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Juan Genovés. «El mar no tiene fin»

Juan Genovés

Pintor. Artista Gráfico

Valencia 31 de mayo de 1930. Madrid, viernes15 de mayo de 2020, a los 89 años de edad, en un hospital de Madrid. Pintor. Artista Gráfico.

Realiza sus estudios artísticos, en la Escuela de Bellas Artes de Valencia, y la Real Academia de Bellas Artes de San Carlos.

Premio Nacional de Artes Plásticas de España, en 1984. Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, en 2005. Orden de Jaume I, el Conqueridor, en 2016.

Gente corriendo. (1975). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Estaba felizmente casado con Adela. Tenía 1 hijo, Pablo, y 2 hijas, Silvia y Ana, que le salieron los 3 artistas, aunque él hubiera preferido que se dedicarán a otra actividad. Lo que es un vicio demasiado común, en los miedosos planes familiares de casi todo el mundo. Padres, recordad, que hay un arte para vivir y un arte para subsistir, además, nunca se ha puedodo meter el mar en una pecera.

Juan Genovés positivo y energético, pronto desbrozará caminos ignotos, con un afán renovador del arte que hasta entonces percibía en su ámbito. La pregunta era, ¿En qué lugar y cual es la función del arte en general, y en particular la del encaje, del artista individual, siempre empotrado en la sociedad, pero a menudo sumiso, en una intradiagetica estancia estanca.

La inquietud de su vivo carácter siempre activo, su gran amor a la vida, y su mente despejada, fueron siempre, un motor transformador, así como también lo serían, su comprometida lucha, motivada, por fuertes convicciones, primeramente sociales. Fue un miembro activo del Partido Comunista Español.

Aguafuerte sobre papel. (1972). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Terminada la guerra civil española, participa, en diferentes colectivos artísticos. Los siete, en 1949, Parpallós, en 1950, y Hondo en 1960. También se le relaciona con el Pop Art, si bien es verdad que mediaba mucha distancia entre este movimiento artísticooriginario Pop Art, americano o ingles, más genético, y seminal.

En los años sesenta, dedica parte de su tiempo a participar en actividades en contra de la dictadura franquista…

«Yo era un perdedor y quería ganar alguna vez».

Así, fue como se convirtió en un activista siempre en lucha. Su gran motor en la vida, fue el miedo al régimen franquista. Tenía 6 años cuando comenzó la guerra civil española. 9 cuando terminó, y ya la política era su vida…

Aunque también quería ser futbolista del Valencia

Sin Titulo. (1970). Juan Genovés. Museo Nacional Centro De Arte Reina Sofía

Artísticamente, sus caminos se dirigen pronto a un figurativismo renovado, frente al informalismo, con el que a menudo convive, aún así, imprime en sus obras un carácter expresionista y abstracto.

Su padre fue un pintor aficionado fracasado, tal vez, ėl conseguiría triunfar en el mundo del Arte, pues ante todo, la de Juan Genovés, es una familia, que se agarra fuertemente a la cultura.

Piensa Genovés que el mar no tiene fin

DECADA DE LOS 70

EL ABRAZO 1976

Se hicieron 500.000 carteles del cuadro y se repartieron casa por casa. Nació en la transición y la clandestinidad. Sería utilizado como cartel, por Amnistia Internacional, y después como escultura conmemorativa, del horrible atentado de los abogados de Atocha, en cuyo despacho se encontraba colgado un póster de tan iconica imagen, el día del cruel atentado.

«El abrazo lo pinté yo, pero pertenece a todos los españoles«

La pintura, se expuso en Zurich, Alemania, y Estados Unidos, donde, es adquirida por un coleccionista, de Chicago. El éxito de Genovés es enorme, tanto, que la Galería Marlborough, entonces la más importante del mundo, se fija en él, y le propone asentarse, en USA, algo que rechaza, «No podía dejar tirados a mis compañeros de lucha, porque yo ahora fuera un pintor de éxito», éxito que comenzaría, el año 1966, en la Bienal de Venecia, donde se vendieron los 10 cuadros expuestos, y cuando,  la Galería Marlborough, además de otras, trataron de llevárselo a su porfolio, y desde entonces, seguirían mantenido relación. La galería, tiene sedes en España, en las ciudades, de Barcelona y Madrid.

Mientras tanto El Abrazo, se ha convertido en símbolo de reconciliación, y se procede a su adquisición, por el estado español, en la que media, la Galería Marlborough, de Nueva York, (donde posee, una de sus sedes, más importantes), que finalmente logra, mediante un intercambio, hacerse, con tan preciada obra. Genovés, bajo el amparo de la galería inglesa, consigue hacerse así, un hueco en el panorama artístico internacional.

El Apagón. (1989). Juan Genovés. Óleo sobre lienzo. Foto by Tb Art Archivos fondos propios

MULTITUDES

Con el tiempo y el tránsito por diferentes estilos, logra por fin descubrir una forma de expresión que posee un relato que nos cuenta algo, sobre el individuo inevitablemente solo, y el individuo fundido en la multitud, y las enormes fuerzas que inevitables ráfaguean violentas y enérgicas. Dudas, y subconsciente.

Primero fotografía, después, dibuja, luego brotan, pegotes de pintura aplicada directamente desde el tubo, y finalmente, el pincel da sombras, logrando la perspectiva aérea, perspectivas, que nos descubren, como las mareas, también en lo cotidiano, van formando su universo de masas, y personajes solitarios, que son tratados delicadamente por Genovés, con mimo, de uno, en uno.

Ámbito. (2016). Juan Genovés. Giclcée/Papel Hahnemühle Photo. Foto by Tb Art Archivos fondos propios

Amante del mar Mediterráneo, de Valencia, de su Valencia club de fútbol, y de Mestalla, donde se inspira observando los flujos humanos y sus corrientes. Y también del mar, siempre el mar. Últimamente dedicaba parte de su tiempo a repasar descartes, seleccionar lo válido, o tirar a la basura, lo superfluo... Descansa en paz, Juan Genovés, que la tierra te sea leve.

Juan Genovés. «El mar no tiene fin»

Juan Genovés. Genovés. Arte. Art. Artista. El abrazo

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Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Me atrapó enseguida

 

Mujer en el jardín de Monsieur Forest, c. 1889. Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

«Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre» Exposiciones

Más de 350 obras de diferentes artistas, como Bonnard, Forain, Vuillard, Signac, o Van Gogh.
Caixa Forum Madrid. Del 20 de febrero al 19 de mayo de 2019. Muy recomendable.


