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Hybrid Art Fair cierra con éxito, su 5ª edición

Hybrid Art Fair cierra su 5ª edición consolidándose, como epicentro de la creación artística emergente más original, siendo cita ineludible para público profesional y aficionados al arte más arriesgado.

Resumen de la nota de prensa y fotos de la feria:

Madrid, 30 mayo de 2021 –Hybrid Art Fair 2021 llega a su fin. La 5ª edición de esta feria vuelve a refrendar que Hybrid es la propuesta más original de la madrileña Semana del Arte, con conceptos, formatos, instalaciones y obras que trascienden todas las expectativas y demuestran un gran potencial.

Una veintena de expositores y más de 70 artistas han compartido sus propuestas en las habitaciones del Hotel RIU Plaza España, transformadas para el evento, en galerías de arte.

La interacción entre visitantes y galeristas/artistas, y la adquisición de obra han marcado las 3 jornadas de duración de la feria.

La naturaleza independiente y heterogénea de las distintas propuestas de los 19 expositores y los más de 70 artistas representados ha resultado crucial para el resultado final. Una auténtica experiencia inmersiva en la que ir descubriendo, habitación por habitación, el arte más pujante de 5 países.

Propuestas conceptuales centradas en cuestiones clave para entender el mundo actual, como el feminismo, la ecología, la tecnología, o los efectos de la pandemia, junto con iniciativas heterogéneas en formatos y técnicas diversas han hecho de esta ediciónuna nueva cita memorable.El carácter site-specific de muchas de las instalaciones ha contribuido a crear un entorno singular y una ocasión única.

Este año la feria ha ofrecido una selección de proyectos nacionales e internacionales con marcada tendencia a lo instalativo,centrándose enartistas emergentes y propuestas experimentales. Una experiencia original y diferente para los amantes del arte más arriesgado en la que la interacción entre público, artistas y expositores ha sido una constante,y en la que los visitantes han podido descubrir por sí mismos el arte instalado en las habitaciones, continuando con su espíritu rompedor y catalizador de nuevas tendencias. Una edición más, el evento ha estado marcado también por la adquisición de obra por parte de visitantes.

Este atípico año 2021 el equipo directivo ha organizado la feria equilibrando esta experiencia singular con el estricto cumplimiento de medidas sanitarias derivadas de la pandemia. Así, los visitantes han podido acceder a la feria porturnos horarios, y el control de aforo ha sido exhaustivo, con el objetivo de garantizar la seguridadde todas las personas que han formado parte de una u otra forma de Hybrid Art Fair.

Espacios participantes en Hybrid Art Fair 2021

Cobertura Photo (Sevilla), Galería César Sastre (Sevilla), Galería Artizar (La Laguna, Tenerife), Raum E116 (Berlín, Alemania), LaLatente (Madrid), Cadmium Art Gallery (Madrid), Visión Ultravioleta (Madrid), Miscelanea (Barcelona), Nitido gallery (Marbella), Le Mur Gallery (Madrid), Laecléctica (Huelva), Solaina (Lugo), Bolidismo (Bilbao), White Lab (Madrid), Galería de Arte A Ciegas (Madrid), Das Weisse Haus. Foro Cultural de Austria (Viena, Austria), Hoast. Foro Cultural de Austria (Viena, Austria), Oficina económica y cultural de Taipéi (Taipéi, Taiwan) y Centro Sefarad-Israel (Madrid).

HYBRID Art Fair es una feria internacional de arte contemporáneo con propuestas de espacios independientes y artistas emergentes. En sus cuatro ediciones anteriores, la feria ha adquirido gran notoriedad y se ha consolidado como el evento más alternativo del panorama madrileño, con un programa general de expositores con propuestas curatoriales pensadas específicamente para las habitaciones del hotel en que se celebra. Una experiencia diferente y única para visitantes y participantes.

