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Fotografía. Alberto García-Alix. “Un horizonte falso”

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Retrato. García-Alix. By TbArt.

Alberto García-Alix. León 1956.

Alberto García-Alix comenzó su carrera profesional a principios de los años 80. En 1981, tiene lugar su primera exposición, en la Galería Buades. Con sus cámaras fotográficas Leica y Hasselblad, antes tuvo una Canon FTB, no ha dejado de fotografiar la noche, las motos, la música, los tatuajes y por supuesto… Retratos.

MOTOS

Su primeras fotografías datan del año 1974. Uno de sus hermanos participaba en una carrera de motocross y él fue a acompañarlo. Una de las últimas, 40 años después, continúa, su temática identificativa, olor a gasolina, tatuajes, y como no, chupa de cuero.

Piloto. 2014. García-Alix. Foto by TbArt. Archivos fondos propios.

Algunos de los premios que ha recibido García-Alix a lo largo de su trayectoria profesional son, el Premio Nacional de Fotografía, 1999, el Premio Fotografía Comunidad de Madrid, 2004, y el  Premio PHofo España, 2012.

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Autorretrato. 2013. Garcia-Alix.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA. UN HORIZONTE FALSO. ALBERTO GARCÍA-ALIX
LA PRINCIPAL. TABACALERA, 11.02.2016 – 10.04.2016. MADRID

Más de 80 fotografías, contuvieron esta exposición, prácticamente todas ellas, más, algunas incorporaciones, venían de ser expuestas, en la Maison Européene de la Photographie de París, (todas fotos nuevas). En la ciudad del Sena es donde el artista ha venido residiendo y creando últimamente. Se presenta en La Tabacalera, de Madrid, un García-Alix, más personal, más vivido, más intenso; más oscuro y clarividente. También recientemente, 31 de enero concluyó en el MUSAC, Museo de Arte Contemporáneo de León, su exposición «Las sombras del viento».

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Autorretrato infantil. García-Alix.

TRANSPANTOJO DE SENTIMIENTOS. AUSENCIA, MUERTE, DOLOR

No sabe utilizar una cámara digital, que «esconde más falsedad», realiza fotografías, analógicas en blanco y negro, una técnica que se extingue, un dinosaurio herido de muerte, que propicia, vacío, inquietud, angustia ¡Cansancio. Nostalgia! Mas, nos muestra, un García-Alix siempre poeta… “Un cauce donde mis ojos se estiran”, escribe Alberto, sobre una fotografía.

TABACO Y PAPEL DE LIAR

BÚSQUEDA Y TRANSPIRACION

Y Alberto regresa a Madrid, de nuevo, después de su estancia parisina, y vuelve a subir a su moto, y a ponerse su chupa de cuero negro y su pañuelo. Atrás, hace mucho tiempo de eso (años 80),  quedó una Movida, más que pasada; arrasada, vivida, tragada, asimilada, trasegada, e inmutables,  los paraísos artificiales, a los que Garcia-Alix, volvería…»si pudiera». Como siempre vuelve el poeta.

“Mi memoria se ha vuelto líquida. Se mueve en olas por esta arena. Enterrada en ella se ofrece a mis ojos como un gabinete de curiosidades”.

“Sigo dejándome llevar por la capacidad de ensoñación, por la revelación de un instante fugaz”.

A GARCIA-ALIX…

Le atraen los perros, los pájaros, los cuervos o las sombras, y considera la fotografía como «un camino de búsqueda».

«Cuando miramos por una cámara nos preguntamos, si nos gusta o no nos gusta, y la intensidad de esa búsqueda, es un trance positivo que me mantiene despierto, vivo, curioso, en un estado de deslumbramiento, en contacto con el exterior».

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ABSTRACCIÓN

Su obra gira ahora hacia lo abstracto plena de metáforas; resonancias, implicación y trance emocional; su ojo pegado a la cámara, es un ojo succionante que pegajosamente transgrede personalizando la realidad, y se enfanga mezclándose en la escena, en una deconstrucción plena de sinceridad, desenfoque, e intención.

La exposición se completó con un vídeo; en una narración en primera persona.

EXPOSICIÓN DE FOTOGRAFÍA. UN HORIZONTE FALSO. ALBERTO GARCÍA-ALIX

ARTE. EXPOSICIONES. ALBERTO GARCÍA-ALIX. TABACALERA. FOTOGRAFÍA. FOTÓGRAFOS.

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Arte. Jheronimus Boch. El Bosco. Centenario Museo del Prado. Autentificación

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El Bosco. Retrato. Jacques le Boucq? 1550?

Jheronimus Boch, «El Bosco». se cree que nació (1450), en Bolduque, Ducado de Bramante. Neerlandés, (Holandés. Falleció en Bolduque, el año de 1516.
Las fechas y todo lo que le rodea es escaso y confuso, sus obras estan llenas de incertidumbres, firmó escasas pinturas, y no tenía constumbre de fecharlas.
Su padre fue pintor como él, y alguno de sus hermanos, al igual que su abuelo. Así pues, pertenecían socialmente al gremio de los pintores, y se formó en el taller familiar, en las técnicas de la pintura al fresco, como antes sucediera en el Trecento, con Giotto, y Piero della Francesca, su contemporáneo, fallecido en 1492.