Toulouse-Lautrec. Conde hijo de un conde, de padres pronto separados, aunque nació noble, prefirió Montmartre y sus cabarets, donde las bailarinas fueron retratadas, y más aún, se convirtieron, en una especie de familia enlazada a la bohemia, que tenía y tiene, tanto que ofrecer, y por la que tanto hubo, y hay que pagar, hoy día, aunque al final nos merezca la pena.

Toulouse-Lautrec, sufrió, con su menguada talla, por mor de la consanguinidad. El que nació y murió en un castillo, acabó contraviniendo a su altivo padre, que lo despreciaba, por sus defectos físicos, pues decidió ser artista, y eso, lo fue de sobra. El noble progenitor debió de tragarse, entonces atragantado, su orgullo mal entendido. El Niño Toulouse, se quedó con su madre.

El caballero del cabaré y cuatro artistas del Chat Noir, c. 1884. Antonio de la Gándara. Foto by Tbart archivos fondos propios.

En París Montmartre, bullía entonces frenético, mas aunque la vida no era fácil, también la belleza exibia un variado muestrario, y los vecinos del barrio, artistas, camareros, bailarinas, poblaban pululando,  la elevada cota parisina, desde donde, se expandían difundiéndose imparables, nuevas e incomodas formas de entender el arte.

Caricatura de Toulouse-Lautrec enfrente del Moulin Rouge. (1890). Ferdinand Bac. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Al anochecer a diario, nuestro protagonista se dirigía al Moulin Rouge, donde tenía categoría de lo que llamaríamos hoy, cliente vip, y se entretenía a menudo, conversando con los empleados y las bailarinas del cabaret, así de esa manera tuvo el privilegio de retratar a estas ultimas, en sus rutinas de camerino, sin que ellas, se sintieran avergonzadas, o molestamente invadidas. Para muchas, fue de gran ayuda, casi, el familiar (a menudo, les faltaba), que las comprendía, aconsejaba, y también si lo necesitaban, ayudaba económicamente. Toulouse-Lautrc, siempre fiel a sus rutinas, se sentaba en un velador reservado,va solas, con su bella absenta azulada y sus tizas de colores, y abstraído, entonces, rompía la figuración, para crear algo nuevo, diferente, más sincero, y curiosamente, cuanto más alejado de la realidad, más veraz.

En el Moulin Rouge, la Goulue y su hermana. (1892). Toulouse-Lautrec. Foto by Tbart archivos fondos propios.

Debo de confesarles que mi opinión de Toulosd-Lautrec, se ha modificado mucho, desde que pude ver sus primeros carteles, y confieso, que me pareció un magnífico ilustrador publicitario, pero no le di más importancia, poco tiempo después, cuando por fin, fui conociendo más su obra en profundidad, me di cuenta enseguida, de que me encontraba ante uno de los pintores más importantes de la historia reciente en el mundo del arte, pude ver en París pinturas de gran formato, y otras más pequeñas, que me descubrieron, la gran talla de un artista, cuya menguada talla y sufrimiento, pudieron en principio, ser meras coartadas, que le empujaran sin remisión al incierto camino del arte; mas hicieron de ėl, un artista único que le dio un vuelta al figurativismo, y que finalmente…, me atrapó para siempre.

Todas las reproducciones de obras de arte, aquí expuestas, participaron en dicha exposición.

Toulouse-Lautrec y el espíritu de Montmartre. Toulouse-Lautrec me atrapó enseguida

Toulouse-Lautrec. Pintor. Pintura. Exposiciones. Montmartre. Arte. Moulin Rouge.  Paris

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Expresionismo Abstracto. Un arte nuevo asoma en Nueva York

Expresionismo Abstracto:

Escuela de Nueva York. American Type Painting. Abstrac Expressionism, Action Painting, Gestual Painting

Son algunas de las etiquetas que se relacionan con este movimiento artístico, fechado en la ciudad de Nueva York, a comienzos, de los años 40 del extinto siglo XX.

Convergence. (1952). Jackson Pollock

Estados Unidos, adquiere un lugar prominente, en el panorama artístico internacional; una vez acabada la Segunda Guerra Mundial; las obras de arte; la manera de concebirlas así como, la libertad creativa, había sido duramente cercenada en Europa, y muchos creadores se encontraron exiliados en el nuevo continente, y especialmente en la ciudad de Nueva York, (aunque no exclusivamente), la joven metrópoli, se convierte así, en la capital de la modernidad, en ella, un pequeño grupo de artistas con inquietudes similares, se interesan al mismo tiempo, por el mito americano, si bien, conservando una importada influencia intelectual europea.

Algo nuevo está naciendo, el tiempo, ha transformado (como no puede ser de otra manera), también el arte, como un parte de la vida imprescindible, e imparable. El artista reclama un lugar en la sociedad. La vitalidad se impone naturalmente, también, la introspección, la soledad y la lucha, a la vez, que se abandonan radicalmente las senda de lo trillado, y del aburguesado  y cómodo camino abaldosado.

La libertad, la afirmación del individuo, y el libre e ignoto inconsciente, son, semilla de expresión, a la vez que una neta, declaración de intereses.

Canto XIV. (1964). Barnett Newman

Los pintores americanos, Pollok, Motherwell, Newman, y migrantes como De Kooning, Gorky, o Rothko, de raíces europeas, entre otros, se enfrentan valientes ante un nuevo camino. Trazo, mancha, materia, goteos, textura, automatismos, (heredados del surrealismo europeo), pureza, y expresión inconsciente, abandono, azar, sinceridad, crudeza. Todo esto, es el Expresionismo Abstracto.

Memoria in Aeternum. (1962). Hans Hofmann

Una mención especial merece, Hans Hofman. Pintor nacido en Alemania en 1880, y fallecido en Nueva York en 1966. Residió en Múnich, París, y finamente nuevamente en Nueva York. En todas esta ciudades se dedicó a la enseñanza del arte, Jackson Pollok y Mark Rothko, se encuentran entre sus alumnos. Tuvo una gran influencia en el desarrollo del Impresionismo Abstracto.

La expresión libre del artista, que se implica, remanga y recurre a la acción desde su individualidad existencialista. Se derriban así, las barreras de lo racional o planificado, y como pioneros prospectores avanzan instintivamente. estar dentro, ser parte, de lo que finalmente será su obra terminada, es algo místico. Obtienen así finalmente una marca, una huella, que tiene que ver con el momento, y que quedará atrapada junto con el alma etérea, y la pesada masa del artista.

Black Red and Black. (1968). Mark Rothko

Rothko por ejemplo, pintaba grandes formatos para  de alguna manera sentirse durante el proceso (en sí mismo un fin creativo), “estar dentó de su pintura “, Rothko, acabaría interviniendo místicamente con su obra, en la capilla de… “Rothko Chapel”, (capilla abierta a todas las religiones), situada en Houston, Texas.

