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Goya. Enamorado, Acusado y Rico. “Él estuvo enamorado”. Para ella tal vez solo fuera una provocadora y morbosa coquetería”.

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Duquesa se Alba vestida de negro. 1797.

GOYA ENAMORADO

María Pilar Teresa Cayetana  de Silva Álvarez de Toledo y Silva Bazán. La Duquesa de Alba, es la mujer más retratada por el pintor, “él estuvo enamorado”, para ella tal vez solo fuera una provocadora y morbosa coquetería.

MARÍA TERESA murió, tenía solo 4o años. En julio de 1802 cuando se encontraba residiendo en su magnífico Palacio de Buenavista sito en la céntrica Calle del Barquillo de la capital de España. La Duquesa que era viuda falleció sin descendencia aunque adoptó a una niña negra llamada María de la Luz de la que misteriosamente se ha perdido el rastro.

¿DE QUE MURIÓ LA DUQUESA?

La causa de su muerte parece ser que fue un sincope, aunque claro; en la villa y corte corrieron muchos rumores y las lenguas de vencíndona divagaron ampliamente sobre el suceso; se chismorreó que podría haber sido envenenada y también, que la causa más probable habría sido una enfermedad de transmisión sexual. Nada de esto ha sido probado nunca. Un sincope del que  nunca se recuperó acabó con ella en poco más de un mes y sin haber recuperado la consciencia. María Tresa, murió en una situacion económica muy difícil pues tenía grandes deudas.

Nunca se ha podido demostrar que  Goya tuviera una relación amorosa con María Teresa, pero parece asegurado que el pintor  la amaba. Esto parece confirmarlo el retrato  “Duquesa de Alba vestida de negro” en la que la aristócrata, señala con el dedo el texto que tiene a sus pies y que reza… Solo Goya 1797

GOYA ACUSADO

En 1803 el pintor es investigado por la Santa Inquisición a la  que le interesa, su serie de grabados “Los Caprichos”. Así pues, La Compañía de la Cruz Verde los consideraba anticlericales y por supuesto inmorales, también miran con lupa “La Maja Desnuda” pues según decían era una impudicia que nadie debería contemplar. ¡Pasó miedo!…, le avisaron de que andaban tras él.

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ENSAYOS. Estampa. Numero 60. De la serie “Los Caprichos”. 1799.

Nuestro genio se siente acosado por el santo tribunal, pero se le ocurre una solución ingeniosa, el astuto aragonés, se los quitará de encima cediéndo “Los Caprichos”, al Rey Carlos IV, Rey del que GOYA era Pintor de Cámara por lo que además  de la gratitud Real por el regalo, el pintor recibe  una renta de 1200 reales al año y además, y lo más importante, deja fuera de juego a los censores de la Santa Inquisición que como sabuesos sedientos de sangre y protagonismo andaban tras sus sordos pasos. ¡Una jugada maestra del genial pintor!

GOYA RICO

En la época en que vivió Francisco de Goya los pintores sobre todo realizaban retratos

El retrato estaba de moda y GOYA pintó muchos y ganó mucho dinero. ¡GOYA se hizo rico! Aparte de su sueldo de funcionario, el genial aragonés, tenía clientes muy poderosos y acaudalados que le pagaban muy bien por su trabajo, así pues, el artista se hizo con una buena fortuna que supo invertir convenientemente. Fue uno de los principales accionistas del Banco Nacional de San Carlos, precedente de lo que hoy conocemos como Banco de España.

Actualmente una serie completa de 80 grabados de “Los Caprichos” fue subastada en Nueva York por un millón de euros.

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“La Duquesa de Alba vestida de negro”, detalle. Esta pintura fue realizada por Francisco de Goya, en 1797 en el Palacio del Coto de Doñana, propiedad de la DUQUESA DE ALBA, a la que siguió el pintor cuando esta enviudó. En la pintura, sobre la arena de la playa puede leerse… “Solo Goya 1797”. La Duquesa, lleva puesto en un dedo de la mano que señala esta leyenda, dos anillos yuxtapuestos con las palabras, “Alba”, en uno, y en el otro, “Goya”. Actualmente el cuadro se encuentra expuesto en La Hispanic Society de Nueva York.

Goya Enamorado, Acusado, y Rico. Tomás Bartolomé

Francisco de Goya. Goya. Pintura. Pintores.  Goya y la Duquesa de Alba. Goya Enamorado. Goya Rico. Mercado del Arte.

