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Pintura. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

VELÁZQUEZ Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Sevilla 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de agosto de 1660.   image

Pintor barroco. Naturalismo. Para muchos es  el mejor pintor español de todos los tiempos, en difícil pugna con otro de los grandes, Goya. Aunque dicen que las comparaciónes son odiosas, sería en este caso muy complicada la contraposición al tratarse de pintores de muy distinta época, el gran maestro aragonés nació en 1746, y Velázquez en 1599, 147 años después que el genio sevillano.

Goya, en alguna ocasión declaró no tener otros maestros que Velázquez, Rembrandt (1608), y la Naturaleza, La opinión de Velázquez sobre Goya, si fuera posible no podría ser distinta de la del pintor aragonés.

Juan Rodríguez de Silva, su padre (tal vez  hidalgo), fue un notario eclesiástico. nacido en Sevilla, de origen portugués (los abuelos paternos, se establecieron en la ciudad del Guadalquivir procedentes de Oporto), y Jerónima Velázquez, su madre, sevillana de nacimiento. Diego, era el mayor de ocho hermanos; su hermano Juan, también fue pintor.

1609. Con diez años, recibe formación artística en el taller del gran Francisco Herrera el Viejo.

1611, este año su padre firmó la «carta de aprendizaje» de su hijo Diego de Velázquez con Francisco Pacheco, obligándose con él a un periodo de enseñanza de seis años. Tenía 12 años. Francisco Pacheco, pintor, maestro, escritor de “El arte de la pintura”, que no llegó nunca ver publicado. no fue mal dibujante ni mal pintor, con él Velåzquez aprendió a dibújar del natural modelos en diferentes posturas, así como caras y gestos; narices, ojos, bocas, orejas… la misma pedagógica repetición llevada a cabo siglos después por el genial Picasso y otros muchos. Como la envidia es muy mala Vicente Carducho y Eugenio Cajés, (sus competidores a Pintor del Rey) lo acusaron de ser sólo capaz de pintar cabezas. También recibió críticas de otros pintores de la corte.

Velázquez. Con éxito e influencia, pinta bodegones (genero pictórico de procedencia flamenca), tan del gusto de aquel tiempo, Se conservan 9 bodegones de su primera época, y once obras de temática distinta. Iluminación tenebrista influenciada por Caravaggio y Zurbarán. Relieve. Utilizaba un color espeso que recubría totalmente el lienzo, luego, en primer plano figuras fuertemente iluminadas sobre fondo oscuro. pinceladas densamente empastadas. Modelaba las formas con precisión. Colores dominantes tostados, carnaciones cobrizas, su paleta de colores era muy reducida, utilizó toda la vida  los mismos pigmentos, variando con el tiempo la forma de mezclarlos y aplicarlos.

Sevilla, la antigua Hispalis, era entonces  una de las ciudades  más ricas y poblada de España y, la más internacional; su puerto que monopolizaba el comercio con América, le insuflaba modernidad y en ella se percibía enseguida una rica mezcla de razas y culturas, por sus calles paseaban muchos pintores pues allí no faltaba trabajo. También poseía la ciudad una importante sede eclesiástica.

VELÁZQUEZ en 1617 aprobó ante Juan de Uceda y Francisco Pacheco (su maestro), el examen que le permitía incorporarse al gremio de pintores de Sevilla. Recibió licencia para ejercer como «Maestro de Imaginería y al Óleo», pudiendo practicar su arte en todo el reino, tener tienda pública y contratar aprendices. Tenía 18 años.

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Vieja friendo huevos. 1618. Velázquez

LA BODA Y LA MAESTRÍA

1618, 23 de abril el artista se casa en Sevilla con la hija de Francisco Pacheco (su maestro), Juana, que tenía entonces 15 años. En la bella ciudad de la giralda, también nacieron sus dos hijas: Francisca, e Ignacia. Su Maestria de genio ya se manifestó en sus primeras obras realizadas con sólo 18 o 19 años, El Aguador de Sevilla (1620) fue uno de los cuadros que llevó a Madrid. Se lo regaló a Juan Fonseca, por su ayuda en la corte. Mucho tiempo después será a su vez regalado al general Wensley por el Rey Fernando VII. Actualmente se encuentra en Londres.