Al igual que lo que sucedería o el padre de Goya, el padre de El Bosco, era dorador; y  también realizaba, esculturas de carácter religioso en madera, y retablos, además de otros objetos religiosos. Finalmente cuando murió en 1478,  Jheronimus con algúnos de sus hermanos, heredó el taller.

BODA Y DOTE

1481. Se casó con Aleid van de Meervenne, hija del rico, Goyarts van de Meervenne, un comerciante muy importante que a raíz de la boda, le aportó riqueza en forma de terrenos; además socialmente El Bosco ascendío, hasta situarse como el perfecto burgués. Entonces, el artista estuvo en situación de elegir con mayor libertad, los temas de sus caóticas, a veces atormentadas, grotescas, y siempre fantásticas pinturas. ¡Llenas de símbolos! Abiertas a la interpretación.

Desde 1486, fué un miembro más, de la Ilustre Cofradía de Nuestra Señora, dedicada al culto de la Virgen, poseía, un gran prestigio e influencia social, su esposa la rica heredera, al igual que su acaudalada familia, eran cofrades, desde mucho tiempo antes. Ocupada, la cofradía, sobre todo en obras de caridad; doran, pintan, y policroman figuras de madera para los pasos de las procesiones, que se exhiben periódicamente. También la familia de El Bosco, su padre y hermanos, realizarán, por encargo de la cofradía, un retablo de madera.

EL BOSCO DESAPARECE

1500/4. De estos años no existe documentación, ni siquiera en la cofradía; sí figura, sin embargo una anotación, (la fecha de su muerte). El que fueran halladas varias de sus pinturas en Venecia, hace deducir, que se le sitúe en Italia, y particularmente en Venecia, la bella ciudad de los canales. A su regreso El Bosco se centró, en el trabajo, para la catedral de su ciudad natal.

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Tabla central del tríptico, Las Tentaciones de San Antonio. Museo Arte Antiga de Lisboa.

HÁGASE LA MAGIA

Sus temas preferidos son la condenación, el infierno, la salvación, y todo acompañado de seres grotescos, multitudinarias algarabias, abarrotamiento genial, y a veces, cómic divertido de hace 500 años; y sí, El Bosco, tiene mucho de medieval… y de moderno. Para André Breton, (el papa del surrealismo), El Bosco era un visionario. El mismo movimiento surrealista lo adoraba.

Imaginación a raudales, colorido y técnica depurada; brujería, alquimia ¡El fin del mundo ya está aquí! La apocalipsis será pronto servida en grandes y abrasadoras raciones. Seres, tanto normales como monstruosos conviven juntos. La complejidad de símbolos utilizados, dificulta a menudo la comprensión de sus obras. Su universo de desbocada imaginación, se puebla de figuras fantasmagóricas, que parecen surgidas de una pesadilla infernal, son seres grotescos, deformados, por un cruel frenesí de inevitables gesticulaciones.

El Bosco es un minucioso observador de la realidad, con gran talento como dibujante, y un absoluto irrealismo pleno de un superlativo espíritu, sarcástico-ridículizador.

En España, el rey Felipe II, compró algunas obras de este genial pintor, esto explica que actualmente se encuentren varias pinturas de este gran maestro en España.

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Mesa de los pecados capitales. El Bosco. 1485. Museo del Prado. Una de las obras adquiridas por el Rey Felipe II.

LAS OBRAS DEL BOSCO. DIFÍCILES DE AUTENTIFICAR

2016, se celebró el 500 aniversario de su muerte. Con este motivo, El Museo del Prado inauguró, una magna exposición «EL BOSCO. EXPOSICIÓN DEL V CENTENARIO», mientras tanto, un concienzudo y solvente estudio (un comité científico holandes, con asesores de importantes museos de todo el mundo en autentificacion, Museo del Prado, incluido, concluyó…

Autentificacion. Bosch Research and Conservation Project. Obras de El Museo del Prado

La Mesa de los Pecados Capitales, La Extracción de la Piedra de la Locura, y Las Tentaciones de San Pedro Abad. No son de El Bosco.

El Museo del Prado, tiene 6 obras de «El Bosco», más que ningún museo en el mundo. 3 de ellas, no admiten ninguna duda sobre su autenticidad, son la siguientes : Adoración de los Magos – El Carro de Heno – El Jardín de la Delicias – Si son de El Bosco.

Otros Museos…

Museo Lázaro Galdeano. Madrid. San Juan Bautista en Meditación. 1489? Si es de El Bosco.

San Juan Bautista en Meditación. El Bosco1489.

San Juan Bautista en Meditación.

Museo de El Escorial. Coronación de Espinas. No es de El Bosco.

El informe continua fuera de España…

Museo de Bellas Artes de Gante El Cristo con la Cruz a Cuestas. No es de El Bosco.

Museo de Arte de Kansas City La Tentación de San Antonio. Si es de El Bosco.

Museo Groeninge de Brujas. El Juicio Final. Si es de El Bosco.

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La Tentacion de San Antonio. Uno de los cuadros dados por buenos por el comité y que hasta el momento del informe, se encontraba arrinconado en un sótano del Museo de Arte Nelson-Atkinss, de Kansas City.