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Goya. Enamorado de María Teresa Cayetana de Silva Álvarez de Toledo. La Duquesa de Alba.

LA DUQUESA CON 33 AÑOS

MARÍA TERESA FUE PARA GOYA UNA OBSESIÓN

FRANCISCO DE GOYA. Fuendetodos 1746. Burdeos 1828.

De familia de clase media, su padre era dorador, esto es, artesano/decorador; doraba retablos y cosas por el estilo, GOYA, empezó sus estudios artísticos, con 13 años, un poco tarde para su época; ya con 40 años, poseía el título de PINTOR DEL REY  (CARLOS IV) por lo cual, también obtenía una renta.

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La Familia de Carlos IV. 1800.

Sucesivamente, iría ascendiendo paulatinamente, hasta convertirse,  en PRIMER PINTOR DE CAMARA.  Sus ingresos continuaron al alza. Comienza a retratar a la Familia Real, pero hay alguien que le obsesiona,  MARÍA TERESA DE SILVA ÁLVAREZ DE TOLEDO. “LA DUQUESA DE ALBA”.

 ¡Es la mujer más retratada por el pintor!

UNA OBSESION

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La Maja Desnuda. 1790/1800.

Para él fue amor, para ella,  tan vez solo fuese un provocador juego de necesidad y coqueteo.

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La Duquesa de Alba. 1795.

La obra LA DUQUESA DE ALBA es de 1795. La Duquesa, tenía entonces 33 años; fallecería 7 años después con 40. La pintura fué realizada por GOYA un año antes del   triste por prematuro deceso de su marido. Cayetana enviudó de su primo José Álvarez de Toledo en 1796. No tuvieron descendencia lo que originaría  graves problemas a la Casa de Alba. Posteriormente Cayetana adoptaría una niña negra llamada Maria de la Luz de la que se ha perdido el rastro.

Cuando MARÍA TERESA ya viuda, con 34 años se retira a su residencia veraniega de SANLUCAR, es seguida por FRANCISCO DE GOYA. No hay constancia de los meses que permanecen juntos; solo se conservan de este romántico momento, una pintura,  bocetos y algún grabado.

LA DUQUESA MAJAS E INQUISICIÓN

La afirmación de que la Duquesa de Alba posara para las MAJAS, Es una leyenda urbana. Las  pinturas fueron encargadas por GODOY, Ministro y también amante de la Reina Mariá Luisa, a su vez prima del Rey. Se cuenta, que GODOY tenía colgadas las dos MAJAS en su domicilio y que según fuera de comprometida la visita a su casa, así presumía él de  una o de otra.

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La Maja Vestida. 1800/8.

Por la pintura, La MAJA DESNUDA,  el pintor fue juzgado y finalmente absuelto por la oscura y activa inquisición. El genio aragonés  no pudo olvidar jamás el terror que le inspiró la visita del venerable Santo Oficio de la Cruz Verde que andaba tras sus pasos aunque afortunadamente el genial maestro aragonés, tenía importantes padrinos, y además siempre supo defenderse solo.

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La Duquesa de Alba. Año 1795.

El retrato de la Duquesa que vemos sobre estas líneas, es de una altísima calidad. Si podéis debéis de verlo y os asombrareis de  lo que es capaz de hacer el genial pintor con el óleo. Parece Magia esa maestría indiscutible, poner atención al alarde del muy alto nivel técnico de GOYA que se puede observar en las vaporosas transparencias del vestido, es algo maravilloso. Este cuadro se encuentra en la Casa de Alba de Madrid. Palacio de Liria.

Goya. Enamorado de María Teresa Cayetana de Silva Álvarez de Toledo. La Duquesa de Alba.

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Edward Hopper. Hiperrealismo Poético y Soledad en Nueva York.

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Edward Hopper. Nyack (pequeña población, estado de Nueva York) 22 de julio de 1882. Nueva York 15 de mayo de 1967.

Edward Hopper. Hiperrealismo poético y soledad en Nueva York

En 1900. Edward Hopper realiza estudios de Arte (pintura) en la New School of Art, posteriormente comenzaría a trabajar como ilustrador publicitario. En 1906, viaja por Europa donde estudia a los pintores más relevantes de la historia. Visita París (reside en la capital francesa medío año en 1909), después vendrán, Londres, Bruselas, Berlín. Finalmente regresa a USA.