Pintores españoles como Esteban Vicente, y José Guerrero, son una muestra de la influencia de este movimiento en el panorama del arte contemporáneo internacional.

Autumn. (1993). Esteban Vicente

La sensación de vértigo atrapa al pintor, que como un golpe de fuerza, pelea con la materia, traza caminos, mientras trata de librarse concienzudamente de todo lo que conoce para abandonarse en un diálogo intradiagetico, en el que juega un papel importante, el azar, y finalmente, y como parte fundamental, del resultado final, el criterio de artista.

Sin titulo. (1963). José Guerrero

El resultado es algo puro, diferente, y lo más importante, trasmite autenticidad. En cuanto a la asociación de manchas y las formas resultantes que asociamos con imágenes concretas, De Kooning manifestó “El objetivo del expresionismo abstracto, no es la abstracción, sino la expresión».  También declaró, «De una manera espiritual, las formas abstractas deben parecerse a algo”.

Recogimiento, grandes áreas de color que inundan los lienzos, veladuras, transparencias de capas, misticismo y religiosidad, nos transmiten tal vez la ensoñacion, de un sutil paisaje, espiritualmente sugerido.

Expresionismo Abstracto. Un arte nuevo se asoma a Nuev York

Expresionismo Abstracto. Abstracto. Abstracción. Arte abstracto. Arte. Movimiento artístico. Nueva York.

 

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Edgard Allan Poe. El Retrato Oval. Peregrina belleza, que en mala hora amó al pintor

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Foto by TbART

Edgard Allan Poe. Boston 1809. Baltimore 1848.

EL RETRATO OVAL. 1842. (FRAGMENTO).

Era una joven de peregrina belleza, tan graciosa como amable, que en mal hora amó al pintor y se desposó con él.

Él tenía un carácter apasionado, estudioso y austero, y había puesto en el ARTE  sus amores; ella, joven, de rarísima belleza, toda luz y sonrisas, con la alegría de un cervatillo, amándolo todo, no odiando más que el ARTE, que era su rival, no temiendo más que la paleta, los pinceles y demás instrumentos importunos que le arrebataban el amor de su adorado.

Terrible impresión causó a la dama oír al PINTOR hablar del deseo de retratarla. Mas era humilde y sumisa, y sentóse pacientemente, durante largas semanas, en la sombría y alta habitación de la torre, donde la luz se filtraba sobre el pálido lienzo solamente por el cielo raso.

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El pintor y la modelo. 1963. Pablo Picasso.

El ARTISTA cifraba su gloria en su obra, que avanzaba de hora en hora, de día en día. Y era un hombre vehemente, extraño, pensativo y que se perdía en mil ensueños; tanto que no veía que la luz que penetraba tan lúgubremente en esta torre aislada secaba la salud y los encantos de su mujer, que se consumía para todos excepto para él.

Ella, no obstante, sonreía más y más, porque veía que el PINTOR, que disfrutaba de gran fama, experimentaba un vivo y ardiente placer en su tarea, y trabajaba noche y día para trasladar al lienzo la imagen de la que tanto amaba, la cual de día en día tornábase más débil y desanimada.

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Y, en verdad, los que contemplaban el retrato, comentaban en voz baja su semejanza maravillosa, prueba palpable del genio del PINTOR, y del profundo amor que su modelo le inspiraba.

Pero, al fin, cuando el trabajo tocaba a su término, no se permitió a nadie entrar en la torre; porque el PINTOR había llegado a enloquecer por el ardor con que tomaba su trabajo, y levantaba los ojos rara vez del lienzo, ni aun para mirar el rostro de su esposa. Y no podía ver que los colores que extendía sobre el lienzo borrábanse de las mejillas de la que tenía sentada a su lado.

Y cuando muchas semanas hubieron transcurrido, y no restaba por hacer más que una cosa muy pequeña, sólo dar un toque sobre la boca y otro sobre los ojos, el alma de la dama palpitó aún, como la llama de una lámpara que está próxima a extinguirse.

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Calavera. Van Gogh

Y entonces el PINTOR, dio los toques, y durante un instante quedó en éxtasis ante el trabajo que había ejecutado. Pero un minuto después, estremeciéndose, palideció intensamente herido por el TERROR, y gritó con voz terrible: «¡En verdad, esta es la vida misma!» Se volvió bruscamente para mirar a su bien amada: ¡Estaba muerta!»

Edgard Allan Poe

Edgard Allan Poe. El Retrato Oval. Era una joven de peregrina belleza, que en mala hora amó al pintor y se desposó con él.

EDGARD ALLAN POE. LITERATURA. EL RETRATO OVAL. ESCRITORES. TERROR. ALLAN POE. POE. MIEDO. ARTE. PINTOR.

 

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Pasen y vean. Tomás Bartolomé. Óleo/Poliestireno. Romancero

PASEN Y VEAN. (2017). ÓLEO/POLIESTIRENO. TOMÁS BARTOLOMÉ

Romancero. Es una colección de romances medievales recogidos por escrito en el siglo XV.

Los juglares recitaban interesantes historias, habitaban puntualmente, las bellas plazas a menudo porticadas, y andaban solos los caminos, con un alargado puntero, y su enrollada pantalla desplegable, con vividas viñetas, de las escenas más destacadas, del fascinante cuento, que mostraban a un ávido público congregado e Interesado, los momentos mås reseñables, y épicos (entre otros), los de, los cantares de gesta.

ROMANCES ÉPICOS

ENTIERRO DE FERNANDARIAS

Por aquel postigo viejo que nunca fue cerrado vi venir pendón bermejo con trescientos a caballo,

en medio de los trescientos vi en un monumento armado y dentro del monumento viene un ataúd de palo y dentro del ataúd venía un cuerpo finado:

Fernán d’Arias ha por nombre, fijo (hijo) de Arias Gonzalo. Llorábanle cien doncellas, todas ciento hijas dalgo; todas eran sus parientas en tercero y cuarto grado:

las unas le dicen primo, otras le llaman hermano, las otras les decían tío, otras le llaman cuñado; sobre todas le lloraba aquella Urraca Hernando y cuán bien que la consuela ese viejo Arias Gonzalo:

-¿Por qué lloráis, mis doncella, por quė hacés tan grande llanto?

No lloréis asī señoras, que no es para llorarlo, que si un hijo me han muerto ahí me quedan cuatro.

No murió por las tabernas ni a las tablas jugando, mas murió sobre Zamora vuestra honra guardando.