EL BOSCO. LA EXPOSICIÓN DEL CENTENARIO

Se celebró en Madrid en el Museo del Prado, en las fechas…

Del 31 de mayo, al 11 de septiembre de 2016.

Se expusieron, en 5 secciones temáticas, y una sexta de dibujos; 65 pinturas en total. Pinturas de El Bosco, realizadas en su taller, y también de pintores de su época.

No falto a la cita, el espléndido «Tríptico de las tentaciones de San Antonio», Museo Arte Antiga de Lisboa. En cuanto a los dibujos, de los 11 aceptados como auténticos, solo se expusieron 6.

Para esta gran exposición, la mayor realizada hasta ahora, participaron importantes museos de Europa y USA.

El Museo del Prado emitió un comunicado, en el que disiente parcialmente, de la apreciación de la autentificacion realizada por los expertos holandeses. Habiendo declarado que, «La comisión no aporta ningún dato técnico o material, y fundamenta sus juicios en apreciaciones estilísticas muy subjetivas».

Arte. Jheronimus Boch. El Bosco. Exposición del Centenario Museo del Prado. Autentificacion de sus obras.

Arte. El Bosco. Pintores. Exposiciones. Museo del Prado. Jheronimus Boch. Autentificacion El Bosco.

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Arte. Edgar Degas. Ciudad de la luz, bailarinas y desnudos

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Hilaire-Germain-Edgar Degas. París, 19 de julio de 1834. París, 27 de septiembre de 1917, (a los 83 años de edad).

Pintor, Escultor, y Dibujante, conocido sobre todo por su extensa obra, sobre el Ballet Clásico, es considerado como uno de los fundadores del Impresionismo.

Edgar Degas vástago de una familia acomodada, por parte de padre (banqueros), por parte de madre, (industriales algodoneros). Huérfano desde muy temprano, su madre murió, cuando contaba solo, 13 años de edad.

Degas estudió derecho por deseo del padre, pero ya había destacado con el dibujo, y enseguida abandonó las leyes, estableciendose como pintor.

Su padre Auguste de Gas, que a la postre tendría, gran influencia en su vida, viendo su gran talento, y siendo él mismo, un ferviente enamorado del arte decidió ayudarlo; comieza entonces, su formación pictórica, en la Escuela de Bellas Artes, realizando, estudios de dibujo, pintura y modelado; poco tiempo después, viajara a Italia donde copia, durante tres años, a los grandes maestros de renacimiento.

Al término de la Guerra Franco-Prusiana (1870/71), en la que no participa, al detectarle tempranamente problemas de visión, viaja a Nueva Orleans (1873), donde, se establece en casa de una hermana (La madre del pintor había nacido allí), vive en la ciudad cinco meses, y activo, realiza al menos una veintena de obras.

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Oficina de contratación de algodón. (A cotton office). 1873

Con este bagaje artístico regresa a París donde, su padre pensando en futuras económias, le recomienda que se dedique al retrato pues, piensa con lógica comercial, (Arte para vivir), que así recibirá más encargos. Vive una vida dedicada al Arte y obtiene un gran éxito, con sus dulces pinturas sobre la danza; las clases, y el ambiente que se respira en los ensayos. Y en los más íntimos camerinos, (el pintor es admitido en ellos casi como uno más de la compañía), en este aspecto el pintor parisino, guarda cierta similitud con su colega Toulouse Lautrec, aunque este, 30 años más joven…

Las bailarinas de ballet son pintadas y dibujadas una y mil veces en su ambiente de trabajo y ensayo.

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A la muerte de su padre ocurrida en 1874, y no siendo ya tan boyante su situación economica, Edgar Degas, se ve obligado a vender su atesorada colección de  pinturas, (por primera vez en su vida), pues el ávido estado francés, demanda al pintor parisino, por las grandes deudas que deja su extinto banquero progenitor. Degas tristemente embargado, se ve obligado a vender la casa, y la colección de arte recibida en herencia.

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En la foto, Lorenzo Pagans y Auguste de Gas. (1871-72). En primer término de la pintura vemos al guitarrista  español (Lorenzo Pagans), y al fondo al padre del pintor, Auguste de Gas; fue una pintura muy querida por Edgar Degas conservandola, con celosa nostalgia filial, hasta el día de su fallecimiento.

Bailarinas de Ballet

Tal vez fuera su marchante, el que le aconsejó pintar esta temática; el caso es que, contradiciendo el prudente consejo de su progenitor, sobre pintar retratos, el triunfo de Edgar Degas fue rotundo y por ende, obtuvo grandes ingresos económicos. Mas, como vimos anteriormente, Edgar Degas arrastró toda su vida problemas de visión, por lo que al final, fue decantandose, por la técnica del pastel y la escultura. También, poco a poco, el artista galo, se hizo más reservado, y arisco, no quiso exponer su obra, y se apartó de la sociedad; pensaba con extrema radicalidad que… «Un artista no debe tener vida personal».

Degas coleccionista. A lo largo de su vida, se hizo con una importante coleccion de arte aquiriendo obra, o cambiándola por la suya, así fue como consiguió una magnifica selección de cuadros, de Van Gogh, Gauguin, Delacroix, Ingres, Cézanne, El Greco, Manet… ¡Una verdadera fortuna en obras de arte!