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Gasolinera. 1940.

Posteriormente en 1910, vuelve a Europa, París (nuevamente),  y España, donde se interesa vivamente por Francico de Goya. Visita Madrid y Toledo donde admira la pintura de El Greco. Sería la última vez que el gran artista viajaria a Europa, y España fue el destino elegido por el gran pintor neoyorkino. A su regreso, se establece definitivamente en Nueva York. Ciudad a la que él ama; ciudad que le alimenta.

“Ama a la gran urbe encontrando en ella una individualizada soledad; una soledad congelada, impregnada de melancolía; es un mordaz observador que fija la imagen de la vida cotidiana estadounidense en sedados paisajes urbanos; a la luz del tugsteno, o de una tarde soleada; o tal vez, en el poético contraluz, o la fría radiación  de un neón brillante; morfinómano, hiriente, e inconstante”

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Ventanas en la noche. 1928.

1918. Edward Hopper forma parte del Whitney Studio Club (Asociacion de artistas independientes).

En 1915 y hasta 1923, más que propiamente a la pintura, se dedica al grabado (punta seca y aguafuerte), en esta especialidad recibe premios y reconocimiento. Edward Hopper, tarda en obtener éxito. Finalmente después de realizar dos exposiciones, una de acuarelas y otra de pinturas (años 1923/24) ya con 42 años consigue el reconocimiento y la fama.

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Habitación en Nueva York. 1932.

Hopper siendo ahora sin, un artista reconocido, se casa en 1924 con Josephine Nivison (Jo) también pintora y que se convierte en su única y exclusiva modelo ya que la posesiva Josephine no aprueba que su marido cuente con otras para nada.

Dos comediantes. 1965. La ultima pintura de Hopper.

La pareja lleva una vida de lo mas burgués, hasta poseen una bonita segunda casa, tranquila y apacible cerca del mar; se entienden tan bien, el sincronismo es tan grande que curiosamente fallecerían  los dos casi al mismo tiempo; apenas, con unos meses de diferencia. (Hopper, que siempre fue uh  señor, caballeroso hasta el final, se adelantó un poco).

Mercado del Arte

Hasta un año antes de su boda (1924), HOPPER no había vendido más que dos cuadros y estaba derivando su realidad a la que tristemente le aconteció a  Van Gogh, del que fue su contemporáneo 8 años, y que a los 37 años, cuando sé suicidó en 1890, de un  disparo, detrás de las ruinas de un castillo (para más romanticismo), se encontraba en el mismo caso. Recientemente, (el pasado 2013), se subastó una obra de HOPPER en Nueva York, por 29’8 millones de euros, de nuevo otra similitud más con el genio holandés del cabello rojo de precios prohibitivos, en 1990 se pagan en subasta casi 16 millones de euros por un Van Gogh… , y sin embargo que distintos eran.

Sus pinturas que son muy elaboradas y con un estudio geométrico previo importante; rezuman reflexión, planificación, dibujo (bocetos) y trabajo.

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Llenos de sol y soledad. En medio del desierto, o en el interior de un bar o una habitación de hotel, sus personajes, en un momento especialmente íntimo, nos invitan a contemplarlos y dulcemente se olvidan de nosotros…

¿Qué Pensarán? Silenciosos, Absortos, Congelados en un Ambiente Frío y Artificial

Iluminación fluorescente, neónes, o luz solar hiriente; luces y sombras. Ensimismamiento, una cuidada puesta en escena de sofisticación y belleza. Imágenes urbanas de alto impacto visual, en una ambientación “Poéticorrealista” colmada de casas, personajes, y ventanas; llenas de meridianas referencias al lenguaje cinematográfico y a los bajos fondos de la novela negra.

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Dos comediantes. 1965. La ultima pintura de Hopper

La última pintura que realizó HOPPER fue la titulada “Dos comediantes” en ella sus dos personajes, Josephine (Nivison) y Edward (Hopper), se despiden saludando al público desde el proscenio. Es el ultimo adios. Aplausos; poco después todo habrá acabado para siempre, han asistido ustedes…

a la última representación mundial de Edward Hopper. Cae el telón.

Edward Hopper. Hiperrealismo Poético y Soledad en Nueva York.