La Sevilla, rica, y eclesiástica, demandaba temas religiosos, cuadros de devoción y retratos. Su forma de interpretar el natural permitió a VELÁZQUEZ llegar al fondo de los personajes, mostraba así el pintor una gran capacidad para el retrato, en ellos tramitia fuerza interior y temperamento. En su primera visita a Madrid, la primavera de 1622, pinta el retrato de Góngora. Del que existen 3 copias.

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Retrato de Góngora. 1622.

En 1621 fallece Felipe III, le sucede Felipe IV, el cual favoreció a un noble de familia sevillana, Gaspar de Guzmán, el Conde-Duque de Olivares, el todopoderoso valido. Velázquez debió ser presentado a Olivares por Juan de Fonseca o por Francisco de Rioja, «no se pudo retratar al Rey aunque se procuró» el pintor regresó a Sevilla. A quien sí retrató por encargo de Pacheco, que preparaba un libro de retratos, fue al poeta Luis de Góngora. Al fin se consiguió que el Conde-Duque llamase a Velázquez para retratar al Rey, hizo su retrato, el  30 de agosto de 1623, a gusto de Su Majestad de los Infantes y del Conde Duque, que afirmó, no haberse retratado al Rey hasta entonces; lo mismo sintieron todos los señores que lo vieron. el joven monarca, era solo seis años menor que Velázquez.

En octubre de 1623 se le ordenó trasladar su lugar de residencia a Madrid, para ejercer como Pintor del Rey con un sueldo de veinte ducados al mes, este sueldo, no incluía la remuneración que pudiera obtener por sus propias pinturas y, otras concesiones, como los beneficios otorgados a petición del Conde-Duque.

MADRID 1624

1624. Con 24 años Velázquez en Madrid, finalmente es nombrado Pintor del rey Felipe IV, cuatro años después, Pintor de Cámara, labores a las que dedicó el resto de su vida. Retratos del Rey y de su familia, decoración de las mansiones reales. Estudia la colección real de pintura. En las enseñanzas de su primer viaje a Italia, conoció la pintura antigua y la de su tiempo, influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad y, una técnica de pinceladas rápidas y sueltas.

EXITO EN LA CORTE DEL REY

Velázquez pudo visitar las colecciones reales de pintura, de enorme calidad, Carlos I y Felipe II habían reunido cuadros de Tiziano, Veronés, Tintoretto. El estudio de la colección real, especialmente los tizianos, tuvo una decisiva influencia en su evolución estilística, que pasó del naturalismo austero de su época sevillana, a las severas gamas terrosas y, la luminosidad, los grises plata y, los azules transparentes.

1627 juró el cargo de Ujier de Cámara, desde 1628, Pintor de Cámara; el pintar cuadros para decorar los palacios reales, le dio una mayor libertad en la elección de temas, libertad de la que no gozaban los pintores comunes, atados a los encargos y a la demanda del mercado. Velázquez podía aceptar también encargos particulares En Madrid sólo los aceptó, de miembros influyentes de la corte.

Su técnica en este periodo valora más la luz en función del color y la composición. los retratos son luminosos y de mayor refinamiento. Su tendencia a repintar rectificando lo hecho, dificulta la datación precisa de sus obras, «arrepentimientos», achacables a la ausencia de estudios previos, a un modo lento de trabajar, flemático, según lo definió el propio Rey.

_”Pasado el tiempo lo antiguo que quedó debajo, y sobre lo que se pintó, surge de nuevo”.

RUBENS EN MADRID

En 1628 Rubens llegó a Madrid para realizar gestiones diplomáticas y permaneció en la ciudad casi un año. Se sabe que pintó del orden de diez retratos de la familia real. Al compararse los retratos de Felipe IV realizados por ambos pintores, las diferencias son notables: Rubens los pintó de forma alegórica, Velázquez como la esencia del poder. Picasso lo analizó así: «el Felipe IV de Velázquez es persona distinta del Felipe IV de Rubens». que en este viaje copió obras de la colección de pintura del Rey, especialmente de Tiziano. Tiziano representaba para él inspiración y estímulo. Felipe IV llegó a poseer la más importante colección de obras del pintor veneciano.