Un año más, y ya es la quinta edición, Hybrid Art Fair, nos reconcilia con una manera de entender el Arte, como algo que nos pertenece y une, la forma en como se nos presenta, es alegre, y es Arte, todo parece unirse e interactuar en un bucle sin fin de emociones ecualizadas, en que las distancias se acortan y en las que en el mismo río, mas con otras aguas, siguen fluyendo, aun, en este año tan difícil del Covid 19.

Gracias a todos l@s que hacéis posible que una feria tan necesaria, (y más este año) pueda celebrarse, y que sea tan proactiva, incluso en circunstancias tan frustrantes. Enhorabuena 

Hybrid Art Fair cierra con éxito, su 5ª edición

Hybrid Art Fair. Hybrid. Arte. Feria Internacional de Arte Contemporáneo. Madrid

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Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. El velo delicado, de un sueño

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MR KEY. TOMÁS BARTOLOMÉ
Óleo/lienzo. Oil/Canvas. (2016).

La clave, la llave que abre la puerta, nuevos caminos aparecen, y también se olvidan, el reloj tiene lógica, y el ser humano otra que fuera como una herida y un grito aparejado.

PRESENCIA

Emoción, largo y profundo trago

Transferencia e inocua

Alquimia oculta y picuda

Hollar el velo delicado…

De un sueño evocado, traído

Maestro de un secreto revelado,

En trazas regalas sedas;

Extasis, gasolina, nuez borracha

Inspiración presenciada

Llamarada leve. Llave evaporada

Exposición, frío metal…

Aceite de lino y argán.

Tomás Bartolomé

Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. Hollar el velo delicado De un sueño evocado Maestro de un secreto revelado

Arte. MR Key. Tomás Bartolomé. Óleo. Pintores. Pintor. Óleo. Óleo lienzo

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Acuarela. Cardoso. «Escaleras del aire, pan del día»

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Acuarela Cardoso

Una magnífica acuarela de Cardoso y un poco de buena lectura

Poema (fragmento).

Ábrese el fuego, y salta la burbuja

metálica de un pez; barre los ojos

una flor instantánea; doble salto

mortal, ensaya el corazón. Amigos,

algo mejor gocemos que un lamento.

Ya, para no caerme, estoy colgado

de tu clavo, alegría; de tu absorto

badajo, de tu azúcar infalible

de mujer conseguida.

Has caminado

de gusto, te has sentado de gusto,

has llorado de gusto hasta reírte.

Eras tuya, y bailabas, y las piernas

no te dolían tanto. Y es domingo.

Escaleras del aire, pan del día,

turquesa el vuelo entre nosotros.

Y de pronto es domingo,

y hay gente, y es de fiesta

y fraterna la gente, y es ahora,

y hay el viaje y la carta recibida

y el intercambio de la contraseña,

y la risa espiral regocijada.

Risa del pobre, cúpula sin suelo

por sí misma orquestándose;

música sin orquesta que la amarre,

deslimitándome, soldándome,

compacta, el dentro y el afuera.

Desde la almendra glandular me encumbras,

desde las cuatro alcobas

cordiales, me trabajas, alegría;

plural jarabe, rosa visitante,

llave de toda cerradura.

Rubén Bonifaz Nuño.  Córdoba. México 1923. México DF 2013.

Acuarela. Cardoso. Escaleras del aire, pan del día, turquesa el vuelo entre nosotros.

Acuarela. Cardoso. Arte. Pintura. Pintores

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Cine. “Sombra”. Zhang Yimou. Aguada, blanca, gris, y negra, salpicada, de sangre roja

SOMBRA. PELÍCULAS. CINE

SHADOW. SOMBRA

Año 2019. Duración 116 min

Guion, Zhang Yimou, Wei Li

Fotografia, Xiaoding Zhao

Musica, Lao Zao

Reparto, Deng Chao, Sun Li, Ryan Zheng Kai, Guan Xiao Tang

Genero. Acción, Artes Marciales, Drama

ZHANG YIMOU. Nacido, el 14 de noviembre de 1959, en X’ian. China. Realiza estudios en la Academia de cine de Pekín, es, director, productor, actor, director de fotografía, fotógrafo, operador de cámara, dibujante. En definitiva, un artista del Renacimiento, al que le interesan todas las artes, y en las que, en todas adquiere conocimientos, que unidos a su gran talento, dan como resultado maravillosas obras de arte, con fondo, y bañadas de color.