Murió como caballero con sus armas peleando.

Pasen y vean. Pintura. Óleo/Poliestireno. Tomás Bartolomė ¿Por qué lloráis, mis doncellas, por quė hacés tan grande llanto?

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Jeff Koons. Escultor mediático y el perro «Puppy» del Guggenheim Bilbao Una inversión rentable

imageJeff Koons. York, Pensilvania, USA. 1955.

Comenzó su carrera realizando estudios de Arte en Chicago y Baltimore.

Se ha convertido, en uno de los artistas contemporáneos que han alcanzado la más alta cotización económica, en el panorama del arte mundial. Para que se hagan una idea, la obra «Globo perro naranja», alcanzó el precio de ¡Agárrense!, 55 millones de dólares…

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Perro globo de Jeff Koons

MERCADO DEL ARTE

¡Jesus en el templo, lleno de mercaderes!

Hay quienes sospechan, que la labor de la agencia de publicidad de la que se sirve para promocionarse, tiene mucho que ver con los precios astronómicos que alcanzan sus obras. Utilización del Marqueting, para inflar los precios, en un mercado de inversión (el arte como valor especulativo), que Jeff Koons conoce muy bien, pues no en vano antes de artista, fue un ávido corredor de bolsa.

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Escultura de Jeff Koons. Museo Guggenheim Bilbao. Foto, by TbArt. Archivos fondos propios.

¡En fin, la polémica está servida, y a sus espectaculares creaciones le viene muy bien!

En 1991 Koons se casa, con la actriz italiana de porno «Cicciolina» de la cual realiza una serie de obras de marcado carácter sexual. Se divorcian dos años después. Comienza entonces una dura  batalla legal, por la custodia de su única hija.

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Jeff Koons y Cicciolina. Vía internet.

En los años 80 Jeff Koons, ya es un artista conocido, son tantos los encargos que recibe que trabajan en su Taller de Arte más de 30 personas. Para algunos es genial, para otros, no es nada más que un farsante al que le pierde el dinero. ¿Ustedes qué  piensan? Trabaja Koons, en pequeñas esculturas de porcelana, y también en obras monumentales de más de 1000 kilos de peso, (realizadas en materiales como acero y cromo), su aspecto aparentemente, parece muy ligero, aunque en realidad son esculturas muy pesadas.

ARTISTA MEDIATICO

Su vida se asemeja más a la de un artista del «Show business», que a la de un escultorJeff Koons siempre está abierto a colaboraciones que le mantengan de actualidad, como la sesión de fotos realizadas, a la cantante Lady Gaga, que posó desnuda para la cámara del genial artista de York.

EL PERRO PUPPY UN ICONO BILBAÍNO

En España ha participado en Arco (Feria internacional de arte contemporáneo de Madrid). Aunque su obra más conocida se encuentra en el exterior del Museo Guggenheim de Bilbao, se trata de su perro «Puppy», un terrier gigante, cubierto de plantas y pequeñas flores en constante crecimiento, que es una verdadera delicia, y lo primero que se encuentra uno en el exterior (a la entrada), del maravilloso museo bilbaíno.

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El Perro Puppy en el exterior del Guggenheim Bilbao. Foto. Archivos fondos propios, by TbArt.

JEFF KOONS ARTE O NEGOCIO

 Jeff Koons. Escultor mediático y el perro «Puppy» del Guggenheim Bilbao

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Arte. La Sagrada Familia. Feliz Navidad

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La Sagrada Familia. Siglo XVI. Anónimo. Palacio Episcopal. Ciudad Rodrigo. (Salamanca).

FELIZ NAVIDAD

Paz en el mundo a todos los hombres de buena voluntad.

Feliz Navidad, en especial a todos los que habéis compartido conmigo tantos días que ahora, lentamente, como arena fina, se nos escapan de entre los dedos. Muchas gracias de corazón a tod@s. Sin vosotros este Blog de Arte, no tendría sentido.

Hoy, día de Navidad, es un día mágico, en el que añoche, en Belén, nació un niño…, nació, la inocencia. Y la esperanza. Y también nace, en todos los rincones del universo, un hombre como nosotros, (que lleva un grito que nos es común), sufrirá, perderá, mas será, generoso, humilde, y valiente, siempre, (y siempre por nosotros), hasta en los más difíciles momentos.

La mayoría comeremos hoy en familia, otros, y algunos (me acuerdo de ellos, especialmente), solos. Seguir una estrella, hacer ya, que nuestros deseos se hagan tan reales, como una clara y luminosa mañana, cuando asoma dulce y cálida, con su magia de rayos de sol, dorados.

MI NAVIDAD IDEAL

Mi Navidad ideal, seria estar rodeado de arte, amigos, y familiares, en un ambiente de celebración, alegría y fiesta, en la que además de una comida sabrosa, y de algunos benéficos añadidos para animar el espíritu, se cantara y se bailara, siempre alegres y con ganas, como tantas veces, lo hicieron, Camarón, Paco de Lucia, Parrita, Tomatito, Raimundo Amador…

En este día tan especial, que el amor ❤️ sea una declaración de intereses, y  por favor ser felices, juntos podemos hacer un mundo mejor. Y de nuevo… Gracias

Arte. La Sagrada Familia. Feliz Navidad. Tomás Bartolomé.

Arte. Nochebuena 2020. La Sagrada Familia. Ciudad Rodrigo. Salamanca

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Arte. Velázquez. Manet Lo calificó como «pintor de pintores»

VELÁZQUEZ Diego Rodríguez de Silva y Velázquez. Sevilla 6 de junio de 1599-Madrid, 6 de agosto de 1660.   imagePintor barroco. Naturalismo.

Para muchos es  el mejor pintor español de todos los tiempos, en difícil pugna con otro de los grandes, Goya. Aunque dicen que las comparaciónes son odiosas, sería en este caso muy complicada la contraposición, al tratarse de pintores de muy distintas épocas, el gran maestro aragonés nació en 1746, y Velázquez en 1599, 147 años después que el genio sevillano.

Goya, en alguna ocasión declaró no tener otros maestros que Velázquez, Rembrandt (1608), y la Naturaleza, La opinión de Velázquez sobre Goya, si fuera posible, no podría ser distinta de la del pintor aragonés.

Juan Rodríguez de Silva, padre de Velázquez, (tal vez  hidalgo), fue un notario eclesiástico. nacido en Sevilla, de origen portugués, (los abuelos paternos, se establecieron en la ciudad del Guadalquivir procedentes de Oporto), y Jerónima Velázquez, su madre, sevillana de nacimiento. Diego, era el mayor de ocho hermanos; su hermano Juan, fue también fue pintor.