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Además, de por el mundo de las Bailarinas, el pintor también prestó atención, especialmente al mundo del Caballo, y las Carreras Hipicas (Turf), así como por el desnudo femenino; la mujer en su momento íntimo de la toilette (baño). Edgar Degas pintaba, sobre todo en interiores y obviamente con luz artificial.

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Degas nunca se casó (algunos quieren ver en ello, la alargada sombra de la misoginia) y falleció, casi ciego en París, el 29 de Septiembre de 1917, a los 82 años de edad.

Arte. Edgar Degas. «Ciudad de la luz que guardaba bailarinas y desnudos».

Edgar Degas. Pintura. Pintores. Degas. Impresionismo. París. Arte 

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Arte. Pedro Berruguete. Dinastía de Artistas Castellanos

La Virgen de la leche. Ayuntamiento de Madrid

Pedro Berruguete. Paredes  de Nava, 1450, Palencia 1503

Paredes de Nava a mediados del siglo XV, podía albergar unas 5.000 almas, pues, se encontraba, entre los quince municipios más pobladas de Castilla. Situada en la comarca palentina de Tierra de Campos, y a solo, 21 Km de Palencia, era, una ciudad amurallada y temática, donde sobriamente, pero a menudo, se erigían ermitas, hospitales, capillas, monasterios…, y siete iglesias, así pues, era un buen sitio de partida, un buen comienzo, para un pintor de arte sacro.

UNA SAGA, UNA DINASTÍA DE PINTORES Y ESCULTORES

Perteneciente a una notable saga de artistas: Su abuelo fue, «Berruguete el Viejo«, escultor. Su hijo, Alonso de Berruguete, también notable, escultor y pintor; y su nieto Inocencio Berruguete también escultor.

Comenzaremos la narración, situándonos, en el mundo de la hipótesis y de la falta de documentación, ya que hay demasiados datos que son inciertos, y otros, basados meramente, en conjeturas históricas, o especulaciones de análisis de indicios. Por lo tanto, su fecha de nacimiento, así, como la posibilidad de que falleciera en Madrid, son datos dudosos. En cuanto a su formación, se barajan las siguientes, realizó sus estudios, en Salamanca, o por el contrario, se formó en los Países Bajos. Después de realizados sus primeros estudios, es probable que residiera en Italia, aproximadamente 10 años, primero; en Roma, y Nápoles, pero sobre todo en Urbino, donde realiza una serie de retratos para el Duque de Urbino, su benefactor.

Berruguete introduce el renacimiento italiano en la pintura castellana

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Federico de Moltefeltro y su hijo Guidobaldo. Pedro Berruguete, h, 1474/1477. Galería de las Marcas de Urbino.

Pedro Berruguete, regresa a su pueblo, Paredes de Nava, donde contrae matrimonio con Elvira Gonzalez, dama, perteneciente, a una familia adinerada, también nuestro protagonista proviene, de una familia de hidalgos, y goza de una posición económica privilegiada. Allí. Su obra se vuelve más sobria, deja de lado los detalles, y se centra sobre todo en el encuadre, y la armonía cromática.

Sus pinturas, aportan un algo diferente, las figuras de sus retratos, nos hablan. A veces, le interesa más la verdad, que la belleza…, «Antes la verdad que la paz», escribiría un atormentado, y siempre en lucha con él mismo, el escritor, Miguel de Unamuno, 5 siglos después.

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Disputa entre Santo Domingo y los Albigenses. Pedro Berruguete.  Museo del Prado

En Paredes de Nava, el pintor, ya instalado en su taller, recibe multitud de encargos, sobre todo, de instituciones eclesiásticas, y es también más que probable, que los recibiera incluso de la misma reina Isabel La Católica.

Sobre todo Palencia y, casi todas la provincias de Castilla y León, así como Toledo y Madrid, son contenedoras de muchas de las obras del excepcional pintor palentino. Su pintura cabalga entre el gótico y el renacimiento Italiano. Algunas de sus pinturas en España son:

Pinturas para la catedral de Toledo, Pinturas para el Convento de Santo Tomás de  Ávila, Pinturas para la Catedral de Burgos.

Cuando falleció Pedro Berruguete, se encontraba trabajando en unas tablas para el retablo de la  Catedral de Ávila, y tristemente falleció, antes de concluir su trabajo.

Arte. Pedro Berruguete, forma parte de una magnífica dinastía de Artistas Castellanos.

Arte. Pedro Berruguete. Berruguete. Arte. Pintura. Pintores. Escultura. Dinastía. Saga. Palencia. Gótico. Renacimiento. Castilla y León. Pintura Castellana.

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Arte. La Sagrada Familia. Feliz Navidad

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La Sagrada Familia. Siglo XVI. Anónimo. Palacio Episcopal. Ciudad Rodrigo. (Salamanca).

FELIZ NAVIDAD

Paz en el mundo a todos los hombres de buena voluntad.

Feliz Navidad, especialmente, a todos los que habéis compartido conmigo días que ahora, lentamente, como arena fina, se escapan fugaces. Muchas gracias a tod@s. Sin vosotros esto, no tendría sentido.