Películas, «La linterna roja», (1991), aquí traducida, como Esposas y concubinas, «¡Vivir!» (1994), «Sorgo rojo» (Su ópera prima como director en 1987, Oso de Oro en Berlín, y un gran éxito comercial, y de critica), «Ni uno menos» (1999), «La casa de las dagas voladoras» (2004), «La gran muralla» (2016), entre otras. Ha sido premiado en festivales de cine tan importantes, como los de, Cannes, Venecia, o Berlín, y es reconocido y valorado, en todo el mundo.

Zhang Yimou en esta ocasión, reinterpreta el clásico, «El Romance de los Tres Reinos» (siglo XIV).

SHADOW/YING/SOMBRA

Un noble y aguerrido comandante militar, se ve forzado a crearse un doble, (sombra), para proteger su amenazada vida, de las intrigas palaciegas, de un peligroso rey, pero en la película, ¿Donde está el color? Bueno, es como aquellos pintores, que a lo largo de su carrera usan cromatismos  diferentes; artistas, en diferentes épocas y estados, a lo largo del camino, en el tiempo. Zhang Yimou, pasa así, de una intensa paleta de colores, y de sugerentes baños de color, definidos, brillantes, vaporosamente fundentes, a la difícil aguada, blanca, gris, y negra, con algunas gotas de rebajada roja, sangre mojada; y todo esto, en diferentes, vaporosas, y soñadoras, gradaciones tonales. Es un valiente riesgo que Zhang Yimou, asume, y resuelve felizmente. Si algo hay que me eche para atrás, es el artista funcionario, aquel que encuentra un modelo, y seguidamente, lo repite sistemáticamente, igualándolo hasta la saciedad.

Reivindicativo. La mujer, no ha sido olvidada en sus películas nunca, es un tema recurrente, una reivindicativa lucha, adoptada por el polifacético director chino, censurado a menudo en su país, y con películas prohibidas, como «Semilla de crisantemo» (1990), o «La linterna roja» (1991).  En esta ocasión en Shadow, Sombra, nos la muestra, inteligente, fuerte, valiente, y decidida, mas también imprescindible para lograr objetivos que son decisivos, para un reino, en esta historia de Juego de Tronos, que nos narra, la historia de un rey traicionado, y desterrado.

La música, es también una baza importante, como en todas sus películas. Me gustó mucho la escena en la que se interpreta, un dueto, en el que los instrumentos de cuerda, percutiendo la atmósfera, dialogan entre si con fuertes disonancias, reflejando, las tensiones (pulsiones) expresadas (expulsadas de este modo), por sus ejecutantes, mujer y hombre. El YIN y el YANG son siempre una constante en la película. También, el verde bambú se expresa, con todo su símbolismo, (se mece con la lluvia pero no se rompe), fibroso, cortante y flexible, humilde y sobrio, a la vez, que poderoso, y fuerte.

Como imagen destacada, en una película tan visual, hay muchas, pero, me quedaría entre otras para el recuerdo, con la coreografía de ballet, en una lucha de formación y aprendizaje, sobre el símbolo del Ying, Yang, impreso, en un bello mosaico de piedra, donde, los protagonistas son, la sombra, y la mujer del sombrado, y que está acompañada, de increíbles y admirables alardes técnicos, en cámara lenta, con una fértil imaginación, y un sentido del ritmo, fabulosos.