Rubens y Velázquez ya habían colaborado antes, el flamenco utilizó un retrato de Olivares pintado por Velázquez para el dibujo de un grabado impreso en Amberes en 1626,  el marco alegórico fue diseñado por Rubens, la cabeza por Velázquez. El sevillano debió ver pintar los retratos reales a Tiziano, una gran experiencia fue observar la ejecución de esos cuadros. Rubens en Madrid, fue la primera influencia decisiva que sufrió la pintura de Velázquez. Rubens impulsó el primer viaje de Velázquez a Italia. así el pintor sevillano obtuvo el permiso real para completar sus estudios.

Cambio Decisivo. Viaje a Italia. 1629.

El 22 de julio de 1629 se le concedieron para el viaje a Italia dos años de salario, 480 ducados y, también el dinero de algunas ventas, Velázquez viajó con un criado, llevando con él cartas de recomendación para las autoridades. Era el pintor del Rey de España, y por ello se le abrieron todas las puertas, pudiendo contemplar obras solo para sus ojos. Se produce entonces una radical transformación de su estilo. Ensayó nuevas técnicas, buscó la luminosidad, encontró su lenguaje pictórico propio mediante una combinación de pinceladas sueltas, de colores transparentes y, toques precisos para resaltar los detalles.

La Fragua de Vulcano, (1630). Es una obra esencial para entender su evolución. La atmósfera ha superado las limitaciones del tenebrismo y los cuerpos se modelan en un espacio real y no emergen en una sombra envolvente. Desnudo y riqueza de expresiones denotan el estudio del clasicismo romano-boloñés.

Estuvo en Génova, y luego en Venecia ciudades en las que visitó colecciones artísticas de los distintos palacios y, copió obras de Tintoreto, después partió hacia Ferrara.

Viajó a Roma donde permaneció hasta el otoño de 1630, el pintor alojado en el Vaticano, pudo dibujar libremente los frescos de Rafael y Miguel Ángel; finalmente, regresó a Madrid pasando antes  por Nápoles, donde realizó el retrato de la Reina de Hungría (Museo del Prado), En la cuidad napolitana pudo conocer a José de Ribera (El Españoleto), que en ese momento se encontraba en su plenitud pictórica.

Madurez en Madrid con solo 32 años, realiza el Retrato de Felipe IV. De castaño y plata. Pintado hacia 1631-1636, El conjunto aparece plasmado meticulosamente; consigue los efectos del vestido y de las mangas mediante manchas y toques irregulares. Concluido su primer viaje a Italia estaba en posesión de una técnica extraordinaria. La década de 1630 fue para Velázquez la de mayor actividad, casi un tercio de su catálogo pertenece a este periodo. Hacia 1640 esta intensa producción disminuyó drásticamente, y ya no se recuperó en el futuro. En 1630 la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo así el resto de su vida. Su técnica. Blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad, complementado con pinceladas cada vez más transparentes.

1631, prosiguió su ascenso en la corte. Este año entró en su taller un joven ayudante de veinte años, Juan Bautista Martínez del Mazo, Mazo se casó el 21 de agosto de 1633 con la hija mayor de Velázquez, Francisca, que tenía 15 años de edad. En 1634 su suegro le cedió su puesto de Ujier de Cámara, para asegurar el futuro económico de Francisca. Mazo apareció desde entonces estrechamente unido a Velázquez, como su ayudante más importante.
Velázquez participó en los dos grandes proyectos decorativos del periodo impulsados por Olivares, el nuevo, Palacio del Buen Retiro, y la Torre de la Parada. En1633 recibió la Vara de Alguacil de Corte; Ayuda de Guardarropa de su Majestad en 1636; en 1643 Ayuda de Cámara (el máximo reconocimiento de los favores reales), y Superintendente de Obras un año más tarde.

LOS 40 NEGRA DÉCADA

Muere su suegro y maestro Francisco Pacheco (1644), caída del poder del valido del Rey, el Conde-Duque de Olivares, su protector; muerte de la Reina Isabel (1644); defunción del príncipe Baltasar Carlos, a los 17 años de edad; rebeliones en Cataluña y Portugal, derrota de los tercios españoles en la batalla de Rocroi.1649, de nuevo en Italia, embarcaría en enero de 1649 en dirección a Génova y, permaneciendo en Italia  hasta mediados de 1651; su fin, el mandato real de adquirir pinturas y esculturas antiguas  (Al no poder comprarlas, encargó copias en bronce mediante vaciados o moldes). Contratar a Pietro da Cortona para pintar al fresco varios techos de el Real Alcázar de Madrid. Velázquez fue nombrado Académico Romano (1650).

