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Ricardo Baroja. Artista. Hay en él, algo de desencanto

Autorretrato. Ricardo Baroja

RICARDO BAROJA. Hay en él, algo de desencanto


Ricardo Baroja. Pintor, escritor, actor. Minas de Río Tinto 1871-Vera de Bidasoa, 1953.

Tío de Julio Caro Baroja. Hermano de Pío Baroja. Su padre era ingeniero de minas, motivo por el cual nace en la provincia de Huelva, después, se trasladarían a Santander, y posteriormente a Madrid. A la edad de 15 años, realiza estudios de ingeniería en la Escuela Politécnica de Ingeniería de Madrid. Baroja, enferma de tuberculosis, recibe clases de pintura, y realiza estudios para optar al cuerpo archivos y bibliotecas, su destino es Cáceres, también trabajaría, en Bilbao, Teruel o Segovia.

La Dársena. Ricardo Baroja

En 1902 abandona la carrera funcionarial, para valientemente, seguir su vocación. Realiza ilustraciones, frecuenta tertulias, viaja. Mientras tanto expone, en San Sebastián, Bilbao y Madrid. Viaja a Paris, visita Sevilla y Toledo. Es premiado en la Exposición Nacional de Bellas Artes, donde obtiene, la segunda medalla en 1906, y la primera, en 1908. En 1910 es uno de los fundadores, de la Sociedad de Grabadores Españoles. Su técnica es el aguafuerte, se le compara con Goya, mas  también es inventor de algunas técnicas de grabado, nada académicas, sus procesos eran diferentes, y escandalizaban, a algunos adocenados,  por eso se le llegó a achacar falta de técnica, sin embargo su maestría fue pronto reconocida con diferentes premios. Cuando se le comparara con el mismísimo Goya, él respondía sincero, “A mi me parece que de las obras mías, hay más distancia a las de de Goya,  que las de una pobre gallinácea desplumada y triste, que se arrastra en un corral exiguo, y un águila real, soberbia, que vuela encima de las nubes más altas y mira de frente el sol”. Ricardo Baroja domina el claroscuro.

Los asfaltadores de la Puerta del Sol. Ricardo Baroja.

Fue uno de los mejores amigos de Picasso, en la tacaña estancia madrileña (1900), del entonces joven artista malagueño,  y al maestro Sorolla, le inició en las técnicas del grabado. Considerado como uno de los mejores grabadores españoles. También fue un pintor dedicado al paisaje, sobre todo urbano. También escritor y actor, en 1919, casi en la cincuentena, se casa con Carmen Monné, también pintora.

En 1925 llegó el escándalo. En una conferencia acaecida en el Circulo de Bellas Artes de Madrid, critica, no da nombres, aunque se suponen, sin embargo, no es para Ricardo Baroja nada personal, pero desde entonces los críticos permanecerán airados. Baroja declara, “La critica del arte es invención de los tiempos modernos. Su objeto es proporcionar opinión artística a las personas incapaces de tenerla. Esto da la más clara idea de su utilidad. Aquellos que son incapaces de reaccionar ante un hecho artístico no pueden tener ni opinión propia ni prestada”. “No imitéis nada de lo que veáis, sed sinceros, personales, y así quizás vuestra obra posea el carácter más… bonito, más elegante que pueda tener una obra de arte…, la de ser inactual”.

Tormenta. (1942). Ricardo Baroja.

Pintó paisajes, hasta que un grave accidente de tráfico en 1931, le provocó la pérdida de un ojo. Escritor también publicó la novela “Fernanda” en 1920.

1928 es nombrado profesor de la Escuela Nacional de Artes Graficas. En 1933, es uno de los fundadores de la Asociacion de Amigos de la Unión Sovietica. En 1935 alcanzó el Premio Nacional de Literatura. Su hermano Pío Baroja un año menor que él, era ya un reconocido escritor.

Ejerce como periodista y se asocia políticamente. Durante la guerra civil, su casa madrileña es destruida por los bombardeos, y se ven obligados a residir penosamente en Vera de Vidasoa. Mientras tanto pinta y escribe. Terminada la contienda expone en Bilbao y San Sebastián. En 1953, fallece, de cancer, en Vera de Vidasoa.

1957 se reconoce su obra, con una exposición homenaje, en el Museo de Arte Moderno de Madrid. Su legado…Cerca de 1000 óleos casi 150 grabados, libros, ensayos, y crónicas periodísticas…¡Quien da más!

RICARDO BAROJA. Hay en él, algo de desencanto

Ricardo Baroja. Pintor. Grabador. Escritor. Actor. Pintura. Grabado. Literatura. Baroja

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Caravaggio. Pendenciero, atrevido. Maestro en riñas, pirata sin bandera, y genio

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Michelangelo Merisi Caravaggio

Caravaggio. Italia 1571? Porto Ércole, Italia, 1610.  La fecha de nacimiento, no está totalmente confirmada, aunque si es la más probable.