Una película muy recomendable, valiente, y bella, que merece la pena ver en cine, en pantalla grande, y sin interrupciones, algo que en este caso es totalmente imprescindible. Vayan a verla, merece la pena.

Aguada, blanca, gris, y negra, salpicada, de mojada sangre roja

Sombra. Película. Películas. Cine. Zhang Yimou. Shadow. Ying. Yin. Yang. Arte

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Baffest. 2021. Festival De Fotógrafas

 

El festival vasco BAFFEST certamen dirigido a mujeres fotógrafas de todo el Estado, por primera vez, adquiere ámbito estatal.

La convocatoria abierta hasta el 13 de junio y dirigida a todas las mujeres fotógrafas. BAFFEST celebra su 6ª edición 2021 en Barakaldo (Bizkaia) y mantiene su apuesta por dar visibilidad a los trabajos de las mujeres fotógrafas.

BAFFEST tendrá dos premios: uno a la mejor fotógrafa vasca, (Premio Barakaldo) y otro a la mejor fotógrafa estatal (Premio BAFFEST).

La comisaria del festival Miren Pastor, la fotógrafa ganadora del certamen BAFFEST 2020 María Azkarate, y la alcaldesa de Barakaldo Amaia del Campo han explicado los detalles del nuevo certamen que organiza el festival.

Miren Pastor ha declarado:

“En su 6ª edición el festival da un salto significativo, abriendo el Certamen al contexto nacional”.

“Como comisaria de la sección Principal por tercer año consecutivo es un placer seguir trabajando para consolidar este punto de encuentro, crear redes profesionales y acercar al público la fotografía actual, para contribuir a generar un punto de vista crítico y reflexivo sobre el propio medio”.

Esta convocatoria coordinada por la artista visual Nagore Legarreta posibilitará que 6 autoras finalistas puedan presentar sus proyectos ante un jurado especializado y las dos ganadoras, de ámbito local y nacional, contarán con una exposición en la siguiente edición.

BAFFEST La misión del festival se encuentra en aportar visibilidad a los trabajos de las mujeres fotógrafas y acercar el arte a la ciudadanía. Sus valores, son arte y cultura, mujer, igualdad, accesibilidad y convivencia. Las exposiciones se realizan en el espacio público y formato medio y grande.

Organizado por la productora vizcaína Fotopop Producciones Culturales, BAFFEST ha contado desde el principio con el principal apoyo del Ayuntamiento de Barakaldo.

BAFFEST, está dirigido a todas las mujeres fotógrafas actuales que tienen proyectos realizados o en proceso. A modo de avance, la exposición de la última ganadora del certamen, la vitoriana María Azkarate, ya puede visitarse en Barakaldo.

 BAFFEST 2021. BASES

 Podrán participar exclusivamente siendo mayores de edad las autoras residentes en Euskadi o en el Estado español. La convocatoria está dirigida a fotógrafas y artistas visuales y está abierta a cualquier temática, técnica y disciplina fotográfica, extendiendo esta práctica a todo proceso basado en la captura y creación de la imagen. Los trabajos a presentar podrán ser trabajos en curso o finalizados no premiados en otros certámenes.

 El jurado -Carmen Dalmau, Itziar Bastarrika, Eneka Fernández y Ros Boisier y coordinado por Nagore Legarreta- seleccionará 6 finalistas que participarán en el Certamen de Fotografía BAFFEST 2021, de las cuales la mitad serán residentes en Euskadi. Las autoras presentarán ante jurado los trabajos seleccionados en la sesión de visionado que se celebrará en octubre de 2021 en el Centro Cultural Clara Campoamor de Barakaldo.