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Pintura. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

VELÁZQUEZ Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Sevilla 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de agosto de 1660.   image

Pintor barroco. Naturalismo . Para muchos es  el mejor pintor español de todos los tiempos, en difícil pugna con otro de los grandes, Goya, aunque dicen que las comparaciónes son odiosas sería en este caso muy complicada la contraposición  al tratarse de pintores de muy distinta época, el gran maestro aragonés nació en 1746, y Velázquez en 1599, 147  años después que el genio sevillano.

Goya, en alguna ocasión declaró no tener otros maestros que Velázquez, Rembrandt (1608) y la Naturaleza, La opinión de Velázquez sobre Goya si fuera posible no podría ser otra que la del pintor aragonés.

Juan Rodríguez de Silva, Su padre, tal vez  hidalgo, notario eclesiástico. nacido en Sevilla, de origen portugués (abuelos paternos, establecidos en la ciudad procedentes de Oporto) y Jerónima Velázquez, su madre sevillana de nacimiento. Diego, era el mayor de ocho hermanos; su hermano Juan, fue pintor.

1609. Con diez años, formación artística en el taller de Francisco Herrera el Viejo.

1611. Su padre firmó la «carta de aprendizaje» de su hijo Diego de Velázquez con Francisco Pacheco, obligándose con él a un periodo de enseñanza de seis años.

Francisco Pacheco, pintor, maestro, escritor de “El arte de la pintura”, que no llegó a ver publicado. no era mal dibujante ni mal pintor. Con él Velåzquez aprendió a dibújar del natural, modelos en diferentes posturas, así como caras y gestos; narices, ojos, bocas, orejas… la misma repetición llevada a cabo siglos después por el genial Picasso y otros muchos. Como la envidia es muy mala Vicente Carducho y Eugenio Cajés, (sus competidores a pintor del Rey) lo acusaron de ser sólo capaz de pintar cabezas. También recibió críticas de otros pintores de la corte.

Velázquez  Con éxito e influencia, pinta bodegones (genero pictórico de procedencia flamenca), tan del gusto de aquel tiempo, Se conservan 9 bodegones de su primera época, y once obras de temática distinta. Iluminación tenebrista influenciada por Caravaggio y Zurbarán. Relieve. Utilizaba un color espeso que recubría totalmente el lienzo, en primer plano figuras fuertemente iluminadas sobre fondo oscuro. pincelada densamente empastada. Modelaba las formas con precisión. Colores dominantes tostados, carnaciones cobrizas. Sa paleta de colores era muy reducida, utilizó toda la vida  los mismos pigmentos, variando con el tiempo la forma de mezclarlos y aplicarlos.

Sevilla, la antigua Hispalis, era entonces  una de las ciudades  más rica y poblada de España, y la más internacional; su puerto que monopolizaba el comercio con América, le insuflaba modernidad y en ella se percibía enseguida una rica mezcla de razas y culturas, por sus calles se paseaban muchos pintores pues allí no faltaba trabajo. También poseía una importante sede eclesiástica.

1617 aprobó ante Juan de Uceda y Francisco Pacheco (su maestro) el examen que le permitía incorporarse al gremio de pintores de Sevilla. Recibió licencia para ejercer como «maestro de imaginería y al óleo», pudiendo practicar su arte en todo el reino, tener tienda pública y contratar aprendices.

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Vieja friendo huevos. 1618. Velázquez tenía  solo 19 años.

LA BODA Y LA MAESTRÍA

1618, 23 de abril con 18 años se casó en Sevilla con la hija de Francisco Pacheco, Juana, que tenía 15 años. En La ciudad de la giralda también nacieron sus dos hijas: Francisca, e Ignacia.

Su Maestria de genio ya se manifestó en sus primeras obras realizadas con sólo 18 o 19 años, El aguador de Sevilla (1620) fue uno de los cuadros que llevó a Madrid. Se lo regaló a Juan Fonseca, por su ayuda en la corte. Mucho tiempo después será a su vez regalado al general Wensley por Fernando VII. Actualmente se encuentra en Londres.

La Sevilla, rica, y eclesiástica, demandaba temas religiosos, cuadros de devoción y retratos. Su forma de interpretar el natural le permitió llegar al fondo de los personajes, Velázquez mostraba una gran capacidad para el retrato, en ellos tramitia fuerza interior y temperamento. En su primera visita a Madrid, la primavera de 1622, pinta el retrato de Góngora. Del que existen 3 copias.