Su familia gozaba de una buena posición económica. Su padre fue el arquitecto personal del Marqués de Caravaggio, y su madre poseía una notable fortuna. El pintor, se queda huérfano, siendo un niño, entonces, su hermano mayor lo envía a estudiar pintura a Milán, allí, trabajará como aprendiz. Caravaggio es muy arrogante, y se muestra desde muy joven poseedor, de un carácter agresivo, hostil y orgulloso. En 1591, se traslada a Roma, en «La Ciudad Eterna«, lo pasa mal, no vende sus pinturas, y apenas conoce a nadie en la gran urbe capitalina, son unos días de negra sombra, confusión, comer poco, pasar frío y necesidades…, enfermedad. El artista, está solo. Trabaja, bohemio, en los talleres de diferentes pintores, por muy poco dinero.

MUY PRONTO SU SUERTE CAMBIARÁ

En Roma. Para subsistir, él, descarado, se ve obligado a recurrir a la caridad. Mas muy pronto, su suerte cambiará, hay un poderoso cardenal, al que le gusta mucho su pintura, se trata del influyente y piadoso,  Cardenal del Monte, que desde ese feliz momento pasa a ser su angélico protector.

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Retrato de un caballero de la Orden de Malta. 1608. Palacio Pitti.

El Cardenal del Monte, da a conocer la obra del pintor, y le consigue encargos de obras sacras para ornamentar los bellos templos cristianos, así como encargos de particulares. Caravaggio, es ahora un pintor que goza de fama, y reconocimiento, aunque demasiado atrevido, para los usos y costumbres de la época.

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Cristo en la columna. 1607. Museo de Bellas Artes de Rouen, Francia.

Es un pintor controvertido, sus obras, a veces son rechazadas. Utiliza a menudo, como modelos, a cadáveres, delincuentes, prostitutas, borrachos. Alguna de las críticas que recibe y, que están a punto  de causarle un grave problema con los tribunales eclesiásticos, es la utilización, de una conocida prostituta, como modelo de la Virgen María, o la de pintar a la Madre de Dios, con las piernas desnudas.

Se  reconoce a Caravaggio como maestro del…

Tenebrismo, fuertes contrastes lumínicos, luces y sombras enfrentadas. También el enfoque de sus pinturas contiene drásticos escorzos.

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Tenebrismo, luces y sombras enmarcando un escorzo. Periodo napolitano.

El artista, pinta mucho, pero también, tiene tiempo de perderse por estrechas calles oscuras en busca de aventuras. Frecuenta así,  tabernas, prostíbulos, y antros de mala muerte… No dice nunca no, ni a una  gran jarra de vino, ni a una buena pelea. Pronto comienza a tener problemas, en una de sus riñas, hiere de gravedad a un notario. Es encarcelado. Ese mismo año de 1605, cuando ya se encontraba en libertad, sucede una nueva pelea, el dramático resultado es, la muerte de su rival. Caravaggio, tiene que huir rápidamente de Roma ¡Ya no regresaria jamás! Desde este momento, vaga huido por diferentes ciudades de Italia. En 1607 cuando se encontraba en Malta, es descubierto, y encarcelado por el crimen por el que se le busca, pero consigue escapar, y se dirige a Siracusa. Posteriormente se traslada a Nápoles. Durante todo su exilio, el pintor, vive de la pintura y recibe muchos encargos. El artista, fiel a su estilo, no deja de pintar y meterse en líos. En un ajuste de cuentas, en la ciudad napolitana, le dan un paliza, que a poco acaba con su vida. Desde entonces Caravaggio vagará por Nápoles, con su cara horriblemente desfigurada.

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Detalle. David con la cabeza de Goliat. 1609/10. Galería Borghesse, Roma.

En 1610, maltrecho, decide regresar a Roma, en el camino, y por error, es arrestado por las tropas de una guarnición española que en ese momento se encontraba en Porto Ércole, cuando finalmente es liberado, ya es demasiado tarde, Caravaggio, ha perdido el barco que lo trasladaba a Roma. Enfermo, con fiebre, sin atención médica, muere a los pocos días. Tenia apenas 50 años. Así… termina la vida de uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y uno de los más influyentes (Tenebrismo).

Genio. MonstruoAbsoluta referencia, motor inspirador desde entonces hasta nuestros días. Solo han llegado salvos, a estos tiempos, unas cincuenta de sus pinturas, de las cuales 5, se encuentran situadas en España, en los siguientes emplazamientos: Museo del Prado, Museo Thyssen Bornemisza, Palacio Real de Madrid, Museo Monserrat, y Catedral de Toledo.

Caravaggio. Pendenciero y atrevido pintor. Maestro de riñas, pirata sin bandera, y genio de la pintura.