Las autoras seleccionadas podrán presentar su trabajo proyectándolo digitalmente o mostrando un soporte físico que se proyectará utilizando una videocámara. En dicha presentación, recibirán, por parte del jurado, opiniones y sugerencias que orientarán a la autora en su desarrollo. El jurado seleccionará 2 trabajos, los cuales recibirán el Premio Barakaldo, para una autora vasca, y el Premio BAFFEST, para una estatal. Al menos uno de los premios se adjudicará a una fotógrafa vasca. Las ganadoras del certamen participarán con una exposición (que producirá el festival) en la edición de 2022. También recibirán 500 € en concepto de honorarios.

 DOCUMENTACIÓN A PRESENTAR

Biografía o CV, no superior a 1.500 caracteres.

Título y descripción del proyecto a presentar, no superior a 1.500 caracteres.

Imágenes del proyecto, 10 imágenes máximo.

Información de la autora (nombre, dirección, correo electrónico, teléfono y página web).

Los trabajos serán enviados en un único pdf al correo: lehiaketa@baffest.eus.

El pdf no superará los 12 Mbs.

IDIOMA: los dossieres podrán presentarse en castellano o bilingüe (euskara/castellano). Las finalistas,si así lo desean, podrán presentar su trabajo tanto en euskera como en castellano, el día del visionado.

CALENDARIO:

 5 mayo: Apertura de la convocatoria.

13 junio, a las 00:00: Cierre de la convocatoria.

13 julio: Publicación de trabajos seleccionados.

Octubre 2021: Visionado de porfolios.

Octubre 2021: Anuncio de la ganadora.

+INFO SOBRE BAFFEST: www.baffest.eus / www.facebook.com/baffest / www.twitter.com/baffest_eus / www.instagram.com/baffest.eus

Baffest. 2021. Festival De Fotógrafas

Fotografía. Basffet. Fotógrafas. Festival de Fotógrafas. Arte. Baracaldo

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Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

 

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Primer autorretrato conocido de GOYA. 1768? Con 22 años de edad.

FRANCISCO DE GOYA Y LUCIENTES

El genial pintor nació el 30 de marzo de 1746 en un pueblo de Zaragoza (Fuendetodos), que se encuentra a medio camino entre Cariñena y Belchite, a 40 Kms de la capital aragonesa; cabras, ovejas y agricultura de secano; este es el entorno rural en que nace el monstruo.

Su padre era maestro dorador y su trabajo sobre todo consistia en la restauración de retablos. La formación artística de GOYA comienza tarde, aconteciendo cuando su progenitor, se da cuenta, de que no podrá ofrecer a su hijo un futuro mejor, que el de darle, (al igual que sucederá entre otros, con el padre de Paco de Lucia y el de Ara Malikian, 250 años después), un oficio. Francisco de Goya empezó sus estudios de arte a los 13 años, muy tarde para las costumbres de la época. La familia vivía entonces en Zaragoza. Con 23 años Goya viaja a Italia donde copia a los clásicos. Concluidos sus estudios regresa finalmente a Madrid, comenzando su carrera en la capital de la Villa y Corte, como pintor de cartones para tapices, trabajo en el que permanecerá 12 años en dos periodos de 5 y 7 años respectivamente.

Francisco de Goya a los cuarenta años, tenía ya solucionada su vida en cuanto a ingresos económicos regulares se refiere; poseía el título de Pintor del Rey (Carlos IV) y posteriormente el de Primer Pintor de Cámara, así pues, el artista cada vez depende menos de los encargos de particulares y puede dedicarse a una pintura mucho más personal, creativa y diferente, de lo que entonces era habitual; con 47 años empieza a desarrollar su visión de genio, él lo llama «Obras de capricho e invención».

¿PORQUÉ  SE QUEDÓ SORDO EL GENIAL PINTOR?

 «Goya se queda sordo con casi 47 años (la enfermedad comienza a manifestarse en el mes de noviembre de 1792) a causa de la Plumbosis».

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El AQUELARRE. 1797/8.