1609. Con diez años, recibe formación artística en el taller del gran Francisco Herrera el Viejo.

1611, este año su padre firmó la «carta de aprendizaje» de su hijo, Diego de Velázquez, que tenía 12 años, con Francisco Pacheco, obligándose con él, a un periodo de enseñanza de seis años.

Francisco Pacheco, además, de pintor, maestro, y escritor de «El arte de la pintura», que no llegó nunca a ver publicado. No fue mal dibujante, ni mal pintor, con él Velåzquez, aprendió a dibújar del natural, modelos en diferentes posturas, así como caras, y gestos; narices, ojos, bocas, orejas… la misma pedagógica repetición, llevada a cabo siglos después, por el genial Picasso, y otros muchos. Como la envidia es muy mala, Vicente Carducho y Eugenio Cajés, (sus competidores a Pintor del Rey) lo acusaron de ser sólo capaz de pintar cabezas. También recibió críticas de otros pintores de la corte.

Velázquez. Con éxito e influencia, pinta bodegones, (genero pictórico de procedencia flamenca), tan del gusto de aquel tiempo, Se conservan 9 bodegones de su primera época, y once obras de temática distinta. Iluminación tenebrista influenciada por Caravaggio y Zurbarán. Relieve. Un color espeso recubría totalmente el lienzo, luego, en primer plano, colocaba, figuras fuertemente iluminadas, sobre fondo oscuro, aplicaba pinceladas densamente empastadas y modelaba las formas con precisión.

Colores dominantes tostados, carnaciones cobrizas, su paleta de colores era muy reducida. Utilizó toda la vida  los mismos pigmentos, variando con el tiempo la forma de mezclarlos y aplicarlos.

Sevilla, la antigua Hispalis, era entonces  una de las ciudades  más ricas y poblada de España y, la más internacional; su puerto que monopolizaba el comercio con América, le insuflaba modernidad y en ella se percibía enseguida, una rica mezcla de razas y culturas, por sus calles paseaban muchos pintores pues allí no les faltaba trabajo. También poseía una importante sede eclesiástica.

VELÁZQUEZ en 1617, aprobó ante Juan de Uceda, y Francisco Pacheco (su maestro), el examen que le permitía incorporarse al gremio de pintores de Sevilla. Recibió licencia desde entonces, para ejercer como «Maestro de Imaginería y al Óleo», pudiendo practicar su arte en todo el reino, tener tienda pública y contratar aprendices. Tenía 18 años.

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Vieja friendo huevos. 1618. Velázquez

BODA Y LA MAESTRÍA

1618, 23 de abril, el artista se casa en Sevilla, con Juana, la hija de Pacheco (su maestro), que tenía entonces 15 años. En la bella ciudad de la giralda, también nacieron sus dos hijas: Francisca, e Ignacia. Su Maestria de genio ya se manifestó en sus primeras obras realizadas con sólo 18 o 19 años, El Aguador de Sevilla (1620) fue uno de los cuadros que llevó a Madrid. Se lo regaló a Juan Fonseca, por su ayuda en la corte. Mucho tiempo después, este, será a su vez regalado al general Wensley por el Rey Fernando VII. Actualmente se encuentra en Londres.

La Sevilla, rica, y eclesiástica, demandaba temas religiosos, cuadros de devoción y retratos. Su forma de interpretar el natural permitió a VELÁZQUEZ llegar al fondo de los personajes, mostraba así, una gran capacidad para el retrato, les tramitia fuerza interior y temperamento. En su primera visita a Madrid, la primavera de 1622, pinta el retrato de Góngora. Del que existen 3 copias.

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Retrato de Góngora. 1622

En 1621 fallece Felipe III, al que sucede Felipe IV, el cual favoreció a un noble de familia sevillana, Gaspar de Guzmán, el Conde-Duque de Olivares, el todopoderoso valido. Velázquez debió ser presentado a Olivares, por Juan de Fonseca o por Francisco de Rioja

«No se pudo retratar al rey aunque se procuró». El pintor regresó a Sevilla. A quien sí retrató por encargo de Pacheco, que preparaba un libro de retratos, fue a Góngora. También, al  fin se consiguió que el Conde-Duque llamase a Velázquez para retratarlo. Hizo así su retrato, el  30 de agosto de 1623, a gusto de Su Majestad, de los infantes, y del Conde Duque, que afirmó, «no haberse retratado al rey hasta entonces»; lo mismo opinaron, todos los señores que lo vieron. el joven monarca, era solo seis años menor que Velázquez.

En octubre de 1623 se le ordenó trasladar su lugar de residencia a Madrid, como Pintor del Rey con un sueldo de veinte ducados al mes, este, no incluía la remuneración que pudiera obtener por sus propias pinturas y, otras concesiones, como los beneficios otorgados a petición del Conde-Duque.

MADRID 1624

1624. Con 24 años Velázquez en Madrid, finalmente es nombrado Pintor del rey Felipe IV, y cuatro años después, Pintor de Cámara, labores a las que dedicó el resto de su vida. Retratos del rey, y de la familia real, más la decoración de las mansiones reales. Tambien, tiene tiempo de estudiar, la colección real de pintura.

En las enseñanzas de su primer viaje a Italia, conoció la pintura antigua y la de su tiempo, influencias determinantes para evolucionar a un estilo de gran luminosidad y, una técnica de pinceladas rápidas y sueltas.

EXITO EN LA CORTE

Velázquez pudo visitar las colecciones reales de pintura, de enorme calidad. Carlos I y Felipe II habían reunido, cuadros de Tiziano, Veronés, o Tintoretto.

El estudio de la colección real, especialmente la de los tizianos, tuvo una decisiva influencia en su evolución estilística, que pasó del naturalismo austero de su época sevillana, a las severas gamas terrosas y, la luminosidad, los grises plata y, los azules transparentes.

1627 juró el cargo de Ujier de Cámara, y desde 1628, Pintor de Cámara; el poder pintar cuadros para decorar los palacios reales, le dio, una mayor libertad en la elección de temas, libertad, de la que no gozaban los pintores comunes, atados a los encargos y la demanda del mercado, además,  podía aceptar también encargos particulares, en Madrid, sólo lo hizo, de miembros influyentes de la corte.

Su técnica en este periodo, valora más la luz en función del color y la composición. los retratos son luminosos y de mayor refinamiento.

Su tendencia a repintar rectificando lo hecho, a menudo, dificulta la datación precisa de sus obras, «arrepentimientos», achacables a la ausencia de estudios previos, y a un modo lento de trabajar, «flemático», según lo definió el propio rey.