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Retrato de Góngora. 1622.

En 1621 fallece Felipe III, le sucede Felipe IV, el cual favoreció a un noble de familia sevillana, Gaspar de Guzmán, el Conde-Duque de Olivares, el todopoderoso valido. Velázquez debió ser presentado a Olivares por Juan de Fonseca o por Francisco de Rioja, «no se pudo retratar al Rey aunque se procuró» el pintor regresó a Sevilla.  A quien sí retrató por encargo de Pacheco, que preparaba un Libro de retratos, fue al poeta Luis de Góngora. Al fin se consiguió que el Conde-Duque llamase a Velázquez para retratar al Rey, hizo su retrato, el  30 de agosto de 1623, a gusto de Su Majestad de los Infantes y del Conde Duque, que afirmó, no haberse retratado al Rey hasta entonces; lo mismo sintieron todos los señores que lo vieron. el joven monarca, era solo seis años menor que Velázquez.

En octubre de 1623 se ordenó a Velázquez trasladar su lugar de residencia a Madrid, como Pintor del Rey con un sueldo de veinte ducados al mes, Ese sueldo, no incluía remuneración que le pudiera corresponder por sus pinturas, y otras concesiones, incluido otros beneficios otorgado a petición del Conde-Duque.

MADRID 1624

1624. Con 24 años Velázquez en Madrid, es nombrado Pintor del rey Felipe IV, cuatro años después, Pintor de Cámara, labor a la que dedicó el resto de su vida. Retratos del Rey y de su familia, decorar las mansiones reales. Estudia la colección real de pintura. En las enseñanzas de su primer viaje a Italia, conoció la pintura antigua y la de su tiempo, influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad, y una técnica de pinceladas rápidas y sueltas.

EXITO EN LA CORTE DEL REY

Velázquez pudo visitar las colecciones reales de pintura, de enorme calidad, Carlos I y Felipe II habían reunido cuadros de Tiziano, Veronés, Tintoretto. El estudio de la colección real, especialmente los tizianos, tuvo una decisiva influencia en su evolución estilística, que pasó del naturalismo austero de su época sevillana, y las severas gamas terrosas, a la luminosidad, los grises plata, y azules transparentes..

1627 juró el cargo de Ujier de Cámara,  desde 1628, Pintor de Cámara, su trabajo principal consistía en realizar los retratos de la familia real.y pintar cuadros para decorar los palacios reales, esto le dio una mayor libertad en la elección de temas, libertad de la que no gozaban los pintores comunes, atados a los encargos y a la demanda del mercado. Velázquez podía aceptar también encargos particulares En Madrid sólo aceptó encargos de miembros influyentes de la corte.

Su técnica en este periodo valora más la luz en función del color y la composición. los retratos son luminosos y de mayor refinamiento. Su tendencia a repintar rectificando lo hecho, dificulta la datación precisa de sus obras, «arrepentimientos», achacables a la ausencia de estudios previos, a un modo lento de trabajar flemático según lo definió el propio Rey… Pasado el tiempo lo antiguo que quedó debajo, y sobre lo que se pintó, surge de nuevo.

RUBENS EN MADRID

En 1628 Rubens llegó a Madrid para realizar gestiones diplomáticas y permaneció en la ciudad casi un año. Se sabe que pintó del orden de diez retratos de la familia real. Al compararse los retratos de Felipe IV realizados por ambos pintores, las diferencias son notables: Rubens lo pintó de forma alegórica, Velázquez como la esencia del poder. Picasso lo analizó así: «el Felipe IV de Velázquez es persona distinta del Felipe IV de Rubens». Rubens en este viaje copió obras de la colección de pintura del Rey, especialmente de Tiziano.  Tiziano representaba para él inspiración y estímulo. Felipe IV  poseía la más importante colección de obras del pintor veneciano.

Rubens y Velázquez ya habían colaborado antes, el flamenco utilizó un retrato de Olivares pintado por Velázquez para el dibujo de un grabado impreso en Amberes en 1626,  el marco alegórico fue diseñado por Rubens, la cabeza por Velázquez. El sevillano debió ver pintar los retratos reales a Tiziano, una gran experiencia fue observar la ejecución de esos cuadros. Rubens en Madrid, primera influencia decisiva que sufrió la pintura de Velázquez. Rubens impulsó su primer viaje a Italia. Velázquez obtuvo el permiso para completar sus estudios.