El genial pintor aragonés, ya estaba sordo cuando realizó «El Aquelarre» 1797.  Su sordera se produjo cuatro años antes debido, a lo que llamaríamos hoy una enfermedad profesional, el nombre que recibe este mal es Plumbosis, el óleo contiene plomo y su constante utilización puede producir una intoxicación gradual de la sangre. Goya estuvo muy grave y la secuela que le dejo la enfermedad fue la sordera y, tal vez el mal genio; esta enfermedad era frecuente entre pintores en aquellas épocas, Caravaggio, el genial pintor italiano de las riñas, los escorzos, y claroscuros… también la padeció.

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Tio Paquete. 1820. Goya.

Superada esta enfermedad, y ya sordo, el pintor parece hacer una declaración de intenciones, y su obra se vuelve más personal si cabe; proclamando la libertad creativa del autor al margen de los encorsetamientos de la época; sirva como muestra la temática elegida por el artista para la escena de «El Aquelarre«.

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El Aquelarre. 1797/8. Goya.

EL GENIAL SORDO NO RENUNCIA A SU MANERA DE SER

Debido a su gran éxito el pintor no puede renunciar a los innumerables compromisos que conlleva su situación y más teniendo en cuenta que la mayoría de sus encargos proceden de la alta sociedad, entre la que se ha convertido en el pintor de moda, por lo tanto al genial sordo no le queda nada más que «nadar entre dos aguas», algo a lo que ya está acostumbrado; GOYA con dosis de inteligencia y sorna supo defender su más íntima identidad, y obtener la libertad que como artista y ser humano entendía como un derecho inalienable; un universal derecho, al que él, no renunciaría fácilmente. Siempre me ha interesado este GOYA  cargado de retranca que parece saber en todo momento quien es, y que mantiene con astucia una cierta desconfianza e independencia. El que trata a diario con reyes y nobles y, también el que sin embargo, siempre tiene presente donde nació, quien es, y lo más importante, ¡Quien, y que, quiere ser!

El gran maestro un año antes de fallecer en Burdeos realiza uno de sus últimos óleos. «La lechera de Burdeos»

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Foto. «La lechera de Burdeos» 1827. Goya. Museo del Prado.

Goya muere en su exilio de Burdeos el 16 de abril de  1828 a los 82 años de edad.

Arte. Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?

Francisco de Goya. ¿Porqué se quedó sordo el genial pintor?. Pintores. Goya Sordo. Sordera Goya. El Aquelarre. Goya. Tomás Bartolomé.

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Acuarela. Cardoso. «Alguien piensa hasta cuando, alguien camina»

Acuarela. Cardoso. (2017).

Una repetición, infinita. una maquina, de Kafka y sus ingenios, el horror, la cinta, (transportadora), no descansa nunca, mas, se ha actualizado, muele que muele, muele que muele, muele que muele.

ALGUIEN

Alguien limpia la celda
de la tortura
que no quede la sangre
ni la amargura

alguien pone en los muros
el nombre de ella
ya no cabe en la noche
ninguna estrella

alguien limpia su rabia
con un consejo
y la deja brillante
como un espejo

alguien piensa hasta cuando
alguien camina
suenan lejos las risas
una bocina
y un gallo que propone
su canto en hora
mientras sube la angustia
la voladora

alguien piensa en afuera
que allá no hay plazo
piensa en niños de vida
y en un abrazo

alguien quiso ser justo
no tuvo suerte
es difícil la lucha
contra la muerte

alguien limpia la celda
de la tortura
lava la sangre pero
no la amargura.

Mario Benedetti

Acuarela. Cardoso. Alguien piensa hasta cuando, alguien camina

Acuarela. Cardoso. Arte. Pintura

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Arte. Pintor y el eco del grito. Tomás Bartolomé

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PINTOR Y EL ECO DEL GRITO. 2016. TOMÁS BARTOLOMÉ

PAINTER AND ECHO THE CRY

Acuarela sobre papel. Watercolor on paper

El gran pintor noruego Edvard Munch, me inspiró esta obra y otras; fuente y motor, pues las cercanas certezas salen solas, libremente, apareciendo burlonas, con buscar no se sabe que. Un Pintor pintando ajeno, trabajando, mas; no está solo, una presencia inquietante ¿un fantasma que se asombra de lo que él pinta? situada a su espalda, parece ver algo que el artista no ve, y pronta, irremediable, e impactante se filtra, y como un algo baboso, y borbojeante imprima el lienzo, al que no se le convocó conscientemente.