«Pasado el tiempo lo antiguo, que quedó debajo, y sobre lo que se pintó, surge de nuevo».

RUBENS EN MADRID

En 1628 Rubens llegó a Madrid para realizar gestiones diplomáticas, y permaneció en la ciudad casi un año. Pintó del orden de diez retratos de la familia real.

En su estancia madrileña, Rubens, copió obras de la colección de pintura del rey, especialmente de Tiziano, pues, representaba para él inspiración y estímulo. Felipe IV llegó a poseer la más importante colección de obras del pintor veneciano.

Rubens y Velázquez ya habían colaborado antes, el flamenco utilizó un retrato de Olivares pintado por Velázquez, para el dibujo de un grabado impreso en Amberes en 1626,  el marco alegórico fue diseñado por Rubens, la cabeza por Velázquez. El sevillano debió ver pintar los retratos reales a Tiziano, una gran experiencia fue observar la ejecución de esos cuadros. Rubens en Madrid, fue la primera influencia decisiva, que sufrió la pintura de Velázquez.

Rubens impulsó el primer viaje de Velázquez a Italia. así Velázquez, obtuvo el permiso real para completar sus estudios.

Cambio Decisivo. Viaje a Italia. 1629

El 22 de julio, se le concedieron para su ansiado viaje a Italia, dos años de salario, 480 ducados y, también el dinero de algunas ventas, viajó con un criado, llevando con él cartas de recomendación para las autoridades. Era el pintor del Rey de España, y se le abrieron todas las puertas, pudiendo contemplar obras solo para sus ojos. Se produce entonces una radical transformación de su estilo. Ensayó nuevas técnicas, buscó la luminosidad, y encontró su lenguaje pictórico propio, mediante una combinación de pinceladas sueltas, de colores transparentes y, toques precisos para resaltar los detalles.

La Fragua de Vulcano, (1630). Es una obra esencial para entender su evolución. La atmósfera ha superado las limitaciones del tenebrismo y los cuerpos se modelan en un espacio real y no emergen en una sombra envolvente. Desnudo y riqueza de expresion, denotan el estudio del clasicismo romano-boloñés. Estuvo en Génova, y luego en Venecia ciudades en las que visitó colecciones artísticas de los distintos palacios y, copió obras de Tintoreto, después partió hacia Ferrara.

Viajó a Roma donde permaneció hasta el otoño de 1630, alojado en el Vaticano, pudo dibujar libremente los frescos de Rafael y Miguel Ángel; finalmente, regresó a Madrid pasando antes, por Nápoles, donde realizó el retrato de la Reina de Hungría (Museo del Prado), En la cuidad napolitana pudo conocer a José de Ribera (El Españoleto), que en ese momento se encontraba, en su plenitud pictórica.

Madurez en Madrid

Con solo 32 años, realiza el Retrato de Felipe IV. De castaño y plata. Pintado hacia 1623, El conjunto aparece plasmado meticulosamente; consigue los efectos del vestido y de las mangas mediante manchas y toques irregulares.  Al compararse los retratos de Felipe IV realizados por ambos pintores, las diferencias son notables: Rubens los pintó de forma alegórica, Velázquez como la esencia del poder. Picasso lo analizó así: «el Felipe IV de Velázquez, es persona distinta del Felipe IV, de Rubens».

             

Retrato de Felipe IV de España, Rubens, (1628-29) . Felipe IV,  Velázquez, (1626-28)

Concluido su primer viaje a Italia estaba en posesión de una técnica extraordinaria. La década de 1630 fue para Velázquez la de mayor actividad, casi un tercio de su catálogo pertenece a este periodo.  En 1630 la preparación de los cuadros cambió y se mantuvo así el resto de su vida. Su técnica. Blanco de plomo aplicado con espátula, que formaba un fondo de gran luminosidad, complementado con pinceladas cada vez más transparentes. Hacia 1640 esta intensa producción disminuyó drásticamente, y ya no se recuperó en el futuro.

1631, prosiguió su ascenso en la corte. Este año entró en su taller un joven ayudante de veinte años, Juan Bautista Martínez del Mazo, Mazo se casó el 21 de agosto de 1633 con la hija mayor de Velázquez, Francisca, que tenía 15 años de edad. En 1634 su suegro le cedió su puesto de Ujier de Cámara, para asegurar el futuro económico de Francisca. Mazo apareció desde entonces estrechamente unido a Velázquez, como su ayudante más importante.
Velázquez participó en los dos grandes proyectos decorativos del periodo impulsados por Olivares, el nuevo, Palacio del Buen Retiro, y la Torre de la Parada. En1633 recibió la Vara de Alguacil de Corte; Ayuda de Guardarropa de su Majestad en 1636; en 1643 Ayuda de Cámara (el máximo reconocimiento de los favores reales), y Superintendente de Obras un año más tarde.

LOS 40 NEGRA DÉCADA

Muere su suegro y maestro Francisco Pacheco (1644), cae del poder el valido del rey, el Conde-Duque de Olivares, su protector; muee la reina Isabel (1644); defunción del príncipe Baltasar Carlos, a los 17 años de edad; rebeliones en Cataluña y Portugal, derrota de los tercios españoles en la batalla de Rocroi.

REGRESO A ITALIA

1649, de nuevo en Italia. Embarca, en enero, hacia, Génova y, permanece, en Italia  hasta mediados de 1651, con el mandato real, de adquirir pinturas, y esculturas antiguas  (Al no poder comprarlas, encargó copias en bronce mediante vaciados o moldes), y contratar a Pietro da Cortona para pintar al fresco varios techos de, El Real Alcázar de Madrid.

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RETRATO DE INOCENCIO X. (1650). 140 x 120 cm. Galería Doria Pamphili. Roma

Velázquez fue nombrado Académico Romano (1650). El retrato más importante que pintó en Roma, fue el del Papa Inocencio X. debió sentir profundamente, el apasionante reto de pintar al Papa, sería consciente, al contemplar los retratos que Tiziano y Rafael pintaron a anteriores papas, (y considerados obras maestras), que sería eternamente, recordado y, comparado con estos dos grandes maestros de la pintura.

Una combinación de distintos tonos; rojos, amarillos, blancos. La figura erguida en el sillón. Fuerza, vigor en su rostro y, mirada severa. El retrato más aclamado en vida del pintor y que sigue hoy día suscitando inspiración y admiración, estaba en la cima de la fama y la técnica. No era fácil que el Papa posase para un pintor, muy pocos, lo conseguían, las pinturas que Velázquez le llevó como regalo del rey lo facilitaron. Con pinceladas sueltas, varios tonos de rojos se combinan, desde el más lejano, al más cercano; al fondo el rojo teja oscuro de la cortina, después, el más claro del sillón, en primer plano, el impresionante rojo de la muceta, con sus luminosos reflejos. Sobre este ambiente domina la cabeza del pontífice de rasgos fuertes.