Hoy, día de Navidad, es un día mágico, en Belén, nació un niño…, la inocencia. Y la esperanza. Y nace, en todos los rincones un hombre como nosotros, (con un grito que nos es común), sufrirá, perderá, mas será, generoso, humilde, valiente. Siempre, (y siempre por nosotros), en los más difíciles momentos.

La mayoría comeremos hoy en familia, otros, y algunos (me acuerdo, especialmente), solos. Seguir una estrella, hacer, que nuestros deseos se hagan reales, como una clara y luminosa mañana, cuando asoma dulce y cálida, con su magia de rayos de sol, dorados.

MI NAVIDAD IDEAL

Mi Navidad, estar rodeado de arte, amigos, y familiares, en un ambiente de celebración, alegría y fiesta, además de una comida sabrosa, y algunos benéficos añadidos para animar el espíritu, se cantara y se bailara, alegres y con ganas, como tantas veces, lo hicieron, Camarón, Paco de Lucia, Parrita, Tomatito, Raimundo Amador…

En este día tan especial, que el amor ❤️ sea una declaración de intereses, por favor ser felices, juntos podemos. De nuevo… Gracias

Arte. La Sagrada Familia. Feliz Navidad. Tomás Bartolomé.

Arte. Nochebuena 2020. La Sagrada Familia. Ciudad Rodrigo. Salamanca

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Arte. Hybrid Art Fair 2022 Sexta Edición. Clausura

 

Hola de nuevo, apasionados por el Arte… El viernes por la tarde visitamos, una de las ferias de Arte, más querida para mí, y este confirmado año, me ratifico…

“La 6ª Hybrid Art Fair, la más paritaria de las feriasde la Semana del Arte y el evento más singular,cierra con amplia presencia de público profesional, numerosas ventas, y gran acogida de sus propuestas experimentales y espacios expositivos”.

Os Catro Gatos. Hybrid Art. Foto by TbArt archivos fondos propios

“Se consolida así como la cita con la creación actual más alternativa. Además, y según el informe del MAV (Mujeres en las artes visuales),  es la feria que muestra más igualdad de género”.

Artist Run Space Etaj. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Propuestas muy interesantes y arriesgadas, que generan de inmediato interés y una bocanada de aire fresco en el complejo mundo del arte y las ferias, algo a valorar en su medida, pues son estos sentidos muchas veces asentados un ingrediente elemental e imprescindible en este apasionante mundo del Arte.

Artsolutely. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

“Una feria dirigida por Ana Sanfrutos y Aida F. Chaves, gestoras culturales de Boreal Projects, quienes han declarado “estamos muy satisfechas con el desarrollo de esta 6ª edición, en la que destacamos la presencia de público profesional además de personas aficionadas a la creación más arriesgada”.

Theoff. Space. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Arte cercano, con muchas posibilidades de interactuar con la obra expuesta, pero también y esto es lo más interesante, personalmente con el artista. Un valor añadido importante, que tal vez, solo ofrece anualmente, esta cada vez más imprescindible Feria de Arte.

Os Catro Gatos. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

”Desde los expositores nos transmiten sus buenas sensaciones que se han traducido, además, en numerosas ventas. Asimismo estamos felices de que nuestro compromiso con la igualdad se materialice en la paridad que siempre caracteriza a Hybrid y que este año de nuevo nos diferencia de otras propuestas de la madrileña Semana del Arte”.

 

Galería Artizar. Hybrid Art 2022. Foto by TbArt archivos fondos propios

Las fotos son solo una pequeña muestra de algunas de las propuestas artísticas que nos ofreció este año, la feria. Mucho de lo expuesto, fue, más que interesante, y reseñable, lo que hizo de la visita a Hybrid Art, un acontecimiento muy positivo, y de valor.

Instalación. Hybrid Art. Foto by TbArt archivos fondos propios 

Una edición de Hybrid bien presentada, con propuestas de interés, variedad, de visiones, y una línea bien argumentada y equilibrada, una sexta edición concluida, pero que continúa ya su camino con paso firme y decidido a la próxima estación 2023.

Arte. Hybrid Art Fair 2022 Sexta Edición. Clausura

Arte. Hybrid Art Fair. Exposiciones. Madrid

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Arte. José de Ribera, El Spagnoletto. Un pintor español en Nápoles

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El pie varo (El lisiado o el Zambo). 1642

José de Ribera, El Spagnoletto, así llamado por ser un español en Nápoles, además de por su menguada talla. José de Ribera, nació en Jativa, Valencia, en 1591, donde su padre era zapatero, pero vivió casi siempre en Nápoles, donde finalmente falleció, en 1652, y donde se encuentra enterrado.

Era apenas un adolescente cuando puso rumbo a Italia, tan clara tenía ya entonces su vocación; primeramente visitó las ciudades de, Cremona, Milán, Parma, y Roma, donde se detuvo a estudiar a los clásicos en profundidad.

En Nápoles. entonces un virreinato español, Ribera pensó que tendría más posibilidades como pintor, allí tuvo un gran éxito, sus grabados circularon mucho por Europa, Rembrant poseía alguno de ellos. Se dice, que cuando Ribera fue preguntado por un amigo, si no le gustaría regresar a España, contestó…

«En cuanto en lo de volver a España no se, me han dicho que allí se pierde el respeto a los artistas cuando están presentes, pues dolorosamente, España es madre amantísima para los forasteros y madrastra cruel para sus hijos».