¡Angustia y grito acompañan siempre al artista!

Sobre la visión anterior a la realización de El Grito, su iconica pintura, Munch lo cuenta así…

-“Y yo me quedé allí temblando de miedo. Y oí que un Grito interminable atravesaba la naturaleza”

Las pinturas de Edvard Munch, evocadoras muchas veces de la angustia, influenciaron hondamente en el expresionismo alemán, a principios del siglo pasado.

Si te interesa esta pintura contactar. tomy.bart@hotmail.com

If you are interested in this painting contact.  tomy.bart@hotmail.com

Pintor y el eco del grito. Paínter and echo the cry. Tomás Bartolomé. Pintura

Arte. Pintura. Pintor y el eco del grito. Tomás Bartolomé. Painter and echo the cry. El grito.  Edvard Munch. Artista. Acuarela.

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Museos. El Instituto The Clark de Massachusetts. Tadao Ando

Vista del museo desde el lago. Vía internet.

¡UNA PAREJA RICA, ENAMORADA, Y AMANTE DEL ARTE! FRANCINE, ROBERT, Y EL INSTITUTO THE CLARK DE MASSACHUSETTS

Todo empezó cuando la actriz francesa Francine Clary, a principios del pasado siglo, conoció al industrial americano, Robert Sterling Clark, cuando este realizaba un viaje de carácter profesional. Él poseía una inmensa fortuna, no en vano era el heredero de la empresa Singer Corporation, (La famosa máquina de coser Singer doméstica de nuestras madres), Francine era madre soltera.  Después de casi 2 años de noviazgo, deciden casarse (1919), los dos enamorados eran unos apasionados, del mundo del Arte y la Cultura.

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Palco en el teatro. 1880. Renoir. Uno de los cuadros de la colección de Robert y Francine.

COLECCIONISTAS

Los Clark a lo largo de su prolífica vida lograron acumular una enorme cantidad de Obras de Arte. Era tanto el volumen que el rico magnate y la guapa actriz decidieron aunar en un museo todas su obras, y así lo hicieron en 1955, (un año antes del fallecimiento de Robert Sterling), en la ciudad de Williamstown, situada, entre Nueva York y Boston. El museo, por fin, acoge y mantiene dulcemente unida, su valiosa colección para el mundo del arte.

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Roberto Sterling & Francine Clary.

En 2014 el museo ha sido ampliado (10 años de trabajo, y 145 millones de dólares), con un nuevo edificio, obra del arquitecto japonés Tadao Ando

«En Arquitectura, quiero que el mensaje se enfoque en la Naturaleza».

Un delicioso lago artificial, es el nexo de integración y nudo de los tres edificios. En el frío invierno de Massachusetts, cuando el lago se hiele, será una inigualable pista de patinaje para los visitantes. El idílico entorno lo componen 56 hectáreas de naturaleza para disfrute del público.

Diez años ha tardado el arquitecto nipón, en terminar la obra; diez años, de transpiración, en los que lucidamente, se ha sabido rodear de un amplio equipo de profesionales, para la construcción del flamante edificio, y la remodelación, de los dos ya existentes.

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Interior del Museo

Tadao Ando es un artista autodidacta, nunca realizó estudios académicos. Su formación la obtiene de sus lecturas y viajes.

BELLEZA POÉTICA

Su personal sello, está basado, en la naturaleza, el agua, la meditación, y  la espiritualidad.