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RETRATO DE INOCENCIO X. (1650). 140 x 120 cm. Galería Doria Pamphili. Roma.

El retrato más importante que pintó en Roma fue el del Papa Inocencio X. Velázquez debió sentir profundamente el apasionante reto de pintar al Papa, sería consciente, al contemplar los retratos que Tiziano y Rafael pintaron a anteriores papas (y considerados obras maestras), que sería eternamente, recordado y, comparado con estos dos grandes maestros de la pintura. Una combinación de distintos tonos; rojos, amarillos, blancos. La figura erguida en el sillón. Fuerza, vigor en su rostro y, mirada severa. El retrato más aclamado en vida del pintor y que sigue hoy día suscitando inspiración y admiración, Ell artista estaba en la cima de la fama y la técnica. No era fácil que el Papa posase para un pintor, muy pocos, lo conseguían, las pinturas que Velázquez le llevó como regalo del Rey lo facilitaron. Con pinceladas sueltas varios tonos de rojos se combinan, desde el más lejano al más cercano, al fondo el rojo teja oscuro de la cortina, después el más claro del sillón, en primer plano el impresionante rojo de la muceta con sus luminosos reflejos. Sobre este ambiente domina la cabeza del pontífice de rasgos fuertes.

Felipe IV deseaba su vuelta a España. En febrero de 1650 escribió a su embajador en Roma para que le urgiese el regreso: «pues conoceis su flema, y que sea por mar, y no por tierra, porque se podría ir deteniendo y más con su natural». Velázquez seguía en Roma a finales de noviembre; hasta mayo de 1651 no embarcó en la ciudad Génova. En1651 regresó a Madrid con numerosas obras de arte. Felipe IV lo nombró Aposentador Real, lo que le encumbró en la corte y añadió a su cuenta fuertes ingresos que se sumaron a los que ya recibía como pintor, ayuda de cámara, superintendente y, en concepto de pensión.

Al final de su vida pintó sus dos composiciones más grandes y complejas, sus obras: La fábula de Aracné (1658), conocida popularmente como Las hilanderas, y el más celebrado y famoso de todos sus cuadros, La Familia de Felipe IV (Las Meninas).

En 1656. Podemos apreciar su estilo último, donde parece representar la escena mediante una visión fugaz; pinceladas atrevidas, que de cerca parecen inconexas, pero contempladas a distancia adquieren todo su sentido, anticipándose a la pintura de Manet y a los impresionistas del siglo XIX.

Velázquez deseaba alcanzar la nobleza, y procuró ingresar en la Orden de Santiago. Debía probar que sus antepasados directos habían pertenecido a la nobleza, que no eran ni judíos ni conversos. Mas no acreditada la nobleza, sólo la dispensa papal podía lograr que fuese admitido en la Orden. A instancias del Rey, el papa Alejandro VII dictó sentencia en 1659 otorgándole la dispensa solicitada, el Rey entonces le concedió la hidalguía venciendo así la oposición del Consejo de Órdenes, que en la misma fecha, despachó en favor de Velázquez.

Cayó enfermo a finales de julio,  el 6 de agosto de 1660 murió a las tres de la tarde en Madrid. Al día siguiente, 7 de agosto, fue enterrado en la desaparecida iglesia de San Juan Bautista, con honores. Ocho días después, el 14 de agosto, falleció también su esposa Juana.

ESTILO

Desarrolló su propio estilo, de  pinceladas diluidas, toques rápidos y, precisos detalles. Simplificación, rapidez de ejecución.Técnica, precisa y esquemática; no tenía la composición totalmente definida al ponerse a trabajar; prefería ajustarla según iba progresando. Raramente hacía dibujos preparatorios, solo algún boceto, líneas generales y composición. Sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Otra costumbre era retocar sus obras después de concluidas; en algunos casos, muchos años después. El acabado es otra parte fundamental de su arte, las figuras –en particular cabezas y manos– son siempre la parte más elaborada; mientras zonas abocetadas con amplias pinceladas ocupan gran parte del cuadro, partes de una intensidad expresiva intrínseca, bien integradas en la composición del cuadro,

Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. cantidad reducida dados los cuarenta años de dedicación pictórica. Debió pintar alrededor de ciento sesenta cuadros.