Pronto recibió Ribera muchos encargos sobre todo de la iglesia, de coleccionistas particulares, y de los funcionarios españoles del imperio, destacados en Nápoles. Pintor versátil trató en sus pinturas, además de temas religiosos, temas mitológicos, aunque de estos últimos tuvo menos encargos.

También pintaría algunos Paisajes aunque escasos.

DOS RAREZAS…

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Paisaje con fortín y, Paisaje con pastor. Ambos de 1639

Dos de estas rarezas, son Paisaje con fortín y Paisaje con pastor, dos cuadros de gran tamaño, que se encuentran expuestos, en el Palacio de Monterrey de Salamanca, y que así mismo, son propiedad de los Duques de Alba. En esta bella ciudad llena de arte, a orillas del Rio Tormes, se encuentra otra pintura de José Ribera, en este caso, ubicada, en la Iglesia de la Purísima, a escasos metros de la Plaza Mayor, y enfrente del antes mencionado palacio; en ella, en su magnífico retablo, podemos admirar la Virgen de la Inmaculada Concepción. Paisajes extraordinarios, y pintura religiosa, arte para vivir, y arte para subsistir.

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La Inmaculada Concepción. 1635

LA INMACULADA CONCEPCIÓN DE RIBERA

Un cuadro es de gran tamaño, con un color poco común en la pintura de Ribera.

Son unos colores más claros y vivos, los que surgen en la pintura del Españoleto aproximadamente en 1630, época en que curiosamente Ribera tal vez, conoce, (coincide con una de las visitas del pintor sevillano a Nápoles) a Velázquez, en Nápoles. Velázquez tenía entonces 8 años menos que Ribera, y estaba visitando Italia, en unos de sus viajes de formación, y contactos, a cargo de la corona. La estilizada Virgen de cabeza pequeña, lleva sobre sus hombros, una capa de color azul brillante. Normalmente los colores que identificaron primeramente al pintor valenciano, son menos luminosos, que los que utilizó en esta inmaculada, digamos, que son más del tipo Caravaggio; es el tenebrismo, que utiliza el claroscuro, una técnica que José de Ribera usa en muchas de sus pinturas de santos y martirios.

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San Pablo Ermitaño. 1640

Ribera, junto con otros pintores importantes, forma parte de la Escuela Napolitana, y no solo forma parte de ella, sino que lidera la misma.

Su obra en tiempos posteriores, fue tachada en general, de truculenta y morbosa; tanto fue así, que incluso Lord Byron llegó a comentar al respecto…

«Parece que para pintar, Rivera empapara sus brochas en la roja sangre de los santos»

Esto sucedió, porque hubo una época, en que eran pocos los que conocíeron su extensa obra en profundidad, pues la mayoría, solo conocían, sus cuadros de martirios. Ribera, era mucho más.

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El Martirio de San Bartolomé. 1644

José de Ribera. El Spagnoletto. Un pintor Español en Nápoles.

Arte. José de Ribera. Pintores. El Spagnoletto. El Españoleto. Ribera. Nápoles. Pintura

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Arte. Paisaje. Tomás Bartolomé. “Al olmo viejo, hendido por el rayo”

Paisaje. (2020). Tomás Bartolomé

La naturaleza, fuente inspiradora y motor de artistas, sobrecoge, con sublime belleza, ámbitos, predios, con dueño. La que es enteramente libre, no tiene límites. Paisaje. Mentes soñadoras, gesto que a menudo, impregna, y sana. Su intensidad inquieta, en un apercibimiento pleno, y ahí, se nutre, inevitable. Absorbe su totalidad.

Belleza pura, anárquica alquimia sublimada. Libertad, que por inagotable gracia, no somete nunca su totalidad. Pedagogía disponible, que los ciegos voluntarios, ávidamente ignoran.

POESÍA

Antonio Machado. 26 de julio de 1875, Sevilla. 22 de febrero de 1939, Colliure, Francia

A UN OLMO SECO

Al olmo viejo, hendido por el rayo

y en su mitad podrido,

con las lluvias de abril y el sol de mayo

algunas hojas verdes le han salido.

El olmo centenario en la colina

que lame el Duero! Un musgo amarillento

le mancha la corteza blanquecina

al tronco carcomido y polvoriento.

No será, cual los álamos cantores

que guardan el camino y la ribera,

habitado de pardos ruiseñores.

Ejército de hormigas en hilera

va trepando por él, y en sus entrañas

urden sus telas grises las arañas.

Antes que te derribe, olmo del Duero,

con su hacha el leñador, y el carpintero

te convierta en melena de campana,

lanza de carro o yugo de carreta;

antes que rojo en el hogar, mañana,

ardas en alguna mísera caseta,

al borde de un camino;

antes que te descuaje un torbellino

y tronche el soplo de las sierras blancas;

antes que el río hasta la mar te empuje

por valles y barrancas, 

olmo, quiero anotar en mi cartera

la gracia de tu rama verdecida.