Caravaggio. Pintor. Pintores. Tenebrismo. Pintura. Roma. 

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El Greco. Al párroco de Santo Tomé, (Toledo), le pareció que el cuadro era muy caro

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Toledo entonces era una de las capitales más grandes de Europa (62000 habitantes). El Greco llegó a la ciudad en 1577 con 36  años, su idea era acercarse a la corte, con la pretensión de lograr algún encargo, pues en ese momento se estaba construyendo el Monasterio de el Escorial, 1563-1584.

Domenikos Theotokópoulos, El Greco, Candia, 1541. Toledo 1614, (73 años).

EL GRECO vivió en Creta hasta los 26 años, después se fue a Italia donde permaneció una década. Cuando el griego aparece en Toledo es recibido como un gran pintor y, enseguida obtiene muchos pedidos, hasta el mismo Rey Felipe II, le encarga dos obras, que tal vez no agradaron mucho al monarca de un gran imperio, pues no le solicitaría más.

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San Francisco en éstaxis. 1577/80. El Greco.

No importa, a El Greco no le faltan pedidos, decide trabajar, en Toledo monta su taller de pintura  y se convierte en un vecino más.

EL GRECO EMPRESARIO

«La Gran Fábrica». El pintor instala un gran taller de pintura en Toledo; emplea a oficiales y ayudantes que trabajan con él -para él- y copian sus obras más solicitadas. 

OS CONTARE UNA ANÉCDOTA…

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El entierro del Conde Orgaz. 1587. El Greco.

Al pintor le habían encargado «El entierro del Conde Orgaz», para decorar la iglesia de Santo Tomé, de Toledo. Con cien ducados a cuenta, El Greco se pone a la tarea, (1586/88). Ya terminada la obra, al párroco de Santo Tomé le pareció que el cuadro era muy caro; el artista pedía por la obra 1200 Ducados, el párroco argumentaba que «El Expolio», pintado para la sacristía de la Catedral de Toledo, 1577 /79, había costado 318 Ducados, «El Martirio de  San Mauricio» 1580/82, para el Monasterio de El Escorial, 800 Ducados.

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El Expolio 1577/79, y El Martirio de San Mauricio, 1580/82. El Greco.

Se inició un pleito en el que intervino el obispado. Se encargó una segunda tasación. La pintura fue valorada en 1700 Ducados, al conocer el resultado, el párroco de Santo Tome asustado, aceptó pagar a regañadientes los 1200 Ducados iniciales. En el Mercado del Arte, hoy, la cotización de El Greco se ha disparado, hace algo más de tres años, Sotheby’s, subastó la pintura «Santo Domingo rezando», por 10.667.500 €.

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Santo Domingo rezando. 1600?. El Greco.

Sobre todo desde finales del síglo XIX su pintura se revalorizó muchísimo, siendo considerado en estos momentos, como un autor de culto por la modernidad de sus obras. Sus pinturas se encuentran repartidas por medio mundo en museos, y colecciones particulares, y también por muchas ciudades españolas: El Museo del Prado, tiene 34 pinturas de El Greco.

El Greco. Al párroco de Santo Tomé, (Toledo), le pareció que el cuadro era muy caro

El Greco. Pintura. Pintores. Toledo. Mercado del Arte. Tasación. Modernidad.

 

 

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Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Despiadada ambición disfrazada de elegancia.

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Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood

Berlin 1901. París 1992 a los 90 años.

Actriz y cantante alemana que adoptó la nacionalidad estadounidense en 1937, dos años antes del comienzo de la segunda guerra mundial.

Participa en 1930, en la primera película sonora europea, El ángel azul.

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Cartel de la película El ángel azul. 1930

En esta película dirigida por Sternberg (del que fue amante y con el que rodó en diferentes ocasiones), interpreta a una cabaretera en un antro de mala fama; en ella la guapa y morbosa actriz, seduce a un profesor cincuenton, y lo arrastra a la total destrucción.

Marlene Dietrich, llegó a Hollywood en 1930, y se hizo la reina de los Estudios Paramount.

Las anecdotas que le contaban a «La Marlene» sobre el ambiente de la época del cine mudo (que ella también vivió) la hacían soñar; soñar con aquel ambiente lujoso y brillante.

Soñaba siempre con aquellos enormes automóviles semejantes a enormes cucarachas de cuatro patas,  en los que viajaban seductores, atractivos hombres y hermosas mujeres. Donde flotaba el dinero y la clase; aquellas grandes bestias de elegante chapa negra, que relucía como el charol a la luz radiante y lechosa, de la romántica luna en una agradable,  y clara noche de verano; aquellas maravillosas maquinas, que no olían a estiercol, sino a dulce éter, a picante sensualidad, y cálido cuero… (borrachera acida); tierna y eterna seducción.