El Museo del Prado tiene unas cincuenta obras del pintor, la parte fundamental de la colección real, mientras que en otros lugares y museos de Madrid se encuentran otras diez obras. El resto se encuentran como oro en paño, en los museos más importantes del mundo.

Pintura. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

Pintura. Pintores. Velázquez. Sevilla. Madrid. Roma. Museo del Prado. Rubens. Goya. Retrato. Retrato de Inocencio X.

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Niño. Dibujo. Tomás Bartolomé. Recuerdo infantil.

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Niño. Dibujo. (2017) Tomás Bartolomé

Un colegio en el pueblo, inmenso de techos muy altos, pupitres de madera y él, aun tan pequeño, que loco está cuando juega libre en el patio.Por las mañanas camina en una nube sin hablar vuela así al colegio donde aprende a ratos y a ratos juega y también pelea y se sube a un árbol y luego baja Todo es alboroto, risas, carreras, balones, pan con chocolate, mientras, trinan alados, en los sobrios y verdes olivos centenarios.

Soledades Alegrías y Otros Poemas

RECUERDO INFANTIL (1907)

Una tarde parda y fría
de invierno. Los colegiales
estudian. Monotonía
de lluvia tras los cristales.
Es la clase. En un cartel
se representa a Caín
fugitivo, y muerto Abel,
junto a una mancha carmín.
Con timbre sonoro y hueco
truena el maestro, un anciano
mal vestido, enjuto y seco,
que lleva un libro en la mano.
Y todo un coro infantil
va cantando la lección:
“mil veces ciento, cien mil;
mil veces mil, un millón”.
Una tarde parda y fría
de invierno. Los colegiales
estudian. Monotonía
de la lluvia en los cristales.
Antonio Machado

Niño. Dibujo. Tomás Bartolomé. Recuerdo infantil.

Dibujo. Niño. Tomás Bartolomé. Bartolomé. Retrato. Recuerdo infantil. Pueblo. Colegio. Antonio Machado. Machado.

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Literatura. El Retrato de Dorian Gray. Oscar Wilde. Terror Gótico

EL TESORO DE BUBU. (2010). ALBERTO GARCÍA-ALIX

The Picture of Dorian Gray (El Retrato de Dorian Gray o El Cuadro de Dorian Gray). 1890. Oscar Wilde.
Novela. Terror Gótico.

Glosa el valor intrínseco de la juventud y de la belleza. Muestra la decadencia de una sociedad (la victoriana) enferma de cinismo, y aferrada a las formas, los convencionalismos, y a la condena. La novela dio que hablar, en ella existe una relación entre amigos que deja entrever, algo más que una amistad. La novela es así tristemente utilizada en el juicio contra O W, ( O. W. Es juzgado y condenado a 2 años de trabajos forzados por actos deshonestos), partes de la misma son leídas públicamente en la celebración del horrible pleito, como prueba de la homosexualidad del escritor, un delito que entonces llevaba aparejado un gemelo carcelario.

La novela nos cuenta una historia llena de belleza dañada de enfermas miasmas putrefactas. Las dos caras de una misma moneda el Ying y el Yang…

Un pintor pinta un cuadro que enseguida se revela cómo su obra cumbre, su obra maestra. Pero no sabe que todos sufrirán por ello, todos pagaran un alto precio. En cuanto a las formas, todo comienza de manera amena y elegante todo es paz y Zen, pronto estallara la tormenta y entonces lo podrido se podrá ver claramente, saldrá a la superficie, y es repugnante. Ni siquiera el bello y joven Dorian el retratado tan pagado de si mismo, recibe un mínimo presagio, así, sin hacer un juramento ni una petición formal, comenta, que daría lo que fuera por permanecer siempre joven (Fausto se muestra pronto), Dorian Gray, imcluso llega a besar sus propios labios en la pintura de su retrato. Dorian cautivado, se mira en el manso lago, y absorto observa su bello rostro reflejado en el agua clara ¡Podía estarse así eternamente! Pero no…, ¡Él necesita reconocimiento!