Felipe IV deseaba su vuelta a España. En febrero de 1650 escribió a su embajador en Roma para que urgiese su regreso: «pues conoceis su flema, y que sea por mar, y no por tierra, porque se podría ir deteniendo y más con su natural». Velázquez seguía en Roma a finales de noviembre; hasta mayo de 1651, no embarcó en la ciudad Génova. En1651 regresa a Madrid, con numerosas obras de arte. Felipe IV lo nombró Aposentador Real, lo que le encumbró en la corte, y añadió a su cuenta fuertes ingresos, que se sumaron a los que ya recibía como pintor, ayuda de cámara, superintendente y, en concepto de pensión.

Al final de su vida pintó sus dos composiciones más grandes y complejas: La fábula de Aracné (1658), conocida popularmente como Las hilanderas, y el más celebrado y famoso de todos sus cuadros, La Familia de Felipe IV (Las Meninas).

En 1656. Podemos apreciar su estilo último, donde parece representar la escena, mediante una visión fugaz; pinceladas atrevidas, que de cerca parecen inconexas, pero contempladas a distancia adquieren todo su sentido, anticipándose a la pintura de Manet, y a los impresionistas del siglo XIX.

Velázquez deseaba alcanzar la nobleza, y procuró ingresar en la Orden de Santiago. Debía probar que sus antepasados directos habían pertenecido a la nobleza, que no eran ni judíos ni conversos. Mas no acreditada la nobleza, sólo la dispensa papal podía lograr que fuese admitido en la Orden. A instancias del rey, el papa Alejandro VII dictó sentencia en 1659 otorgándole la dispensa solicitada, y el rey le concedió la hidalguía, venciendo así la oposición del Consejo de Órdenes, que en la misma fecha despachó en favor del pintor.

Cayó enfermo a finales de julio, y el 6 de agosto de 1660, murió a las tres de la tarde en Madrid. Al día siguiente, 7 de agosto, fue enterrado en la desaparecida iglesia de San Juan Bautista con honores. Ocho días después, el 14 de agosto, falleció también su esposa Juana.

ESTILO

Desarrolló su propio estilo, de  pinceladas diluidas, toques rápidos y, precisos detalles. Simplificación, rapidez de ejecución.Técnica, precisa y esquemática; no tenía la composición totalmente definida al ponerse a trabajar; prefería ajustarla según iba progresando. Raramente hacía dibujos preparatorios, solo algún boceto, líneas generales y composición. Sus célebres correcciones se aprecian a simple vista. Otra costumbre era retocar sus obras después de concluidas; en algunos casos, muchos años después. El acabado es otra parte fundamental de su arte, las figuras –en particular cabezas y manos– son siempre la parte más elaborada; mientras zonas abocetadas con amplias pinceladas ocupan gran parte del cuadro, partes de una, intensidad expresiva intrínseca, bien integradas en la composición del cuadro,

Su catálogo consta de unas 120 o 130 obras. cantidad reducida, dados los cuarenta años de dedicación pictórica. Debió pintar alrededor de ciento sesenta cuadros.

El Museo del Prado tiene unas cincuenta obras del pintor, la parte fundamental de la colección real, mientras que en otros lugares y museos de Madrid, se encuentran otras diez obras. El resto, guardadas como oro en paño, en los museos más importantes del mundo.

Pintura. Velázquez. Manet Lo calificó como el «pintor de pintores» y «el más grande pintor que jamás ha existido».

Arte. Pintura. Pintores. Velázquez. Sevilla. Madrid. Roma. Museo del Prado. Rubens. Goya. Retrato. Retrato de Inocencio X.

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Roderick Hudson. Henry James. Es el arte lo que da vida, da interés

Piazza della Signoria. Florencia. Giuseppe Zocchi

HENRY JAMES Nueva York, 15 de abril de 1843. Londres, 28 de febrero de 1916, (derrame cerebral). Escritor y critico literario.

<<Es el arte lo que da vida, da interés, da importancia, y no conozco ningún sustituto de la fuerza y belleza de su proceso>>. HENRY JAMES

«RODERICK HUDSON». NOVELA. Está ambientada en Italia (Florencia, Roma, Venecia…)

Un escultor apasionado por su arte, un mecenas, una madre, una prometida, y un gran amor se conjugan con paisajes y ciudades, con dilemas morales, amistad, y sufrimiento.

A continuación un delicioso fragmento de lo que fué la segunda novela que escribió Henry James. Fue publicada primeramente por entregas en la revista Atlantic Monthly en 1875, y un año después en forma de libro. Es para Henry James su primera novela, (pues consideraba la primera, «Watch and Ward», como un simple ejercicio de juventud).

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«RODERICK HUDSON». Fragmento. Dos pintores, Roderick y Singleton, dos formas de ver el arte, de entender la vida, solos bajo el magnetismo de la naturaleza, desnudan sus diferentes seres.

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Las noches eran frías y nuestros amigos, junto a tres o cuatro residentes ocasionales, se sentaron en el interior frente a un fuego de grandes troncos. Incluso con Roderick sentado malhumoradamente en el circulo exterior de sombras, formaban un pequeño y amable grupo, y centraron su atención en los dibujos de Singleton, mientras éste los colocaba en la esquina de la chimenea, sonrojado y comentándolos, con los pies sobre los travesaños de la silla. Había estado desplazándose a pie durante seis semanas, y se alegraba de descansar por un tiempo en Englelthal. Se trataba de un reposo frugal, sin embargo, porque cada mañana salía con sus útiles de dibujo a la espalda, en busca de temas para nuevos bocetos. Después de la primera noche, la hilaridad de Roderick había remitido, y observaba la tranquila actividad del pequeño pintor con una seriedad casi pasmosa. Singleton, que no estaba al tanto de las desgracias personales de Roderick, todavía lo trataba con tímida franqueza como la estrella emergentes del arte americano. Al principio, Roderick había comentado a Rowland que Singleton le recordaba a un curioso insecto con un notable instinto mecánico en sus antenas; pero con el discurrir de los días se hizo evidente que la infatigable actividad del modesto paisajista adquirió un significado opresivo para él. Le indicaba una ética, y Roderick solía sentarse y engañar a la ética al verla representada en la espalda encorvada de Singleton, en las calientes laderas que asomaban por debajo de su paraguas blanco. Un día, Roderick ascendió por una larga pendiente y lo dejó atrás mientras aquėl estaba sentado trabajando; Singleton relató después el episodio a Rowland, quien, después de haberle dado en Roma una pista sobre los desatinos de Roderick, se había reservado de manera estricta su propia opinión.
-¿Eres siempre así? -dijo Roderick, con un acento casi sepulcral.
-¿Así? -repitió Singleton, parpadeando confuso y con la conciencia asustada.
-Me recuerdas a un reloj que nunca se queda sin cuerda, si se escucha con atención siempre se oye tu tic-tac, tic-tac.
-Ah, entiendo -dijo Singleton, sonriendo ingenuamente-. Soy muy constante.
-Eres muy constante, si. ¿Y encuentras placentero ser constante?
Singleton se volvió y sonríó de manera más abierta, mientras extraía el agua de su pincel de pelo de camello. Entonces, con una reavivada conciencia de su deuda hacia una providencia que le había dotado de unas cualidades innatas, exclamó:
-¡Oh delicioso!
Roderick permaneció de pie mirándolo durante un instante.
-¡Maldición! -dijo finalmente de manera solemne, y le volvió la espalda.