Ella quería eso, y lo tendría… Poco antes de morir en su lujosa vivienda en París, le dijo a un amigo que la acompañaba en tan duro e inevitable trance:

– «¿Lo quisimos todo, y lo conseguimos ¿no es verdad?»

Hollywood bullía en delirantes fiestas que terminaban a las tantas de la madrugada y,  a las que acudían los actores y actrices, que agotados al día siguiente, llegaban tarde al rodaje, o lo que es peor, no podían llegar, a causa de los excesos de la noche, el alcohol, el tabaco, y otras sustancias dopantes más sofisticadas y brillantes, como lo es, la excelente cocaina «Ala de mosca» (así llamada por su pureza, y por los cristalinos irisados que la forman), que circulaba pulcra, en ordenadas rayas paralelas, sobre nuevas bandejas de pulido, clásico, y frio acero brillante.

LOS TIEMPOS DEL CINE MUDO DE LA MÁGIA Y EL GLAMOUR

En los añejos tiempos del cine mudo acudían las orquestas a tocar en directo a los estudios de grabación; mientras se representaba la escena, los actores movían los labios como si hablaran.

En esta época el sexo era tabú. «Tenemos que hacerlo con los ojos» llegó a declarar Mae West…

¡Ellas hacían soñar y se llenaban los cines!  Era una época dorada, y de fondo un decorado en blanco y negro.

Marlene Dietrich poseía Glamour, (Encanto sensual que fascina).

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Con su aire de femme fatal, fría, inaccesible, maestra irónica e iconica de la elegancia; puso de moda el pantalón a lo femenino. Tenía unas piernas de vértigo. Las revistas de moda se la rifaban. En cuanto a la dudas sobre su condición sexual, fue alentada al incluir en su vestuario el uso de pantalones; prenda de vestir que  hasta entonces solo utilizaban exclusivamente los hombres; este hecho, fue convenientemente explotado por sus managers para traducirlo en moneda de curso legal; en billetes verdes con la efigie del presidente americano.

Glamour, también ha sido definido como «un hechizo mágico y oculto»  y es ese lado oscuro y misterioso lo que tanto explotaron sus agentes de marketing.

MARLENE

¡De la enigmática fascinación de tu fría mirada, que hiere!

Como la tiranía de un gran bloque de hielo…

Allí en el fondo…

En el oscuro silencio del congelador,

Quema, se pega a la piel tozudamente,

Daña los dedos desnudos. Inaccesible,

Como una imponente y lisa pared;

Dura, Infinita…

¡Cegadora y bella cal blanca!

Tomás Bartolomé

EL CABARET. LA SALVA DE SI MISMA

Después de sus  grandes éxitos en Hollywood, (llegó a hacerle sombra a la Garbo). ¿No sería un montaje, también, su rivalidad?; comenzó una gira como Actriz de Cabaret hasta su retirada. Siempre el Cabaret, y también siempre, su canción, aquella bella y triste canción…

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¡Que no paré el espectáculo, cantaré…, Lili Marleen

Marlene Dietrich, vivió los últimos años de su vida casi sin salir de casa; aunque son legendarias las astronómicas facturas de teléfono que pagaba, (unos 3000$ mensuales en los años noventa) Le gustaba la política y hablaba a menudo con algún Presidente de Gobierno (Reagan, Gorvachov).

María Riva, su única hija, le dedicó en una entrevista, estas reveladoras palabras:

– «Mi madre fue, una persona fría, solitaria y manipuladora, que nunca conoció el amor y, a la que nunca extrañé  porque nunca la tuve»

Este grave rasgo de la personalidad de Marlene Dietrich, apuntado por su hija; nos lleva a pensar en una pobre y distante mujer; una gran artista; que padeció en su vida serios problemas emocionales. Para nosotros que por fortuna no la tratamos, Marlene Dietrich, quedará para siempre como un mito; como un gran icono de la cinematográfia universal. Una estrella elegantemente glamurosa en unos  tiempos dorados para el cine y, por ende para los actores y actrices del siempre seductor  «séptimo arte en blanco y negro».

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Despiadada ambición disfrazada de elegancia.

Marlene Dietrich. Glamour en Hollywood. Cine. Actrices. Hollywood. Berlín. París

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Piero della Francesca. Maestro del Cuattrocento

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Piero della Francesca. Autorretrato.

Piero della Francesca. San Sepolcro. Italia. 1415? San Sepolcro,1492. Es difícil dar fechas exactas pues se carece de la documentación precisa, así pues, la fecha de nacimiento es únicamente orientativa. Lo que si podemos asegurar, es que nació en San Sepolcro. Su padre era un rico comerciante de tejidos, su madre procedía de un familia noble, adornada, de algunos personajes ilustres.