«El espacio puede ser una fuente de inspiración». Tadao Ando

Los interiores que proyecta, están poseídos por la luz; son nirvanicos espacios, remansos de sosiego, tranquilidad, y aislamiento…, «minimalismo diáfano»… Belleza poética.

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Uno de los interiores del museo

El The Clark Institute, contiene una soberbia colección de obras de arte del siglo XIX, tanto americanas, como europeas. Con firmas como las de, Corot, Millet, Manet, Monet, Degas, Renoir, Gauguin, Turner, Goya etc. Un amplio catálogo de magnificas pinturas impresionistas, y del Quatrocento Italiano.

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La Virgen y el Niño Rodeados de Cuatro Ángeles. Piero della Francesca. Una de las joyas del Museo.

Museos. El Instituto The Clark de Massachusetts. Obra del arquitecto Japonés Tadao Ando.

 Museos. Instituto The Clark de Massachusetts. Tadao Ando. Arte. Arquitectura

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Literatura. El Libro. The Book. Lovecraft/Barceló

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Escultura. Miquel Barceló.

The Book -El Libro-Howard Phillips Lovecraft.

El bueno de H.P Lovecraft, nunca estuvo satisfecho con sus composiciones poéticas (de hecho escasas), pero el texto de El libro desde el minuto uno, está cargado densamente, de una atmósfera tal, que incluso se podría cortar con el filo de un cuchillo romo. De Barceló, os diré que es uno de mis artistas favoritos, al que admiro, por su valentía y arriesgada búsqueda, siempre colmada de arte, por su orientada inspiración, y por su…, transpiración.

Seguidamente, el raro poema de Lovecraft en inglés y español, y dos pinturas de Miquel Barceló

LOVECRAFT-BARCELÓ

The Book. (1929)
The place was dark and dusty and half-lost
In tangles of old alleys near the quays,
Reeking of strange thing brought in from the seas,
And with queer curls of fog that west winds tossed,
Small lozenge panes obscured by smoke and frost,
Just showed the books, in piles like twisted trees,
Rotting from floor to roof-congeries
Of crumbling elder lore at little cost.

I entered, charmed, and from a cobwebbed heap
Took up the nearest tome and thumbed it through,
Trembling at curious words that seemed to keep
Some secret, monstrous if only one knew

Then, looking for some seller old in craft,
I could find nothing but a voice that laughed.

Howard Phillips Lovecraft

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El Libro. Miquel Barceló

El lugar era oscuro y polvoriento y medio perdido
en una maraña de viejos callejones junto a los muelles,
apestando a algo extraño traído de los mares,
y con curiosos jirones de niebla que el viento del oeste dispersaba.
Pequeños pedazos romboidales, oscurecidos por el humo y la escarcha,
solo mostraban la pilas de libros, como árboles retorcidos
pudriéndose del suelo al techo… acumulación
de un saber antiguo que se desmoronaba a bajo coste.

Entré, hechizado, y de un montón cubierto de telarañas
cogí el volumen más cercano y lo hojeé al azar,
temblando al leer raras palabras que parecían guardar
algún secreto, monstruoso si uno lo supiera.

Después, buscando algún vendedor versado en el oficio,
no pude encontrar más que una voz que reía.

Howard Phillips Lovecraft

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Pintura. Miquel Barceló

El 27 de Abril de 2017, Barceló realizó su última exposición en España (El Arca de Noé), hasta el momento, con motivo de la celebración del 800 aniversario de la Universidad de Salamanca; también recibió el artista, en la capital charra, el título de Doctor Honoris Causa de dicha centenaria institución académica, en la que por supuesto, visitó su magnífica biblioteca.

Literatura. El Libro. The Book. Howard Phillips Lovecraft. 1929. Poesía. Miquel Barceló.

Literatura. Escritores. Howard Phillips Lovecraft. Lovecraft. Poesía. The Book. El Libro. Barceló. Miquel Barceló. Arte