Cambio Decisivo. Viaje a Italia. 1629.

El 22 de julio de 1629 le concedieron para el viaje dos años de salario, 480 ducados, también con el dinero de algunas ventas. Velázquez viajó con un criado, y llevaba cartas de recomendación para las autoridades.  Era el pintor del Rey de España, y por ello se le abrieron todas las puertas, pudiendo contemplar obras solo para sus ojos.

Velazquez realizó una radical transformación de su estilo. Ensayó nuevas técnicas, buscando la luminosidad. Encontró su lenguaje pictórico propio mediante una combinación de pinceladas sueltas de colores transparentes y toques precisos de pigmento para resaltar los detalles.

La Fragua de Vulcano, (1630). Obra esencial para entender su evolución. La atmósfera ha superado las limitaciones del tenebrismo y los cuerpos se modelan en un espacio real y no emergen en una sombra envolvente. Desnudo, y riqueza de expresiones denotan el estudio del clasicismo romano-boloñés.

Génova, y luego a Venecia,  visitó colecciones artísticas de los distintos palacios, copió obras de Tintoreto, después partió hacia Ferrara.

Permaneció en Roma hasta el otoño de 1630, estuvo alojado en el Vaticano, donde pudo dibujar libremente los frescos de Rafael y Miguel Ángel, y regresó a Madrid pasando por Nápoles, donde hizo el retrato de la Reina de Hungría (Museo del Prado). Allí pudo conocer a José de Ribera (El españoleto), que se encontraba en su plenitud pictórica.

Madurez en Madrid con solo 32 años. Retrato de Felipe IV. De castaño y plata. Pintado hacia 1631-1636, El conjunto aparece plasmado meticulosamente; consiguió los efectos del vestido y de las mangas mediante manchas y toques irregulares. Concluido su primer viaje a Italia estaba en posesión de una técnica extraordinaria.

La década de 1630 fue para Velázquez la de mayor actividad, casi un tercio de su catálogo pertenece a este periodo. Hacia 1640 esta intensa producción disminuyó drásticamente, y ya no se recuperó en el futuro. En 1630 la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo así el resto de su vida. Su técnica. Blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad, complementado con pinceladas cada vez más transparentes.

1631, de nuevo en Madrid, prosiguió su ascenso en la corte. Este año entró en su taller un joven ayudante de veinte años, Juan Bautista Martínez del Mazo, Mazo se casó el 21 de agosto de 1633 con la hija mayor de Velázquez, Francisca, que tenía 15 años de edad. En 1634 su suegro le cedió su puesto de Ujier de Cámara, para asegurar el futuro económico de Francisca. Mazo apareció desde entonces estrechamente unido a Velázquez, como su ayudante más importante.
Velázquez participó en los dos grandes proyectos decorativos del periodo impulsados por Olivares, el nuevo, Palacio del Buen Retiro, y la Torre de la Parada.

1633 recibió la Vara de Alguacil de Corte; Ayuda de Guardarropa de su Majestad en 1636;  en 1643 Ayuda de Cámara (el máximo reconocimiento de los favores reales), y Superintendente de Obras un año más tarde.

LOS 40 NEGRA DÉCADA

Muere su suegro y maestro Francisco Pacheco (1644), caída del poder del valido del Rey, el Conde-Duque de Olivares, su protector; muerte de la Reina Isabel (1644); defunción del príncipe Baltasar Carlos, a los 17 años de edad; rebeliones en Cataluña y Portugal, derrotas de los tercios españoles en la batalla de Rocroi.

1649. De nuevo en Italia, embarcaría en enero de 1649 en dirección a Génova, y permaneciendo en Italia  hasta mediados de 1651; su fin, adquirir pinturas y esculturas antiguas  (Al no poder comprarlas, encargó copias en bronce mediante vaciados o moldes), para el Rey. Contratar a Pietro da Cortona para pintar al fresco varios techos de el Real Alcázar de Madrid.  Velázquez fue nombrado Académico Romano (1650).

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RETRATO DE INOCENCIO X. (1650). 140 x 120 cm. Galería Doria Pamphili. Roma.

El retrato más importante que pintó en Roma fue el del Papa Inocencio X. Velázquez debió sentir el apasionante reto de pintar al Papa, sería consciente al contemplar los retratos que Tiziano y Rafael pintaron a anteriores papas, (y considerados obras maestras), que sería recordado y comparado con estos grandes maestros.