Se supone que PIERO DELLA FRANCESCA, comenzaría trabajando en el negocio familiar. Está demostrado que tenía conocimientos muy importantes, sobre matemáticas, calculo, y geometría. También sabemos que utilizaba,  del Ábaco,  para realizar complejos cálculos matemáticos.

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Proyección de una cabeza humana. Della Francesca.

Tampoco sabemos con certeza, quien fueron sus maestros en la pintura al fresco, (pintura que se aplica sobre yeso, en diferentes capas, y que exige una esmerada técnica), de la que fue uno de sus más importantes artistas de la historia. Hay teorías que afirman que su formación se realizó en San Sepolcro otros sin embargo sostienen que tuvo lugar en Florencia.

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Nacimiento. Della Francesca.

PIERO DELLA FRANCESCA. Comenzó a trabajar sobre todo por la zona centro y norte de Italia.

FUSIONÓ EL ARTE CON LA CIENCIA LA MATEMÁTICA Y LA GEOMETRÍA

El claroscuro, la perspectiva, y el estudio de la geometría de la obra, así como la utilización de soportes nuevos, como el lienzo y el óleo, lo convirtieron en un artista muy solicitado.

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Retrato. Diptico Federico de Montefeltro y su esposa Battista Sforza.

Trabajó sobre todo la temática religiosa, el retrato, y la representación de la naturaleza.

Piero della Francesca, fallecio en su localidad natal de Sansepulcro, el mismo día 12 de octubre, y el mismo año, 1492, que Cristobal Colón arribaba a las costas de un nuevo mundo, en la isla caribeña, de Santo Domingo.

PIERO DELLA FRANCESCA. MAESTRO DEL CUATTROCENTO

Cuattrocento. Piero della Francesca. Pintura. Pintores. Della Francesca.

 

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Pintura. José de Ribera, El Spagnoletto. Un pintor español en Nápoles

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El pie varo (El lisiado o el Zambo). 1642

José de Ribera, El Spagnoletto, así llamado por ser un español en Nápoles además de por su menguada talla. José de Ribera, nació en Jativa, Valencia, en 1591, donde su padre era zapatero pero vivió casi toda su vida en Nápoles donde finalmente falleció en 1652 y donde se encuentra enterrado.

Era apenas un adolescente cuando puso rumbo a Italia, tan clara tenía ya entonces su vocación; primeramente visitó las ciudades de Cremona, Milán, Parma, y Roma, donde se detuvo a estudiar a los clásicos en profundidad.

En Nápoles. entonces un virreinato español, Ribera pensó que tendría más posibilidades como pintor, allí tuvo éxito, sus grabados circularon mucho por Europa, Rembrant poseía alguno; se dice que cuando Ribera fue preguntado por un amigo porque no regresaba a España, contestó…

«En cuanto en lo de volver a España no se, me han dicho que allí se pierde el respeto a los artistas cuando están presentes, pues dolorosamente, España es madre amantísima para los forasteros y madrastra cruel para sus hijos».

Pronto recibió Ribera muchos encargos sobre todo de la iglesia, de coleccionistas particulares, y de los funcionarios españoles del imperio destacados en Nápoles. Pintor versátil trató en sus pinturas además de temas religiosos, temas mitológicos, aunque de estos últimos tuvo menos encargos.

También pintó José Ribera algunos Paisajes aunque escasos.

DOS RAREZAS…

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Paisaje con fortín y, Paisaje con pastor. Ambos de 1639

Dos de estas rarezas, son Paisaje con fortín y Paisaje con pastor, dos cuadros de gran tamaño que se encuentran colgados, de sendas paredes de el Palacio de Monterrey de Salamanca, que es propiedad de los Duques de Alba. En esta bella ciudad llena de arte a las orillas del Tormes se encuentra también otra pintura de José Ribera en este caso, ubicada, en la Iglesia de la Purísima a escasos metros de la Plaza Mayor y del antes mencionado Palacio de los Duques de Alba, en ella, en su magnífico retablo, podemos admirar la Virgen de la Inmaculada Concepción.

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La Inmaculada Concepción. 1635

LA INMACULADA CONCEPCIÓN DE RIBERA

Un cuadro de de gran tamaño, con un color poco común en la pintura de Ribera. Son colores más claros y vivos, que surgen en la pintura del Españoleto aproximadamente en 1630 época en que curiosamente Ribera tal vez conoce (coincide con una de las visitas del pintor sevillano a Nápoles) a Velázquez en Nápoles. Velázquez tenía 8 años menos que Riberay estaba visitando Italia en unos de sus viajes de formación y conocimiento a cargo de la corona.. La estilizada Virgen de cabeza pequeña, lleva sobre sus hombros una capa de color azul brillante. Normalmente los colores que identificaron primeramente al pintor valenciano son menos luminosos que los que utilizó en la inmaculada, digamos, que son del tipo Caravaggio; es el tenebrismo, que utiliza el claroscuro una técnica que José de Ribera usa en muchas de sus pinturas de santos y martirios.