Mi corazón espera

también, hacia la luz y hacia la vida,

otro milagro de la primavera.

Antonio Machado

Arte. Paisaje. Tomás Bartolomé. “Al olmo viejo, hendido por el rayo”

Paisaje. Tomás Bartolomé. Arte. Artista. Art. Óleo.  Antonio Machado. Machado

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Arte. Exposición, Frida Kahlo La Experiencia

FRIDA KAHLO LA EXPERIENCIA

Frida Kahlo Corporation presenta: “FRIDA KAHLO. La Experiencia

“Ojos que no ven corazón que no siente”

Madrid  17 de diciembre de 2021, 29 de mayo de 2022

Palacio de Neptuno. Calle de Cervantes, 42 – Madrid

Una producción Next Exhibition, en colaboración con la Frida Kahlo Corporation, comisariada por Alejandra Lopez.

“La exposición imprescindible del año, revela una mirada íntima y privada sobre la artista más conocida y querida de México. Un evento expositivo que cambiará tu percepción sobre este icono universal”.

«No como quien siempre gana, sino como quien nunca se rinde jamás»

Retrato de Frida Kahlo

Algunos datos sobre Frida…

En 1939 realiza su primera exposición en Nueva York, y expone en Parisen el Museo del Louvre, siendo la primera pintora mexicana en  lograr este importante hito

FRIDA CAHLO, que ha recibido clases de pintura, y que demuestra pronto talento artístico, después de sufrir multitud de operaciones -una treintena- pasa mucho tiempo postrada en la cama, y pide curiosa a su padre las pinturas, que en algunas ocasiones ve por casa; su madre le hace adaptar un caballete, y ella, se pone a pintar.

Su padre fue era un fotógrafo alemán llamado Guillermo Kahlo, y su madre, Matilde Calderón, mexicana de ascendencia española, una madre a menudo enferma, que no pudo cuidar mucho de Frida,  (finalmente fue amamantada, por una nodriza india). Con sólo 6 años una poliomielitis, la deja coja.

A su padre, casado en segundas nupcias, lo adoraba, a su madre, la amaba pero, también la odiaba. A los 17 años, él, fue quien la enseñó a revelar y pintar fotografías.

“FRIDA KAHLO. LA EXPERIENCIA es un viaje a través de la vida de una de las artistas más queridas del mundo. La exposición presenta la vida de Frida Kahlo, caracterizada por una difícil condición física y, al mismo tiempo, por una gran capacidad de reacción y resistencia ante la adversidad. Frida fue capaz de transformar su inmovilidad en oportunidad y su sufrimiento en una energía que la hizo inmortal, un verdadero icono del mundo contemporáneo”.

Organizada por Next Exhibition, está comisariada por Alejandra López y presenta una emocionante experiencia inmersiva, realizada con la técnica del videomapping, acompañada de una selección única, conmovedora y reveladora de fotografías que hacen referencia a momentos conocidos y desconocidos de la vida de Frida Kahlo.

El itinerario incluye reconstrucciones de los ambientes preferidos de la artista, como la Casa Azul.

Un viaje emocional para conocer a una mujer única, vivirla y comprender su esencia: su fuerza, su valor, su talento y su inmenso amor.

Fotografía familiar, (1926) Frida con su madre , su hermana, y otros familiares, vestida como un chico. Foto by Guillermo Kahlo, padre de Frida

Alejandra López, que durante diez años ha coordinado el registro de las colecciones, la realización de exposiciones temporales, y las actividades de restauración del legado de Frida, en la Casa Azul, Museo Frida Kahlo de la Ciudad de México, afirma: «La exposición es una selección visual de momentos importantes de la vida de Frida Kahlo. Es muy inspirador apreciar las diferentes etapas de su vida, revelando información sobre sus cuidados personales, la intimidad de los encuentros amistosos, captados magistralmente por famosos fotógrafos, así como momentos icónicos de la historia de México y del mundo.»

Es un canto a la alegría, a la vida y a la resistencia frente a las dificultades. La artista fue capaz de transformar su inmovilidad en oportunidad y su sufrimiento en una energía que la hizo inmortal. Frida es un verdadero icono del mundo contemporáneo.

FECHAS Y HORARIOS

La exposición abre al público:

Viernes, Sábado y Domingo www.fridakahlomadrid.es de 10:00 a 20:00h.

Acceso hasta 1 hora antes del cierre (19:00h.)

FB @nextexhibitiones

IG @next.exhibition_es

Entrada gratuita para menores de 6 años

CÓMO COMPRAR LAS ENTRADAS 

Las entradas pueden adquirirse a través de la web oficial de la exposición:

www.fridakahlomadrid.es

General: 19,73 €

Reducida (mayores de 65, de 6 a12 años, tarjeta de estudiante): 17,26 €

Grupo (mínimo 15 personas): 14,80 €

Escuelas: 13,45 €

VIP (Experiencia mexicana en la Sala VIP «Frida», donde podrás disfrutar de la experiencia inmersiva desde un punto de vista privilegiado. Bebida gratis): 35€

www.nextexhibition.es

El Arte, siempre es un buen plan. No se la pierdan, merece ser visitada.