Una combinación de distintos tonos; rojos, amarillos, blancos. La figura del pontífice erguida en el sillón. Fuerza, vigor en su rostro y mirada severa. El retrato más aclamado en vida del pintor y que sigue hoy día suscitando inspiración y admiración, Pintado en su segundo viaje a Italia, el artista estaba en la cima de fama y técnica.

No era fácil que el Papa posase para un pintor, muy pocos, lo conseguían. Las pinturas que Velázquez le llevó como regalo del Rey lo facilitaron.

Con pinceladas sueltas varios tonos de rojos se combinan, desde el más lejano al más cercano, al fondo el rojo teja oscuro de la cortina, después el más claro del sillón, en primer plano el impresionante rojo de la muceta con sus luminosos reflejos. Sobre este ambiente domina la cabeza del pontífice de rasgos fuertes.

Felipe IV deseaba su vuelta. En febrero de 1650 escribió a su embajador en Roma para que le urgiese el regreso: «pues conoceis su flema, y que sea por mar, y no por tierra, porque se podría ir deteniendo y más con su natural». Velázquez seguía en Roma a finales de noviembre; hasta mayo de 1651 no embarcó en Génova.

1651 regresó a Madrid con numerosas obras de arte. Felipe IV lo nombró Aposentador Real, lo que le encumbró en la corte y añadió fuertes ingresos que se sumaron a los que ya recibía como pintor, ayuda de cámara, superintendente, y en concepto de pensión.

Al final de su vida pintó sus dos composiciones más grandes y complejas, sus obras La fábula de Aracné (1658), conocida popularmente como Las hilanderas, y el más celebrado y famoso de todos sus cuadros, La Familia de Felipe IV (Las Meninas)1656. Podemos apreciar su estilo último, donde parece representar la escena mediante una visión fugaz; pinceladas atrevidas, que de cerca parecen inconexas, pero contempladas a distancia adquieren todo su sentido, anticipándose a la pintura de Manet y a los impresionistas del siglo XIX.

Velázquez deseaba alcanzar la nobleza, y procuró ingresar en la Orden de Santiago. Debía probar que sus antepasados directos habían pertenecido a la nobleza, que no eran ni judíos ni conversos. Mas no acreditada la nobleza, sólo la Dispensa Papal podía lograr que fuese admitido en la Orden. A instancias del Rey, el papa Alejandro VII dictó sentencia en 1659 otorgándole la dispensa solicitada, el Rey entonces le concedió la hidalguía venciendo así la oposición del Consejo de Órdenes, que en la misma fecha, despachó en favor de Velázquez.

Cayó enfermo a finales de julio,  el 6 de agosto de 1660 murió a las tres de la tarde en Madrid. Al día siguiente, 7 de agosto, fue enterrado en la desaparecida iglesia de San Juan Bautista, con honores. Ocho días después, el 14 de agosto, falleció también su esposa Juana.

Desarrolló su propio estilo, pinceladas diluidas, toques rápidos, precisos en los detalles. Simplificación, rapidez de ejecución. Su técnica, se volvió precisa y esquemática; no tenía la composición totalmente definida al ponerse a trabajar; prefería ajustarla según iba progresando. Raramente hacía dibujos preparatorios, hacía un boceto de las líneas generales y de la composición. Sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Otra costumbre suya era retocar sus obras después de concluidas; en algunos casos, mucho tiempo después.

El acabado es otra parte fundamental de su arte Las figuras –en particular cabezas y manos– son siempre la parte más elaborada; zonas abocetadas con amplias pinceladas ocupan gran parte del cuadro. Mas estas partes tienen una intensidad expresiva intrínseca, estando bien integradas en la composición del cuadro,

Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. cantidad reducida dados los cuarenta años de dedicación pictórica. Debió pintar alrededor de ciento sesenta cuadros.

El Museo del Prado tiene unas cincuenta obras del pintor, la parte fundamental de la colección real, mientras que en otros lugares y museos de Madrid se encuentran otras diez obras. El resto se encuentran como oro en paño, en los museos más importantes del mundo.

Pintura. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

Pintura. Pintores. Velázquez. Sevilla. Madrid. Roma. Museo del Prado. Rubens. Goya. Retrato. Retrato de Inocencio X.