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San Pablo Ermitaño. 1640

Ribera, junto con otros pintores importantes forma parte de la Escuela Napolitana y no solo forma parte de ella sino que lidera la misma. Su obra en tiempo posteriores, fue tachada de truculenta y morbosa; incluso Lord Byron llegó a comentar al respecto…

«Parece que para pintar Rivera empapara sus brochas en la roja sangre de los santos»

Esto sucedió porque hubo una época en que eran pocos los que conocíeron su extensa obra en profundidad, (la mayoría solo conocían sus cuadros de martirios).

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El Martirio de San Bartolomé. 1644

José de Ribera. El Spagnoletto. Un pintor Español en Nápoles.

Pintura. José de Ribera. Pintores. El Spagnoletto. El Españoleto. Ribera. Nápoles. Pintura.

 

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Giotto. Revolucionó el Arte en el Trecento. Tomás Bartolomé

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GIOTTO

Giotto di Bondone. Florencia, 1267. Florencia, 1337.

PINTOR, ESCULTOR, ARQUITECTO

Recibe clases de CIMABUE, gran pintor iniciador de la escuela florentina del trecento. Y lo supera.

Esto escribía al respecto Dante

¡Oh, vanagloria de la grandeza humana!

¡Cuán poco dura tu verdor sobre la cumbre,

Si no se sigue una época de decadencia!

Se creyó Cimabue reinar en el campo de la pintura

Y ahora es Giotto el que tiene la fama,

De modo que la fama de aquél se ha oscurecido.

CIMABUE, MAESTRO Y DESCUBRIDOR

Dante, describe en estos versos como GIOTTO, goza del favor del público, y como por el contrario,  CIMABUE, queda eclipsado por el éxito de su aventajado alumno.

Según nos cuenta en este pasaje, Giorgio Vasari…

Se encontraba Cimabue realizando uno de sus viajes, cuando ya cerca de la ciudad de Florencia pudo observar a un joven pastor que  mientras guardaba de sus ovejas pintaba sobre una piedra a una de ellas; aquel pastor que vio Cimabue cuya imagen guardaba su retina, se acabó convirtiendo en un gran pintor, para orgullo de él, su maestro, pues el muchacho, aquel pastor de 11 años e hijo de campesinos acabó finalmente superandolo.

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La enterada en Jerusalén. 1304/6. Giotto

GIOTTO, a la edad de 30 años era ya un artista muy famoso,  pues su obra era diferente a lo que entonces se conocía. Giotto daba a sus pinturas un tratamiento escultórico, las figuras poseían  un efecto tridimensional por lo que el pintor aportaba un claro avance; enseguida fue requerido para numerosos encargos, sobre todo retratos, y pintura religiosa. El papa Bonifacio VII estaba tan maravillado con su arte, que lo  mandó llamar para conocerlo en persona y tal vez realizarle algún encargo para la grandiosa e imperial Roma.

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La Muerte de San Francisco. 1325. Giotto

Tambien recibe Giotto reconocimientos públicos. Es nombrado Maestro Gobernador, de la Obra de Santa Reparata, encargándose de las mismas en la antigua Catedral de Florencia, de la que él diseña el campanario, luego este fue modificado, y finalmente falleció sin verlo terminado.

La mayoría de sus obras no están plenamente autentificadas por lo cual algunas de ellas,  le han sido simplemente atribuidas; hay que tener en cuenta que el artista contaba en su propio taller, con la colaboración de numerosos auxiliares, a los que supervisaba, así pues, no todas las pinturas nacían exclusivamente de sus manos.

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Joaquín expulsado del templo. Capilla de la Arena. 1305/6. Giotto

CAPILLA DE LA ARENA

Giotto realizó los frescos de la Capilla de Scrovegni en Padua, también conocida por La Capilla de la Arena. Era un templo dedicado a Santa María de la Caridad, su decoración mural es imponente y muy importante; las pinturas cubren enteramente la capilla de una sola nave; 36 frescos de Giotto, representando escenas de la vida de Cristo, y vivencias de la Virgen y sus padres, más, otros 14 con alegorías, vicios, y virtudes.

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La Desesperacion. Capilla de la Arena. 1305/6. Giotto

Antes de la decoración de la Capilla de la Arena, Giotto había ornamentado la Iglesia Superior de San Francisco de Asís con escenas de la vida de este Santo.

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La leyenda de San Francisco. «La verificación del estigma». 1297/9. Giotto

A GIOTTO, en vida le fue reconocido su gran mérito, y socialmente fue admitido en determinados círculos sociales, donde un artista antes, no habría podido soñar. Hizo una importante fortuna, y cuando finalmente falleció en la bella ciudad de Florencia, fue enterrado con honores en la catedral de Santa Reparata.