Personajes de la novela: Basil: Hallward, pintor y amigo de Dorian
Lord Henry Wotton, amigo crapula de Dorian y Hallward
Dorian Gray, protagonista de la novela.

El pintor sabe que ha creado luna gran obra maestra, y que este magnifico logro, se lo debe en gran parte a Dorian, entonces en el salón de su casa en la que también se encuentra su amigo lord Henry, enseña emocionado el cuadro aun fresco a su amigo, a su joven y bello modelo… Veamos lo que sucede entonces.

EL RETRATO DE DORIAN GRAY. (Fragmento),

-¿No te gusta? -Exclamó Hallward al fin, un tanto herido por el silencio del muchacho y sin, entender lo que este hecho significaba.
Por supuesto que le gusta -dijo lord Henry-. ¿A quién no le gustaría? Es una de las cumbres del arte moderno. Te daré lo que me pidas por él. Tiene que ser mío.
-No es de mi propiedad, Harry.
-A quien pertenece?
-A Dorian por supuesto.
-Es alguien muy afortunado.
-¡Que triste es! -Murmuró Dorian con la vista aún clavada en su propio retrato-. ¡Que triste es! Me haré viejo, desagradable, y repulsivo. Pero este retrato seguirá siendo siempre joven. Nunca será más viejo que en este día de junio. ¡Ojalá fuera al revés! ¡Que yo pudiera ser siempre joven y el cuadro el que fuera envejeciendo! ¡Así es; no hay nada en el mundo que no diera a cambio!
A ti no te gustaría demasiado ese acuerdo, Basil -Exclamó lord Henry riendo-, Serían líneas muy duras para ti.
-Me opondría muy encarecidamente, Harry.
Dorian Gray se volvió y lo miró.
-Creo que lo harías, Basil. Pones tu arte por encima de tus amigos. No soy para ti más que una estatua de bronce. Quizás menos que eso, me atrevería a decir.
Hallward miraba estupefacto. Era tan impropio de Dorian hablar así. Que había ocurrido? Parecía casi furioso. Tenía el rostro encendido y las mejillas le ardían.

Literatura. El Retrato de Dorian Gray. Oscar Wilde. Terror Gótico.

Escritores. Novela. Terror Gótico. El retrato de Dorian Gray. Oscar Wilde. Wilde. Literatura. Belleza. Juventud. Retrato. Fausto. Narcisismo. Arte.

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Raimundo de Madrazo. “La historia de una predestinación”. El destino jugaba con ventaja; este; como siempre tiene la banca a su favor. ¡No me gusta jugar con tramposos; no me gusta perder!

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Salida del baile de máscaras. 1885. Museo Carmen Thyssen; Málaga. La escena representa al París nocturno, (Sala de fiestas Valentín a la orillas del Sena) como podemos ver, Raimundo de Madrazo no solo pintó retratos aunque si es, la temática de la mayor parte de su excelente obra.

Raimundo de Madrazo Garreta. Roma 24 de julio de 1841.  Versalles 15 de septiembre de 1920.

Raimundo de Madrazo “La historia de una predestinación”

El destino jugaba con ventaja; y este; como siempre; tiene la banca a su favor… ¡No me gusta jugar con tramposos, ¡no me gusta perder!

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Retrato de Raimundo de Madrazo. 1875. Autor Federico Madrazo (padre de Raimundo). En este magnifico retrato, Federico Madrazo, pinta a Raimundo su hijo, cuando este contaba 34 años.

LOS MADRAZO. LA HISTORIA DE UN SAGA DE PINTORES ESPAÑOLES

RAIMUNDO DE MADRAZO

Nieto de José Larreta – Pintor de Cámara del Rey Fernando VII-, Hijo de Federico Madrazo. Padre de Totó, Cuñado de Mariano Fortuny, (estaba casado con Cecilia; su hermana). ¡Todos pintores!

Raimundo de Madrazo empezó su andadura artística de la mano de su padre Federico y de su abuelo José, màs tarde culminaría su formación pictórica en la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando.