Literatura. Roderick Hudson. Henry James. Es el arte lo que da vida, da interés, da importancia.

Literatura. Roderick Hudson. Henry James. Novela. Arte. Escultor. Escritores. Escritor. Novelista.

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Teatro-Museo Dalí, de Figueres. Onírico surrealismo, daliniano

Teatro-Museo Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios

Es uno de los museos más importantes de España, por números de visitas al año, (más de un millón). Su gestión corresponde a la Fundación Gala-Salvador Dalí. En un entorno privilegiado, Se encuentra situado, en la Plaza Gala-Salvador Dalí, 5, de la localidad de Figueres (Figueras), Girona (Gerona), Catalunya (Cataluña), España.


Allá por el año 1966, a Salvador Dalí, le ronda una excitante idea que le quita el sueño, quiere construir un museo, en las antiguas, y olvidadas ruinas, del Teatro Principal de Figureres, idea que trasmite al entonces alcalde de la localidad, ofreciéndose generosamente a reformarlo. La inauguración se produciría finalmente en 1974. Aunque posteriormente a la misma, se hicieron obras de ampliación y reforma, como, la Torre Galatea, también, una pequeña sala con joyas diseñadas por Dalí, y creció, en obras artísticas; además, se constuyó, la polémica cripta, bajo la que finalmente, descansa el incansable.

Una de las instalaciones contenidas, en el Teatro-Museo Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Fue Dalí quien personalmente se ocupó, de que su museo, no fuera uno más, y dedicó, gran parte de su energía, en dejar para la historia, una gran obra de arte en su conjunto. El edificio que lo alberga, había sido el Teatro Principal, mas cuando Dalí, le hechó el ojo encima, solo eran unas bellas y decadentes ruinas neoclásicas, pues el edificio fue duramente bombardeado durante la guerra civil, por los sublevados, y posteriormente, en la nefasta contienda bélica, incendiado por tropas moras y legionarias.

La cesta de pan. (1945). Salvador Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Cascaras de caracoles, un viejo poste eléctrico, que Dalí, encontró, derribado, olvidado, en la carretera. La desbordante imaginación de Salvador Dalí, no paraba, (tenía que dotarlo de contenido). Existe una obra en el museo, es un pequeño y bello cuadro, «La cesta de pan» (1945), poco antes de la inauguración, venía el lienzo sin enmarcar, y con el ajetreo propio de los días previos a la apertura, en un descuido imperdonable, quedó arrinconado en el suelo, y pudo acabar en la basura. También podemos ver en el museo además de las obras de Salvador Dalí, pinturas, dibujos, e instalaciones.

El espectro del sex-appeal. (1924). Salvador Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Algunas de la mejores obras del estrambótico pintor, se encuentran en el, y también, obras de otros artistas (El Greco, Meissonier, Fortuny, Cestero, entre otros). Es un museo único y diferente, con su fuerte sabor clásico, de representación teatral. En el patio frente a la entrada, su gran Cadillac (el símbolo de su éxito, que tanto llamaba la atención de niños y mayores, en su pueblo), y esculturas, al fondo central, en su cubierta, se encuentra, la cúpula de Piñero, (un exquisito capricho del artista),  Dali, se fija en la cúpula trasparente de Fuller, (pues las ruinas carecen de techo). Pero fue finamente Piñero, quien construyó una cúpula de 10 metros de altura, y 14 de diámetro, compuesta de 540 triángulos, y que a los ojos de Dalí, constituiría el elemento arquitectónico, más destacado de la construcción. Tristemente durante su realización, Piñero, gran amante de la velocidad, y los automóviles de competición, falleció en accidente de tráfico, con solo 34 años de edad, su obra fue entonces concluida en su totalidad, por un hermano del finado.

Cúpula de Piñero. Teatro-Museo Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Fallecido Dalí, el 20 de enero de 1989, en el último momento, es tristemente separado de Gala su idealizado amor, y su musa, al ser enterrado solo, bajo el escenario del teatro-museo, en una fría y solitaria cripta, cuando en Puból en su castillo, en un sótano que había sido bodega, descansaba esperándolo, la inspiradora tártara y cuando a su lado, vacía, se encontraba tristemente sola, la anhelante sepultura, esperando sedienta, al genial pintor catalán. Según hizo público, el entonces alcalde de Figueres, Dalí, en una conversación privada le había comunicado su postrer deseo, de ser enterrado, en su museo, contradiciendo así, todo lo que anteriormente él, había planificado. Es algo que al no poder demostrase, fue causa de encendidos debates.

Tumba de Salvador Dalí. Teatro-Museo Dalí. Foto by TbArt, archivos fondos propios.

Al sepelio no asistió la hermana del pintor, con la que se encontraba enemistado desde hacia mucho tiempo. Tampoco asistieron muchos artistas, sin embargo, la despedida fue multitudinaria, en ella abundaban, vecinos, público en general, amigos, políticos, y periodistas. Después seguiria, la polémica, por el lugar elegido para para dar sepultura y eterno descanso, al genial ampurdanes, que rompía drásticamente, con la sostenida idea romántica, comúnmente conocida, del deseo de Salvador Dalí, de reposar eternamente junto a Gala, su ama, eterno amor  y también…, su musa.

Pude visitar el Teatro-Museo Dalí, en el mes de mayo de 2018, y fue una experiencia inolvidable, desde este blog permítanme recomendárselo, es excelente…, si pueden ¡No se lo pierdan!

Teatro-Museo Dalí, de Figueres. Onírico surrealismo daliniano.

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