GIOTTO. REVOLUCIONÓ EL ARTE EN EL TRECENTO

Giotto. Pintura. Pintores. Trecento. Escultura. Arquitectura. Cimabue. Dante.

 

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Pintura. Alquimia con Gustav Jung. Gustav Jung Alchemy. Óleo sobre lienzo. Tomás Bartolomé

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Alquimia con Gustav Jung. Óleo sobre lienzo. Tomás Bartolomé.

Title. Gustav Jung Alchemy. Oil on canvas.

Medidas, Measures. 40×30 cms.

«Existencia de un sustrato común»

Alquimia picuda, diversidad, casa común, donde el elástico tiempo, no se traduce en nuestras claves. Humanismo donde el antes y el después son el mismo lapso temporal, una única fusión creativa, nueva, y antigua; vieja fragua silenciosa de Jung, oscura, y maravillosa. Común anarquía. Bocado, divino placer, donde el orden, es Zen, y todo… ¡Carencia de necedad!

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«El laberinto azul», (2001).

Llegas a cualquier sitio
a través de un poema:
el mundo viaja solo, y tú también
en su infinita red de vanidades
te dejas arrastrar
por símbolos, deseos,
buscando su sabor
con recuerdos gastados.
No te  Tampoco insistas.
Para qué preocuparse.
Quien más quiere avanzar más retrocede
en este laberinto donde olvidas
el único color de los matices,
su frágil soledad difuminada,
y arrojas sus palabras al vacío
y al caos.
Nunca el caos, camino equivocado.

Juan Carlos Abril. Los Villares, Jaén 1974.

Accésit (Mejor poema inedito en lengua castellana) Premio Adonáis de poesía, año 2000.

Pintura. Alquimia con Gustav Jung. Gustav Jung Alchemy. Óleo sobre lienzo. Tomás Bartolomé.

PinturaAlquimia con Gustav Jung. Tomás Bartolomé. Pintores. Óleo.

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Émile Zola. “La Obra”. Dramático almuerzo sobre la hierba

 

Émile Zola. (1868). Manet

Émile Zola. (París, 1840-1902). Hijo de un fugaz ingeniero veneciano, y de una francesa. Pronto, se quedaría huérfano, y así, se trasladará con la familia, a Aix-en-Provence, Fatigados desde entonces económicamente, pudo esto, influir negativamente, en el poco aprovechamiento de sus primeros estudios. Mal estudiante abandonó tempranamente las aulas. Con 19 años Zola, regresa a París, donde realiza sus pobres estudios de bachiller luego suspendidos; así, su mala situación económica y poco aprovechamiento de sus estudios reglados, favorecería, pronto, un primer empleo como dependiente de librería; tenia, 22 años de edad. Y Ėmile ya se pone ha escribir, y publica artículos en diferentes diarios. Desde entonces escribe novelas. En 1870, con 30 años de edad, se casa. En 1878, adquiere una casa en Medán, que con el tiempo se convertirá en un lugar de reunión, para él, y sus amigos, entre los cuales se encuentran, escritores, pintores, escultores… La frecuentan entre otros, Manet, Maupassant, Flaubert, o Cézanne. Desde 1897, Se implica en el caso Dreyfus, apoyando la causa de los judios franceses, con el famoso “Yo acuso”, artículo periodístico de gran repercusión mediática.

Escritor prolífico, es creador de más de 40 novelas, (ensayos, y obras de teatro). Entre la cuales citaré algunas como, Germinal, El Sueño, La Bestia Humana, El dinero. Pero, ahora nos detendremos en “La Obra” publicada en 1886.

Como hemos visto anteriormente, es amigo de pintores, que hoy, son estudiados, y ocupan un destacado lugar en la historia del arte universal, de ese habitual trato, tomará apuntes, para lo que posteriormente, será considerada como una novela autobiográfica. También se le atribuye a La Obra, su enemistad con Cézanne (precursor del impresionismo), al sentirse reconocido este, en Claude Lantier, un pintor atormentado, finalmente destruido y consumido, en pos de una quimera.

Le Déjeuner sur L’Herbe. Almuerzo sobre la hierba. Manet. Musée. d’Orsay. Parīs.

En “La Obra”, también cobra importancia Le Déjeuner sur L’Herbe. Almuerzo sobre la Hierba, la aclamada obra maestra, del genial Manet.

Así, con soltura, (como veremos). Zola, describe, algo, que ocurre con frecuencia, cuando se trata de seleccionar, cuadros para cualquier concurso de pintura; donde un seleccionado jurado, valora las obras, a concurso, tal vez ahora inválidas, como abandonadas, y generalmente, tratadas como simples objetos desalmados; juzgadas, desposeídas, de calma, y detención; expuestas sobre un caballete, o simplemente apoyadas en la pared. Intrigas, son mudas testigos de manejos, celos, intereses, recomendaciones; deudas y amistades. iHagan juego señores! Las obras ahora están en sus desnudas manos.