Raimundo Madrazo habitualmente residió en París; ciudad donde tiene lugar su matrimonio; el pintor se casa con su prima Eugenia de Ochoa. Tuvieron un único hijo, poco después su esposa fallecería; su  hijo, Totó, también se dedicó a la pintura. El padre de Raimundo Madrazo; Federico Madrazo, fue pintor de cámara de la la Reina Isabel II, “La de los tristes destinos”.

En ParísRaimundo Madrazo participa en las exposiciones universales de 1860 y 1889.

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Retrato de señora 1901. Museo de Bellas Artes de Álava.

El retrato, al igual que sucedió con su padre, es el genero más utilizado por el artista. En el, el pintor nos muestra su admirable dominio de la técnica; el detalle, la suavidad, el sofisticado cromatismo de su paleta, en definitiva, su maestría.

También coleccionista, gracias a él, el Museo del Prado, tiene entre sus fondos, unos cartones para tapices de Francisco de Goya, que Raimundo Madrazo, obtuvo en 1869 y que pasados más de 25 años (1894), finalmente donaría a la pinacoteca madrileña. Pinacoteca de la que su padre Federico Madrazo fue director.

Su obra, está muy repartida en colecciones particulares y museos de todo el mundo. En cuanto a su cotización, no hace tanto tiempo, un cuadro suyo, “La dama de blanco” salió a subasta por 140.000 Euros.

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La Toilette. 1890.

Fue en el género de el retrato, donde más fama adquirió; obtuvo muchos encargos y por ende muchos ingresos. Fue un gran retratista al igual que lo fueran, su padre Federico Madrazo, o su abuelo Jose Larreta (fundador de la dinastía).

Hace ya unos años, 84 obras de la saga familiar fueron adquiridas por la Comunidad de Madrid, como dación en pago por impuestos; serán en el futuro alojadas en el Palacio de los Casado de Alcalá de Henares, Madrid.

Raimundo Madrazo. “La historia de una predestinación”.

Raimundo Madrazo. Saga. Dinastía. Pintura. Pintores. Retrato. Mercado del Arte. Museo del Prado. Museo Carmen Thyssen Málaga.

 

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En el Salón Dorado: una Armonía. Sus manos de marfil en el teclado Extraviadas en pasmo de fantasía; Así los álamos agitan sus plateadas hojas Lánguidas y pálidas. Oscar Wilde.

 

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Foto. Retrato de Oscar Wilde. 1895. Toulouse Lautrec

El retrato lo realizó su amigo Toulouse Lautrec en la cuidad de Londres a la que el aristocrático pintor se desplazó expresamente con la intención de retratarlo en tan excepcionales circunstancias, wilde tenía entonces 41 años y ya había protagonizado el gran escándalo de la época a causa de sus amoríos con el hijo de un conde. Con el Támesis al fondo vemos al genial escritor vestido elegantemente,  iQue no se diga! Wilde esperaba en ese momento su ingreso en prisión después de la sentencia del 25 de mayo de 1895 que le condenaba a 2 años de trabajos forzados en la Prision de Reading por comportamientos indecentementes. Lautrec demostraba así su amistad y respeto por el machacado escritor.

EN EL SALÓN DORADO: UNA ARMONÍA

Sus manos de marfil en el teclado
Extraviadas en pasmo de fantasía;
Así los álamos agitan sus plateadas hojas
Lánguidas y pálidas.
Como la espuma a la deriva en el mar inquieto
Cuando muestran las olas los dientes a la brisa.

Cayó un muro de oro: su pelo dorado.
Delicado tul cuya maraña se hila
En el disco bruñido de las maravillas.
Girasol que se vuelve para encontrar el sol
Cuando pasaron las sombras de la noche negra
Y la lanza del lirio está aureolada.

Y sus dulces labios rojos en estos labios míos
Ardieron como fuego de rubíes engarzados
En el móvil candil de la capilla grana
O en sangrantes heridas de granadas,
O en el corazón del loto anegado
En la sangre vertida del vino rojo
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Oscar Wilde

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En el Salón Dorado: una Armonía. Sus manos de marfil en el teclado Extraviadas en pasmo de fantasía; Así los álamos agitan sus plateadas hojas Lánguidas y pálidas. Oscar Wilde.

Oscar Wilde. Wilde. Literatura. Escritores. En el salón dorado una Armonía. Pintura. Pintores. Retrato. Lautrec. Toulouse Lautrec.