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Pintura. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?. Tomás Bartolomé.

 

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Primer autorretrato conocido de GOYA. 1768? Con 22 años de edad.

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES.

El genial pintor nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo de Zaragoza (Fuendetodos) que se encuentra a medio camino entre Cariñena y Belchite, a 40 Kms de la capital aragonesa; cabras, ovejas y agricultura de secano; en este entorno rural nace el monstruo.

Su padre es maestro dorador y su trabajo sobre todo consiste en la restauracion de retablos. La formación artística de GOYA comienza tarde, aconteciendo cuando su progenitor, se da cuenta, de que no podrá ofrecer a su hijo un futuro mejor, que el de darle, (al igual que sucederá con el padre de Paco de Lucia y el de Ara Malikian, 250 años después), un oficio. Francisco de Goya empezó sus estudios de arte a los  13 años, muy tarde para las costumbres de la época. La familia vivía entonces en Zaragoza.

Con 23 años Goya  viaja a Italia donde copia a los clásicos. Regresa a Madrid. Comienza su carrera en la Capital de la Villa y Corte como pintor de cartones para tapices, trabajo en el que permanece 12 años en dos periodos de 5 y 7 años respectivamente.

Francisco de Goya a los cuarenta años,  ya tenía solucionada la vida en cuanto a ingresos económicos regulares se refiere, poseía el título de Pintor del Rey (Carlos IV) y posteriormente sería Primer Pintor de Cámara, así pues, el artista cada vez depende menos de los encargos de particulares y puede dedicarse a una pintura mucho más personal, creativa y diferente a lo que entonces era habitual; con 47 años empieza a desarrollar su visión de genio, él lo llama “Obras de capricho e invención”.

¿PORQUÉ  SE QUEDÓ SORDO EL GENIAL PINTOR?

 “Goya se queda sordo con casi 47 años (la enfermedad comienza a manifestarse en el mes de noviembre de 1792) a causa de la Plumbosis”.

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El AQUELARRE. 1797/8.

El genial pintor aragonés, ya estaba sordo cuando realizó “El Aquelarre” 1797.  Su sordera se produjo cuatro años antes debido, a lo que llamaríamos hoy una enfermedad profesional, el nombre que recibe este mal es Plumbosis, el óleo contiene plomo y su constante utilización puede producir una intoxicación gradual de la sangre.

Goya estuvo muy grave y la secuela que le dejo la enfermedad fue la sordera y tal vez el mal genio; esta enfermedad era frecuente entre pintores en aquellas épocas, Caravaggio, el genial pintor italiano  de las riñas, los escorzos y claroscuros también la padeció.

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Tio Paquete. 1820. Goya.

Superada esta enfermedad, y ya sordo y cansado de pintar por encargo, el pintor parece hacer una declaración de intereses y su obra se vuelve más personal si cabe; proclamando la libertad creativa del autor al margen de los encorsetamientos de la época; como muestra la temática elegida por el artista para la escena de “El Aquelarre“.

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El Aquelarre. 1797/8. Museo Lázaro Galdiano. Calle de Serrano 122. Madrid.

EL GENIAL SORDO NO RENUNCIA A SU MANERA DE SER

Debido a su gran éxito el pintor no puede renunciar a los innumerables compromisos que conlleva su situación y más teniendo en cuenta que la mayoría de sus encargos proceden de la alta sociedad entre la que se ha convertido en el pintor de moda, por lo tanto al genial sordo no le queda nada más que “nadar entre dos aguas”, algo a lo que ya está acostumbrado; GOYA con dosis de inteligencia y sorna supo defender su más íntima identidad, y obtener la libertad que como artista y ser humano entendía como un derecho inalienable; un universal derecho, al que él, no renunciaría fácilmente.

Siempre me ha interesado este GOYA  cargado de retranca que parece saber en todo momento quien es, y que mantiene con astucia una cierta desconfianza e independencia. El que trata a diario con Reyes y nobles, y también el que sin embargo, siempre tiene presente donde nació, quien es, y quien y que, quiere ser.

El gran maestro un año antes de fallecer en Burdeos realiza uno de sus últimos óleos.

Foto. “La lechera de Burdeos” 1827. Museo del Prado.

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Goya muere en su exilio de Burdeos el 16 de abril de  1828 a los 82 años de edad.

Pintura. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?. Tomás Bartolomé.

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