LA OBRA. NOVELA. 1886

Dio un terrible campanillazo.

-Vamos señores, ya casi está… un poco de buena voluntad, por favor.

Por desgracia, apenas pusieron los primeros cuadros en el tablado, hubo otro contratiempo. Una tela entre todas atrajo su atención, de tan mala como le parecía, de un cromatismo tan áspero que hacía rechinar los dientes; y, al bajar la vista, se inclinó para ver la firma murmurando:

-¿Quien ha sido el cerdo que…?

Pero se levantó al punto, impresionado al haber leído el nombre de uno de sus amigos, un artista que era el bastión de los sanos principios. Confiando en que no le hubiera oído, exclamó:

-iMagnífico!… El número uno, ¿no, señores?

Y le concedieron el número uno, la admisión que daba derecho a los honores del cimacio. Sólo que se reían, se daban con el codo. Él se sintió muy herido por ello y adoptó una actitud hosca.

Pero todos hacían lo propio, muchos se desahogaban al primer vistazo, para luego, una vez descifrada la firma, corregir lo dicho; lo cual los acababa volviendo prudentes, les hacía arquear los hombros y cerciorarse del nombre con mirada furtiva, antes de pronunciarse. Por otra parte, cuando pasaba la obra de un colega, alguna tela sospechosa de ser de un miembro del jurado, se tenia la precaución de hacerse una señal de advertencia a espaldas del pintor:<<iCuidado con meter la pata, que es suyo.!>>.

Émile Zola. “La Obra”. Los sufrimientos de un desayuno sobre la hierba

Literatura. Escritores. Émile Zola. Zola. La obra. Arte. Cézanne. Desayuno sobre la hierba. Manet

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Pintura. Luis Gordillo. Ejemplo y Psicoanálisis

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Luis Gordillo. Ilustracion. By TbArt

Luis Gordillo. Sevilla 1934.

Su familia (él), pertenecía a la burguesia sevillana acomodada, donde su  progenitor ejercía de medico. Gordillo estudio derecho sin mucha convicción, y posteriormente Bellas Artes. A finales de los años 50 viaja a París y enseguida se siente atraído por el Informalismo. Luis Gordillo a lo largo de su larga y anárquica carrera, transita por diferentes estilos pictóricos, primeramente fue el informalismo, en este estilo, se sintió muy cómodo. Luis Gordillo define al informalismo como…

«Una abstracción libre que emplea diferentes materias y pintura gruesa», como es el caso de Tapies, artista, que el pintor sevillano cita como uno de sus pintores emblemáticos.

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La Familia. 1972.

Después vendrá el Pop Art con sus repetitivas series y Gordillo lo atrapa enseguida;  las series son evolución, transmisión, algo que reacciona, que esta vivo. Luego daría nuevamente paso a la abstracción , en la que está considerado, uno de los máximos exponentes en España; cuando paradojas de la vida, Luis Gordillo, últimamente ha declarado, que él, más que un pintor abstracto, se ha considerado un pintor figurativo la mayor parte del tiempo. Últimamente se dedica sobre todo,  a las artes plásticas; el uso de la fotografía, los soportes digitales, la serigrafía sobre lienzo, el collage, y la pintura.

El Psicoanálisis le ha ayudado siempre en su carrera, y le sigue ayudando hoy, el artista siempre que puede, se encarga de recordárnoslo.

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No te olvides. (2012). Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

EL COLOR

Tiene pinturas de un solo color, y en otras trabaja con colores de tonos vivos aunque sofisticados. Le da importancia al color, el verde es muy empleado por él, en algunas épocas. Gordillo empezó pintando al óleo, luego a partir de los 70 se decantó definitivamente por la pintura acrílica.

Luis Gordillo. 1981. Premio Nacional de Artes Plásticas. 1996. Medalla de Oro de las Bellas Artes de Madrid. 2007. Premio Velázquez de Artes Plásticas. Son solo, algunas de sus distinciones.

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Cuatroojos que se ahoga. 2015. Foto. By TbArt. Archivos fondos propios.

En la actualidad Luis Gordillo sigue trabajando, (como el buen vino se hace excelente con los años, su innegable talento se ha conservado y mejorado, con el paso del tiempo), realizando pinturas a un gran nivel. Es el sevillano, un artista respetado mundialmente, con obra expuesta en los  museos más importantes, y con un reconocimiento público y privado, muy merecido.

Pintura. Luis Gordillo. Ejemplo y Psicoanálisis.

Pintura. Luis Gordillo. Gordillo. Pintores. Informalismo. Pop Art. Psicoanálisis.