extasis, gasolina, nuez borracha

Inspiración presenciada

Llamarada leve. Llave evaporada

Exposición, frío metal…

Aceite de lino…, y argán.

Tomás Bartolomé

Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. Hollar el velo delicado De un sueño evocado Maestro de un secreto revelado

Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. Óleo. Pintores. Pintor. Óleo. Óleo lienzo

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Literatura. Frankenstein. Horrendo huésped de un irresponsable

FRANKESTEIN. Mary Shelley, (1797-1851).
Descrito en la novela como horrendo huésped, ser demoniaco, engendro, la criatura.
Un joven suizo (Victor Frankenstein), estudia medicina obseso por desentrañar, los secretos del cielo y la tierra, por descorrer el tupido velo de la misteriosa alma del ser humano; crea irresponsable, un ser, a partir de las diseccionadas partes de cadáveres, que se procura ilícitamente.

Finalmente la criatura resulta deforme y, espantosamente alta, pues mide 2,44 metros.
Víctor esta horrorizado, ha creado un monstruo, la culpa lo persigue, además; asustado, el gigante ha huido, e ingenuamente Víctor piensa que se ha librado de él. Frankenstein solo, y desamparado siente de inmediato el rechazo de la sociedad, debido a su intimidante aspecto, del que él no es responsable, además, no sabe hablar. Entonces, siente obsesamente un odio que le corroe y que reclama como una mordedura, sed de venganza contra su creador. Lleno de ira, asesina al hermano menor de Victor, y este, (aterrorizado) permite cobardemente, que acusada por, una única prueba circunstancial, una de las sirvientas de su propia familia, sea condenada a muerte y ejecutada, acusada de tal horrendo crimen, crimen, que él sabe, que ella no cometió. Enfermo de remordimientos, apesadumbrado por la culpa, se encuentra nuevamente por sorpresa, con el monstruo y este suplicante, le promete no volver más a su vida, si como su creador, y responsable, completa la obra, dandole una compañera que sea como ėl. Víctor lleno de dudas accede, mas al  final, decide en un momento de lucidez, destruir su femenina promesa. Entonces el fantástico ser, solo y abandonado jura vengarse. Y lo hace cruelmente, asesinándo esta vez al mejor amigo de Victor, Clerval, y después, a Elizabeth su prometida, en una singular noche de bodas. A causa de todas estas muertes, el padre de Víctor, Alphonse, también fallece. Entonces Victor desesperado, decidió acabar con su malograda creación, y persigue incansablemente a la desesperada criatura.

Finalmente después de seguirle tercamente con rabia enfermiza, y verlo a poca distancia, Víctor muere en el ártico a bordo de un barco en el que fue recogido de entre los hielos, perseguidor y enfebrecido. Después de su fallecimiento, la hospitalaria nave es abordada por la propia criatura, que relata entonces (tiempo antes el monstruo había aprendido a hablar), visiblemente emocionado y lucido, los motivos de sus actos, y da razón de su triste historia al capitán. La novela termina con la confesión de Frankenstein, de que ya cansado y dolorido, pondrá fin a su corta y miserable existencia.

Cubierta de FRANKESTEIN de Mary Shelley. Edición de 1831. Foto vía internet.

A continuación. Narración obtenida a partir de un diario de navegación

Extracto de la carta que escribe Robert Walton capitán del barco (enfrascado en una especie de empresa, aventura y misión científica, en la que busca la gloria), a su hermana Saville, con la que mantiene una regular (aunque complicada) correspondencia. Durante la travesía, FRANKESTEIN es avistado por primera vez en la novela, estando el barco varado.

FRANKENSTEIN . (Fragmento). Novela publicada el año 1818.

El pasado lunes (31 de julio) nos encontrábamos prácticamente cercados por el hielo, que rodeaba al barco por todos lados, y casi no había espacio libre en el mar para mantenerlo a flote. Nuestra situación era un tanto peligrosa, especialmente porque una niebla muy densa nos envolvía. Así que decidimos arriar velas y detenernos, a la espera de que tuviera lugar algún cambio en la atmósfera y en el tiempo.
Alrededor de las dos levantó la niebla y comprobamos que había, extendiéndose en todas direcciones, vastas e irregulares lagunas de hielo que parecían no tener fin. Algunos de mis camaradas dejaron escapar un lamento y yo mismo comencé a preocuparme y a inquietarme, cuando de repente una extraña figura atrajo nuestra atención y consiguió distraernos de la angustia que sentíamos por nuestra propia situación. Divisamos un carruaje bajo, amarrado sobre un trineo y tirado por perros, que se dirigía hacia el norte, y se encontraba a unos ochocientos metros de nosotros; un ser que tenía toda la apariencia de un hombre, pero al parecer con una altura gigantesca, iba sentado en el trineo y guiaba a los perros. Observamos el rápido avance del viajero con nuestros catalejos hasta que se perdió entre las lejanas quebradas del hielo.

Literatura. Frankenstein. Horrendo huésped de un irresponsable.

Literatura. Frankenstein. El monstruo de Frankenstein. Mary Shelley. Monstruo. Novela de terror. Terror. Terror gótico. Ciencia ficción. Horror.