Arte. Exposición, Frida Kahlo La Experiencia

Arte. Exposiciones. Exposición. Frida Kahlo La Experiencia. Madrid

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Arte. Paul Klee. Construcción, color, intuición, mensaje

 

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Ensimismado autorretrato. 1912/13.

Paul Klee. Munchenbuchsee, Suiza, 18 de diciembre de 1879. Muralto, Suiza, 29 de Junio 1940.
De padre alemán, y madre suiza, pertenecen a una familia de músicos. A Klee un animal trabajador le interesaban, la pintura, la música, (fue un notable violinista), la literatura, escribió además de diarios, libros de arte.

Suya es esta reflexión, «Una línea es un punto que se pone a caminar», y también esta otra cuando el color, después de su emblemático viaje a Túnez, (lo domina, lo posee), … «Yo y el color somos uno». Fue profesor y también aportó su granito de arena a la pedagogía. Estudia arte en Múnich. Su capacidad de trabajo estaba, tan exacerbada que a lo largo de sus 61 años, llegará a pintar casi 10.000 obras.

1911. Expresionismo, pronto este gran creador que solo piensa en pintar, muestra una gran afinidad con un grupo de pintores denominado, Caballero Azul, (Blaue Reiter).

1912. Cubismo. En París contempla admirado las obras de Picasso y Braque.

Una década antes, en 1901, Paul Klee había viajado a Roma donde residio varios años y estudió a los clásicos.

1914. Realiza su iniciatíco y exótico viaje a Túnez, donde el brillo de una nueva luz que por primera vez aprecian sus asombrados ojos, le hace reflexionar y, desde ese momento interesarse exhaustivamente, por la precisión y el estudio del color… Diagramas, tablas de color, el orden, los números…, y el movimiento.

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La casa giratoria. 1921.

CLASICISMO-ABSTRACCION-SURREALISMO-EXPRESIONISMO-NAIF-POP ART

A lo largo de su vida Paul Klee, participa de diferentes estilos, siempre activamente inquieto, bebe de diferentes fuentes, pero su creatividad es desbordante, y su pintura muy personal.

AÑOS DE EXILIO Y GUERRA

1911. Como ya dijimos anteriormente, en Múnich, se acerca, (mantiene una estrecha relación con este grupo de pintores), al Caballero Azul; se asocia y expone con ellos, traba amistad con Wassily kandinski y Fran Marc, sus fundadores; este último tristemente moriría en la batalla de Verdún. En esa gigantesca trituradora de carne humana (y animal) que fue la I Guerra Mundial, este triste suceso marcaría a Paul Klee interiormente, y lo arrastraría  por la senda de una pintura más intimista.

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Primera Guerra Mundial. Guerra de las trincheras.

Klee al igual que el Fran Marc participó en la I Guerra Mundial, pues tenía la nacionalidad alemana que le había sido otorgada, al ser su padre ciudadano alemán, y nunca renunciaría a ella. Finalizada la gran matanza en 1918, se dedica al fin por entero a la pintura y la enseñanza. Suiza su país de nacimiento le negó la ciudadanía en su exilio político durante la persecución nazi, acontecida anteriormente al inicio de la II Guerra Mundial.

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Sonido antiguo, Abstracto en negro. 1925.

1921/30 Paul Klee fue profesor de la Bauhaus (escuela de arte, diseño, arquitectura, artesanía), donde impartió clases de Teoría del color, también fue docente en la Academia de Düsseldorf. 1931/33.

1923. Es considerado uno de los miembros de los denominados como, Los cuatro azules (Die Blaue Vier), el grupo estaba formado por Kandinski, Feininger, Jawlensky, y Klee. 1924. Exponen en USA.

1928. Klee viaja a Egipto. Donde definitivamente la luz y el color, toman una nueva y potente dimensión en su obra.

1929. Visita España. Según sus palabras, «País en el que se crían los Goyas». Se interesa por los escritores, los músicos, y los pintores españoles; entre los que ya conoce desde hace tiempo, se encuentra el genial Pablo Picasso.

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Polifonía. 1932.

1933. Paul Klee expone en el Moma donde obtiene un rotundo éxito. Este año tan dulce, también tiene sus ásperas y afiladas espinas, pues tiene que abandonar la enseñanza que felizmenten ejerce en Alemania, debido  la persecución a la que es sometido por el nazismo. Finalmente se produce el exilio en Suiza. Sus pinturas, desde entonces fueron consideradas, y definidas, como arte degenerado por la barbarie nazi, y fueron prohibidas.

1935. Expone en la Kunsthalle. 1936. Le es diagnosticada esclerodermia, una grave enfermedad degenerativa.
1940. Se presenta una gran retrospectiva del artista en el Kuntshaus de Zurich. Este mismo año, es urgenteme ingresado al agravarse su estado de  salud, en una clínica de Murano, Suiza; poco después fallecería el 29 de junio a los 61 años de edad.

2016. Sátira, parodia o ironía. Se presenta En París en el Centro Pompidou, una nueva exposición de Paul Klee compuesta por 230 obras del pintor Suizo/Alemán. Su título, La ironía de la obra. Fechas del 16 de abril al 1 de Agosto.

Pintura. Paul Klee. Construcción, color, intuición, y mensaje.

Arte. Paul Klee. Klee. Pintura

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